Pour sa troisième production de la saison, après Die Entfürhung aus dem Serail et Tristan und Isolde, le Théâtre royal de la Monnaie propose un autre opéra majeur, La Traviata de Giuseppe Verdi. Cet opéra, a priori le plus célèbre, accessible et représenté du répertoire, reste périlleux à produire tant les attentes, parfois erronées, du public peuvent être fortes en la matière. Toutefois, et c’est encore le cas, le succès populaire s’en trouve presque assuré d’office…
Cette œuvre majeure, représentée pour la première fois au Théâtre de la Fenice de Venise le 6 mars 1853, voit son intrigue entièrement basée sur La Dame aux Camélias d’Alexandre Dumas fils, roman (1848) puis pièce de théâtre (1852) phares de la période romantique française. Construite en trois actes, elle développe la thématique de la courtisane réhabilitée par l’amour et puis par la mort, thème chéri du romantisme, maintes fois développé dès 1830.
Toutefois, si cet opéra fit date, ce n’est pas tant par ses qualités esthétiques et thématiques indéniables que par le fait que la haute société (celle qui allait justement à l’opéra à cette époque) se trouvait représentée pour la première fois de manière brute, sans les travestissements historiques et géographiques coutumiers au genre. Cette dernière fut dès lors surprise et déroutée de voir un reflet aussi peu distancié de sa propre réalité. On l’aurait été pour moins…
Cette co-production, avec le Deutsche Oper am Rhein de Düsseldorf, est parvenue à éviter les principaux écueils et affronts de plus d’un siècle et demi d’interprétations, régulièrement soumises à l’eau de rose, submergées par une esthétique kitsch ou encore musicalement estropiées. La mise en scène de Karl-Ernst et de Ursel Herrmann, avec un réalisme permis par un respect partiel des didascalies d’époque et un fort intéressant symbolisme sous-jacent, offre au public plus de deux heures d’un spectacle à la fois touchant et réflexif. A noter, un coup de chapeau aux techniciens de la Monnaie pour un impressionnant changement de décors, effectué en quelques minutes à peine, public en salle, permettant de passer du pavillon de banlieue parisienne, comprenant un paysage réellement enneigé, au luxueux salon parisien de la courtisane Flora Bervoix
La magie n’aurait bien entendu pu avoir lieu sans un orchestre, des chœurs et une distribution presque exemplaires – distribution doublée, voire triplée pour certains rôles, étant donné la fréquence des représentations. Violetta Valéry était ce soir-là campée par la soprano polonaise Elzbieta Szmytka, aussi bonne cantatrice qu’excellente comédienne. Néanmoins, il faudra attendre la fin du premier air de bravoure pour réellement pouvoir l’adopter et lui permettre de remplacer, pour un soir en tout cas, le souvenir que chacun possède en lui d’une grande Violetta, que celle-ci fut incarnée par Renata Scotto, Maria Callas ou encore Katia Ricciarelli… Mais la révélation sans conteste de la soirée fut le jeune ténor américain, James Valenti, qui campa un Alfredo Germont aussi scéniquement que vocalement juvénile et passionné, sachant également user avec bonheur de la mezza-voce. Ceci eut pour effet immédiat de renforcer le réalisme de la mise en scène, ce que n’aurait sans doute pas permis un ténor aux rondeurs et à l’âge affirmés. Des autres chanteurs de la soirée, il y a lieu de retenir le baryton grec Tassis Christoyannis, dont l’incarnation du père Germont fit frissonner la salle tant par la rigueur morale du père, subtilement incarnée, que par la belle interprétation de ses nombreuses interventions.
La Traviata fait également la part belle aux individualités vocales tant les airs devenus célèbres se succèdent au sein de cette action théâtrale et musicale efficacement construite par le compositeur et son librettiste. La salle eut donc l’occasion de frémir plusieurs fois, de bonheur sans doute, aux « Libiamo ne’ lieti calici », « Follie ! Delirio vano è questo », « Di Provenza il mar », « Noi siamo zingarelle » et autres « Parigi, o cara ». Si l’on excepte la présence excessive et, par là même, dérangeante de la clarinette (pourtant instrument par excellence de la féminité dans l’opéra) dans ce que la partition voyait comme une discrète broderie du premier grand air de Violetta (E’ strano !), l’orchestre de la Monnaie tira fort honorablement son épingle du jeu sous la baguette du jeune chef français Stéphane Denève, chaleureusement applaudi lui aussi.
A une époque souvent caractérisée par l’amour facile ou immédiat, par la rapidité des liaisons ou par la fréquence des ruptures, il est parfois intéressant de se tourner vers des œuvres artistiques qui ont traité la question. La Traviata en fait bien sûr partie… Ce sacrifice social, dépeint avec noblesse et dépouillement par Verdi, nous offre les interrogations et les impressions d’une femme tiraillée entre ses instincts les plus bas et un amour réel qui, seul, lui permettra de passer in fine de la fange à l’éther.
Bruxelles.Théâtre royal de la Monnaie, le 22 décembre 2006. Giuseppe Verdi (1813-1901) : La Traviata. Elzbieta Szmytka (Violetta Valéry). James Valenti (Alfredo Germont). Tassis Christoyannis (Giorgio Germont). Natascha Petrinsky (Flora Bervoix). Marielle Moeskops (Annina). Shadi Torbey (Barone Douphol). Pierre Doyen (Marchese d’Obigny). Jacques Does (Dottor Grenvil). Marc Coulon (Giuseppe). André Janulek (Domestico). Orchestre symphonique et chœurs de la Monnaie. Stéphane Denève, direction. Karl-Ernst et Ursel Herrmann, mise en scène. Karl-Ernst Herrmann, décors, costumes et éclairages. Piers Maxim, chef des chœurs.
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Bernd Uhlig
Célébré par tous les poètes de l’heure, la figure de la princesse érotique et fatale, semble la dernière héroïne romantique. Beauté et barbarie, volupté et cruauté, amour et mort, Eros et Thanatos fusionnent en elle : Salomé envoûte comme elle tue. C’est le symbole qui exprime le désir brûlant qui consume et terrasse. Un sujet idéal pour le théâtre, offrant une vision et des climats à destination des poètes, des dramaturges et des compositeurs.
Tout son travail d’écriture (novembre et décembre 1891), reflète les années où il conquiert sa maîtrise de la langue poétique grâce à l’assimilation et l’admiration de ses « maîtres français », Flaubert et Mallarmé. Pour le texte final publié en 1893, Wilde a demandé à son ami Pierre Louÿs de relire, corriger, nettoyer ses feuillets écrits en français, car comme le précise l’écrivain anglais, il n’existe que le français et le grec comme langues du théâtre. Malgré les efforts de Wilde pour respecter l’attrait de la langue étrangère dans sa musicalité propre, le texte français de sa Salomé, validé par Louÿs, suscita des réactions critiques de Romain Roland, surtout de Lalo : préciosité et maniérisme d’un esthète anglais, « fausseté » et « mauvais goût à l’obscène impudeur « préraphaélite » … Autant de traits mordants contredits par l’enthousiasme contraire exprimé par Mallarmé et Loti…
L’élève de d’Indy représenterait la réponse « française » de la Salomé « allemande » de Strauss. Cette partition des langues nationales est d’autant plus à prendre en compte dans l’époque qui nous occupe, où la revanche contre les prussiens est une réalité du goût français, à l’aube de la première guerre mondiale.
Lire notre chronique de Salome d’Antoine Mariotte
en s’intéressant avec son nouvel opéra, « The first Emperor », à la figure du fondateur de l’unité chinoise. Le musicien a déjà composé un opéra, Marco Polo, d’après le livret de Paul Griffiths (1995).
reste un objectif majeur, déjà esquissé, avant L’Enfant et les sortilèges, dans Ma mère l’Oye. Si le compositeur emprunte une voie musicale pour retrouver l’insouciance de l’enfant, comme une régression salvatrice qui le laverait de toutes les agressions vécues, de la douleur des plaies encore ouvertes, le style de plus en plus épuré dans le chant de l’enfant, signifie pour lui-même l’état retrouvé de l’innocence et de la pureté qui l’habite aussi, aux côtés de ses pulsions cruelles. L’air où l’enfant se guérit de lui-même et retrouve sa pureté originelle, « Toi le coeur de la rose... », est un hymne à l’innocence préservée, qui ressurgit intacte. D’ailleurs, la résolution de cette initiation progressive se précise dans la dernière scène, où sur les mots : « Il est bon l’enfant, il est sage« , les sortilèges, ce lien qui étouffait le petit coeur en l’emprisonnant dans l’esprit de la vengeance, se dissolvent et s’évaporent. La fugue suit le rythme de la respiration naturelle : jamais la phrase ravélienne n’a semblé ici plus évidente, naturelle, comme couler de source. En soignant l’écureuil blessé (« il a pansé la plaie... »), l’enfant est redevenu un homme parmi les hommes, fraternel et compassionnel. Le petit animal donne la clé : « Sais-tu ce qu’ils reflétaient mes beaux yeux ? Le ciel, le vent libre… ». En sauvant l’animal, l’Enfant ressuscite à lui-même et se sauve lui-même.
« The golden voice ». 1 cd Decca. Lire notre critique du 
Jamais musicien n’imagina un tel délire. Pour éprouver la jalousie de Junon, et lui jouer un tour à sa façon, Jupiter feint d’aimer la Reine des Grenouilles, Platée, « superbe » nymphe en son marais… La belle habitante de l’onde se prend à ce tour et quand elle croit que l’hymen sera prononcé, Junon furieuse interrompt la noce, s’esclaffe jusqu’à l’hilarité déplacée, en dévoilant la mariée, reconnaissant que son époux lui a joué un admirable tour… L’épouse réconfortée accompagne Jupiter au ciel, amusée d’avoir cru être détrônée par une pauvre et hideuse batracienne qui coasse. Au travers de cette nouvelle péripétie jupitérienne, Rameau épingle la naïveté d’une romantique avant l’heure, qui s’est plue en aimée du dieu… Le livret d’Autreau, repris par Orville, donne matière à une série d’onomatopées célèbres, et surtout prétexte à l’ apparition de la Folie qui s’est emparée de la lyre d’Apollon, dans une scène totalement inédite, des plus fantasques, sur les planches lyriques françaises (Acte II, scène 5).
Pour son groupe, The Philip Glass ensemble, à partir de 1974, le compositeur élabore de nombreuses partitions qui demeurent emblématiques de sa démarche qui en fait le représentant désigné de la musique minimaliste et répétitive : Music in twelve parts (1974), Einstein on the Beach (1976), opéra de 5 heures créé avec le système scénique de Bob Wilson. Glass intègre Einstein on the beach dans une trilogie composée de Satyagraha (1982) et Akhnaten (1984).
Un événement d’autant plus attendu que c’est la dernière année où les concerts auront lieu dans l’enceinte de la maison de Radio France puisqu’en 2008, le festival voyagera dans les capitales de province, le temps que soit réaménagé un nouvel auditorium ; 2007 sera aussi l’occasion d’accueillir la prestigieuse Philharmonie de Berlin qui sous la direction de Simon Rattle, un fervent défenseur de la musique d’Adès (spécialiste d’Asyla, depuis 1997) créera en France, sa nouvelle oeuvre symphonique, « Tevot », Salle Pleyel, le 5 mars 2007, (auparavant créée à Berlin, le 21 février 2007), sorte de conclusion magistrale aux concerts qui se seront déroulés du 9 février au 4 mars 2007, à la Maison de Radio France. Au cours de ce « festival Adès », « Violon concerto, Concentric Paths », « January Writ », « Brahms », « three premises are alarmed », « America (a prophecy) » seront joués en « création française ».
A y regarder de plus près, « réconcilier » Beethoven avec le XVIIIème n’est pas en soi incorrect : tout son bagage doit à Haydn et Mozart, les maîtres du classicisme viennois dont le maître de Bonn est un disciple naturel. Ses Symphonies n°1 et 2 ont ce classicisme mesuré qui d’ailleurs, a fait qu’elles ont été mises de côté, correspondant, dans le goût des admirateurs, bien peu à l’énergie romantique et passionnelle des autres opus…
Avec Beethoven, la singularité de l’instrument acquiert ses lettres de noblesse : les timbales deviennent solistes, et les bois ne se bornent pas simplement à doubler les cordes. D’ailleurs, un témoin de la deuxième symphonie s’étonna de « l’emploi immodéré des vents ». Chaque timbre est associé à une couleur spécifique de sentiment. La force de l’orchestration impose Beethoven comme le fondateur de l’orchestre romantique. Le musicien élabore une totalité douée désormais de sa personnalité propre. C’est une action abstraite mais expressive, féconde, et foisonnante grâce à la qualité de sa palette de timbres.
Avec d’autant plus de pertinence que son approche articule la tenue rythmique, la dynamique et la « dramaturgie » des partitions. Cette intégrale enregistrée en décembre 2006 à Paris (théâtre des champs élysées) apporte un éclairage original sur le testament de l’un des génies symphonistes de l’histoire.
Après le dramatisme presque symphonique du premier quatuor, le second apporte une manière d’apaisement, qui n’est d’ailleurs pas étranger au traitement formel que lui a donné le compositeur. Les formes quelque peu rigides rencontrées dans le premier quatuor sont ici sublimées, et c’est à un vaste continuum sonore aux allures rhapsodiques que le Altenberg Trio et Herbert Kefer, affranchis du carcan de la forme sonate, convient l’auditeur. Les interprètes évitent ici aussi le piège du monotone et du monochrome, en jouant de façon judicieuse sur le volume sonore et en variant la riche palette des teintes automnales. L’andante se construira au départ d’un pianissimo très prenant, pour se développer en une ample mélopée aux accents mélancoliques si typiquement brahmsiens. 
seigneur de Mantoue. Héros et divinités grecs occupent le devant de la scène montéverdienne. A l’opposé, Caravage, bien que travaillant pour l’élite romaine, célèbre comme des dieux, les types humains de la rue, la dignité des plébéiens, les faces ridées et la plante des pieds noircie par la poussière. pourtant leur sensibilité est semblable. les deux artistes ont en commun une véritable fraternité : ils mettent en lumière, une source première, la vérité de l’individu. Et ce qu’ils ciblent est le chant de l’âme.
(qui correspond aux figularismes chez Monteverdi) établit un nouveau rapport d’équivalence entre poésie et peinture, poésie et musique, drame et chant. La modernité des deux artistes découle de cette intention fusionnelle. Caravage et Monteverdi engendrent un nouveau champ sémantique qui possède son propre système mental : une intériorité se dessine. 
aux troubles de la déraison, faille où s’immiscent les possibles du délire et du miracle, de l’inéluctable ou de l’improbable, s’affirme dans le climat de panique du martyre de Saint-Mathieu ou dans le mouvement halluciné de l’Arrestation du Christ (dont la découverte récente du tableau original en 1993 a révélé l’absolu prodige) : daté de 1602, la toile atteste de la nature musicale du geste pictural. Elle donne à penser la véhémence lyrique du tableau : le son déchire ce nocturne silencieux par la bouche ouverte du dernier personnage à gauche.
si ce n’est celui de mettre de côté toute esbrouffe et tout esprit de virtuosité. Une approche faite de pudeur, de modestie, et d’un grand respect pour la musique, caractérisent l’entente des deux musiciens. C’est une vision qui a tout pour nous enchanter, car elle met en valeur tout ce qu’il y a de mélodieux et de séduisant dans cette musique, que l’on a parfois interprétée avec moins de simplicité, ou avec plus de sévérité. Sur le plan formel les trois sonates sont construites sur un plan sensiblement comparable, deux mouvements vifs – mais jamais trop : chez Brahms l’allegro sera amabile ou moderato, le vivace sera ma non troppo – entourant un mouvement lent – andante ou adagio. Seule la troisième sonate intercale un court scherzo entre le mouvement lent et le final. Les allegros et les prestos sont restitués avec verve et inventivité. Les mouvements lents – tant attendus, car c’est eux qui expriment le Brahms le plus secret -sont magnifiquement servis par le violon ample et grave d’Augustin Dumay. On admire la maîtrise de son phrasé, la souplesse de son archet, manifestations évidentes de sa filiation avec le maître Grumiaux. Le toucher aérien de Frank Braley fait lui aussi merveille dans la partie de piano, rendue avec intelligence et retenue, ce qui n’exclut d’ailleurs nullement la puissance et la force, dans la coda du premier mouvement de l’Op. 78 par exemple, ou dans le final de l’Op. 108. Le Scherzo composé en 1853 pour la Sonate F.A.E., oeuvre collective composée en hommage au violoniste Joseph Joachim, vient compléter le programme. Oeuvre de jeunesse, sa fraîcheur légèrement sarcastique complète avec bonheur cette soirée intimiste et expressive, privilégiant l’échange, le dialogue, dans la semi-lumière automnale si typique de l’art du maître de Hambourg. La prestation d’Augustin Dumay et de Frank Braley est accueillie chaleureusement par un public de toute évidence conquis.
(A l’écran, les chanteurs deviennent acteurs. Le Sarastro de René Pape s’impose naturellement, comme le Papageno de Benjamin Jay Davis. Pour le reste chacun appréciera selon son goût. Les lyricophiles crieront encore au scandale, dépossédés de « leur » Mozart dans sa langue, sous l’oeil d’un cinéaste racoleur, sous la baguette assez terne de James Conlon. Qu’importe si le film suscite un regain de faveur pour la machine opéra au cinéma, c’est le genre tout entier, et Mozart pour son année (celle des 250 ans de la naissance) qui en sortiront vainqueurs !
La musique russe, « 
Cendrillon
ressuscite ici grâce à la qualité du scénario : la combinaison texte, récit, extraits sonores, illustrations fonctionne à merveille. La présentation est soignée et permet aux jeunes auditeurs de découvrir l’une des musiques les plus passionnées… avec tact et style, deux qualités incarnées par le chant de la soprano Régine Crespin dont l’interpétation accompagne la découverte de la partition (1 cd, 46 pages).
De l’opéra magique de Mozart, Gallimard fait un conte enchanteur, par les illustrations éblouissantes de poésie et de grâce, grâce tout autant à l’enregistrement retenu pour illustrer l’action : la version plus que convaincante de William Chrisite et ses Arts Florissants, avec en soliste, Natalie Dessay (la Reine de la nuit). Notre préférence va à cette superbe édition ! (1 cd, 65 pages).
Isabelle Aboulker a conçu un opéra contemporain, pour les enfants, créé en septembre 2002 d’après le conte de Perrault. C’est une relecture tendre et cruelle où le choeur des enfants et le narrateur recomposent l’histoire de Douce qui épousa le mystérieux homme à la barbe bleue. Ne jamais se fier à ce que l’on croît savoir des contes, car la fin peut être modifiée. Les superbes illustrations de Gianni de Conno expriment l’intensité et la poésie de chaque épisode : la soirée au château, le mariage, la remise de la clé, la découverte du cabinet, la prière de Douce à sa soeur Anne… Un récit haletant, raffiné et plein de surprises (1 cd, 50 pages).
« l’un des plus grands musiciens de tous les temps ». Jacques Bonnaffé raconte la vie du jeune voyageur, l’applomb du premier musicien libre de l’histoire. Il est à ses côtés pour nous parler de ses oeuvres et des événements que Mozart a connu. Et pour mieux nous immerger dans le monde enchanté du musicien, 2 cds riches en extraits, nous font entendre près de 30 partitions parmi les plus éblouissantes de Mozart. Un album à écouter en famille, pour les enfants et leurs parents (2 cd, 47 pages, grand format)
Le voici enfin le « film-opéra » des origines, tant décrié, pour la direction déclarée « molle » de Maazel, pour certains chanteurs « indignes »… mais l’oeuvre cinématographique ici restituée en 2006, dans sa fleur originelle, après une série de restaurations exemplaires, audio et vidéo, impose le respect. Le chef-d’oeuvre indépassé de Losey gagne une poésie décuplée, une force et une violence, régénérées. Le coffret est d’autant plus captivant, qu’aux côtés du film, plusieurs documentaires racontent l’enquête qui a permis de retrouver les bandes sons originelles, dévoilent le travail des équipes techniques chargées de retrouver aussi les images originales. Si l’on devait ne choisir qu’un seul dvd lyrique pour Noël, ce serait celui-là, sans hésitation. Sublime ! (coffret de 3 dvds).
Armin Jordan nous a quitté en 2006, mais, pour nous consoler, il nous laisse cette production présentée à Genève en 2005 et que l’éditeur Bel Air classiques a fort judicieusement décidé d’enregistrer. La mise en scène d’Oliver Py recrée l’atmosphère empoisonnée, léthale, ivre de l’opéra Wagnérien. Et la direction du chef, aussi discrète que fluide, fonctionne à merveille, tissant la légende amoureuse où la malédiction voisine avec le salut, la mort avec la grâce (2 dvds).
Certes nous avons connu Maréchale et Ochs, plus fins et ambivalents, quoique… mais la mise en scène de Robert Carsen est l’une des plus éblouissantes qui aient été réalisées à Salzbourg : le grotesque et la finesse Ancien Régime s’y côtoient amoureusement, tout à fait dans l’esprit des gravures qui mêlent minutie et humour, de William Hogarth, dont l’opéra de Strauss et Hofmannsthal est inspiré. Musicalement, perfectible ; mais dramatiquement, sans aucune faute de goût (2 dvds).
Pas d’acte polonais, retour à la version originelle, sauvage, brute, âpre et tragique. La force de cette production vient de l’union entre une mise en scène expressionniste et efficace (Willy Decker) et la direction d’un chef engagé, Sebastian Weigle. Sur les planches du Liceu de Barcelone (Octobre 2004), les chanteurs sont d’une grande cohérence : autant dire, ce Boris, est l’une des meilleures publications de l’année 2006 (1 dvd).
Voix miraculeuse certes oui ! Après son opération, Natalie Dessay a pu démontrer l’étendue de son diamant vocal retrouvé, sur la scène de l’Opéra Bastille en septembre 2006 (Lucia di Lammermoor). Voici une décennie exceptionnelle, composée d’extraits filmés de ses plus grands rôles : Lucia en français, Zerbinette, Olympia (par trois fois et dans trois productions différentes!), Cunégonde dans Candide de Bernstein… (2 dvds).
Arthaus regroupe 6 dvds déjà publiés, complétés par deux titres complémentaires, tout aussi convaincants, Gloriana (1953) composé pour le couronnement d’Elisabeth II, et Let’s make an opera (1949), féerie pleine d’humour et de verve qui revisite dans le genre de la comédie musicale, le conte du Petit Ramoneur. Au total, le corpus rassemble dans des productions plus que convaincantes, les oeuvres majeures de Britten : Peter Grimes, The Rape of Lucretia, Billy Budd, Owen Windgrave, Death in Venice, The Turn of the Screw, en plus des deux inédits sus-mentionnés. La diversité des lectures, l’implication des chanteurs et des musiciens hissent le niveau interprétatif général, au sommet. Pour les trente ans de la mort de Britten, nous tenons là une somme dvd incontournable. D’autant plus opportune pour les fêtes de la fin de l’année 2006 !(1 coffret de 8 dvds avec bonus et livret général). D’emblée s’il n’y avait qu’un seul achat à faire pour tout amateur d’opéra du XX ème siècle, ce coffret cadeau est un achat qui s’impose de lui-même. En vente sur le site d’
Le plus grand chorégraphe du XXème siècle méritait bien ce coffret majeur de 4 dvds, qui retrace son travail sur les corps. Elégance puis expressionnisme, esthétisme et fulgurance, l’univers du créateur appartient aux classiques atemporels de la danse contemporaine (4 dvds).
Sur la musique de Bach, Heinz Spoerli a conçu un spectacle d’une beauté à couper le souffle. Les jeunes danseurs du Zürcher Ballet sont transfigurés par la grâce des tableaux collectifs et des solos (1 dvd).
Entre 1972 et 1976, Leonard Bernstein à la tête du Wiener Philharmoniker accepte que les caméras de Humphrey Burton filme ses concerts Mahler pour DG/Unitel. Le chef danse, s’agite, commande depuis son estrade : sa photogénie captive de bout en bout. Les captations restent historiques par leur profondeur et leur humanité. Bernstein, un mahlérien pour l’éternité ! (8 dvds).
Autre chef, autre intégrale : le geste Abbado est lent, mesuré, épique. C’est à dire, pour nous tout aussi fascinant que le fut vingt ans plus tôt son aîné Bernstein. Le chef médite, porte l’intensité spirituelle et l’aspiration vers l’autre monde. Ce qui se passe dans cette Résurrection est bouleversant. A vous tirer des larmes ! Une captation inoubliable (1 dvd).
Dans l’esprit de la réalisatrice britannique Suzie Templeton, Pierre n’est pas du genre à se laisser impressionner, fut-ce par seigneur loup lui-même. Le film d’animation, d’à peine 30 minutes, est un chef-d’oeuvre absolu de tendresse, d’humour, de poésie, de liberté onirique aussi puisqu’ici, le conte est revisité avec originalité. Les nombreux bonus éclairent la conception de la réalisatrice et le travail du studio polonais qui a réalisé un miracle audiovisuel (1 dvd).
Monsaingeon a connu Gould comme personne : il fut son ami, un proche avec lequel le réalisateur a co-signé plusieurs films cultes. Après la mort du pianiste canadien, le documentaire ressuscite Gould qui nous parle de son art, de sa musique et de sa vie (1 dvd).
En s’appuyant sur les recherches développées lors d’une rétrospective du Fine Arts of Detroit Museum, en 2002, le documentaire éclaire la relation du peintre français et des danseuses : hymne au corps, à la magie du spectacle, mais aussi portrait clinique d’une passion d’artiste, cet excellent film recrée l’ambiance de l’atelier du plus grand portraitiste du XIX ème, peintre et sculpteur. Une réalisation éblouissante dans l’art difficile du documentaire-fiction (1 dvd).
Musicalement, on peut reprocher à Wagner qu’il ait favorisé la puissance du flux infini dans Parsifal, au détriment parfois de la richesse thématique et de sa force telle qu’il les synthétisa dans Tristan und Isolde. On peut regretter, surtout, le galbe naturel des thèmes des opéras antérieurs. On peut être agacé par sa vision philosophique du monde, certes prenante, mais que la transcription dans le texte fait paraître lente et fastidieuse : elle n’a pas le charme de l’inconscient qui abonde et s’écoule sous la plume d’un Maeterlinck. 
à la fois piano et orchestre, restituant avec caractère, les rythmes syncopés et les couleurs chatoyantes de Ravel), c’est un autre Frank Braley qui apparaît, avec Rhapsody in Blue, de Gershwin. Dans cette musique au caractère improvisé dont il raffole manifestement, quelque peu rabâchée à l’orchestre mais pleine de raffinement et d’attraits dans sa version d’origine pour piano, Frank Braley s’en donne à coeur joie. Plus encore que dans Ravel, il joue le jeu des rythmes et des sonorités, et nous fait osciller entre la salle de concert désuète d’un conservatoire XIXe et un club de jazz new-yorkais des années 30. C’est en triomphe que s’achève la prestation de ce séducteur du clavier avec, en bis, le célèbre The man I love, de Gershwin également, composé en 1924 pour le musical Lady, Be Good.
C’est un plasticien qui aime citer le peintre français, Cézanne, parce qu’il lui a révélé l’ossature géométrique de la nature ; et tout autant, De Chirico et ses silhouettes sans visages, pour préciser la vibration indéterminée de ses amplifications dans Volumna pour orgue. Coup du destin, un destin malicieux là encore, Kubrick tourne 2001, l’odyssée de l’espace, entre la création du Requiem et celle de Lux Aeterna, deux musiques célestes, devenues depuis atemporelles lorsque le réalisateur les utilise par fragments, sans autorisation préalable, dans son film culte. Après des querelles juridiques, les deux parties trouvent un accord. Et même si Ligeti se déclare déposséder de ses oeuvres, la qualité visionnaire du film de Kubrick légitime d’une certaine façon qu’il ait saisi, sans préalable, la musique la plus cosmique à son époque. Ce vol signifie un hommage rendu aux partitions dérobées. Chez l’un comme chez l’autre, il y a cette fascination du mystère étiré, magnifié par des précipités de l’espace temps, ces fractales dont Ligeti était admirateur. Dérèglement intérieur d’un ordre apparemment figé. Silence, déflagration. Temps mort, vide hurlant. La musique de Ligeti nous parle d’une écriture où l’ordre naturel, en miroir avec le cosmos, a repris ses lois, son rythme, ses heurts. La surface du soleil, astre de vie, n’est-elle pas dévorée par explosions et distorsions d’un magma dansant?
mettait « en garde » le ténor Français, l’invitant à moins « se disperser » « après sa sortie fracassante » de la représentation d’Aïda de Verdi. Le Surintendant soulignait les déclarations malheureuses du chanteur, avant la représentation du 10 décembre dans lequel la star du lyrique français aurait déclaré : « La Scala ne me mérite pas ». En conclusion, l’article validait en tout état de cause, aux côtés des titres de la presse italienne, qu’un « tel accident était la preuve de la résurrection de la Scala ». Ce en quoi était d’accord Lissner.
Reproduction
Deuxième
Se
L’édition évolue sous l’influence d’Internet. Ce volume
L’approche biographique de Philippe Chamouillard reste claire et accessible : grâce à la citation des propos de Mahler sur son oeuvre, philosophie et sujets de l’écriture, symphonique et mélodique, se précisent. Cet essai complète les textes plus érudits qui parfois se perdent dans d’inutiles détails. Une lecture documentée qui structure la perception des symphonies.