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COMPTE-RENDU, opéra. BEAUNE, le 26 juil 2019. RAMEAU : Les Indes galantes. De Negri… /Tournet

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rameau jean philippe dossier classiquenews 582 822 dossierCOMPTE-RENDU, opéra, BEAUNE, le 26 juillet 2019, RAMEAU, Les Indes galantes. De Negri, Talbot, De Donato, Andrieux, Quintans, Roset, dir. Valentin Tournet. A la différence des versions habituellement données (1735, avec ses 3 entrées premières, auxquelles s’ajoutent Les sauvages en 1743), c’est celle de 1761 qui est jouée ce soir. Nous écouterons donc, outre le Prologue, Les Incas, Le Turc généreux, enfin Les Sauvages. C’est le baptême du feu pour Valentin Tournet, benjamin de la direction baroque (23 ans), au cursus prometteur, mais somme toute normal, encore bien vert. L’encensement d’un chroniqueur épisodique d’un grand quotidien était-il justifié, qui voyait en lui l’étoile montante de la nouvelle génération ? Oser s’attaquer à une œuvre aussi exigeante que Les Indes galantes, après Christophe Rousset, avant Leonardo Garcia Alarcon (dans moins de trois mois, à Bastille) relève d’un singulier défi.

 

 

La direction de Valentin Tournet,
un rien scolaire

 

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Les bonnes surprises ne manquent pas. Outre les solistes, tous connus et apprĂ©ciĂ©s – on en reparlera – les chĹ“urs, comme l’orchestre ont acquis une maturitĂ© rĂ©elle, et leur professionnalisme est confirmĂ©. L’approche du jeune chef n’a d’autre ambition que de donner Ă  l’ouvrage toute sa vigueur, sa vie, dans une lecture oĂą rĂ©cits, ariettes, scènes descriptives, chĹ“urs s’enchaĂ®nent avec bonheur. Evidemment les caractĂ©ristiques stylistiques sont respectĂ©es par chacun, qu’il s’agisse de phrasĂ©s comme d’ornements. Les rythmes des nombreuses danses qui Ă©maillent la partition sont enlevĂ©s, quasi chorĂ©graphiques, tourbillonnant parfois, avec l’oubli que la nef de la Basilique, oĂą le spectacle a dĂ» ĂŞtre rapatriĂ© car l’orage menaçait, ne sonne pas comme le plein air de la Cour des Hospices. Ainsi, la longue rĂ©sonance brouille l’écoute des tutti, et rĂ©duit-elle la perception que le public a des musiciens situĂ©s en fond d’estrade. PĂ©chĂ© de jeunesse…
Le Prélude, évidemment allégorique, formel, nous vaut d’écouter Ana Quintans, bonne soprano, secondée de Luigi de Donato, basse et de Julie Roset, soprano léger. Les équilibres sont parfois compromis à l’intérieur de l’orchestre comme entre ce  dernier et tel ou tel soliste, mais l’ensemble n’en souffre pas trop.

La deuxième entrée, devenue première – Les Incas – constitue la page la plus dramatique de l’ouvrage, dominée par la figure de Huascar, le grand-prêtre amoureux de Phani, qui refuse ses avances. Luigi de Donato, que l’on connaît pour être une des plus grandes basses baroques, un Pluton d’exception, reste en-deçà de son personnage : les moyens sont là, mais la véhémence constante du chant ne rend pas compte de la gravité ni de la noblesse du personnage. « Soleil, on a détruit tes superbes asiles », page célèbre à juste titre, introduite piano par l’orchestre, relève davantage de la plainte que de l’invocation. L’éruption volcanique provoquée par ce maléfique Huascar est bien rendue à l’orchestre et la réunion de Phani avec son amant, « Viens, Hymen », est un pur bonheur. Emmanuelle de Negri va camper en outre une Emilie d’anthologie dans le tableau suivant. La voix est accomplie, souple, longue, expressive, sonore, idéale dans cet emploi.

Le Turc généreux est Guillaume Andrieux, solide baryton, excellent comédien, qui ne fait qu’une bouchée de son rôle. Valère, dont le navire fera naufrage après une horrible tempête – obligée – retrouve Emilie et leur couple sera libéré par Osman. Philippe Talbot est Valère, auquel il donne son épaisseur humaine, avec les moyens adéquats. Si leur succès ne s’est jamais démenti depuis la pièce pour clavecin dont l’entrée est la déclinaison, Les Sauvages, malgré leur intrigue un peu simple, sont l’occasion pour Rameau d’écrire ses plus belles pages instrumentales. La danse du grand calumet de la Paix, évidemment, mais surtout la chaconne finale, sommet du baroque français. Solistes, chœurs, orchestre s’unissent pour les combinaisons renouvelées, assorties des danses enlevées dont les séductions demeurent aussi vives qu’en leur temps.
La direction, si l’on peut appeler ainsi une battue scolaire, appliquée, du jeune chef, trop souvent impuissante à équilibrer, à doser, à sculpter le discours n’est pas un réel handicap, dans la mesure où chaque interprète est pleinement investi et à l’écoute de l’autre. Mais de là à ambitionner de diriger une œuvre qui serait mise en scène, il y a un monde. Valentin Tournet franchira toutes ces étapes, n’en doutons point.
Le concert retransmis en direct sur France Musique, sera diffusé par l’Union européenne de radio-télévision. Et chacun pourra juger sur pièces.

 

 

 

 

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COMPTE-RENDU, opéra, BEAUNE, le 26 juillet 2019, RAMEAU, Les Indes galantes. De Négri, Talbot, De Donato, Andrieux, Quintans, Roset, dir. Valentin Tournet.

 

 

 

 

COMPTE-RENDU, CRITIQUE, opéra. OLDENBURG, le 16 fev 2019. RAMEAU : Les Paladins. de Carpentries / Kossenko.

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COMPTE-RENDU, CRITIQUE, opéra. OLDENBURG, le 16 fev 2019. RAMEAU : Les Paladins. de Carpentries / Kossenko. Parler de pèlerinage est plutôt une notion d’ordre liturgique. Faire le pèlerinage aussi est un acte de foi, une action qui bouleverse à tout jamais les individus qui l’entament. Au cœur de la démarche, il y a un sens mystique, tout pèlerin est un témoin. En 1760, Rameau a 77 ans, pour l’époque c’était un vieillard, mais les génies n’ont pas d’âge. Dans la partition des Paladins, truffée d’hédonisme et de passages d’une grande virtuosité, Rameau déploie la plus belle de ses palettes. L’intrigue, inspirée du conte erotique de Lafontaine « Le petit chien qui secoue de l’argent et des pierreries », même si elle est expurgée de certains passages licencieux, reste un livret empreint de sensualité. Les personnages paraissent des caricatures d’eux mêmes. Le barbon, la jeune fille emprisonnée et le jeune cavalier incognito rappellent furieusement les Bartolo, Rosine et Almaviva du Barbier de Beaumarchais.

 

 

« Pilgrim’s progress »

 

 

opera-critique-classiquenews-annonce-critique-concerts-opera-festivals-classiquenews-paladins_1©Aurélie-Remy
 

 
 

S’engager à faire un opéra si français dans un théâtre tel que celui d’Oldenburg, semblait une opération délicate. En effet le style Français baroque avec ses codes et ses spécificités, semble parfois inaccessible pour les interprètes étrangers. Or, grâce à l’enthousiasme des équipes artistiques et le courage de la direction du théâtre, cette magnifique production a eu lieu. Oldenburg est une ancienne cité ducale dans le giron de la ville Hanséatique de Brême. Avec son ancien palais ducal, d’un jaune pastel charmant, ses belles ruelles et surtout son sublime théâtre à la salle lambrissée du XIXeme siècle. Le soutien du Centre de Musique Baroque de Versailles a contribué à parfaire cette production hors pair.

Ces Paladins ont réuni les forces vives de la maison avec les chanteurs de la troupe dont les jeunes talents, les extraordinaires danseurs du ballet d’Oldenburg et l’orchestre du cru, nous remarquons un ensemble artistique homogène et enthousiasmant. Chaque soliste a pris à bras le corps le style et affronté les obstacles de cette œuvre. Nous remarquons l’Argie aux couleurs puissantes de Martyna Cymerman, le fabuleux Orcan de Stephen K. Foster, la Nerine pétillante de Sooyeon Lee et dans le double rôle d’Atis et de Manto l’inénarrable Philipp Kapeller. Dans une moindre mesure l’Anselme de Ill-Hoong Choung a relevé les défis du rôle du barbon.

Les danseurs du Ballet d’Oldenburg ont offert à la musique de Rameau, une interprétation éclatante. On remarque d’ailleurs l’inventivité chorégraphique d’Antoine Jully. Le chorégraphe Français, révèle ainsi des bijoux insoupçonnés dans la partition de Rameau.

L’orchestre moderne avec des membres jouant sur instruments anciens est impressionnant par la souplesse et la couleur. On se plaît à oublier par moments que c’est un orchestre ne jouant pas intégralement sur boyaux. Menés par l’immarcescible talent d’Alexis Kossenko, qui est un des grands chefs Ramistes de tous les temps, on peut saisir chaque nuance de la partition de Rameau la plus proche de Telemann et de l’Ecole de Mannheim. Vivement Acanthe et Cephise avec ce formidable artiste !

Au sommet de l’art dramaturgique, François de Carpentries nous offre encore une fois une magnifique mise en scène ! A la fois simple dans le déroulé de la narration et profonde dans l’expression des sentiments, la mise en scène de François de Carpentries évoque très poétiquement, la nécessité de fantaisie dans la vie pour la croquer à pleines dents. Le besoin irrépressible de candeur pour révéler toute l’humanité qui nous habite. Nous encourageons vivement les professionnels à se pencher et ressentir le travail de François de Carpentries, trop absent de nos scènes Françaises.

A l’issue de cette production on semble s’éveiller du rêve poétique et philosophique qui peuple l’illusion de l’opéra. On se sent beaucoup plus sensible au beau, on se vit encore plus humain, comme une renaissance bénéfique au calme de la douce lumière nordique d’Oldenburg.

  

 

opera-paladins-concerts-festival-annonce-critiqueopera-concerts-classiquenews-classique-news-musique-classique-news-paladins_11©-Stephan-Walzl
 

  

 
 

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COMPTE-RENDU, CRITIQUE, opéra. OLDENBURG, le 16 fev 2019. RAMEAU : Les Paladins. de Carpentries / Kossenko.

Samedi 16 fĂ©vrier 2019 Ă  19h30 – Oldenburgisches Staatstheater – Oldenburg (Allemagne)

Jean-Philippe Rameau
Les Paladins

Argie – Martyna Cymerman
Atis / Manto – Philipp Kapeller
NĂ©rine – Sooyeon Lee
Orcan – Stephen K. Foster
Anselme – Ill-Hoon Choung
Un Paladin – Logan Rucker

Musette – Jean-Pierre Van Hees

BallettCompagnie Oldenburg
Opernchor des Oldenburgischen Staatstheater

Oldenburgisches Staatsorchester
Dir. Alexis Kossenko

Mise en scène – François de Carpentries
ChorĂ©graphie – Antoine Jully

Photos : Paladins © A REMY – S WALZL

  

  

 

COMPTE-RENDU, CRITIQUE,opéra. DIJON, le 20 mars 2019. RAMEAU : Les Boréades. Vidal…  Haim, Kosky

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Un Rameau méconnu : Les Fêtes de PolymnieCompte rendu, opéra, Dijon, Opéra de Dijon, Auditorium, le 22 mars 2019. Rameau : Les Boréades. Emmanuelle Haïm / Barrie Kosky. Les Boréades, ultime ouvrage d’un Rameau de 80 ans, jamais représenté de son vivant, est un magistral divertissement, bien davantage que la « tragédie lyrique » que son sous-titre affirme. Rameau énonce l’histoire par bribes, séparées par des danses ou des chœurs qui suspendent l’action. L’intrigue, quelque peu dérisoire, est un aimable prétexte. Alphise, reine de Bactriane, est sommée de choisir son époux. La tradition lui impose un descendant de Borée, le vent du nord. Elle repousse les deux prétendants qui se prévalent de cette filiation pour s’éprendre d’un étranger, d’origine inconnue : Abaris. On apprendra de la bouche d’Apollon que l’étranger est né de ses amours avec une nymphe de la lignée de Borée. Tout finira donc bien.

Les pĂ©ripĂ©ties liĂ©es Ă  la dĂ©convenue des prĂ©tendants – Calisis et BorilĂ©e -comme de BorĂ©e lui-mĂŞme, vont permettre au librettiste et au musicien de composer des tableaux fantastiques, correspondants aux conventions du temps : orage, sĂ©isme, vents furieux qui enlèvent l’hĂ©roĂŻne pour la retenir en un lieu obscur oĂą elle vit de multiples supplices. Ces Ă©preuves et celles imposĂ©es Ă  son amant seront surmontĂ©es grâce Ă  la flèche enchantĂ©e qu’Amour lui avait donnĂ©e.

 
 
 
 
 
 

Les Boréades à Dijon…

Réussite absolue et souffle du génie

 

 

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Trop souvent, il faut déplorer des mises en scène qui s’approprient et défigurent l’ouvrage pour en faire quelque chose de neuf, sans rapport avec les intentions du livret et de la musique.  Barrie Kosky n’est pas de ceux-là : sa modernité, bien que radicalement novatrice, est une ascèse qui nous permet d’accéder au sens profond. On se souvient du cube qui occupait la place centrale de Castor et Pollux. Ici, Barrie Kosky crée un dispositif scénique, d’une abstraction très esthétique : une immense boîte, sorte d’ingénieux écrin, qui va s’entrouvrir, se fermer, s’ouvrir largement, emprisonner l’héroïne, pour une happy end, après les épreuves auxquelles les amants seront soumis. Sa face avant servira de fond pour des jeux d’ombres, le plateau surélevé, autour duquel évolueront le plus souvent danseurs et choristes, constituera le creuset d’une alchimie féconde. Un troisième niveau sera révélé aux finales des deuxième et cinquième actes. Le travail se concentre avant tout sur les corps, sur le geste : la chorégraphie est constante et s’étend à tous les acteurs, solistes, choristes comme danseurs, que seule la virtuosité distingue.

Dans cette ascèse plastique, tout fait sens. Accessoire, mais essentielle, la flèche, vecteur de l’amour, plantée en terre au proscénium à l’apparition du décor. Les corolles de gigantesques fleurs, variées et colorées à souhait, descendent des cintres dans une apparition admirable. Les costumes, l’usage parcimonieux de la couleur, les éclairages appelleraient un commentaire : la réussite est absolue.

Au commencement était le souffle. Borée sera le grand ordonnateur, avant que Jupiter ne s’en mêle. C’est par le souffle qu’il fera naître la musique. Christopher Purves est une des plus grandes basses baroques. Son émission et son jeu sont un constant régal. Emmanuelle de Negri, qui incarne tour à tour Sémire, Polyymnie, Cupidon et une nymphe, en est le parfait contraire : on ne sait qu’admirer le plus, du jeu ou du chant, tant les personnages cocasses, délurés qu’elle incarne et danse autant qu’elle les chante sont plus attachants les uns que les autres. Hélène Guilmette campe une Alphise émouvante, au chant exemplaire de clarté. L’Abaris de Mathias Vidal, habité par son personnage, nous empoigne aux derniers actes. Edwin Crossley-Mercer donne toute leur noblesse à Adamas, puis à Apollon, chant lumineux, rayonnant. Le Borilée de Yoann Dubruque comme le Calixis de Sébastien Droy sont tout aussi réussis.

 
 

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Les chorégraphies d’Otto Pichler, captivantes, pleinement abouties, et les danseurs professionnels – admirables – comme les chœurs, d’une fluidité corporelle rarissime, nous réjouissent.
Emmanuelle Haïm et son Concert d’Astrée réalisent là une magistrale interprétation, d’une vie constante, colorée à souhait (ah ! ces flûtes si chères à Rameau), qu’on ne peut dissocier de ce travail d’équipe, exemplaire. A quand un enregistrement et une prise vidéo ? Cette réalisation superlative l’appelle.
 
 

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Compte rendu, opéra, Dijon, Opéra de Dijon, Auditorium, le 22 mars 2019. Rameau : Les Boréades. Emmanuelle Haïm / Barrie Kosky. Crédit photographique © Opéra de Dijon – Gilles Abegg

 
  
 

CD, critique. Jean-Philippe Rameau : Les Indes galantes (Vashegyi, 2018, 2cd Glossa)

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rameau-indes-galantes-gyrorgy-vashegyi-cd-glossa-critique-cd-classiquenews-opera-baroqueCD, critique. Jean-Philippe Rameau : Les Indes galantes (Vashegyi, 2018, 2cd Glossa). Certes voici une version annoncĂ©e comme d’importance, – de 1761 ; affaire de spĂ©cialistes et de chercheurs (Prologue plus ramassĂ©, inversion dans l’ordre des entrĂ©es). VĂ©tilles de musicologues. Ce qui compte avant tout et qui fait la valeur de la prĂ©sente production (crĂ©Ă© au MUPA de Budapest en fĂ©vrier 2018), c’est assurĂ©ment le geste sobre, souple, Ă©quilibrĂ© du chef requis pour piloter les solistes (plus ou moins convaincants), surtout le chĹ“ur et l’orchestre, – Purcell Choir et Orfeo Orchestra – deux phalanges crĂ©Ă©es in loco par le maestro György Vashegyi. Osons mĂŞme Ă©crire que ce dernier incarne pour nous, le nouvel Ă©talon idĂ©al dans la direction dĂ©diĂ©e aux Ĺ“uvres françaises du XVIIIè, celles fastueuses, souvent liĂ©es au contexte monarchique, mais sous sa main, jamais droite, tendue ni maniĂ©rĂ©e ou dĂ©monstrative. La sobriĂ©tĂ© et l’équilibre sont sa marque. Un maĂ®tre en la matière.

 

 

le chef hongrois György VASHEGYI confirme qu’il est un grand ramiste
Intelligence orchestrale

 

 

 

D’abord, saluons l’intelligence de la direction qui souligne avec justesse et clarté combien l’opéra-ballet de Rameau est une formidable machinerie poétique et aussi dans son Prologue avec Hébé, une évocation tendre et presque languissante de l’amour pastoral ne serait ce que dans les couleurs de l’orchestre souverain, d’une formidable flexibilité organique grâce au geste du chef ; Vashegyi est grand ramélien jusqu’en Hongrie : il nous rappelle tout ce qu’un McGegan poursuit en vivacité et fraîcheur en Californie (Lire notre critique de son récent enregistrement du Temple de la Gloire de Rameau, version 1745, enregistré à Berkeley en avril 2017).
S’agissant de György Vashegyi, sa compréhension des ressorts de l’écriture symphonique, les coups de théâtre dont le génie de Rameau sait cultiver l’effet, entre élégance et superbe rondeur, fait merveille ici dès l’entrée en matière de ce Prologue donc, qui est un superbe lever de rideau ; on passe de l’amour enivré à l’appel des trompettes et du front de guerre… les deux chanteurs Hébé et Bellone, sont dans l’intonation, juste ; fidèles à la couleur de leur caractère, MAIS pour la première l’articulation est molle et l’on ne comprends pas 70% de son texte (Chantal Santon) ; quand pour le baryton Thomas Dollié, que l’on a connu plus articulé lui aussi, le timbre paraît abimé et usé ; comme étrangement ampoulé et forcé. Méforme passagère ? A suivre.
A l’inverse, le nerf et la vitalité dramatique de l’orchestre sont eux fabuleux. Il y a dans cette ouverture / Prologue, à la fois majestueuse et grandiose, versaillaise,  pompeuse et d’un raffinement inouï, cette ivresse et cette revendication furieuse que défend et cultive Rameau avec son sens du drame et de la noblesse la plus naturelle : György Vashegyi l’a tout à fait compris.

Chez Les Incas du Pérou (« Première entrée »), la tenue du choeur et de l’orchestre fait toute la valeur d’une partition où souffle l’esprit de la nature (airs centraux, pivots  «Brillant soleil » puis après « l’adoration du soleil », air de Huascar et du chœur justement : « Clair flambeau du monde » , la force des éléments (tremblement de terre qui suit)… indique le Rameau climatique doué d’une sensibilité à peindre l’univers et la nature de façon saisissante. Heureusement que le chœur reste articulé, proche du texte. ce qui n’est pas le cas du Huascar de Dollié, là encore peu convaincant. Et la phani « grand dessus » plutôt que soprano léger (version 1761 oblige) ne met guère à l’aise Véronique Gens.
Jean-François Bou, Osman d’un naturel puissant, associé à l’Emilie bien chantante de Katherine Watson, est le héros du Turc généreux (« Deuxième entrée ») ; son engagement dramatique, sans forcer, gagne une saine vivacité grâce à l’orchestre impétueux, électrisé dans chaque tableau allusif : tempête, marche pour les matelots de provence, et les esclaves africains, rigaudons et tambourins…
Enfin Les Sauvages, troisième et dernière entrée, doit à l’orchestre son unité, sa cohérence dramatique, une verve jamais mise à mal qui électrise là encore mais avec tact et élégance la danse du grand calumet de la paix, puis la danse des Sauvages, avant la sublime Chaconne, dans laquelle Rameau revisite le genre emblématique de la pompe versaillaise.
Par la cohésion sonore et expressive de l’orchestre ainsi piloté, se détache ce qui manquait à nombre de lectures précédentes, un lien organique entre les parties capables de révéler comme les volet d’un vaste triptyque (avec Prologue donc) sur le thème de l’amour galant, selon les latitudes terrestres. Au Pérou, en Turquie et aux Amériques, coule un même sentiment éperdu, alliant convoitise, désir, effusion finale.

 
 

 
 

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CLIC_macaron_2014La lecture confirme l’excellente comprĂ©hension du chef hongrois, son geste sĂ»r et souple, rythmiquement juste, choralement maĂ®trisĂ©, orchestralement articulĂ© et prĂ©cis. La tenue des voix – volontairement assumĂ©es « puissantes » posent problème pour certaines d’entre elles car outrĂ©es, affectĂ©es ou totalement inintelligibles. Depuis Christie, on avait compris que le baroque français tenait sa spĂ©cificitĂ© de l’articulation de la langue… Souvent le texte est absent ici. On frĂ´le le contresens, mais cela pointe un mal contemporain : l’absence actuelle d’école française de chant baroque. Ceci est un autre problème. Cette version des Indes Galantes 1761 mĂ©rite absolument d’être Ă©coutĂ©e, surtout pour le geste gĂ©nĂ©reux du chef. MalgrĂ© nos rĂ©serves sur le choix des voix et la conception esthĂ©tique dont elles relèvent, la vision globale elle mĂ©rite un CLIC de classiquenews.

 
 

  

 
 

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CD, critique. Jean-Philippe Rameau : Les Indes galantes, ballet hĂ©roĂŻque (1735) / Version de 1761 

 
Chantal Santon-Jeffery : Hébé, Zima
Katherine Watson : Emilie
Véronique Gens : Phani
Reinoud Van Mechelen : Dom Carlos, Valère, Damon
Jean-Sébastien Bou : Osman, Adario
Thomas Dolié, : Bellone, Huascar, Dom Alvar
Purcell Choir
Orfeo Orchestra
György Vashegyi, direction
Glossa / Référence GCD 924005 / durée 2h3mn / parution annoncée le 1err mars 2019

 

 

 

 

 

 

Jephté de Montéclair en direct (MUPA, Budapest)

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György Vashegyi : le Baroque Français au sommetMUPA, BUDAPEST, en direct sur internet. Lun 11 mars 2019, 19h (MUPA Budapest). MONTECLAIR : JephtĂ©. György VASHEGYI, direction. Le chef hongrois György Vashegyi recrĂ©e JephtĂ©, chef-d’œuvre de Michel Pignolet de MontĂ©clair, unique exemple de tragĂ©die composĂ©e sur un sujet biblique en France aux XVIIe et XVIIIe siècles. MONTECLAIR (Michel Pignolet de MontĂ©clair : 1667 – 1737) fait le lien entre les derniers feux du règne de Louis XIV et l’esprit de la rĂ©gence. C’est le maillon qui manquait Ă  notre connaissance entre la pompe de Lully et le gĂ©nie symphonique de Rameau. Pignolet devenu Monteclair Ă  partir de son installation Ă  Paris (1687) entend s’affirmer dans le milieu musical : il rentre au service de Charles Henri de Lorraine, (Prince de VaudĂ©mont), gouverneur du Milanais qu’il accompagne jusqu’à Milan, assimilant les dernières trouvailles des auteurs italiens Ă  la mode (1690-1699). D’Italie, il rapporte jusque dans l’orchestre de l’AcadĂ©mie royale, la maĂ®trise de la basse de violon (contrebasse). Il assoit sa rĂ©putation de grand pĂ©dagogue, auprès entre autres de la fille de François Couperin (Margerite-Antoinette), Ă©crit une mĂ©thode de violon, surtout attaque Rameau Ă  coup de lettres et de confĂ©rences sur la musique (publiĂ©es dans le Mercure, 1729). SimultanĂ©ment, le gĂ©nie de MontĂ©clair Ă©clate dans sa musique de chambre, contemporaine de celle prisĂ©e par Louis XIV (trios de Marais et de De la Barre) : l’éloquence dans la langueur, qu’affectionne le Souverain, s’épanouit alors. L’époque sera bientĂ´t au saturnisme d’un Watteau, mĂ©lancolique, dĂ©pressif… mais d’une très intense vie intĂ©rieure. DouĂ© lui aussi de profondeur et d’un raffinement naturel, MontĂ©clair transpose nombre d’airs lyriques Ă  la mode pour flĂ»te et violon, autant de recueils destinĂ©s au salon. Grand admirateur des Concerts Royaux (1714), Pignolet est comme Couperin, pour la fusion des styles français et italien.
Aux côtés de cantates françaises (3 Livres : 1709, 1716, 1728), Montéclair tout en s’opposant à Rameau, le préfigure par sa verve et sa noblesse. Après l’opéra-ballet Les Fêtes de l’été (1716), Montéclair livre son chef d’oeuvre, Jephté, opéra biblique créé en 1732 (livret de l’abbé Pellegrin), un an avant Hippolyte et Aricie de Rameau (premier opéra scandaleux de 1733).

monteclair watteau jephte opera review critique opera classiquenewsMéticuleux jusque dans les moindres détails, Montéclair fait paraître coup sur coup trois éditions de son ouvrage, abondamment corrigé et considérablement transformé. A Budapest, le chef passionné par le Baroque Français György Vashegyi (comme Nicholas McGegan en Californie) dirige une recréation  prometteuse, attendue : nouvel accomplissement à mettre au crédit du chef hongrois, le chef le plus baroque de l’heure. C’est qu’à l’articulation flexible et ronde de sa direction, il ajoute la maîtrise dans l’architecture et le souci de l’intelligibilité des chœurs, un goût sûr dans la caractérisation des épisodes purement instrumentaux. Pour les voix c’est une autre affaire : mais il est vrai, même en France, l’école du chant baroque n’existe plus, et l’on préfère souvent l’ampleur des portes voix à l’articulation intelligible du texte. La leçon de William Christie (qui a signé la première mondiale au disque de Jephté) ou de Jean-Claude Malgoire semble perdue : on ne comprend plus aujourd’hui ce que chante les chanteurs… qui sont en majorité … français. 
Saluons cependant cette production nouvelle d’un sommet biblique du Baroque Français au début des années 1730 et avant le Rameau lyrique. Car l’orchestre de Montéclair est de plus passionnants.
vashegyi-gyorgy-indes-galates-rameau-cd-critique-582-594On doit déjà à György Vashegyi, la recréation et l’enregistrement des Fêtes de Polymnie (2015), de Naïs (2018) et d’Hypermnestre (à venir en septembre 2019), Grands Motets de Rameau, de d’Isbé de Mondonville (2016 et 2017). Les Indes Galantes du même Rameau sont publiés en mars 2019 : prochaine critique à venir dans le mag cd dvd livres de CLASSIQUENEWS.

 

 

Illustrations : le maestro hongrois, fervent défenseur du Baroque Français, György Vashegyi (DR)

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En direct sur le site du MUPA, BUDAPEST, le 11 mars 2019 à 7:00 pm / 19h
https://www.mupa.hu/en/media/mupa-live-webcast

 

 

 

 

György Vashegyi, direction musicale
Tassis Christoyannis, Jephté
Chantal Santon-Jeffery, Iphise
Judith Van Wanroij, la Vérité, Almasie
Thomas Dolié, Phinée
Zachary Wilder, Ammon
Katia Velletaz, Terpsichore, Vénus, une Habitante, une Israëlite, Élise, une Bergère
David Witczak, Apollon, Abner, un Habitant
Clément Debieuvre, Abdon, un Hébreu
Adriána Kalafszky, Polymnie

Purcell Choir
Orfeo Orchestra

3h15 avec entracte

 

 

 

 

 

 

Compte-rendu, opéra. LILLE, Opéra, le 16 janv 2019. RAMEAU : Pygmalion / MONDONVILLE : Amour et Psyché. Haïm / Orlin.

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Compte-rendu, Opéra. Opéra de Lille, le 16 janvier 2019. Pygmalion de Rameau couplé avec Amour et Psyché de Mondonville. Emmanuelle Haïm / Robyn Orlin. Spectacle coproduit entre l’Opéra de Lille, le Théâtre de Caen, l’Opéra de Dijon et les Théâtres de la ville de Luxembourg, c’est une bonne idée qu’ont eu les quatre institutions lyriques de coupler Pygmalion de Rameau (1748) et L’Amour et Psyché (1758) de Mondonville, qui traite tous deux de l’éternel thème de l’amour.

 
 

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La première pièce est un des huit ballets en un acte qu’écrivit le compositeur dijonnais entre 1748 et 1754. Tiré du dixième livre des Métamorphoses d’Ovide, le livret reprend la légende de Pygmalion, amoureux de la statue d’ivoire qu’il a lui-même sculptée. L’Amour anime la statue et le chœur chante les louanges du dieu qui règne sur les cœurs. La deuxième pièce est la troisième entrée du ballet héroïque intitulé Les Fêtes de Paphos qui est formé en fait de trois ballets autonomes (Vénus et Adonis, Bacchus et Erigon, et L’Amour et Psyché), composés entre 1747 et 1758, et reliés a posteriori sous le titre de Fêtes de Paphos. Si les deux ouvrages ont une même thématique amoureuse, ils diffèrent en ceci que le second est un pur divertissement, qui ne vise qu’à donner du plaisir, tandis que le second cherche à émouvoir (au sens baroque du terme).
Heureusement, les deux compositeurs français sont merveilleusement servi par la direction d’orchestre : attaques précises, clarté des pupitres, osmose avec un plateau quasi idéal… Emmanuelle Haïm, à le tête de son Concert d’Astrée, fait des merveilles !
Las, la mise en scène/chorégraphie de Robyn Orlin ne restera pas dans les annales. On a trop de fois vu ce procédé qui est de réaliser des vidéos en live pour les projeter au même moment sur des écrans. Les incessants allers et venues de sa troupe et la surabondances d’images diverses et variées parasitent l’écoute, n’éclaire en rien les histoires qui sont contées dans les livrets, et surtout ne font jamais jaillir l’émotion. La série de clichés sur le monde de l’art qui illustre le ballet de Mondonville est tout simplement hors propos et parfaitement gratuite. Bref, nous nous sommes ennuyés pour ce qui est de la partie visuelle…
La partie vocale sauve heureusement la mise (et la soirée !), avec d’abord un hommage appuyé pour le ténor flamand Reinoud van Mechelen (Pygmalion) : belle voix claire, pure et sans vibrato, tour à tour fine et puissante, élégance du style et diction parfaite du français. Statue puis Psyché, la jeune soprano colorature française Magali Léger vit les émois du sentiment amoureux sans afféterie, et nous gratifie de son beau timbre délicat. Avec une voix beaucoup plus corsée, parfois rauque, la chanteuse franco-canadienne Samantha Louis-Jean a du tempérament à revendre en Céphise puis Vénus. Dans le rôle d’Amour, commun aux deux ouvrages, Armelle Khourdoïan fait preuve autant de séduction que d’autorité, avec des aigus aisés et un medium charnu.  Enfin, dans l’hilarant rôle de Tisiphone, le baryton rochelais Victor Sicard explose en déesse (transgenre) infernale, avec une voix aussi solide que parfaitement articulée.
Grâce aux voix et à la musique, on passe au final un bonne soirée !

 
 
 

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Compte-rendu, Opéra. Opéra de Lille, le 16 janvier 2019. Pygmalion de Rameau couplé avec Amour et Psyché de Mondonville. Emmanuelle Haïm / Robyn Orlin.

 
 
 

LILLE, ONL : Mozart, Boieldieu… Les Lumières

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logo_ONL_2016LILLE, ONL : Mozart, Boieldieu, les 24, 25 oct 2018. L’Orchestre National de Lille retrouve le chef Jan Willem de Vriend (l’un des 3 chefs associés étroitement à la vie de l’Orchestre à chaque saison) dans un cycle éclectique qui s’intéresse aux écritures concertantes et déjà symphoniques de Bach, Boieldieu, Mozart et surtout Rameau… Pleine immersion dans le bain bouillonnant des Lumières, quand le XVIIIè façonne à sa manière l’évolution de l’écriture pour les instruments.
Outre le Concerto pour harpe de Boieldieu (écrit à Paris en 1801, dans le style viennois, associant virtuosité et raffinement), rareté d’une exceptionnelle élégance, l’ONL met en lumière le feu mozartien et la sensibilité coloriste d’un Rameau décidément très moderne dans son approche et sa conception de l’écriture instrumentale. Les révélations de ce programme sont prometteuses. C’est un volet primordial aux côtés des concerts du répertoire, présentant les œuvres mieux connues des XIXè et XXè siècles.

Un Rameau méconnu : Les Fêtes de PolymnieRAMEAU / MOZART : L’EQUATION MAGICIENNE. Quelle belle idée de mettre en perspective dans le cadre d’un seul concert, Rameau et Mozart. Le premier apporte toutes les idées et les couleurs en une écriture qui célèbre le génie de la musique pure ; dans son dernier opéra Les Boréades (qu’il ne verra jamais représenté car les répétitions sont annulées au moment de sa mort, le 12 septembre 1764), Rameau « ose » un orchestre somptueux, d’un chromatisme nouveau dont le colorisme et cette sensibilité nouvelle au paysage atmosphérique annonce l’impressionnisme de Debussy. Rien de moins. C’est dire le champs expressifs qui s’offre ainsi au travail des instrumentistes de l’orchestre.
Dans Les Boréades, Rameau imagine les saisons (tempêtes, souffle des vents du nord, incarnés par le dieu aérien Borée et ses fils), mais aussi prend clairement partie pour les prisonniers et les esclaves torturés (en une scène de torture d’une violence inouïe, où la reine de Bactriane Alphise est malmenée par Borée et ses fils, Borilée et Calisis, à l’acte V…). Dans ses Suites de danses, qui apportent la respiration nécessaire pour équilibrer l’architecture de l’opéra, riche en rebondissements et épreuves diverses, Rameau invente véritablement l’autonomie de l’orchestre dans le flux de l’opéra : la tempête de l’acte III, qui exprime alors la colère de Borée (lequel enlève Alphise), le paysage dévasté qui s’en suit (début de l’acte IV) indique l’essor poétique de l’orchestre, véritable acteur du drame, qui permet aussi un parallèle éloquent entre l’état de la nature et l’état intérieur et psychique du héros qui est alors en scène (au début du IV, c’est Abaris, aimé d’Alpise qui paraît, démuni, inquiet car il ne voit plus celle qu’il aime et qu’a kidnappé Borée et sa clique de vents haineux)…

En homme des Lumières, Rameau annonce l’engagement des hommes de bonne volonté et aussi ce mouvement de la sensibilité qui s’intéresse aux modulations de la Nature, en son éternel et cyclique éternité. Le défi pour un orchestre d’instruments modernes est de retrouver le style baroque déjà préclassique et préromantique (résolution des ornements, tenue d’archet, ligne mélodique à partir des temps forts et secondaires, …). L’expérience du chef est ici primordiale pour réussir ce défi de la pratique historiquement informée, qui inféode la technicité à la juste expression.
BOIELDIEU portrait par classiquenews 800px-Fr-Adrien_BoieldieuRare les programmes qui ont l’audace de la mise en perspective, remontant jusqu’au XVIIIè, Ă  la (re)dĂ©couverte des compositeurs dont le langage a façonnĂ© aussi l’histoire de l’écriture orchestrale. Ainsi ce concert, exaltant les Ă©critures de JS BACH, BOIELDIEU, MOZART et RAMEAU, rend -t-il hommage Ă  cette pĂ©riode souvent boudĂ©e, oĂą s’est construit l’essor symphonique, prĂ©parant aux grandes Ĺ“uvres du plein XIXè. De sorte que l’on comprend comment tout est nĂ©, dans la 2è moitiĂ© du XVIIIè, le siècle des Lumières. Le cas de Boieldieu est emblĂ©matique de ces auteurs mĂ©connus, oubliĂ©s, et pourtant majeurs Ă  leur Ă©poque : bravant les alĂ©as politiques de son Ă©poque (nĂ© sous l’Ancien RĂ©gime, vivant sous la Terreur, cĂ©lĂ©brĂ© durant le Consulat et l’Empire, puis estimĂ© des Bourbons, enfin ruinĂ© par la RĂ©volution de Juillet 1830), Boieldieu illumine cependant le genre opĂ©ra dans les trois premières dĂ©cennies du XIXè, c’es Ă  dire quand perce le gĂ©nie de Rossini (Le Calife de Bagdad crĂ©Ă© en 1800, La Dame blanche de 1825… les chercheurs et producteurs seraient donc inspirĂ©s de se pencher enfin sur son cas : un pur tempĂ©rament imaginatif, dont le gĂ©nie Ă©clectique, synthĂ©tique mĂŞle premier classicisme, romantisme, hĂ©ritage de Gluck et concurrence des italiens dont Rossini Ă©videmment)…

 

 

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ONL-18-19-saison-VIGNETTE-CARRE-concerts-selection-critique-concerts-par-classiquenewsOrchestre National de Lille
Programme L’Europe des Lumières
Mercredi 24 oct 2018, 20h
Jeudi 25 oct 2018, 20h
LILLE, Auditorium du Nouveau Siècle

RESERVEZ VOTRE PLACE
http://www.onlille.com/saison_18-19/concert/leurope-des-lumieres/

 

 

BACH
Suite pour orchestre n°3

BOIELDIEU
Concerto pour harpe et orchestre

MOZART
Symphonie n° 35, Haffner

RAMEAU
Les Boréades, suite

ORCHESTRE NATIONAL DE LILLE
JAN WILLEM DE VRIEND, direction musicale
XAVIER DE MAISTRE, harpe

 

 

 

 

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MOZART : Symphonie n°35, «  Haffner ». D’une durée légèrement supérieure à … 20 mn, selon les interprétations et leurs conceptions du tempo, la Symphonie Haffner de Mozart est écrite en juillet 1782, à Vienne, où Wolfgang vient de faire représenter l’Enlèvement au sérail, d’une violence et d’une exaltation émotionnelle inouïe. Il s’agissait alors de célébrer l’anoblissement de Siegmund Haffner qui avait demandé 6 ans auparavant à Mozart (1776) à Salzbourg, une sérénade pour le mariage de sa fille Elisabeth. Malgré une surcharge de travail, Wolfgang à Vienne livre le 3 août 1782 sa nouvelle symphonie ; c’est la capacité d’un nouvel époux, car il vient de se marier, 3 jours auparavant. Dans son plan en quatre parties, Mozart voit grand. Il joint en plus la marche en ré majeur k 408.
Le premier Allegro (con spirito) redouble d’énergie voire de frénésie exaspérée, tempérées ou plutôt canalisées par une ritournelle finale qui rappelle JS BACH que Mozart vient alors de découvrir et d’étudier minutieusement.
L’Andante qui suit, apporte réconfort et sérénité d’une sérénade toute imprégnée de calme plénitude dans l’esprit de la musique de chambre.
Le Menuetto à 3/4 indique une extension nouvelle, d’une solidité inédite qui montre le soin de Mozart pour cet épisode purement rythmique qui apporte lui aussi dans la succession des caractérisations symphoniques, une détente faite élégance et expressivité.
Enfin, le Finale (presto, à 2/2), cultive lui aussi l’énergie jaillissante avec une claire référence à l’air du chef des esclaves Osmin dans l’Enlèvement au sérail (O wie will ich triumphieren : air de victoire des esclavagistes et des tyrans…). Selon Mozart lui-même, il convient de jouer aussi vite que possible ce dernier mouvement, comme le premier Allegro doit être aborder avec tout le feu nécessaire. De toute évidence, le brio, la légèreté embrase le tissu orchestral, fait de changements de modulations, d’harmonies et de rythmes changeants et rapides. Le feu dont parle Mozart affirme ici un grand tempérament symphonique, et l’une des grandes symphonies viennoises de Wolfgang.

 

 

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L’Orchestre National de Lille Ă  l’Ă©poque des Lumières

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logo_ONL_2016LILLE, ONL : Mozart, Boieldieu, les 24, 25 oct 2018. L’Orchestre National de Lille retrouve le chef Jan Willem de Vriend (l’un des 3 chefs associés étroitement à la vie de l’Orchestre à chaque saison) dans un cycle éclectique qui s’intéresse aux écritures concertantes et déjà symphoniques de Bach, Boieldieu, Mozart et surtout Rameau… Pleine immersion dans le bain bouillonnant des Lumières, quand le XVIIIè façonne à sa manière l’évolution de l’écriture pour les instruments.
Outre le Concerto pour harpe de Boieldieu (écrit à Paris en 1801, dans le style viennois, associant virtuosité et raffinement), rareté d’une exceptionnelle élégance, l’ONL met en lumière le feu mozartien et la sensibilité coloriste d’un Rameau décidément très moderne dans son approche et sa conception de l’écriture instrumentale. Les révélations de ce programme sont prometteuses. C’est un volet primordial aux côtés des concerts du répertoire, présentant les œuvres mieux connues des XIXè et XXè siècles.

Un Rameau méconnu : Les Fêtes de PolymnieRAMEAU / MOZART : L’EQUATION MAGICIENNE. Quelle belle idée de mettre en perspective dans le cadre d’un seul concert, Rameau et Mozart. Le premier apporte toutes les idées et les couleurs en une écriture qui célèbre le génie de la musique pure ; dans son dernier opéra Les Boréades (qu’il ne verra jamais représenté car les répétitions sont annulées au moment de sa mort, le 12 septembre 1764), Rameau « ose » un orchestre somptueux, d’un chromatisme nouveau dont le colorisme et cette sensibilité nouvelle au paysage atmosphérique annonce l’impressionnisme de Debussy. Rien de moins. C’est dire le champs expressifs qui s’offre ainsi au travail des instrumentistes de l’orchestre.
Dans Les Boréades, Rameau imagine les saisons (tempêtes, souffle des vents du nord, incarnés par le dieu aérien Borée et ses fils), mais aussi prend clairement partie pour les prisonniers et les esclaves torturés (en une scène de torture d’une violence inouïe, où la reine de Bactriane Alphise est malmenée par Borée et ses fils, Borilée et Calisis, à l’acte V…). Dans ses Suites de danses, qui apportent la respiration nécessaire pour équilibrer l’architecture de l’opéra, riche en rebondissements et épreuves diverses, Rameau invente véritablement l’autonomie de l’orchestre dans le flux de l’opéra : la tempête de l’acte III, qui exprime alors la colère de Borée (lequel enlève Alphise), le paysage dévasté qui s’en suit (début de l’acte IV) indique l’essor poétique de l’orchestre, véritable acteur du drame, qui permet aussi un parallèle éloquent entre l’état de la nature et l’état intérieur et psychique du héros qui est alors en scène (au début du IV, c’est Abaris, aimé d’Alpise qui paraît, démuni, inquiet car il ne voit plus celle qu’il aime et qu’a kidnappé Borée et sa clique de vents haineux)…

En homme des Lumières, Rameau annonce l’engagement des hommes de bonne volonté et aussi ce mouvement de la sensibilité qui s’intéresse aux modulations de la Nature, en son éternel et cyclique éternité. Le défi pour un orchestre d’instruments modernes est de retrouver le style baroque déjà préclassique et préromantique (résolution des ornements, tenue d’archet, ligne mélodique à partir des temps forts et secondaires, …). L’expérience du chef est ici primordiale pour réussir ce défi de la pratique historiquement informée, qui inféode la technicité à la juste expression.
BOIELDIEU portrait par classiquenews 800px-Fr-Adrien_BoieldieuRare les programmes qui ont l’audace de la mise en perspective, remontant jusqu’au XVIIIè, Ă  la (re)dĂ©couverte des compositeurs dont le langage a façonnĂ© aussi l’histoire de l’écriture orchestrale. Ainsi ce concert, exaltant les Ă©critures de JS BACH, BOIELDIEU, MOZART et RAMEAU, rend -t-il hommage Ă  cette pĂ©riode souvent boudĂ©e, oĂą s’est construit l’essor symphonique, prĂ©parant aux grandes Ĺ“uvres du plein XIXè. De sorte que l’on comprend comment tout est nĂ©, dans la 2è moitiĂ© du XVIIIè, le siècle des Lumières. Le cas de Boieldieu est emblĂ©matique de ces auteurs mĂ©connus, oubliĂ©s, et pourtant majeurs Ă  leur Ă©poque : bravant les alĂ©as politiques de son Ă©poque (nĂ© sous l’Ancien RĂ©gime, vivant sous la Terreur, cĂ©lĂ©brĂ© durant le Consulat et l’Empire, puis estimĂ© des Bourbons, enfin ruinĂ© par la RĂ©volution de Juillet 1830), Boieldieu illumine cependant le genre opĂ©ra dans les trois premières dĂ©cennies du XIXè, c’es Ă  dire quand perce le gĂ©nie de Rossini (Le Calife de Bagdad crĂ©Ă© en 1800, La Dame blanche de 1825… les chercheurs et producteurs seraient donc inspirĂ©s de se pencher enfin sur son cas : un pur tempĂ©rament imaginatif, dont le gĂ©nie Ă©clectique, synthĂ©tique mĂŞle premier classicisme, romantisme, hĂ©ritage de Gluck et concurrence des italiens dont Rossini Ă©videmment)…

 

 

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ONL-18-19-saison-VIGNETTE-CARRE-concerts-selection-critique-concerts-par-classiquenewsOrchestre National de Lille
Programme L’Europe des Lumières
Mercredi 24 oct 2018, 20h
Jeudi 25 oct 2018, 20h
LILLE, Auditorium du Nouveau Siècle

RESERVEZ VOTRE PLACE
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BACH
Suite pour orchestre n°3

BOIELDIEU
Concerto pour harpe et orchestre

MOZART
Symphonie n° 35, Haffner

RAMEAU
Les Boréades, suite

ORCHESTRE NATIONAL DE LILLE
JAN WILLEM DE VRIEND, direction musicale
XAVIER DE MAISTRE, harpe

 

 

 

 

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MOZART : Symphonie n°35, «  Haffner ». D’une durée légèrement supérieure à … 20 mn, selon les interprétations et leurs conceptions du tempo, la Symphonie Haffner de Mozart est écrite en juillet 1782, à Vienne, où Wolfgang vient de faire représenter l’Enlèvement au sérail, d’une violence et d’une exaltation émotionnelle inouïe. Il s’agissait alors de célébrer l’anoblissement de Siegmund Haffner qui avait demandé 6 ans auparavant à Mozart (1776) à Salzbourg, une sérénade pour le mariage de sa fille Elisabeth. Malgré une surcharge de travail, Wolfgang à Vienne livre le 3 août 1782 sa nouvelle symphonie ; c’est la capacité d’un nouvel époux, car il vient de se marier, 3 jours auparavant. Dans son plan en quatre parties, Mozart voit grand. Il joint en plus la marche en ré majeur k 408.
Le premier Allegro (con spirito) redouble d’énergie voire de frénésie exaspérée, tempérées ou plutôt canalisées par une ritournelle finale qui rappelle JS BACH que Mozart vient alors de découvrir et d’étudier minutieusement.
L’Andante qui suit, apporte réconfort et sérénité d’une sérénade toute imprégnée de calme plénitude dans l’esprit de la musique de chambre.
Le Menuetto à 3/4 indique une extension nouvelle, d’une solidité inédite qui montre le soin de Mozart pour cet épisode purement rythmique qui apporte lui aussi dans la succession des caractérisations symphoniques, une détente faite élégance et expressivité.
Enfin, le Finale (presto, à 2/2), cultive lui aussi l’énergie jaillissante avec une claire référence à l’air du chef des esclaves Osmin dans l’Enlèvement au sérail (O wie will ich triumphieren : air de victoire des esclavagistes et des tyrans…). Selon Mozart lui-même, il convient de jouer aussi vite que possible ce dernier mouvement, comme le premier Allegro doit être aborder avec tout le feu nécessaire. De toute évidence, le brio, la légèreté embrase le tissu orchestral, fait de changements de modulations, d’harmonies et de rythmes changeants et rapides. Le feu dont parle Mozart affirme ici un grand tempérament symphonique, et l’une des grandes symphonies viennoises de Wolfgang.

 

 

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LILLE. L’ONL joue l’Europe des Lumières, de Rameau Ă  Boieldieu

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logo_ONL_2016LILLE, ONL : Mozart, Boieldieu, les 24, 25 oct 2018. L’Orchestre National de Lille retrouve le chef Jan Willem de Vriend (l’un des 3 chefs associés étroitement à la vie de l’Orchestre à chaque saison) dans un cycle éclectique qui s’intéresse aux écritures concertantes et déjà symphoniques de Bach, Boieldieu, Mozart et surtout Rameau… Pleine immersion dans le bain bouillonnant des Lumières, quand le XVIIIè façonne à sa manière l’évolution de l’écriture pour les instruments.
Outre le Concerto pour harpe de Boieldieu (écrit à Paris en 1801, dans le style viennois, associant virtuosité et raffinement), rareté d’une exceptionnelle élégance, l’ONL met en lumière le feu mozartien et la sensibilité coloriste d’un Rameau décidément très moderne dans son approche et sa conception de l’écriture instrumentale. Les révélations de ce programme sont prometteuses. C’est un volet primordial aux côtés des concerts du répertoire, présentant les œuvres mieux connues des XIXè et XXè siècles.

Un Rameau méconnu : Les Fêtes de PolymnieRAMEAU / MOZART : L’EQUATION MAGICIENNE. Quelle belle idée de mettre en perspective dans le cadre d’un seul concert, Rameau et Mozart. Le premier apporte toutes les idées et les couleurs en une écriture qui célèbre le génie de la musique pure ; dans son dernier opéra Les Boréades (qu’il ne verra jamais représenté car les répétitions sont annulées au moment de sa mort, le 12 septembre 1764), Rameau « ose » un orchestre somptueux, d’un chromatisme nouveau dont le colorisme et cette sensibilité nouvelle au paysage atmosphérique annonce l’impressionnisme de Debussy. Rien de moins. C’est dire le champs expressifs qui s’offre ainsi au travail des instrumentistes de l’orchestre.
Dans Les Boréades, Rameau imagine les saisons (tempêtes, souffle des vents du nord, incarnés par le dieu aérien Borée et ses fils), mais aussi prend clairement partie pour les prisonniers et les esclaves torturés (en une scène de torture d’une violence inouïe, où la reine de Bactriane Alphise est malmenée par Borée et ses fils, Borilée et Calisis, à l’acte V…). Dans ses Suites de danses, qui apportent la respiration nécessaire pour équilibrer l’architecture de l’opéra, riche en rebondissements et épreuves diverses, Rameau invente véritablement l’autonomie de l’orchestre dans le flux de l’opéra : la tempête de l’acte III, qui exprime alors la colère de Borée (lequel enlève Alphise), le paysage dévasté qui s’en suit (début de l’acte IV) indique l’essor poétique de l’orchestre, véritable acteur du drame, qui permet aussi un parallèle éloquent entre l’état de la nature et l’état intérieur et psychique du héros qui est alors en scène (au début du IV, c’est Abaris, aimé d’Alpise qui paraît, démuni, inquiet car il ne voit plus celle qu’il aime et qu’a kidnappé Borée et sa clique de vents haineux)…

En homme des Lumières, Rameau annonce l’engagement des hommes de bonne volonté et aussi ce mouvement de la sensibilité qui s’intéresse aux modulations de la Nature, en son éternel et cyclique éternité. Le défi pour un orchestre d’instruments modernes est de retrouver le style baroque déjà préclassique et préromantique (résolution des ornements, tenue d’archet, ligne mélodique à partir des temps forts et secondaires, …). L’expérience du chef est ici primordiale pour réussir ce défi de la pratique historiquement informée, qui inféode la technicité à la juste expression.
BOIELDIEU portrait par classiquenews 800px-Fr-Adrien_BoieldieuRare les programmes qui ont l’audace de la mise en perspective, remontant jusqu’au XVIIIè, Ă  la (re)dĂ©couverte des compositeurs dont le langage a façonnĂ© aussi l’histoire de l’écriture orchestrale. Ainsi ce concert, exaltant les Ă©critures de JS BACH, BOIELDIEU, MOZART et RAMEAU, rend -t-il hommage Ă  cette pĂ©riode souvent boudĂ©e, oĂą s’est construit l’essor symphonique, prĂ©parant aux grandes Ĺ“uvres du plein XIXè. De sorte que l’on comprend comment tout est nĂ©, dans la 2è moitiĂ© du XVIIIè, le siècle des Lumières. Le cas de Boieldieu est emblĂ©matique de ces auteurs mĂ©connus, oubliĂ©s, et pourtant majeurs Ă  leur Ă©poque : bravant les alĂ©as politiques de son Ă©poque (nĂ© sous l’Ancien RĂ©gime, vivant sous la Terreur, cĂ©lĂ©brĂ© durant le Consulat et l’Empire, puis estimĂ© des Bourbons, enfin ruinĂ© par la RĂ©volution de Juillet 1830), Boieldieu illumine cependant le genre opĂ©ra dans les trois premières dĂ©cennies du XIXè, c’es Ă  dire quand perce le gĂ©nie de Rossini (Le Calife de Bagdad crĂ©Ă© en 1800, La Dame blanche de 1825… les chercheurs et producteurs seraient donc inspirĂ©s de se pencher enfin sur son cas : un pur tempĂ©rament imaginatif, dont le gĂ©nie Ă©clectique, synthĂ©tique mĂŞle premier classicisme, romantisme, hĂ©ritage de Gluck et concurrence des italiens dont Rossini Ă©videmment)…

 

 

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ONL-18-19-saison-VIGNETTE-CARRE-concerts-selection-critique-concerts-par-classiquenewsOrchestre National de Lille
Programme L’Europe des Lumières
Mercredi 24 oct 2018, 20h
Jeudi 25 oct 2018, 20h
LILLE, Auditorium du Nouveau Siècle

RESERVEZ VOTRE PLACE
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Suite pour orchestre n°3

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Concerto pour harpe et orchestre

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Symphonie n° 35, Haffner

RAMEAU
Les Boréades, suite

ORCHESTRE NATIONAL DE LILLE
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XAVIER DE MAISTRE, harpe

 

 

 

 

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MOZART : Symphonie n°35, «  Haffner ». D’une durée légèrement supérieure à … 20 mn, selon les interprétations et leurs conceptions du tempo, la Symphonie Haffner de Mozart est écrite en juillet 1782, à Vienne, où Wolfgang vient de faire représenter l’Enlèvement au sérail, d’une violence et d’une exaltation émotionnelle inouïe. Il s’agissait alors de célébrer l’anoblissement de Siegmund Haffner qui avait demandé 6 ans auparavant à Mozart (1776) à Salzbourg, une sérénade pour le mariage de sa fille Elisabeth. Malgré une surcharge de travail, Wolfgang à Vienne livre le 3 août 1782 sa nouvelle symphonie ; c’est la capacité d’un nouvel époux, car il vient de se marier, 3 jours auparavant. Dans son plan en quatre parties, Mozart voit grand. Il joint en plus la marche en ré majeur k 408.
Le premier Allegro (con spirito) redouble d’énergie voire de frénésie exaspérée, tempérées ou plutôt canalisées par une ritournelle finale qui rappelle JS BACH que Mozart vient alors de découvrir et d’étudier minutieusement.
L’Andante qui suit, apporte réconfort et sérénité d’une sérénade toute imprégnée de calme plénitude dans l’esprit de la musique de chambre.
Le Menuetto à 3/4 indique une extension nouvelle, d’une solidité inédite qui montre le soin de Mozart pour cet épisode purement rythmique qui apporte lui aussi dans la succession des caractérisations symphoniques, une détente faite élégance et expressivité.
Enfin, le Finale (presto, à 2/2), cultive lui aussi l’énergie jaillissante avec une claire référence à l’air du chef des esclaves Osmin dans l’Enlèvement au sérail (O wie will ich triumphieren : air de victoire des esclavagistes et des tyrans…). Selon Mozart lui-même, il convient de jouer aussi vite que possible ce dernier mouvement, comme le premier Allegro doit être aborder avec tout le feu nécessaire. De toute évidence, le brio, la légèreté embrase le tissu orchestral, fait de changements de modulations, d’harmonies et de rythmes changeants et rapides. Le feu dont parle Mozart affirme ici un grand tempérament symphonique, et l’une des grandes symphonies viennoises de Wolfgang.

 

 

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Les FĂŞtes de l’Hymen et de l’Amour de Rameau

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Un Rameau mĂ©connu : Les FĂŞtes de PolymnieFrance 2. Vendredi 22 juillet 2016, 1h15. Rameau : FĂŞtes de l’hymen et de l’amour. Dans son cyle Nuits d’Ă©tĂ©, France 2 diffuse un concert lyrique inĂ©dit rĂ©alisĂ© pour l’annĂ©e Rameau 2014 (250 ans de la mort du compositeur Dijonais, le gĂ©nie incontestĂ© de la musique française baroque avant l’essor du nĂ©oclassicisme Ă  la fin du XVIIIè. Mort en 1764, sans avoir vĂ©cu la crĂ©ation de son dernier opĂ©ra pourtant achevĂ©, Les Borades, Rameau incarne Ă  l’Ă©gal des peitnres Watteau et surtout Boucher puis Fragonard, cet idĂ©al de poĂ©sie sensuelle et d’un raffinement extrĂŞme sur le plan des couleurs instrumentales. En tĂ©moigne ce spectacle d’un genre mixte, qui renouvelle l’idĂ©al inventĂ© au sicèle passĂ© par Molière et Lully, l’OpĂ©ra-ballet, ici en un prologue et trois actes, crĂ©Ă© en 1747. Fidèle au gĂ´ut de Louis XV, souverain neurastĂ©nique et dĂ©pressif que tente d’Ă©gayer sa maĂ®tresse L’astucieuse Pompadour, Rameau Ă©chafaude une intrigue lĂ©gère et sentimentale qui dans un souci de renouvellement des genres, fusionne mythologie et exotisme : L’amour(le Roi) se dĂ©sespère mais est bientĂ´t diverti par un pur drame oriental, nilotique, dont le raffinement et l’invention mĂ©lodique illustre le prĂ©texte exotique de chaque acte ou entrĂ©e…
Ainsi c’est une Egypte arcadienne que convoque l’ouvrage de Rameau : dans le premier acte, la reine OrthĂ©sie, un temps trompĂ©e par les intrigues de l’amazone Mirrine, reste distante vis Ă  vis d’Osiris, avant de succomber totalement au charme du dieu d’Egypte.
Dans le second Ă©pisode, Canope / NilĂ©e aime passionnĂ©ment la belle Memphis, mais il doit avant de s’unir Ă  elle, paraĂ®tre sous son vrai visage divin et aussi la protĂ©ger du couteau sacrificiel du Grand PrĂŞtre. A la fois dĂ©monstration de puissance (Ă  l’orchestre : Rameau a toujours cultivĂ© les effets cataclysmique, en vrai amoureux de la nature) et coup de tonnerre qui rompt la continuitĂ© du drame, le dĂ©bordement du Nil est un point spectaculaire qui tĂ©moigne du gĂ©nie dramatique de Rameau.

Le troisième acte Ă©voque les amours du dieu des arts AruĂ©ris et de la belle Orie prĂŞte Ă  succomber aux charmes divin. C’est pour Rameau l’occasion de briller par une orchestration extrĂŞmement subtile. Ici, seule l’invention dont est capable le compositeur assure la cohĂ©rence entre des tableaux assez disparates, mĂŞme si personnages et cadres d’un acte Ă  l’autre se dĂ©roulent en Egypte. mais c’est une Egypte rĂŞvĂ©e et fantasmĂ©e, particulièrement redessinĂ©e selon les lois de la nĂ©cessitĂ© des sentiments exprimĂ©es, en particulier amoureux. Comme l’Arcadie, accueillant bergers et nymphes Ă©tait le lieu de l’opĂ©ra du XVIIè pour reprĂ©senter toutes les composantes du drame amoureux, l’Egypte sous Louis XV et grâce au gĂ©nie de Rameau, est pour le XVIIIè, la nouvelle terre des amours contrariĂ©es puis rĂ©solues.



SYNOPSIS. Au cĹ“ur de son palais, l’Amour s’inquiète. les Grâces, les Jeux, les Ris et les Plaisirs ne parviennent pas Ă  l’Ă©gayer. Il rĂ©vèle enfin avoir dĂ©clarĂ© la guerre Ă  l’Hymen. La perspective de se soumettre Ă  la puissance de cet ennemi redoutable lui est insoutenable. Un bruit pompeux annonce l’Hymen qui paraĂ®t au milieu des Vertus. Contre toute attente, il affirme vouloir faire triompher l’Amour. Celui-ci s’adoucit, retrouve toute sa vitalitĂ© et s’unit Ă  l’Hymen : leurs cours s’Ă©changent des prĂ©sents. On voit bientĂ´t danser ensemble les Grâces, les Plaisirs et les Vertus sous l’Ĺ“il bienveillant des deux divinitĂ©s.

Première entrĂ©e / premier acte
 : Osiris. Mirrine, amazone belliqueuse, tente de persuader sa reine, OrthĂ©sie, de ne pas souffrir la prĂ©sence d’Osiris et de ses troupes. Tandis que ce dernier s’annonce, quelques Amazones courent se prĂ©parer au combat. Osiris prĂ©tend pourtant n’apporter que l’amour et la paix. Il ordonne un ballet gracieux : les saisons, chargĂ©es de fleurs et de fruits, en font prĂ©sent Ă  OrthĂ©sie. La reine et sa suite commencent Ă  se laisser sĂ©duire ; Mirrine, furieuse, prĂ©tend rĂ©sister malgrĂ© tout et disparaĂ®t. La fĂŞte se poursuit : les muses descendent des cieux et prĂ©sentent aux Amazones les arts dans toute leur perfection ; les Égyptiens Ă©lèvent des berceaux de fleurs magnifiques. De plus en plus d’Amazones rejoignent le divertissement et s’Ă©merveillent de ce qu’elles dĂ©couvrent. Les dernières rĂ©sistances d’OrthĂ©sie s’Ă©vanouissent. Des bruits guerriers se font soudain entendre : Mirrine paraĂ®t Ă  la tĂŞte d’une troupe d’Amazones rebelles. Alors qu’elle s’apprĂŞte Ă  frapper Osiris, OrthĂ©sie s’interpose. La dissidente est dĂ©sarmĂ©e. Le geste de la reine n’a trompĂ© personne : elle avoue ĂŞtre Ă©prise d’Osiris. Celui-ci rend hommage Ă  l’Amour. Son peuple s’unit aux Amazones pour une fĂŞte gĂ©nĂ©rale.

Deuxième entrĂ©e / acte : 
Canope. Sur les bords du Nil, Ă  la frontière entre l’Égypte et l’Éthiopie, une fĂŞte en l’honneur de Canope se prĂ©pare. Celui-ci ne songe qu’Ă  dĂ©voiler Ă  la nymphe Memphis, dont il est Ă©pris, sa vĂ©ritable identitĂ©. C’est sous les traits de NilĂ©e, simple Ă©gyptien qu’il l’a sĂ©duite. Elle est annoncĂ©e. Il l’Ă©coute Ă©pancher son cĹ“ur : un songe funeste lui fait craindre d’ĂŞtre celle que l’on sacrifiera Ă  l’occasion de la fĂŞte. NilĂ©e veut la rassurer mais un chĹ“ur de dĂ©ploration donne raison Ă  Memphis : c’est bien elle qui doit perdre la vie. Son amant prĂ©tend la protĂ©ger du couteau des prĂŞtres. DĂ©jĂ  ceux-ci s’avancent et confirment l’arrĂŞt du sort. Memphis se rĂ©signe ; des Ă©gyptiennes viennent la  parer pour le sacrifice, tandis que des prĂŞtresses Ă©lèvent des autels. Toutes se lamentent du sort de la nymphe. Les rituels dĂ©butent ; Memphis monte Ă  l’autel ; le Grand-PrĂŞtre saisit le couteau sacrĂ©. Soudain, le jour s’obscurcit ; les flots se soulèvent depuis les cataractes jusqu’aux rives d’ Éthiopie. Le dĂ©bordement du Nil annonce l’arrivĂ©e de Canope. Memphis ne peut croire que NilĂ©e et le dieu ne font qu’un. Elle doit pourtant se rendre Ă  l’Ă©vidence. Tous deux Ă©changent alors des serments d’amour. Memphis demande Ă  Canope d’avoir pitiĂ© de son peuple : celui-ci lui obĂ©it, ordonne de grandes rĂ©jouissances, et baptise la ville de leur amour ” Memphis “.

Troisième ballet / acte : 
AruĂ©ris ou les Isies. Le dieu des arts, AruĂ©ris, souhaite s’allier Ă  l’amour pour adoucir la vie des humains. La jeune nymphe Orie lui confie ses troubles : le dieu la console en lui vantant la puissance des arts sur l’âme, et finit par lui avouer son amour. Il ordonne des jeux en l’honneur d’Isis, auxquels il l’invite Ă  se joindre. Des Égyptiens chantant, dansant, et jouant d’instruments divers cĂ©lèbrent les Isies, joutes artistiques fondĂ©es par AruĂ©ris. On dispute les prix de la voie, de la musique, de la danse. Orie interrompt les jeux et rend hommage Ă  son amant par un chant de la plus grande beautĂ©. Tous dĂ©cident de lui offrir la couronne de myrte pour sa prestation. Orie dĂ©die cette couronne Ă  l’Amour. AruĂ©ris annonce leur hymen prochain et offre aux vainqueurs des jeux la main de celles qu’ils aiment.

Captation Ă  l’OpĂ©ra Royal du Château de Versailles 
Pour l’ouverture officielle de l’annĂ©e Jean-Philippe Rameau (1683-1764)
Par le Concert Spirituel
OpĂ©ra-Ballet en un prologue et trois entrĂ©es (1747)
ChĹ“ur et orchestre du Concert Spirituel / HervĂ© Niquet, direction. 


Avec Chantal Santon Jeffery (OrthĂ©sie, Orie), Carolyn Sampson (L’Amour, Memphis, Une première Ă©gyptienne, Une bergère Ă©gyptienne), Blandine Staskiewskicz (L’Hymen, Une Ă©gyptienne, Une seconde Ă©gyptienne), Jennifer Borghi (Mirrine), Reinoud van Mechelen (Osiris, Un berger Ă©gyptien, Un Ă©gyptien), Mathias Vidal (Un plaisir, AgĂ©ris, AruĂ©ris), Tassis Christoyannis (Canope), Alain Buet (Le grand-prĂŞtre, Un Ă©gyptien)

france2-logoRameau : Les FĂŞtes de l’Hymen et de l’Amour, opĂ©ra ballet. France 2, vendredi 22 juillet 2016, 1h15. DurĂ©e : 2h
 – AnnĂ©e 2014 – 
RĂ©alisation Yan Proefrock – 
Production Step by Step production – 
UnitĂ© musique et spectacles vivants France TĂ©lĂ©visions :  Nicolas Auboyneau - Sophie Humarau

CD, compte rendu critique. Vertigo. Rameau, Royer. Jean Rondeau, clavecin (1 cd Erato, mai 2015)

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vertigo jean rondeau cd erato critique review classiquenews fevrier 2016CD, compte rendu critique. Vertigo. Rameau, Royer. Jean Rondeau, clavecin (1 cd Erato, mai 2015). Clavecin opĂ©ratique. Le texte du livret notice accompagnant ce produit conçu comme une pĂ©rĂ©grination intĂ©rieure et surtout personnelle donne la clĂ© du drame qui s’y joue. Quelque part en zones d’illusions, c’est Ă  dire baroques, vers 1746… Jean Rondeau le claveciniste nous dit s’Ă©garer dans un fond de dĂ©cors d’opĂ©ra dont son clavecin (historique du Château d’Assas) ressuscite le charme jamais terni de la danse, “acte des mĂ©tamorphoses” (comme le prĂ©cise Paul ValĂ©ry, citĂ© dans la dite notice). Entre cauchemar (surgissement spectaculaire de Royer dans Vertigo justement) et rĂŞve (l’alanguissement si sensuel de Rameau ou le dernier renoncement du dernier morceau : L’Aimable de Royer), l’instrumentiste cisèle une sĂ©rie d’Ă©vocations, au relief dramatique multiple, contrastĂ©, parfois violent, parfois murmurĂ© qui s’efface. Rondeau ressuscite dans les textures rĂ©tablies et les accents sublimes des musiques dansantes ici sĂ©lectionnĂ©es, le profil des deux gĂ©nies nĂ©s pour l’opĂ©ra : Rameau (mort en 1764) et son “challenger” Pancrace Royer (1705-1755), Ă  la carrière fulgurante, et qui au moment du Dardanus de Rameau, livre son ZaĂŻde en 1739. Deux monstres absolus de la scène dont il concentre et synthèse l’esprit du drame dans l’ambitus de leur clavier ; car ils sont aussi excellents clavecinistes. Ainsi la boucle est refermĂ©e et le prĂ©texte lĂ©gitimĂ©. Comment se comporte le clavier Ă©prouvĂ© lorsqu’il doit exprimer le souffle et l’ampleur, la profondeur et le pathĂ©tique Ă  l’opĂ©ra ? Comme il y aura grâce Ă  Liszt (tapageur), le piano orchestre, il y eut bien (mais oui), le clavecin opĂ©ra (contrastĂ© et toujours allusif). Les matelots et Tambourins de Royer valent bien Les Sauvages de Rameau, nĂ©s avant l’OpĂ©ra ballet que l’on connaĂ®t, dès les Nouvelles Suites de Pièces de Clavecin de 1728. DĂ©jĂ  Rameau lyrique perçait sous le Rameau claveciniste. Une fusion des sensibilitĂ©s que le programme exprime avec justesse.

 

 

 

Rameau, Royer, Rondeau…

Récital personnel et hommage aussi aux génies lyriques, Royer et Rameau

Jean Rondeau : “le clavecin opĂ©ra”

 

 

 

CLIC_macaron_2014Au final, la rĂ©vĂ©lation de ce disque demeure la pièce Vertigo et en gĂ©nĂ©ral, l’Ă©criture ainsi rĂ©vĂ©lĂ©e, investie du compositeur Pancrace Royer (gĂ©nie disparu en 1755) superbe par sa verve, son panache, une Ă©lĂ©gance puissamment charpentĂ©e qui convoquant  l’opĂ©ra suscite des torrents de dĂ©lires dramatiques avec des failles dans l’intime murmurĂ© qui sculpte de sublime vertiges dramatiques, dignes des machineries spectaculaires sur la scène.
L’imaginaire de Royer se dĂ©voile : course furieuse, ou tempĂŞte invraisemblable aux vagues et cascades et autres dĂ©ferlantes d’une irrĂ©sistible ampleur … un tempĂ©rament inĂ©dit voire inouĂŻ, comme le Rameau d’Hippolyte en 1733.
D’abord lent puis comme endolori, le jeu de Rondeau s’Ă©vĂ©ille aux Ă©vocations convoquĂ©es ; puis le claviĂ©riste cisèle amoureusement son clavier ; et remodèle avec un tempĂ©rament expressif, la carrure originellement lyrique des sĂ©ries de pièces choisies en un jeu allusif, plutĂ´t rĂ©jouissant.
Massif par sa sĂ»retĂ© d’intonation et tout autant d’une belle finesse et d’une sobre Ă©coute  intĂ©rieure, le talent de Royer subjugue Ă  mesure qu’il s’Ă©coule sous des doigts aussi enivrĂ©s;  l’approche se fait pudique ensuite pour La Zaide ; l’imagination du claveciniste sĂ©duit irrĂ©sistiblement par une sensibilitĂ© qui se fait mĂ©canique de prĂ©cision  (jeu simultanĂ© aux deux mains dans la mĂŞme Zaide, plage 9 qui dĂ©roule ses guirlandes exaltĂ©es, intĂ©rieures… et tendres).

Ainsi, sujet du prĂ©sent programme, comme il y aura grâce Ă  Liszt Ă  l’âge romantique le piano orchestre qui par le feu synthĂ©tique dramatique de son jeu conteur exprime le gĂ©nie wagnĂ©rien par la transcription mais sans jamais le rĂ©duire, Jean rondeau dans Vertigo entend ouvrir notre conscience Ă  la verve magicienne du “clavecin opĂ©ra” : de Royer Ă  Rameau, c’est tout un univers poĂ©tique et une esthĂ©tique sonore qui se nourrit du seul jeu du clavier des cordes pincĂ©es. De la salle lyrique et des planches, au salon et Ă  l’intimitĂ© des cordes sensibles, malgrĂ© le transfert et le passage d’un media Ă  l’autre, d’une Ă©chelle Ă  l’autre, le feu Ă©vocateur n’a pas Ă©tĂ© sacrifiĂ©.
Formidable conteur, le claveciniste parisien exprime au-delĂ  de la technicitĂ© virtuose du toucher et l’agilitĂ© des mains d’une finesse que bien des pianistes pourraient reprendre pour mieux inspirer leur geste propre, toute l’admirable sensibilitĂ© des consciences musicales capables de dire sans forcer, la destinĂ©e humaine dans l’ambition du seul clavier : l’inoubliable repli tĂ©nu, secret, comme blotti, et le renoncement du dernier Royer (L’Aimable,  1er Livre de 1746) ne cesse de nous l’affirmer avec la grâce d’une inspiration juste et magicienne. En confrontant (immanquablement) les deux “R” du XVIIIè (Rameau / Royer), l’approche sĂ©duit par son originalitĂ© ; convainc par la sĂ»retĂ© du jeu, l’assise de ses convictions artistiques. C’est un très bon rĂ©cital, l’acte et la dĂ©claration d’amour d’un musicien volontaire Ă  son propre instrument. On ne saurait y demeurer insensible. Donc CLIC de CLASSIQUENEWS en fĂ©vrier et mars 2016.

 

 

 

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CD, compte rendu critique. Vertigo. Rameau, Royer. Jean Rondeau, clavecin (1 cd Erato, mai 2015)

 

 

 

CD, compte rendu critique. Rameau (1683-1764) : Le Temple de la Gloire (Guy van Waas, 2 cd Ricercar RIC 363)

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CD, compte rendu critique. Rameau (1683-1764) : Le Temple de la Gloire (Guy van Waas, 2 cd Ricercar RIC 363). Voici le Rameau officiel qui colle Ă  son sujet : c’est bien en 1745, le musicien le plus cĂ©lĂ©brĂ©, compositeur atitrĂ© Ă  Versailles (nommĂ© en cette mĂŞme annĂ©e de reconnaissance, “compositeur de la musique du Cabinet”) qui s’affirme ici, Ă  croire que le hĂ©ros finalement glorifiĂ© serait bien Rameau lui-mĂŞme. En tout cas sa musique est l’une des plus fastueuses, flamboyantes, diversifiĂ©es. C’est l’annĂ©e des prodiges pour le compositeur : PlatĂ©e, La Princesse de Navarre et donc Le Temple de la Gloire : universel, gĂ©nie imaginatif, Rameau imagine dans le ballet hĂ©roĂŻque, trois opĂ©ras en un. Bacchanale pour la première entrĂ©e (BĂ©lus), bacchanale pour la seconde entrĂ©e (Bacchus), tragĂ©die pour la troisième entrĂ©e (Trajan). MĂŞme le Prologue est l’un des plus raffinĂ©s et aboutis, suscitant dans le personnage de l’Envie trĂ©pignant aux abords du Temple, l’un des personnages graves et tragiques, accompagnĂ© par les bassons, parmi les plus saisissants conçus par Rameau.

rameau temple de la gloire guy van waas cd critique review classiquenewsEn octobre 2014, Guy van Waas dirige ses AgrĂ©mens ciselĂ©s et articulĂ©s avec une distribution engagĂ©e et vive, capable de drame autant que de sĂ©duction linguistique. Le livre cd est l’un des meilleurs apports discographique de l’annĂ©e Rameau 2014 dĂ©jĂ  riche en dĂ©couvertes et belles rĂ©alisations. Le Ballet hĂ©roĂŻque impose un Rameau Ă©difiant voire pompeux mais toujours inspirĂ© par les grâces sentimentales propres au règne de Louis XV et de La Pompadour : de la dĂ©licatesse, de l’hĂ©roĂŻsme, de la sincĂ©ritĂ© aussi, les 3 entrĂ©es font varier les plaisirs ; oĂą rĂ©sonnent les fabuleux oiseaux qui appellent dans le final “la gloire et le bonheur de l’Univers”. Il y a Ă©videmment du Boucher chez ce Rameau courtois, Ă©duquĂ©, raffinĂ©. L’orchestre est d’une constante tension affĂ»tĂ©e et ciselĂ©e, aux couleurs dĂ©licieuses, aux harmonies jamais convenues voire dĂ©concertantes. C’est dans le flot impĂ©tueux d’une musique exaltĂ©e que Rameau le grand prend sa revanche sur Racine, et tous les théâtraux de faiseurs de drame… qui doutaient de sa musique.

Muse princière de la dĂ©clamation aristocratique, le soprano de Judith van Wanroij incarne de superbes Lydie et Plautine. Chanton Santon surprend dans son emploi dĂ©lirant, dĂ©jantĂ© : son Érigone est fantasque et burlesque mĂŞme. Et les facĂ©ties mordantes du livret de Voltaire sont surtout magistralement dĂ©voilĂ©es par le Bacchus anthologique de Mathias Vidal dont la langue vive, l’acuitĂ© dramatique, le talent direct, intense, prĂ©cis ensorcèlent et captivent littĂ©ralement. Superbe rĂ©alisation. VOIR aussi notre reportage vidĂ©o exclusivitĂ© CLASSIQUENEWS © 2014 : Le temple de la gloire enfin ressuscitĂ©.

CD, compte rendu critique. Jean-Philippe Rameau (1683-1764) : Le Temple de la Gloire. Judith van Wanroij, soprano (Lydie, Plautine), Katia Velletaz, soprano (Une Bergère, une Bacchante, Junie), Chantal Santon-Jeffery, soprano (Arsine, Érigone, la Gloire), Mathias Vidal, ténor (Apollon, Bacchus, Trajan), Alain Buet , basse (L’Envie, Bélus, le Grand Prêtre de la Gloire), Les Agrémens. Choeur de Chambre de Namur. Guy van Waas, direction. Livre-disque (2 CD)  Ricercar RIC363. Enregistré en octobre 2014 à Liège et à Versailles.

Le premier Rameau, claveciniste compositeur

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Un Rameau mĂ©connu : Les FĂŞtes de Polymnielogo_france_musique_DETOUREFrance Musique. Dimanche 14 fĂ©vrier 2016, Ă  14h. Rameau : Suite en la… Tribunes des critiques.France Musique questionne une oeuvre rarement mise en avant : la Suite pour clavier composant le sujet novateur et original de son Premier recueil de pièces de clavecin, Ă©ditĂ© Ă  Paris en 1706, Ă  l’occasion de son premier et court sĂ©jour dans la Capitale  française. La Suite en la mineure est une oeuvre de jeunesse, extraite du Premier Livre de pièces de clavecin (Ă©dité  Ă  compte d’auteur, fin 1706) lorsque le jeune Rameau alors âgĂ© de 23 ans, rĂ©alise son premier sĂ©jour Ă  Paris. Le futur auteur pour l’opĂ©ra signe alors un recueil important voire majeur qui devance celui de Couperin dont le Premier Livre paraĂ®t en 1713. Les 10 pièces du recueil respectent le cadre classique de la Suite de danses Ă  la française, prĂ©alablement introduites par un PrĂ©lude qui en son dĂ©but, fait clairement rĂ©fĂ©rence aux maĂ®tres anciens (de fait Rameau se montre disciple de d’Anglebert, surtout de Marchand). Partition prĂ©coce, la maturitĂ© s’y rĂ©vèle pourtant, le tempĂ©rament aussi : une puissance de l’originalitĂ© qui est autant Ă©rudite, savante que sensuelle et naturellement accessible. DĂ©jĂ  se profile le gĂ©nie de l’harmonie (subtiles dissonances du PrĂ©lude…). 

Avant de rejoindre la capitale, Rameau a quittĂ© Clermont, dont il tenait les orgues de la cathĂ©drale. A Paris, il recherche un poste d’organiste et en profite pour aller Ă©couter un modèle pour lui : Louis Marchand. Pendant ce court sĂ©jour parisien, Rameau assiste Ă  l’Alcyone de Marais (fĂ©vrier 1706) et aussi aux reprises des opĂ©ras de Lully (dont ThĂ©sĂ©e en 1707).

Plan

1ère et 2e Allemande
La première, solennelle et presque grave ; la seconde, plus lègère.

Courante
Clair hommage lĂ  encore Ă  Louis Marchand.

Gigue
Biographe de Rameau, Cuthbert Girdlestone, la trouve sautillante et « contrapuntale ». La puissance de son développement désigne le jeune génie de Rameau.

1ère et 2e Sarabande
Rameau y glisse une tendresse inĂ©dite Ă  l’esprit de cette danse.

VĂ©nitienne
Ce Rondeau est un clair hommage Ă  l’opĂ©ra La VĂ©nitienne de Michel de la Barre (1705).

Gavotte
Energie et vitalité empruntent à Louis Marchand, auquel Rameau ajoute la maîtrise ahurissante de la variation.

Menuet
La sobriĂ©tĂ© et l’Ă©lĂ©gance de la pièce finale doivent inspirer Ă  l’amateur praticien des variations Ă  sa volontĂ©. Rameau pense Ă  ses “clients” / Ă©lèves : Ă  eux de jouer Ă  prĂ©sent.

logo_france_musique_DETOUREFrance Musique. Dimanche 14 fĂ©vrier 2016, Ă  14h. Rameau : Suite en la… Tribunes des critiques. Voir aussi la fiche de l’Ă©mission sur le site de France Musique.

Compte rendu, concert. La Rochelle. La coursive, le 9 octobre 2015. Gluck, Rameau. Les musiciens du Louvre; Marc Minkowski, direction.

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HabituĂ© de la RĂ©gion Poitou Charentes depuis la crĂ©ation en 2011 du festival RĂ© Majeure qui se dĂ©roule sur l’Ă®le de RĂ© pour l’Ascension ou la PentecĂ´te, Les Musiciens du Louvre et Marc Minkowski posent leurs valises Ă  La Coursive le temps d’une soirĂ©e. Au programme de ce concert, Marc Minkowski a programmĂ© un rĂ©pertoire que l’orchestre connait parfaitement : des Ĺ“uvres de Christoph Willibald Gluck (1714-1787) et de Jean Philippe Rameau (1683-1764).

 

Les musiciens du Louvre jouent Gluck et Rameau Ă  La Rochelle

RAMEAU 2014 : sĂ©lection cdSi Don Juan ou le festin de pierre de Christoph Willibald Gluck (1714-1787) n’est pas son Ĺ“uvre la plus connue, en effet le public connait mieux OrphĂ©e et Erurydice ou les deux IphigĂ©nie (en Aulide et en Tauride), elle offre de très belles pages. Dès le dĂ©but de la soirĂ©e, Marc Minkowski, visiblement survoltĂ© par le succès de PlatĂ©e Ă  l’OpĂ©ra de Paris (la dernière reprĂ©sentation en avait Ă©tĂ© donnĂ©e la veille), prend les rennes du concert. Très inspirĂ© et théâtral, le public rĂ©agit d’ailleurs bien et des rires se font entendre de temps Ă  autre, il conte Don Juan ou le festin de pierre avec moult dĂ©tails. Par ailleurs, il dirige le chef d’oeuvre de Gluck d’une main ferme; et si la battue peut parfois paraĂ®tre iconoclaste aux yeux des puristes, elle est efficace, dynamique ; les musiciens la suivent avec une prĂ©cision millimĂ©trĂ©e.

Après une courte pause, Marc Minkowski revient sur scène pour diriger «Une symphonie imaginaire» de Jean Philippe Rameau (1683-1764). Avant d’entamer la seconde partie, le chef prend le temps d’expliquer ce qu’est cette «symphonie imaginaire» Ă  un public attentif et visiblement conquis : Il ne s’agit pas d’une Ĺ“uvre symphonique en elle mĂŞme mais d’un assemblage des plus belles pages instrumentales des opĂ©ras et Ĺ“uvres instrumentales de Rameau. Ainsi s’offrent Ă  la (re)dĂ©couverte, plusieurs Ĺ“uvres telles ZaĂŻs, PlatĂ©e, justement, Dardanus, Hippolyte et Aricie, Castor et Pollux, Les BorĂ©ades, Les Indes galantes, Le temple de la gloire ou La naissance d’Osiris … ; on y trouve aussi, dans cette symphonie imaginaire, un Concert, Ă©crit Ă  l’origine pour sextuor, mais transcrit ici pour orchestre. Marc Minkowski dirige avec une allĂ©gresse et une joie de vivre si communicatives que ses musiciens font danser la musique avec gourmandise. Et d’ailleurs, emportĂ© par la musique, le chef ne peut s’empĂŞcher de danser sur son podium tout comme le timbalier lorsque l’orchestre entame l’entrĂ©e des Sauvages des Indes galantes.

Ravi, le public rĂ©serve un accueil très chaleureux aux Musiciens du Louvre et Ă  leur chef qui concèdent deux bis en fin de concert : un menuet extrait de PlatĂ©e puis, lancĂ©e par le timbalier, l’entrĂ©e des Sauvages. Minkowski dirige le second bis Ă  demi tournĂ©e vers le public qui joue le jeu et frappe des mains en cadence. Les responsables de La Coursive lancent leur saison musicale sur une excellente note.

Compte rendu, concert. La Rochelle. La coursive, le 9 octobre 2015. Christoph Willibald Gluck (1714-1787) : Don Juan ou le festin de pierre; Jean Philippe Rameau (1683-1764) : Une symphonie imaginaire. Les musiciens du Louvre; Marc Minkowski, direction.

Illustration : Jean-Philippe Rameau (DR)

Compte rendu, opéra. Rameau : Platée. Julie Fuchs, Philippe Talbot. Minkowski / Pelly

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Compte rendu, opéra. Paris. Palais Garnier, le 9 septembre 2015. Rameau : Platée. Philippe Talbot, Frédéric Antoun, Julie Fuchs, François Lis… Orchestre et choeur des Musiciens du Louvre Grenoble. Marc Minkowski, direction. Laurent Pelly, mise en scène.

La grenouille prĂ©fĂ©rĂ©e de la planète musicale française ouvre la saison lyrique 2015 – 2016 au Palais Garnier. L’opĂ©ra-ballet PlatĂ©e de Rameau retourne en sa maison nationale dans l’efficace et colorĂ©e production de Laurent Pelly laquelle remonte Ă  1999. Une distribution pĂ©tillante ma non troppo campe avec humour le langage particulier de Rameau. Elle est dirigĂ©e, ainsi que le choeur et orchestre des Musiciens du Louvre, par le chef et prochain directeur de l’OpĂ©ra National de Bordeaux, Marc Minkowski.

 

 

Platée : le plus brillant concert

La première de PlatĂ©e eut lieu en 1745 Ă  Versailles Ă  l’occasion du premier mariage du dauphin Louis Ferdinand de France. Après la première et seule reprĂ©sentation, il n’y eut pas de seconde.

PlatĂ©e, « ballet-bouffon » de Rameau, thĂ©oricien de la musique et hĂ©ritier de Lully, père du baroque français, raconte l’histoire du mariage d’un Jupiter ridicule avec une vieille nymphe jouĂ©e par un homme. Dans le lieu très conventionnel de la première, ce rĂ©cit a dĂ» surprendre et choquer l’auditoire. L’oeuvre est reprise en 1749 avec un succès tiède, puis en 1754 quand elle reçoit les plus grands Ă©loges. Ce « ballet-bouffon », baptisĂ© opĂ©ra-ballet au XXe siècle, avec un livret d’Adrien Le Valois d’Orville d’après Jacques Autreau, est une sorte de pastiche sans l’ĂŞtre, une parodie de l’OpĂ©ra oĂą l’on trouve toutes les formules, les stĂ©rĂ©otypes et les formes du genre. L’histoire de la pauvre PlatĂ©e n’en est qu’un prĂ©texte, un dĂ©licieux, irrĂ©vĂ©rencieux, drĂ´lissime prĂ©texte. De fait, le prĂ©texte heureux est aussi une raison pour Rameau de dĂ©ployer tout son talent et faire preuve d’une Ă©tonnante modernité ! Le style est homogène et audacieux, et la caractĂ©risation physique de la grotesque grenouille paraĂ®t habiter toute la partition.

Si ce soir de fausse-première Ă  l’OpĂ©ra National de Paris (première annulĂ©e Ă  cause d’un mouvement social) les chanteurs-acteurs prennent un peu de temps pour se chauffer, ils demeurent joliment investis tout au long des actes. Le rĂ´le ingrat de PlatĂ©e est interprĂ©tĂ© par Philippe Talbot, jeune tĂ©nor aux dons de comĂ©dien confirmĂ©s. Il y excelle dans sa caractĂ©risation de la nymphe laide et humide, avec un français affectĂ© (parfois approximatif) qui sied fantastiquement au personnage. Le tĂ©nor FrĂ©dĂ©ric Antoun dans le rĂ´le de Thespis au prologue, brille par la beautĂ© du timbre, que nous trouvons Ă©tonnamment charmant et chaleureux dans le langage baroque français. Le Jupiter de François Lis comme la Junon d’AurĂ©lia Legay sont superbement chantĂ©s. La Thalie/Folie de Julie Fuchs est une agrĂ©able surprise. L’archi-cĂ©lèbre air de la Folie au IIe acte « Formons les plus brillants concerts » est interprĂ©tĂ© avec un brio comique, quelque peu psychiatrique et dĂ©jantĂ© tout Ă  fait formidable ! LA parodie d’un air virtuose Ă  l’italienne est donc chantĂ© et jouĂ© vertueusement par la jeune soprano. Si l’interprĂ©tation vocale très solide n’est pas notre prĂ©fĂ©rĂ©e au niveau du style, elle demeure efficace et est vivement rĂ©compensĂ©e par les bravos d’un public enflammĂ© (les seuls de la soirĂ©e, remarquons-le).

Il y a deux autres protagonistes musicaux plus ou moins invisibles dans PlatĂ©e. D’abord les choeurs, omniprĂ©sents, et absolument fantastiques sous la direction de Nicholas Jenkins ! Que ce soir dans la louange, l’apothĂ©ose ou l’effroi, ils sont toujours rĂ©actifs et dynamiques ! Nous remarquons la science si prĂ©cise de Rameau par l’excellence de leur performance ! Ils sont onomatopĂ©iques et contrapuntiques selon le besoin, mais toujours impressionnants (les choeurs des grenouilles ou le quintette avec choeur Ă  la fin du IIe acte, entre plusieurs exemples). L’autre c’est bien la danse. 15 danseurs augmentent ou reprĂ©sentent le texte par le biais de leurs mouvements chorĂ©graphiĂ©s par Laura Scozzi. Si c’est souvent un aspect purement divertissant de la production, ceci s’inscrit dans le tout et c’est d’une grande efficacitĂ©.

Comme la mise en scène de Laurent Pelly d’ailleurs, qui assume complètement la nature de l’oeuvre et la met en valeur. Ouvertement kitsch, comme PlatĂ©e est ouvertement laide, la production rĂ©ussit Ă  dĂ©poussiĂ©rer cette seule vĂ©ritable comĂ©die lyrique de Rameau par tout une sĂ©rie de procĂ©dĂ©s théâtraux et un travail de comĂ©dien soignĂ©. L’espace, Ă  la fois salle de théâtre et marĂ©cage, est utilisĂ© intelligemment (dĂ©cors de Chantal Thomas) ; les costumes de Pelly sont ingĂ©nieux et fabuleusement moches ! Mais il n’y a rien de moche dans la performance de l’orchestre sous la direction Ă  la fois pĂ©tillante et savante de Minkowski. La complicitĂ© entre le plateau et la fosse est Ă©vidente et jouissive. Les contrastes sont mis en valeur tout en gardant une homogĂ©nĂ©itĂ© stylistique par rapport Ă  l’œuvre. Un travail extraordinaire ! Une reprise Ă  ne pas rater au Palais Garnier de Paris, Ă  l’affiche les 11, 12, 14, 17, 20, 23, 27 et 29 septembre ainsi que les 3, 6 et 8 octobre 2015.

Brésil. Bruno Procopio dirige Rameau et Clérambault à Rio

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procopio_bruno_chemise_bleueRio, salle C. Mereiles, les 19 et 22 septembre 2015. Mondonville et Rameau. Ambassadeur de choc, le claveciniste et chef d’orchestre Bruno Procopio retrouve son pays natal pour deux concerts de musique baroque française. Un programme qu’il a coutume de dĂ©fendre sous les tropiques, – le maestro impĂ©tueux et articulĂ© a dĂ©jĂ  enregistrĂ© un superbe disque d’extraits d’opĂ©ras de Rameau, ouvertures et ballets de Rameau avec le Symphonique Simon Bolivar du Venezuela Ă  Caracas (1 cd Paraty : vrai dĂ©fi d’un Ă©clat Ă©tincelant sur instruments modernes : ” Rameau in Caracas “). Rio 2015 voit le prolongement d’un travail spĂ©cifique sur le Baroque français en AmĂ©rique Latine. Une vision artistique entre les deux Mondes, de chaque cĂ´tĂ© de l’Atlantique qui s’Ă©tait dĂ©jĂ  illustrĂ©e par un jalon prĂ©cĂ©dent en mars dernier, et dans le mĂŞme lieu avec la crĂ©ation carioca de l’opĂ©ra français nĂ©oclassique Renaud de Sacchini (1782), emblème du goĂ»t lyrique parisien favorisĂ© par Marie-Antoinette (VOIR le reportage Renaud de Sacchini recrĂ©Ă© Ă  Rio par Bruno Procopio, mars 2015). Le 19 septembre (20h), concert de musique de chambre oĂą la virtuositĂ© concertante de Mondonville et le gĂ©nie recrĂ©ateur de Rameau dialoguent. Sons harmoniques du premier (1738, oĂą Mondonville s’inspire et prolonge l’exemple de Leclair), puis cinq Concerts des Pièces pour clavecin en concert (1741).  Après les Pièces de clavecin en sonates (avec violon) de Mondonville, Rameau surpasse tout ce qui fut Ă©crit avant lui, inventant pour chaque pièce, un titre aux rĂ©fĂ©rences biographiques (pour certaines secrètes aux allusions Ă  dĂ©mĂŞler par les spĂ©cialistes), qui rĂ©capitule en leur rendant hommage, tous les soutiens, patrons protecteurs, mĂ©cènes qui l’ont accompagnĂ© et soutenu pendant ses premières annĂ©es parisiennes. Le cycle est l’un des favoris dĂ©fendus depuis ses annĂ©es d’apprentissage Ă  Paris par Bruno Procopio qui assure la partie de clavecin.

img02_Rameau

 

 

Le 22 septembre, 20h, concert orchestral comprenant surtout ClĂ©rambault et Mondonville et quelques autres pour lequel Bruno Procopio quitte le clavecin pour la baguette, afin de diriger l’Orchestre baroque de l’UniversitĂ© de Rio (OBU).  Au programme deux pièces aussi rares qu’exceptionnelles : Pièces de clavecin avec voix ou violon opus 5 (1748) de Mondonville et surtout La Muse de l’OpĂ©ra ou Les Caractères lyriques, Cantate Ă  voix seule et symphonie (1716) de ClĂ©rambault. EditĂ©e sĂ©parĂ©ment en 1716, sur un poème d’Auguste Paradis de Moncrif, la cantate avec des moyens ambitieux (proches du divertissement) fait paraĂ®tre la muse de l’OpĂ©ra, qui dĂ©crit les ficelles et artifices du théâtre pour exprimer les « caractères lyriques » : la variĂ©tĂ© des airs et des formes dĂ©voile l’intelligence dramatique de ClĂ©rambault : air de triomphe avec trompette, scène pastorale avec musette, Ă©vocation de chasses au son des cors, tempĂŞte, sommeil, ramage d’oiseau, scène infernale… c’est un catalogue intelligemment combinĂ© soit tous les motifs de l’opĂ©ra français, ici traitĂ©s par un compositeur qui souhaite en dĂ©montrer et aussi cultiver sa profondeur, entre virtuositĂ© italianisante et noblesse de la dĂ©clamation française.

 

OBU orchestre baroque de l'université de Rio Orquesra barroca da Unirio

 

 

Rameau, ClĂ©rambault, Mondonville Ă  Rio. Grâce au CMBV, Centre de musique baroque de Versailles, le Baroque français s’exporte. Le concert est l’aboutissement d’un cycle de masterclasses et de rĂ©pĂ©titions avec les jeunes instrumentistes brĂ©siliens, sensibilisĂ©s au style baroque français et formĂ©s Ă  la pratique sur instruments d’époque. Un dĂ©fi qui fusionne transmission et pĂ©dagogie auprès des jeunes instrumentistes encore nĂ©ophytes dans l’interprĂ©tation de la musique française du XVIIIème siècle, et aussi expĂ©rience professionnelle grâce Ă  ce concert public. Le projet fait partie des nombreux chantiers initiĂ©s par le Centre de musique baroque de Versailles, dĂ©sormais ouvert Ă  l’international, soucieux depuis quelques annĂ©es de faire rayonner la connaissance et l’interprĂ©tation de la musique baroque française dans le monde. Partitions, Ă©quipe pĂ©dagogique sont les nouveaux moyens de l’institution versaillaise pour rĂ©aliser de nouveaux types de concerts, permettant aux jeunes professionnels de se perfectionner toujours et encore en se frottant  à l’accomplissement du concert publique. Il s’agit de deux premières mondiales Ă  Rio. L’Ă©tĂ© 2015 a rĂ©alisĂ© un autre projet du CMBV Ă  Innsbruck en aoĂ»t : le festival de musique ancienne et baroque mondialement reconnu accueillait pour la première fois de son histoire, son premier opĂ©ra français, Armide de Lully (1686) dans une nouvelle production, mise en scène par Cristina Colonna sous la direction de Patrick Cohen-AkĂ©nine et avec le concours de jeunes instrumentistes et chanteurs accompagnĂ©s par le CMBV, dont pour certains, les  laurĂ©ats du Concours Cesti 2014. Reportage vidĂ©o : Armide de Lully Ă  Innsbruck (aoĂ»t 2015)

 

 

 Bruno Procopio et le CMBV : Rameau, Clérambault, Mondonville à Rio

Concert du 19 septembre 2015, 20h
Durée : 1h25 sans entracte

 

Stéphanie-Marie Degand, violon
François Joubert-caillet, basse de viole
Bruno Procopio, clavecin

Jean-Joseph Cassanéa de Mondonville (1711-1772)
Les Sons harmoniques, Sonates Ă  violon seul avec la basse continue (1738)

Sonate opus 4 n°1 en si mineur : Grave – Allegro – Aria. Amoroso – Allegro

Jean-Philippe Rameau (1683-1764)
Pièces de clavecin en concert (1741)

PREMIER CONCERT :
La Coulicam. Rondement – La Livry. Rondeau gracieux – Le Vézinet. Gaiement, sans vitesse

DEUXIĂME CONCERT :
La Laborde. Rondement – La Boucon. Air, gracieux – L’Agaçante. Rondement – 1er et 2e Menuet

TROISIĂME CONCERT :
La Lapoplinière. Rondement – La Timide. 1er et 2e Rondeau gracieux – 1er et 2e Tambourin

QUATRIĂME CONCERT :
La Pantomime. Loure vive – L’Indiscrète. Vivement – La Rameau. Rondement

CINQUIĂME CONCERT :
La Forqueray. Fugue – La Cupis. Rondement – La Marais. Rondement

 

Concert du 22 septembre 2015, 20h
Durée : 1h20 sans entracte

 

Eugénie Lefebvre, soprano
Stéphanie-Marie Degand, violon
François Joubert-caillet, basse de viole
Bruno Procopio, clavecin

Orchestre baroque de l’Université de Rio (OBU)
Laura Ronai, direction artistique

 

Jean-Henry d’Anglebert (1629-1691)
Prélude en sol majeur, pour clavecin

Jean-Baptiste Antoine Forqueray (1699-1782)
La Leclair, pour clavecin

Antoine Forqueray (1672-1745)
Premier Livre de Pièces de viole avec la basse continue (1747) – extraits
La Couperin – La Buisson

Claude Balbastre (1727-1799)
La Lugeac, pour clavecin

Jean-Joseph Cassanéa de Mondonville (1711-1772)
Pièces de clavecin avec voix ou violon opus 5 (1748) – extraits

Amoroso « Paratum cor meum… » – Allegro « In Domino laudabitur… »

Paratum cor meum, Deus,
Paratum cor meum,
Cantabo et psalmum dicam

(Psaume 56 verset 10)

Mon cœur est préparé, ô mon Dieu ;
Mon cœur est tout préparé :
Je chanterai, et je ferai retentir vos louanges sur les instruments.

In Domino laudabitur anima mea :
Audiant mansueti et laetentur.
(Psaume 33 verset 7)

Mon âme ne mettra sa gloire que dans le Seigneur.
Que ceux qui sont doux et humbles écoutent ceci, et qu’ils se réjouissent.

Jean-Marie Leclair (1697-1764)
Concerto pour violon opus 10 n°6 en sol mineur (ca 1743)

Allegro ma poco – Andante – Allegro

Louis-Nicolas Clérambault (1676-1749)
La Muse de l’Opéra ou Les Caractères lyriques. Cantate à voix seule et symphonie (1716)

Prélude – Récitatif – Air gai – Tempête – Récitatif – Air – Sommeil – Prélude infernal – Récitatif – Air

LA MUSE DE L’OPÉRA ou LES CARACTĂRES LYRIQUES. Cantate Ă  voix seule et symphonie

RĂ©citatif (fort gravement)

Mortels, pour contenter vos désirs curieux
Cessez de parcourir tous les climats du monde,
Par le puissant effort de l’art qui nous seconde,
Ici tout l’Univers se découvre à vos yeux.

Air gai
Au son des trompettes bruyantes
Mars vient embellir ce séjour ;
Diane avec toute sa cour
Vous offre des fêtes galantes ;
Et mille chansons Ă©clatantes
Réveillent l’écho d’alentour.
Des bergers la troupe légère
Vient folâtrer sur ces gazons ;
Ă€ leurs danses, Ă  leurs chansons,
On voit que le Dieu de Cythère
Leur a donné de ses leçons.

Tempête (fort et marqué)

Mais quel bruit interrompt ces doux amusements ?
Le soleil s’obscurcit, la mer s’enfle et s’irrite ;
Dieux ! quels terribles flots ! et quels mugissements !
La terre tremble, l’air s’agite,
Tous les vents déchainés, mille effrayants
Éclairs, semblent confondre l’Univers.
Quels sifflements affreux ! Quel horrible tonnerre !
Le ciel est-il jaloux du repos de la terre ?

RĂ©citatif
Non, les Dieux attendris par nos cris Ă©clatants,
Ramènent les beaux jours de l’aimable printemps.

Air
Oiseaux, qui sous ces feuillages
Formez des accents si doux,
L’Amour quand il vous engage
Vous traite bien mieux que nous ;
Il n’est jamais parmi vous
Jaloux, trompeur, ni volage.

Sommeil (doucement)
Vos concerts, heureux oiseaux,
Éveillent trop tôt l’aurore,
Laissez les mortels encore
Plongés au sein du repos.

Prélude infernal (lentement, fort et marqué)
Mais quels nouveaux accords dont l’horreur est extrême ?
Qui fait ouvrir le séjour infernal ?
Que de démons sortis de ce gouffre fatal !

Les implacables SĹ“urs suivent Pluton lui-mĂŞme.

RĂ©citatif

Ne craignons rien, un changement heureux
Vient nous offrir de doux présages,
Et les démons changés sous d’aimables images,
Amusent nos regards par d’agréables jeux.

Air gai et piqué
Ce n’est qu’une belle chimère
Qui satisfait ici vos vœux ;
Eh ! n’êtes-vous pas trop heureux
Qu’on vous séduise pour vous plaire ?
Dans ce qui flatte vos désir
Croyez tout ce qu’on fait paraître ;
On voit s’envoler les plaisirs
Lorsque l’on cherche à les connaître.

 

 

CD. LIRE notre critique du cd Pièces pour clavecin en concerts de Rameau par Bruno Procopio

 

VOIR notre reportage vidéo : Les Grands Motets de Rameau par Bruno Procopio à Cuenca (Espagne), Avec Maria Bayo (avril 2014)

Rio, Brésil. Bruno Procopio dirige Rameau et Clérambault

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procopio_bruno_chemise_bleueRio, salle C. Mereiles, les 19 et 22 septembre 2015. Mondonville et Rameau. Ambassadeur de choc, le claveciniste et chef d’orchestre Bruno Procopio retrouve son pays natal pour deux concerts de musique baroque française. Un programme qu’il a coutume de dĂ©fendre sous les tropiques, – le maestro impĂ©tueux et articulĂ© a dĂ©jĂ  enregistrĂ© un superbe disque d’extraits d’opĂ©ras de Rameau, ouvertures et ballets de Rameau avec le Symphonique Simon Bolivar du Venezuela Ă  Caracas (1 cd Paraty : vrai dĂ©fi d’un Ă©clat Ă©tincelant sur instruments modernes : ” Rameau in Caracas “). Rio 2015 voit le prolongement d’un travail spĂ©cifique sur le Baroque français en AmĂ©rique Latine. Une vision artistique entre les deux Mondes, de chaque cĂ´tĂ© de l’Atlantique qui s’Ă©tait dĂ©jĂ  illustrĂ©e par un jalon prĂ©cĂ©dent en mars dernier, et dans le mĂŞme lieu avec la crĂ©ation carioca de l’opĂ©ra français nĂ©oclassique Renaud de Sacchini (1782), emblème du goĂ»t lyrique parisien favorisĂ© par Marie-Antoinette (VOIR le reportage Renaud de Sacchini recrĂ©Ă© Ă  Rio par Bruno Procopio, mars 2015). Le 19 septembre (20h), concert de musique de chambre oĂą la virtuositĂ© concertante de Mondonville et le gĂ©nie recrĂ©ateur de Rameau dialoguent. Sons harmoniques du premier (1738, oĂą Mondonville s’inspire et prolonge l’exemple de Leclair), puis cinq Concerts des Pièces pour clavecin en concert (1741).  Après les Pièces de clavecin en sonates (avec violon) de Mondonville, Rameau surpasse tout ce qui fut Ă©crit avant lui, inventant pour chaque pièce, un titre aux rĂ©fĂ©rences biographiques (pour certaines secrètes aux allusions Ă  dĂ©mĂŞler par les spĂ©cialistes), qui rĂ©capitule en leur rendant hommage, tous les soutiens, patrons protecteurs, mĂ©cènes qui l’ont accompagnĂ© et soutenu pendant ses premières annĂ©es parisiennes. Le cycle est l’un des favoris dĂ©fendus depuis ses annĂ©es d’apprentissage Ă  Paris par Bruno Procopio qui assure la partie de clavecin.

img02_Rameau

 

 

Le 22 septembre, 20h, concert orchestral comprenant surtout ClĂ©rambault et Mondonville et quelques autres pour lequel Bruno Procopio quitte le clavecin pour la baguette, afin de diriger l’Orchestre baroque de l’UniversitĂ© de Rio (OBU).  Au programme deux pièces aussi rares qu’exceptionnelles : Pièces de clavecin avec voix ou violon opus 5 (1748) de Mondonville et surtout La Muse de l’OpĂ©ra ou Les Caractères lyriques, Cantate Ă  voix seule et symphonie (1716) de ClĂ©rambault. EditĂ©e sĂ©parĂ©ment en 1716, sur un poème d’Auguste Paradis de Moncrif, la cantate avec des moyens ambitieux (proches du divertissement) fait paraĂ®tre la muse de l’OpĂ©ra, qui dĂ©crit les ficelles et artifices du théâtre pour exprimer les « caractères lyriques » : la variĂ©tĂ© des airs et des formes dĂ©voile l’intelligence dramatique de ClĂ©rambault : air de triomphe avec trompette, scène pastorale avec musette, Ă©vocation de chasses au son des cors, tempĂŞte, sommeil, ramage d’oiseau, scène infernale… c’est un catalogue intelligemment combinĂ© soit tous les motifs de l’opĂ©ra français, ici traitĂ©s par un compositeur qui souhaite en dĂ©montrer et aussi cultiver sa profondeur, entre virtuositĂ© italianisante et noblesse de la dĂ©clamation française.

 

OBU orchestre baroque de l'université de Rio Orquesra barroca da Unirio

 

 

Rameau, ClĂ©rambault, Mondonville Ă  Rio. Grâce au CMBV, Centre de musique baroque de Versailles, le Baroque français s’exporte. Le concert est l’aboutissement d’un cycle de masterclasses et de rĂ©pĂ©titions avec les jeunes instrumentistes brĂ©siliens, sensibilisĂ©s au style baroque français et formĂ©s Ă  la pratique sur instruments d’époque. Un dĂ©fi qui fusionne transmission et pĂ©dagogie auprès des jeunes instrumentistes encore nĂ©ophytes dans l’interprĂ©tation de la musique française du XVIIIème siècle, et aussi expĂ©rience professionnelle grâce Ă  ce concert public. Le projet fait partie des nombreux chantiers initiĂ©s par le Centre de musique baroque de Versailles, dĂ©sormais ouvert Ă  l’international, soucieux depuis quelques annĂ©es de faire rayonner la connaissance et l’interprĂ©tation de la musique baroque française dans le monde. Partitions, Ă©quipe pĂ©dagogique sont les nouveaux moyens de l’institution versaillaise pour rĂ©aliser de nouveaux types de concerts, permettant aux jeunes professionnels de se perfectionner toujours et encore en se frottant  à l’accomplissement du concert publique. Il s’agit de deux premières mondiales Ă  Rio. L’Ă©tĂ© 2015 a rĂ©alisĂ© un autre projet du CMBV Ă  Innsbruck en aoĂ»t : le festival de musique ancienne et baroque mondialement reconnu accueillait pour la première fois de son histoire, son premier opĂ©ra français, Armide de Lully (1686) dans une nouvelle production, mise en scène par Cristina Colonna sous la direction de Patrick Cohen-AkĂ©nine et avec le concours de jeunes instrumentistes et chanteurs accompagnĂ©s par le CMBV, dont pour certains, les  laurĂ©ats du Concours Cesti 2014. Reportage vidĂ©o : Armide de Lully Ă  Innsbruck (aoĂ»t 2015)

 

 

 Bruno Procopio et le CMBV : Rameau, Clérambault, Mondonville à Rio

Concert du 19 septembre 2015, 20h
Durée : 1h25 sans entracte

 

Stéphanie-Marie Degand, violon
François Joubert-caillet, basse de viole
Bruno Procopio, clavecin

Jean-Joseph Cassanéa de Mondonville (1711-1772)
Les Sons harmoniques, Sonates Ă  violon seul avec la basse continue (1738)

Sonate opus 4 n°1 en si mineur : Grave – Allegro – Aria. Amoroso – Allegro

Jean-Philippe Rameau (1683-1764)
Pièces de clavecin en concert (1741)

PREMIER CONCERT :
La Coulicam. Rondement – La Livry. Rondeau gracieux – Le Vézinet. Gaiement, sans vitesse

DEUXIĂME CONCERT :
La Laborde. Rondement – La Boucon. Air, gracieux – L’Agaçante. Rondement – 1er et 2e Menuet

TROISIĂME CONCERT :
La Lapoplinière. Rondement – La Timide. 1er et 2e Rondeau gracieux – 1er et 2e Tambourin

QUATRIĂME CONCERT :
La Pantomime. Loure vive – L’Indiscrète. Vivement – La Rameau. Rondement

CINQUIĂME CONCERT :
La Forqueray. Fugue – La Cupis. Rondement – La Marais. Rondement

 

Concert du 22 septembre 2015, 20h
Durée : 1h20 sans entracte

 

Eugénie Lefebvre, soprano
Stéphanie-Marie Degand, violon
François Joubert-caillet, basse de viole
Bruno Procopio, clavecin

Orchestre baroque de l’Université de Rio (OBU)
Laura Ronai, direction artistique

 

Jean-Henry d’Anglebert (1629-1691)
Prélude en sol majeur, pour clavecin

Jean-Baptiste Antoine Forqueray (1699-1782)
La Leclair, pour clavecin

Antoine Forqueray (1672-1745)
Premier Livre de Pièces de viole avec la basse continue (1747) – extraits
La Couperin – La Buisson

Claude Balbastre (1727-1799)
La Lugeac, pour clavecin

Jean-Joseph Cassanéa de Mondonville (1711-1772)
Pièces de clavecin avec voix ou violon opus 5 (1748) – extraits

Amoroso « Paratum cor meum… » – Allegro « In Domino laudabitur… »

Paratum cor meum, Deus,
Paratum cor meum,
Cantabo et psalmum dicam

(Psaume 56 verset 10)

Mon cœur est préparé, ô mon Dieu ;
Mon cœur est tout préparé :
Je chanterai, et je ferai retentir vos louanges sur les instruments.

In Domino laudabitur anima mea :
Audiant mansueti et laetentur.
(Psaume 33 verset 7)

Mon âme ne mettra sa gloire que dans le Seigneur.
Que ceux qui sont doux et humbles écoutent ceci, et qu’ils se réjouissent.

Jean-Marie Leclair (1697-1764)
Concerto pour violon opus 10 n°6 en sol mineur (ca 1743)

Allegro ma poco – Andante – Allegro

Louis-Nicolas Clérambault (1676-1749)
La Muse de l’Opéra ou Les Caractères lyriques. Cantate à voix seule et symphonie (1716)

Prélude – Récitatif – Air gai – Tempête – Récitatif – Air – Sommeil – Prélude infernal – Récitatif – Air

LA MUSE DE L’OPÉRA ou LES CARACTĂRES LYRIQUES. Cantate Ă  voix seule et symphonie

RĂ©citatif (fort gravement)

Mortels, pour contenter vos désirs curieux
Cessez de parcourir tous les climats du monde,
Par le puissant effort de l’art qui nous seconde,
Ici tout l’Univers se découvre à vos yeux.

Air gai
Au son des trompettes bruyantes
Mars vient embellir ce séjour ;
Diane avec toute sa cour
Vous offre des fêtes galantes ;
Et mille chansons Ă©clatantes
Réveillent l’écho d’alentour.
Des bergers la troupe légère
Vient folâtrer sur ces gazons ;
Ă€ leurs danses, Ă  leurs chansons,
On voit que le Dieu de Cythère
Leur a donné de ses leçons.

Tempête (fort et marqué)

Mais quel bruit interrompt ces doux amusements ?
Le soleil s’obscurcit, la mer s’enfle et s’irrite ;
Dieux ! quels terribles flots ! et quels mugissements !
La terre tremble, l’air s’agite,
Tous les vents déchainés, mille effrayants
Éclairs, semblent confondre l’Univers.
Quels sifflements affreux ! Quel horrible tonnerre !
Le ciel est-il jaloux du repos de la terre ?

RĂ©citatif
Non, les Dieux attendris par nos cris Ă©clatants,
Ramènent les beaux jours de l’aimable printemps.

Air
Oiseaux, qui sous ces feuillages
Formez des accents si doux,
L’Amour quand il vous engage
Vous traite bien mieux que nous ;
Il n’est jamais parmi vous
Jaloux, trompeur, ni volage.

Sommeil (doucement)
Vos concerts, heureux oiseaux,
Éveillent trop tôt l’aurore,
Laissez les mortels encore
Plongés au sein du repos.

Prélude infernal (lentement, fort et marqué)
Mais quels nouveaux accords dont l’horreur est extrême ?
Qui fait ouvrir le séjour infernal ?
Que de démons sortis de ce gouffre fatal !

Les implacables SĹ“urs suivent Pluton lui-mĂŞme.

RĂ©citatif

Ne craignons rien, un changement heureux
Vient nous offrir de doux présages,
Et les démons changés sous d’aimables images,
Amusent nos regards par d’agréables jeux.

Air gai et piqué
Ce n’est qu’une belle chimère
Qui satisfait ici vos vœux ;
Eh ! n’êtes-vous pas trop heureux
Qu’on vous séduise pour vous plaire ?
Dans ce qui flatte vos désir
Croyez tout ce qu’on fait paraître ;
On voit s’envoler les plaisirs
Lorsque l’on cherche à les connaître.

 

 

CD. LIRE notre critique du cd Pièces pour clavecin en concerts de Rameau par Bruno Procopio

 

VOIR notre reportage vidéo : Les Grands Motets de Rameau par Bruno Procopio à Cuenca (Espagne), Avec Maria Bayo (avril 2014)

CD, compte rendu critique. Rameau : Zaïs. Rousset, 2014 (3 cd Aparté, 2014)

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rameau zais rousset review account of critique cd classiquenewsCD, compte rendu critique. Rameau : ZaĂŻs. Rousset, 2014 (3 cd ApartĂ©). On ne saurait contester Ă  Christophe Rouset son sens du théâtre, dĂ©veloppĂ©, toujours nerveux sur une vaste palette de rĂ©pertoire comme l’attestent ses dernières rĂ©alisations chez ApartĂ© dĂ©jĂ  : Amadis, PhaĂ©ton et BellĂ©rophon, trilogie mĂ©ritante de Lully pour le XVIIè, Hercule Mourant de Dauvergne pour le XVIIIè. Ce Rameau s’inscrit très honorablement parmi les meilleures approches du chef dont une sĂ©cheresse et parfois une direction certes prĂ©cise mais mĂ©canique et un peu courte attĂ©nue l’approfondissement de certaines lectures. D’autant que dans le cas de ZaĂŻs, ouvrage de la pleine maturitĂ© et de l’annĂ©e – 1748 – miraculeuse pour le Dijonais Ă  Versailles, il s’agit d’un double dĂ©fi : orchestral comme l’atteste dès le formidable prologue, son ouverture qui avant Haydn et sa CrĂ©ation de 1800, exprime rien de moins que le nĂ©ant originel et l’organisation du monde (le Chaos et son dĂ©brouillement) ; puis autre dĂ©fi, le profil psychologique de ZĂ©lidie et de ZaĂŻs, cette dernière Ă©tant par sa couleur tragique sentimentale,  prĂ©figuration de la tendre Pamina de La FlĂ»te enchantĂ©e de Mozart.

Un entretien vidĂ©o avec le chef pour classiquenews, lors des reprĂ©sentations de ZaĂŻs Ă  l’OpĂ©ra royal de Versailles (octobre 2014) avait dĂ©montrĂ© l’ampleur visionnaire et le souffle poĂ©tique de l’Ă©criture d’un Rameau, gĂ©nie de la fragmentation, et dans les choix instrumentaux, narrateur hors pair des climats et des situations. HĂ©las, le livret de Cahusac, poète si rĂ©formateur et vrai complice pour Rameau, s’enlise souvent au point de dĂ©velopper dans des longueurs parfois difficiles Ă  tenir, certaines situations et de nombreux affrontements qui se rĂ©pètent.

piau_sandrineL’action met Ă  l’Ă©preuve l’amour de la mortelle ZĂ©lidie pour le gĂ©nie des airs ZaĂŻs. D’une distribution cohĂ©rente, on eut prĂ©fĂ©rĂ© pourtant diseurs plus habitĂ©s et nuancĂ©s que les voix serrĂ©s mais dĂ©jĂ  routinières des chanteurs des seconds rĂ´les. Seuls Zachary Wilder, Sylphe pĂ©tillant et fluide, et Hasnaa Bennani, Amour charmant et gracile caractĂ©risent sans emphase leurs rĂ´les respectifs. Pour le trio principal, BenoĂ®t Arnould fait un Condor un peu contraint et toujours très (trop) poseur dans son costume de faux sĂ©ducteur, Julian PrĂ©gardien dĂ©ploie en ZaĂŻs, une vĂ©ritable dentelle linguistique idĂ©alement tendre et de plus en plus affectueuse, mais affectĂ© par quelques aigus dĂ©jĂ  tendus ; reviennent Ă  Sandrine Piau (notre photo), toutes les palmes du style et de l’articulation inventive et pourtant stylĂ©e, d’une irrĂ©sistible autoritĂ© et vocale et dramatique : sa ZĂ©lidie affirme contre les prĂ©jugĂ©s tenaces sur l’opĂ©ra de Rameau, la profondeur psychologique du personnage fĂ©minin qui aurait dĂ» donner son nom Ă  la partition. Retenons l’Ă©loquence de ses rĂ©citatifs, au relief, Ă  la caractĂ©risation vivante qui suit chaque inflexion du texte : une dĂ©monstration de vitalitĂ© palpitante qui ressuscite chaque inflexion du texte avec une diversitĂ© expressive remarquable. Rien de tel hĂ©las chez ses partenaires cadets.

 

Evidemment, tout ballet hĂ©roĂŻque comprend de nombreuses entrĂ©es, divertissements, sĂ©quences purement chorĂ©graphiques oĂą règnent le chatoiement superlatif du toujours excellent choeur de chambre de Namur, idĂ©alement prĂ©parĂ©, Ă  la diction amoureuse et engagĂ©e, Ă  l’articulation prĂ©cises et suave : un modèle ici, et pour Rameau, l’autre personnage clĂ© de l’opĂ©ra. MalgrĂ© les Ă©pisodes parfois circonstanciels et rĂ©ellement conformistes, – qui finissent par appesantir le dĂ©roulement du drame, Ă©pisodes parfaitement et strictement redevables de l’esthĂ©tique Louis XV, Rousset sait colorer et articuler l’un des orchestres les plus raffinĂ©s de Rameau.

 

 

 

VOIR le reportage vidĂ©o de classiquenews sur ZAIS de Rameau Ă  l’OpĂ©ra royal de Versailles par Sandrine Piau et Christophe Rousset, novembre 2014

 

 

 

 

 

 

 

Cd, compte rendu critique. Rameau : Zaïs. Julian Prégardien, Sandrine Piau, Aimery Lefèvre, Benoît Arnould, Amel B-Djelloul, Hasnaa Bennani, Zachary Wilder. Choeur de chambre de Namur. Les Talens Lyriques. Christophe Rousset, direction. 3 cd Aparte. Enregistrement réalisé à Versailles en novembre 2014.

Reprise de Platée au Palais Garnier

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RAMEAU_AVED_448_Joseph_Aved,_Portrait_de_Jean-Philippe_Rameau_vers_1728Paris, Palais Garnier. Platée de Rameau : 7 septembre-8 octobre 2015. A l’origine, Rameau, compositeur officiel de la Cour de Louis XV à Versailles écrit cette Platée, comédie musicale avant l’heure, créée en 1745, d’une forme atypique mariant ballets et pantomimes à une action où les dieux sont convoqués à la noce de la Nymphe des marais, Platée. En raillant cette beauté hideuse que pourtant Jupiter annonce épouser, la partition fait basculer son propos comico satirique vers le miroir parodique : comme l’a précisé très justement William Christie lors d’une conférence concert sur Platée à l’Opéra-Comique en 2014, Platée tend le miroir aux spectateurs : ce que vous voyez, ce que vous moquez… c’est vous mêmes! Une charge sociale aussi mordante que le Falstaff de Verdi écrit à la fin du XIXè. La comédie et le stratagème mis en place pour railler Platée, sa trop coupable naïveté, épinglent en vérité l’arrogance crasse, la vanité ignorante qui règnent dans les milieux courtisans et politiques. Rameau au sommet de son art, supplante la nature même : imite le chant du hibou, le cri de l’âne, réinvente la notion même de ballet, imagine, trait génial, en un délire fameux, la Folie qui s’empare de la lyre d’Apollon, puis perfectionne tout un langage harmoniquement novateur, linguistiquement impertinent et ludique qu’il serait difficile aujourd’hui d’égaler.
La mise en scène de Laurent Pelly reste drôlatique et prend le parti de représenter Platée en grenouille, ce qui n’est justifié par aucune mention dans le livret. Qu’importe, pour souligner le fossé qui sépare l’adorable batracienne, du marais puant et nauséabond des dieux et des hommes persifleurs, la production, devenue un mythe scénique (avec Atys de Lully par William Christie) reprend donc du service avec une distribution nouvelle assez prometteuse (la soprano Julie Fuchs en Folie et Philippe Talbot dans le rôle-titre). A l’Opéra Garner à Paris, du 7 septembre 2015 et pour 13 représentations.

 

 

 

 

 

Platée de Rameau, repriseboutonreservation
Paris, Palais Garnier, du 7 septembre au 8 octobre 2015
13 reprĂ©sentations – 2h55 avec 1 entracte
Livret d’Adrien-Joseph Le Valois d’Orville, d’après Jacques Autreau

 

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CD, compte rendu critique. Rameau: Castor et Pollux. Pygmalion. Raphaël Pichon, direction (2 cd Harmonia Mundi).

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rameau-castor-et-pollux-version-1754-raphael-pichon-pygmalion-cd-harmonia-mundi-2-cd-comptre-rendu-critique-classiquenews-juillet-2015CD. Rameau: Castor et Pollux. Pygmalion. RaphaĂ«l Pichon, direction (2 cd Harmonia Mundi). MĂŞme si elle ne manque pas d’Ă©loquence instrumentale ni de dĂ©licatesse orchestrale (la direction du chef est de ce point de vue, idĂ©alement Ă©quilibrĂ©e et minutieuse), cette lecture souffre d’un plateau de protagonistes trop disparate.  Le Castor  de Colin Ainsworth déçoit de bout en bout par un manque de soutien, des aigus contournĂ©s et un style empoulĂ© et prĂ©cieux dont les artifices dĂ©naturent le simple rĂ©citatif de Rameau. SĂ©jour de l’Ă©ternelle paix sans tenue s’effiloche, sans vrai accentuation : le chanteur reste Ă  cĂ´tĂ© et du personnage et de la situation ; mĂŞme constat pour la mezzo ClĂ©mentine Margaine : PhĂ©bĂ©, surexpressive d’un bout Ă  l’autre. Les deux solistes s’enferment dans une lecture linĂ©aire, rĂ©ductrice et finalement caricaturale de leur personnage respectif : Castor ne cesse de se lamenter, de s’alanguir mollement; PhebĂ© perd toute justesse Ă  force d’exhorter : ses imprĂ©cations rĂ©pĂ©titives s’enlisent; fautive / perfectible, leur conception mĂŞme du rĂ©citatif français qui manque singulièrement de finesse comme de prĂ©cision : l’art de Rameau est ainsi, il ne souffre aucune imperfection
Meilleurs sont la Telaire d’Emmanuelle de Negri (remarqiable intensitĂ© et doloriste contenue, subtilite de l’articulation) ; Pollux du baryton Florian Sempey, mĂŞme si ce dernier affiche un timbre voilĂ© qui gĂŞne la parfaite clartĂ© de son texte. Son chant semble continĂ»ment serrĂ©, engorgĂ©.

Ambassadeur d’un Rameau ciselĂ©, Pichon dĂ©voile une remarquable sensibilitĂ© instrumentale pour la version de Castor et Pollux 1754

RĂ©ussite surtout orchestrale

Parmi les meilleures sĂ©quences celle d’HĂ©bĂ© qui ouvre la fin du IV, grâce Ă  l’intervention de la soprano Sabine Devieilhe (rayonnante vocalitĂ©) qui diffuse ce parfum de sensualitĂ© enivrĂ©e dans l’un des tableaux les plus dĂ©licats et amoureux de tout le théâtre ramĂ©lien : “Voici les dieux. …” Les deux gavottes pour Hebe synthĂ©tisent tous les dĂ©fis de la partition entre respiration et flexibilitĂ© comme suspendu et portĂ© par les flĂ»tes qui doivent ĂŞtre incandescentes et d’une subtilitĂ© rayonnante. MĂŞme français tendre et superbement articulĂ© du tĂ©nor Philippe Talbot pour Mercure, et l’air victorieux lumineux de l’athlète. AssurĂ©ment les piliers vocaux de cette version dont la plus remarquable rĂ©ussite se situe chez les instruments.

Danses en lĂ©gèretĂ© volubile et instrumentalement dĂ©taillĂ©es mais parfois courtes, tous les intermèdes flattent l’oreille par un raffinement instrumental prĂ©cis et Ă©quilibrĂ© qui sait nuancer dramatisme et suprĂŞme dĂ©licatesse. RaphaĂ«l Pichon pĂŞche mĂŞme par un excès de retenue qui s’apparente Ă  de la froideur. NĂ©anmoins parmi les remarquables prouesses de l’orchestre attestant d’une maĂ®trise des danses entre gracieuse suavitĂ© et nerf rythmique l’entrĂ©e d’HĂ©bĂ©, surtout, gorgĂ©es de saine aĂ©ration, les gavottes pour la mĂŞme HĂ©bĂ© dĂ©cidĂ©ment inspirante (l’Ă©poux de la soprano Devieilhe serait-il portĂ© par l’angĂ©lisme suave que lui inspire sa compagne Ă  la ville ?); la prĂ©cision mordante trĂ©pidante des passe pieds pour les Ombres heureuses et la très longue ritournelle affligĂ©e pudique de Telaire au dĂ©but du V restent elles aussi irrĂ©sistibles. Comme, pièce maĂ®tresse, la chaconne finale subtil Ă©quilibre entre abandon enchantĂ© et inĂ©luctable finalisation le tout articulĂ© et scintillant de milles Ă©clats instrumentaux …
Les choeurs sont diversement convaincants selon les Ă©pisodes. A part les hommes (Demons : Brisons les chaines), le choeur manque de prĂ©cision linguistique d’une façon gĂ©nĂ©rale, certes bons exĂ©cutants mais en retrait continu : la fĂŞte de l’univers qui clĂ´t le drame manque singulièrement d’ampleur et d’aĂ©rienne majestĂ© : c’est quand mĂŞme l’apothĂ©ose des deux frères Dioscures Ă  laquelle Rameau dĂ©die son final.

Version essentiellement instrumentale ou la prĂ©cision reste souveraine et sous le geste du chef affirme une dĂ©licatesse d’intonation passionnante; mais il manque le concours de solistes vrais personnalitĂ©s dramatiques et dans l’enchaĂ®nement des tableaux, un sens du théâtre continu.

C’est donc une lecture intĂ©ressante du point de vue instrumentale, mais cette version ici et lĂ  encensĂ©e comme la nouvelle rĂ©fĂ©rence, est loin de la maturitĂ© des aĂ®nĂ©s, pionniers chez Rameau et d’une toute autre inspiration : Harnoncourt ou Christie dĂ©cidĂ©ment inĂ©galables pour la comprĂ©hension profonde de l’opĂ©ra le plus jouĂ© du vivant de Rameau et après sa mort jusqu’Ă  la chute de l’ancien rĂ©gime sous le règne de Marie-Antoinette. Si Harmonia Mundi avait optĂ© pour un disque d’extraits comme une Suite de danses, le geste affĂ»tĂ©, ciselĂ© et dĂ©licat de Pichon aurait mĂ©ritĂ© un CLIC de classiquenews, assurĂ©ment.

CD. Rameau : Castor et Pollux (version 1754). Avec Philippe Talbot (Mercure, Un Athlète), Sabine Devieilhe (une Suivante d’HĂ©bĂ©), Emmanuelle de Negri (TĂ©laĂŻre), … ChĹ“ur et orchestre Pygmalion. RaphaĂ«l Pichon, direction. 2 cd Harmonia Mundi HMC 902212.13. EnregistrĂ© Ă  Montpellier en juillet 2014

William Christie dirige Rameau et Mondonville

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William Christie au Château de Vaux le VicomteArte. Dimanche 28 juin 2015, 18h30. Le Baroque de Christie. Mondonville, Rameau : du grand motet Ă  l’opĂ©ra ballet. Le XVIIIè en majestĂ©. SoirĂ©e baroque Ă  la Philharmonie de Paris. Direction musicale : William Christie L’âge d’or de la musique baroque française, entre sacrĂ© et profane est projetĂ© et dĂ©fendu par un collectif  les Arts Florissants et leur chef fondateur William Christie qui interprètent ainsi leur rĂ©pertoire de prĂ©dilection. Les Arts Florissants, qui viennent de fĂŞter leurs 35 ans d’existence, donnent accompagnĂ©s de leur directeur musical principal un programme qui illustre leur dĂ©vouement Ă  la musique baroque et, tout particulièrement, aux compositeurs français du XVIII ème siècle. L’ensemble sur instruments anciens y fait dialoguer la musique religieuse et les accents dramatiques mais si poĂ©tiques des Indes Galantes, opĂ©ra ballet gĂ©nial conçu avec le librettiste Fuzelier dont on connaĂ®t par ailleurs le talent dans le genre comique : habituĂ©s des trĂ©teaux  de la foire avant de subjuguer Ă  l’opĂ©ra, Rameau Ă  certainement rencontrĂ© l’Ă©crivain librettiste aux  foires parisiennes Saint-Germain ou Saint-Laurent.

Pour la musique profane, William Christie  a sĂ©lectionnĂ© plusieurs extraits des Indes Galantes de Jean-Philippe Rameau parmi lesquelles la cĂ©lèbre entrĂ©e Les Sauvages, sĂ»rement la partie la plus connue de cet opĂ©ra en quatre actes, qui sous couvert de fables amoureuses rococo (l’oeuvre a Ă©tĂ© crĂ©Ă©e et complĂ©tĂ©e dans les annĂ©es 1730), Fuzelier et Rameau dĂ©fendent une vision humaniste dĂ©jĂ  propre Ă  l’esprit des lumières. Les Incas du PĂ©rou n’y sont pas dĂ©peints avec l’arrogance supĂ©rieure des colons occidentaux mais avec le regard fraternel de vrais humanistes pĂ©nĂ©trĂ© par les valeurs  de Rousseau  (son idĂ©al du bon sauvage non perverti par la soif de l’or et la duplicitĂ© des urbanisĂ©s venus de l’ancien monde).

Cette histoire d’amour qui enchante par son extravagance et son parfum d’exotisme est aussi un sujet engagĂ© et fraternel  qui porte les valeurs humanistes  et universelles  des Lumières. Pour la musique sacrĂ©e, In exitu Israel de Mondonville, originellement destinĂ© aux messes royales cĂ©lĂ©brĂ©es en prĂ©sence de Louis XV et qui est caractĂ©ristique du grand motet français compte parmi les neuf « motets Ă  grands choeurs et orchestre » qui ont Ă©tĂ© prĂ©servĂ©s Ă  ce jour. La distribution vocale de la soirĂ©e comprend des partenaires de longue date des Arts Florissants, le baryton Marc Mauillon (laurĂ©at de l’acadĂ©mie qu’il a fondĂ©e Le jardin des Voix) un artiste que l’on a entendu dernièrement dans les Grands Motets de Rameau en Europe et dans Les FĂŞtes VĂ©nitiennes de Campra Ă  l’OpĂ©ra comique Ă  Paris et la soprano Danielle de Niese qui participait Ă  la production emblĂ©matique d’Andrei Serban des Indes Galantes en 2003 Ă  l’OpĂ©ra national de Paris Ă©galement dirigĂ©e par William Christie ou la fantaisie baroque The Enchanted Island donnĂ©e au Met de New York fin 2011.

Sens du verbe incarnĂ©, caractĂ©risĂ©, dramatisĂ©,  vision architecturĂ©e et puissante, goĂ»t habitĂ© des intentions du drame inscrit dans chaque texte font de la direction de William Christie l’une des profondes  et des plus investies dans le rĂ©pertoire baroque français.

arte_logo_2013ARTE, dimanche 28 juin 2015, 18h30. Mondonville et Rameau : la musique au XVIIIè. William Christie, direction. Avec Les Arts Florissants. Coproduction : ARTE France, CLC Productions (43min). Enregistrée le 16 janvier 2015 à la Philharmonie de Paris

Au programme :

J.J. CassanĂ©a de Mondonville – In exitu Israel (Grands Motets, extraits)

J.P. Rameau – Les Indes Galantes (extraits)

Portrait de Rameau en génie baroque

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Un Rameau mĂ©connu : Les FĂŞtes de PolymnieArte, samedi 6 juin, 20h50. Rameau, maĂ®tre du baroque. Documentaire inĂ©dit (2014, Olivier Simonnet).Cadet de deux ans des autres gĂ©nies du XVIIIème, Haendel et Bach, Rameau, nĂ© sous la règne de Louis XIV (en 1683), atteint la pleine maturitĂ© lyrique la cinquantaine passĂ©e (1733 : crĂ©ation de son premier chef d’oeuvre scandaleusement gĂ©nial : Hippolyte et Aricie). Inventeur de nouvelles formes entre l’opĂ©ra tragique, le ballet, la comĂ©die, Rameau ne cesse de se dĂ©rober Ă  toute catĂ©gorisation rĂ©ductrice : un conscience des lumières, le Dijonais a subtilement colorĂ© chacune de ses partitions d’une lecture humaniste très engagĂ©e pour l’Ă©poque ; ce qui en fait un compositeur moins officiel et complaisant que complexe, critique, lettrĂ©, allusivement humaniste, un compositeur philosophe qui a de facto collaborĂ© avec Voltaire (Samson avortĂ©, puis La Princesse de Navarre et ZaĂŻs dont le profil de la princesse ZĂ©lidie synthĂ©tise les idĂ©aux maçonniques et fraternels du musicien).
Le docu diffusĂ© par Arte souligne d’abord la première carrière de Rameau – avant l’opĂ©ra, comme organiste (comme son père) : Ă  Dijon, Clermont-, Saint-Etienne, Avignon puis Lyon (c’est probablement pour la capitale des Gaules que Rameau compose dans un contexte encore imprĂ©cis, ses fameux et grandioses Grands Motets).
Parisien, Rameau s’impose par sa science musicale : son Hippolyte et Aricie de 1733 affirme plus qu’un talent : son gĂ©nie. Dans son Ă©criture, coule dĂ©sormais la grâce tragique et la noblesse hĂ©roĂŻque de Racine, dont la langue dĂ©clamĂ©e est sublimĂ©e par une Ă©criture musicale d’une inspiration inĂ©dite jusqu’alors.

 

 

 

Le portrait docu que diffuse Arte restitue hélas une facette convenue

Rameau, esprit baroque ou conscience des Lumières ?

 

rameau-documentaire-2015-ARTE-philippe-villiersDevenu compositeur de la chambre en 1745, Rameau, premier musicien du règne de Louis XV, renouvelle le faste poĂ©tique des cĂ©lĂ©brations dynastiques Ă  Versailles, comme ce fut le cas au siècle prĂ©cĂ©dent grâce Ă  Lully, compositeur officiel de Louis XIV. Certes, le portrait prĂ©sentĂ© par Arte ne manque pas d’intĂ©rĂŞt mais il y manque les spĂ©cialistes français du compositeur dont le pionnier William Christie et l’un des meilleurs connaisseurs actuels parmi la nouvelle gĂ©nĂ©ration des ramistes inspirĂ©s : le claveciniste et chef d’orchestre Bruno Procopio. De fait, le docu qui se veut exhaustif manque son enjeu mĂŞme s’il est riche en Ă©vocations et sĂ©quences musicales lyriques : le thĂ©oricien sensuel, passionnĂ© par les effets de la Nature comme les vertiges du sentiments est gommĂ© par un portrait assez lisse et convenable, qu’incarne avec une absence de profondeur le comĂ©dien Philippe Villiers. Y paraissent la soprano Sabine Devielhe, le tĂ©nor Cyril Dubois, les chefs Pichon, Minkowski, Rouset. Diantre, le gĂ©nie de Rameau dont on fĂŞtait en 2014, les 250 ans de la disparition, mĂ©ritait un tout autre Ă©clairage, plus intimement connaisseur des dernières trouvailles sur la personnalitĂ© comme l’esprit du musicien : un crĂ©ateur qui depuis les Indes Galantes (Ă  l’humanisme inouĂŻ Ă  son Ă©poquegrâce aussi au livret de Fuzelier, se montre dans sa dernière oeuvre de 1764, Les BorĂ©ades, trop moderne et engagĂ©… pour ĂŞtre de facto interdit : l’ultime opĂ©ra sera annulĂ© car on y dĂ©cela des critiques Ă  peine masquĂ©es contre la torture, comme en tĂ©moigne ce que subit sur scène la princesse Alphise, victime dĂ©signĂ©e du roi BorĂ©e… Louis XVI abolira après la mort de Rameau la torture contre les prisonniers. Cette modernitĂ© humaniste de Rameau est totalement gommĂ©e du documentaire. Triste oubli entre autres qui continue de nourrir sur le compositeur toujours les mĂŞmes idĂ©es rĂ©ductrices : Rameau est un gĂ©nie baroque emperruquĂ©e, trop savant… Or il est moins baroque que des Lumières et son orchestre annonce le romantisme tourmentĂ© et ciselĂ© de Berlioz. Dommage.

Arte, samedi 6 juin, 20h50. Rameau, maître du baroque. Documentaire inédit (2014, 1h32. Réalisation : Olivier Simonnet)

Reportage vidĂ©o : L’Inde Galante par les collĂ©giens de Trappes et les Pages du CMBV (fĂ©vrier 2015)

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visuel-_-inde-galante-cmbv-trappes-et-Versailles-Rameau-classiquenews-le-quatuor-de-solistes-les-pages-de-la-Maitrise-du-cmbv-10-fevrier-2015-compte-rendu-critique-inde-galante-de-RameauL’Inde Galante d’après Rameau (fĂ©vrier 2015). Rencontre pĂ©dagogique. A l’initiative du Cmbv, Centre de musique Baroque de Versailles, les collĂ©giens de Trappes et les Pages du Centre de musique baroque de Versailles travaillent ensemble pour un spectacle inspirĂ© des Indes Galantes de Rameau : L’Inde Galante. RĂ©pĂ©titions et sĂ©ances de travail Ă  Trappes (cours de danse, de dĂ©clamation et de chant) puis reprĂ©sentation Ă  Trappes (La Merise) et Ă  l’OpĂ©ra royal de Versailles (les 10 puis 12 fĂ©vrier 2015), la performance Ă©tonne et convainc en rĂ©ussissant la rencontre entre jeunes de la mĂŞme gĂ©nĂ©ration mais  d’univers diffĂ©rents. La transmission, l’apprentissage du collectif autour d’une Ĺ“uvre baroque majeure Ă  laquelle sont associĂ©s des textes des Lumières (maximes de l’AbbĂ© Raynal) percutants par leur engagement humaniste font tout l’intĂ©rĂŞt de cette production atypique, aux vertus pĂ©dagogiques et culturelles multiples.  Edifiant. Reportage vidĂ©o de 22 mn © studio CLASSIQUENEWS.com 2015

Dardanus de Rameau

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RAMEAU 2014 : sĂ©lection cdFrance Musique, samedi 23 mai, 19h30. Dardanus de Rameau. En dĂ©pĂ®t d’un livret faible et bien peu vraisemblable, Rameau Ă©crit une musique parmi les plus inspirĂ©es de son catalogue oĂą la magie et le fantastique produisent plusieurs scènes pathĂ©tiques et tragiques dignes de Corneille et Racine. L’intrigue pose les jalons d’un huit clos amoureux composĂ© de trois protagonistes : Iphise est aimĂ©e par deux prĂ©tendants : AntĂ©nor et Dardanus. Ce dernier ennemi de son père Teucer, est le seul aimĂ© par la princesse. Comme toujours le surnaturel et le fantastique font la valeur des hĂ©ros et rĂ©vèlent leurs talents : Dardanus sauve des griffes du monstre AntĂ©nor qui laisse son rival Ă©pouser Iphise.

Depuis son premier opĂ©ra Hippolyte et Aricie en 1733, Rameau ne cesse d’attiser la haine des lullistes. .. avec le succès des Indes galantes puis des FĂŞtes d’Hebe, Dardanus propose un nouveau regard sur la tragĂ©die lyrique, combinaison stimulante de l’amour, du merveilleux, du surnaturel fantastique et spectaculaire. En bien des points, Rameau d’ouvrage tragique en ballet enchanteur va toujours plus loin. Formellement, harmoniquement.

Pierre_Jelyotte Dardanus Rameau jeliotteLe livret de Leclerc de la Bruère, jeune auteur Ă  la mode, un temps favorisĂ© par Voltaire, est plus digne d’un OpĂ©ra ballet que d’une tragĂ©die. .. Son manque d’unitĂ© et de progression dramatique, son caractère dĂ©cousu affaiblissent en vĂ©ritĂ© un ouvrage que seul le traitement musical Ă©lève au rang de chef d’oeuvre : fils de Jupiter, Dardanus fait basculer le prĂ©texte mythologique vers le merveilleux et le pouvoir des enchantements. Mais la prose et la construction poĂ©tique de La Bruère n’a pas l’intensitĂ© ni la tension des livrets de Pirrhus (Royer, 1730), ou de JephtĂ© de MontĂ©clair (1732).

Les deux amants Iphise et Dardanus s’aiment contre la volontĂ© des hommes : les obstacles inventĂ©s par La Bruère manquent de nĂ©cessitĂ© dramatique, ils tombent souvent Ă  plat dans le flux du drame : autoritĂ© du père d’Iphise (Teucer), rivalitĂ© du guerrier Antenor (qui aime aussi Iphise), formidable monstre destinĂ© Ă  rĂ©vĂ©ler la valeur de chacun. .. pire, les Ă©pisodes dansĂ©s et les tableaux merveilleux sont mal intĂ©grĂ©s Ă  l’action. Superposition plutĂ´t que fusion. .. malheureuse.

 

 

 

Le merveilleux dans Dardanus

 

piranese prisons dardanus RameauD’emblĂ©e, pourtant, ce qui frappe dans Dardanus, c’est la place du merveilleux et de la magie : prĂ©sence du magicien IsmĂ©nor dont le pouvoir accompagne Dardanus, et dĂ©voile Ă  ce dernier les vrais sentiments d’Iphise Ă  son Ă©gard ; puis sommeil de Dardanus et songe du hĂ©ros (avec divertissement dansĂ©) soudainement libĂ©rĂ© d’une prison oĂą il Ă©tait tenu prisonnier (superbes dĂ©cors de Piranèse pour la reprise de l’opĂ©ra après sa crĂ©ation), enfin monstre affreux qui rĂ©vèle Dardanus Ă  sa vraie nature : un hĂ©ros vainqueur promis Ă  l’amour. .. Qu’il s’agisse de la version initiale de 1739 ou de celle de 1744, la partition captive par sa caractĂ©risation musicale : le compositeur sait Ă  l’inverse des divertissements dansĂ©s au prĂ©texte totalement invraisemblable, approfondir la psychologie des protagonistes, concevoir des situations aux couleurs harmoniques inĂ©dites qui forcent l’admiration : le mode lugubre de la prière de Dardanus (Lieux funestes oĂą tout respire la honte et la douleur) dans sa prison, reste un moment inoubliable dont la profondeur et la justesse Ă©motionnelle Ă©gale la prière de TelaĂŻre dans Castor et Pollux (Tristes apprĂŞts, pâles flambeaux. ..). Si les vers de La Bruère sont indiscutablement bien trempĂ©s, le livret dans sa totalitĂ© n’a pas la mĂŞme cohĂ©rence : le poète Ă©tait bon pour la sĂ©quence non pour le drame dans sa continuitĂ©. Mais pour la crĂ©ation, Rameau a pu compter sur le tempĂ©rament virtuose du tĂ©nor JĂ©liotte, dont il fait son chanteur favori…

Le jeune ensemble Pygmalion et son chef Raphael Pichon ont fait de Rameau leur fond de commerce mais avec un verdeur encore perfectible : en témoigne encore leur récent enregistrement de Castor et Pollux, réalisé à Versailles : pas assez cohérent, poétiquement instable. En avril 2015, leur escale bordelaise pourrait indiquer une nouvelle maturité dans leur approche… A suivre donc.

Rameau : Dardanus à l’Opéra de Versailles, de Bordeaux

Mise en scène, Michel Fau
DĂ©cors, Emmanuel Charles
Costumes, David Belugou
Lumières, Joël Fabing
Maquillages et masques, Pascale Fau
Chorégraphe, Christopher Williams
VĂ©nus, Karina Gauvin
Iphise, Gaëlle Arquez
Dardanus, Frédéric Antoun
Anténor, Florian Sempey
Teucer, Isménor, Nahuel di Pierro
Un songe, l’Amour, une phrygienne,
Katherine Watson
Un Phrygien, Etienne Bazola
Un Songe, Virgile Ancely
Un Songe, Guillaume Gutiérrez
Ensemble Pygmalion Chœur et Orchestre
Direction musicale, Raphaël Pichon

 

 

Illustrations : Rameau, Pierre Jéliotte / Jélyotte, les prisons de Piranèse (DR)

 

 

Rameau : Dardanus sur culturebox

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piranese prisons dardanus RameauRameau : Dardanus. En direct sur culturebox, , le 22 avril 2015, 20h. Depuis l’Opéra de Bordeaux. Dardanus, opéra spectaculaire de Rameau, est à l’affiche de l’Opéra de Bordeaux de 18 au 22 avril 2015. Une jeune équipe aborde l’une des tragédies lyriques les plus ambitieuses de Rameau, comptant des profils individuels parfaitement caractérisés, des épreuves amoureuses intenses, des épisodes collectifs, infernaux et dansés parmi les plus impressionnants et spectaculaires jamais écrits. En homme des Lumières, Rameau ne fait pas que divertir. Le théoricien expérimentateur superbement honoré pendant son année 2014, ose tout dans Dardanus : réinventer l’opéra, renouveler la langue des passions, enrichir les modes du spectacle. Sur un livret au flux invraisemblable, Rameau déploie en toute liberté la sainte fantaisie de la musique : Dardanus est ainsi le plus merveilleux des contes de fées écrit par le Dijonais. Le jeune héros Dardanus, futur fondateur de Troie, aime Iphise que le père Teucer, ennemi du héros, destine à Anténor, chef guerrier rival de Dardanus. Mais dans l’optique maçonnique souvent à la source de l’inspiration ramélienne, Dardanus l’élu doit certes souffrir et éprouver le destin mais il est aidé en cela par son mentor, guide spirituel et entité positive, Isménor qui lui remet une baguette magique, à la manière de la flûte enchantée de Mozart. C’est aussi comme dans tout opéra, la métamorphose du « méchant » peu à peu enclin à la bonté : ainsi Anténor, sauvé du monstre par Dardanus, sait être reconnaissant et loyal et renonce à Iphise en faveur du héros des lumières. LIRE notre présentation de Dardanus de Rameau

 

 

Rameau : Dardanus à l’Opéra de Bordeaux

Mise en scène, Michel Fau
Décors, Emmanuel Charles
Costumes, David Belugou
Lumières, Joël Fabing
Maquillages et masques, Pascale Fau
Chorégraphe, Christopher Williams
Vénus, Karina Gauvin
Iphise, Gaëlle Arquez
Dardanus, Frédéric Antoun
Anténor, Florian Sempey
Teucer, Isménor, Nahuel di Pierro
Un songe, l’Amour, une phrygienne,
Katherine Watson
Un Phrygien, Etienne Bazola
Un Songe, Virgile Ancely
Un Songe, Guillaume Gutiérrez
Ensemble Pygmalion Chœur et Orchestre
Direction musicale, Raphaël Pichon

Les 18, 20, 22, 24 et 26 avril 2015, 20h (le 26 Ă  15h)

 

 

 

Compte rendu, opéra. Toulouse. Théâtre du Capitole, le 31 mars 2015. Jean-Philippe Rameau (1683-1764) : Castor et Pollux, Tragédie en cinq actes, version de 1754 ; Mariame Clément, mise en scène ; Julia Hansen, décors et costumes ; Bernd Purkrabek , lumières ; FettFilm (Momme Hinrichs et Torge Møller), vidéo ; Antonio Figueroa, Castor ; Aimery Lefèvre, Pollux ; Hasnaa Bennani, Cléone / Une suivante/ Une Ombre heureuse ; Hélène Guilmette, Télaïre ; Gaëlle Arquez, Phébé ; Dashon Burton, Jupiter ; Sergey Romanovsky, L’Athlète / Mercure ; Konstantin Wolff, Le Grand Prêtre de Jupiter / Une Voix ; Choeur du Capitole ; Alfonso Caiani direction ; Les Talens Lyriques ; Christophe Rousset, direction musicale.

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castor-pollux-rameau-Rameau au Capitole est bien servi, après Hippolyte et Aricie en 2009, les Indes Galantes en 2012, voici Castor et Pollux cette saison. Il ne manque plus que PlatĂ©e pour que notre bonheur soit total. Rameau demande beaucoup. Certes la partition regorge de beautĂ©s mais il est important que la mise en scène soit habile afin que lâ€intĂ©rĂŞt du spectateur moderne soit maintenu. MĂŞme dans Castor et Pollux de 1754 l’intrigue est maigre et les ballets sont nombreux qui coupent tout Ă©lan dramatique. Lâ€intelligence de la mise en scène de Mariame ClĂ©ment est parfaitement secondĂ©e par des costumes simples et beaux et un dĂ©cor monumental, un double escalier central, qui permettent au spectacle de soutenir notre intĂ©rĂŞt y compris dans les ballets. C’est un parti pris audacieux que cette absence de danses, remplacĂ©es par du théâtre et des mimes. L’histoire est ainsi dĂ©clinĂ©e dans le temps, par un habile retour vers l’enfance des quatre hĂ©ros ; nous comprenons mieux les liens complexes qui les unissent. Tout avance donc sans temps morts. Les chĹ“urs jouent très bien et les solistes, secondĂ©s par des enfants, prennent un relief passionnant.

Tendres et beaux Castor et Pollux Ă  Toulouse

Le théâtre s’invite mais c’est bien les voix qui dominent le plateau, mĂŞme avant l’orchestre. Nous le dirons d’emblĂ©e l’orchestre de Rameau pose un problème qui ce soir n’a pas Ă©tĂ© rĂ©solu par Christophe Rousset et ses superbes musiciens des Talens Lyriques. Très haut dans la fosse, l’orchestre sonne souvent trop fort et lourd. C’est un peu le dĂ©faut des instruments anciens lorsqu’ils sont sommĂ©s, comme ce soir de sonner trop pour montrer leur puissance après des annĂ©es de trop modestes possibilitĂ©s. La direction ferme et puissante de Christophe Rousset fait sensation mais les passages sensibles ne touchent pas assez. Les couleurs sombres de lâ€orchestre avec des basses très prĂ©sentes, manque de lumière. La direction est efficace, mais un peu trop sèche et manquant de moelleux. L’équilibre avec le plateau a fait dĂ©faut lors de la scène des enfers de l’acte IV lorsque la voix du «vaillant Pollux » se perd alors que PhĂ©bĂ©, Mercure et les dĂ©mons traversent la puissance orchestrale dĂ©chainĂ©e.

La fête vocale est magnifiée par les dames. En Phébé, Gaëlle Arquez brûle les planches et sa voix paraît d’une puissance enviable. Le beau mezzo de tempérament a une autorité indiscutable. La présence du personnage infernal séduit et inquiète à la fois. La Télaïre d’Hélène Guilmette a également une belle présence scénique et la voix fruitée de soprano lyrique sait galber les lignes de chant avec art. Tout au plus, un manque de fragilité en particulier dans l’air triste flambeau suscite des réserves. Mais la mise en scène lui demande une présence forte que la voix soutient parfaitement.
Le Castor d’Antonio Figueroa est vocalement d’une tendresse idĂ©ale. Voix de miel, le tĂ©nor sait chanter avec art son rĂ´le d’amoureux que rien n’arrĂŞte. Aux Enfers il manquera un peu de vaillance mais l’essence de cette voix semble ĂŞtre de rendre des sentiments dĂ©licats seulement. En Pollux, Aimery Lefèvre est sensible et douloureux. La belle voix souple phrase Ă  la perfection. Mais la grandeur du monarque et du fils d’un dieu, Ă©ternel lui mĂŞme, fait dĂ©faut. Dashon Burton, campe un Jupiter inattendu et plein dâ€humour. La voix est moelleuse et sĂ©duisante et le jeu du jeune baryton est parfait. Ce Dieux de l’argent est si vraisemblable et fantasque Ă  la fois…
En Plusieurs rĂ´les, dont une formidable « trompette », Sergey Romanovsky est un tĂ©nor impertinent par sa capacitĂ© de rivaliser avec des sons d â€airains comme une grande noblesse dans la partie de Mercure. VoilĂ  un engagement vocal impressionnant Ă  suivre dans des rĂ´les plus longs et complexes. Le chĹ“ur du capitole admirablement prĂ©parĂ© par Alfonso Caiani a magnifiĂ© les si beaux chĹ“urs de Rameau, oscillants entre douleur et splendeur avec des couleurs superbes. Tout particulièrement le pupitre de tĂ©nor a semblĂ© pur et lumineux.

Cette production du Theater an der Wien a eu un beau succès Ă  Toulouse. Ce parfait mĂ©lange de théâtre et de chant est digne du chef d â€Ĺ“uvre de Rameau. La distribution sans faiblesse, la mise en scène stimulante et la direction musicale Ă©nergique ont portĂ© haut l’esprit de la TragĂ©die Lyrique au Capitole. L’Ă©quipe soudĂ©e pour ce spectacle total, en ces temps incertains rĂ©conforte par un tel engagement.

CD. Rameau : Les Fêtes de Polymnie, 1745. Orfeo Orchestra, György Vashegyi (2 cd Glossa)

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rameau-cd-fetes-de-polymnie-1745-orfeo-orchestra-gyorgy-Vashegyi-2-cd-glossa-clic-de-classiquenewsCD. Rameau : Les FĂŞtes de Polymnie, 1745. Orfeo Orchestra, György Vashegyi (2 cd Glossa). Voici le premier cd dĂ©coulant de l’annĂ©e Rameau 2014. Le prĂ©sent titre est d’autant plus mĂ©ritoire qu’il dĂ©voile la qualitĂ© d’une partition finalement très peu connue et qui mĂ©rite ce coup de projecteur car elle incarne le sommet de l’inspiration du Dijonais, ces annĂ©es 1740 qui marquent assurĂ©ment la plĂ©nitude de son gĂ©nie … 1745 est une annĂ©e faste pour Rameau.  Aux cĂ´tĂ©s de PlatĂ©e, ces FĂŞtes de Polymnie soulignent une inventivitĂ© sans limites. Le compositeur mĂŞle tous les genres,  renouvelle profondĂ©ment le modèle officiel et circonstanciel dĂ©jĂ  conçu et dĂ©veloppĂ© par Lully. En guise d’une Ĺ“uvre qui fait l’apologie de Louis XV comme l’a fait Lully s’agissant de Louis XIV au siècle prĂ©cĂ©dent, Rameau livre un triptyque d’une flamboyante diversitĂ© de formes et de genres poĂ©tiques.  Les titres de chaque EntrĂ©e indiquent ainsi les dĂ©veloppements musicaux libres et originaux : histoire,  fable,  fĂ©erie.  Un prodige de renouvellement des modes dramatiques d’autant plus qu’il n’est pas uniquement question de mythologie : Ă  ce titre l’argument et le climat de la troisième dĂ©passe tout ce qui a Ă©tĂ© entendu jusque lĂ  tant le dernier volet dĂ©veloppe singulièrement le thème fĂ©erique qui le porte…

Prolongement de l’annĂ©e Rameau 2014, le FĂŞtes de Polymnie sont une redĂ©couverte majeureDĂ©lices orchestraux et vocaux de Polymnie

Un Rameau mĂ©connu : Les FĂŞtes de PolymnieLe lien de tout cela est prĂ©servĂ© par un formidable orchestre qui palpite et bondit, s’enivre et s’alanguit, rĂ©ussissant la caractĂ©risation de chaque danse, revendiquant par une instrumentation miroitante et brillante (trompettes et cors sont tous mĂŞme spĂ©cifiquement honorĂ©s et sollicitĂ©s par Zimes dans le III),  la souverainetĂ© expressive de l’orchestre : la divine musique que nous sert Rameau en particulier dans cette entrĂ©e III, saisit par sa majestĂ© comme sa suavitĂ©. Orfeo Orchestra sous la baguette fine et nerveuse de György Vashegyi dĂ©cuple de saine inspiration dans La FĂ©erie : la puissance Ă©vocatrice de l’orchestre qui en guise de fond fĂ©Ă©rique imagine la clameur de la chasse et du motif cynĂ©gĂ©tique, captive : c’est un dĂ©ferlement d’invention mĂ©lodique, harmonique, rythmique, perpĂ©tuel… le tout attestant du gĂ©nie de Rameau et renouvellant de fait, la tradition de l’opĂ©ra ballet de circonstance.

La distribution convainc diffĂ©remment selon les tableaux.  Disons que les hommes se montrent Ă  la hauteur de la partition… Le soprano charnu d’AurĂ©lie Leguay pose un problème d’intention poĂ©tique et de technique : le chant dĂ©borde souvent la dĂ©licatesse ramĂ©lienne : rĂ©serves soulevĂ©es par sa MnĂ©mosyne carrĂ©ment surjouĂ©e et peu intelligible (Prologue); puis dans son ArgĂ©lie,  carrĂ©ment ampoulĂ©e,  aux aigus Ă©tranglĂ©s pour le troisième volet (et une justesse bien alĂ©atoire) ; en revanche quel aplomb et quel panache linguistique affirme Mathias Vidal, Ă©nergie voire vĂ©hĂ©mence d’un engagement toujours parfaitement articulĂ© (voilĂ  qui prolonge ses rĂ©ussites exemplaires avec le CMBV : Atys de Piccinni,  et relevant de la mĂŞme annĂ©e Rameau 2014 : Bacchus surtout Trajan dans la très convaincante rĂ©crĂ©ation du Temple de la gloire, autre rĂ©vĂ©lation de cette annĂ©e de commĂ©moration avec donc cette Polymnie flamboyante. Un prochain disque du Temple de la Gloire est Ă©galement annoncĂ© d’ici la fin 2015.

CLIC D'OR macaron 200Au sommet d’une partition qui aurait pu seulement plaire et flatter – c’est Ă  dire polir et sculpter la solennitĂ© dĂ©corative au sacrifice de l’intĂ©rioritĂ©,  le baryton Thomas DoliĂ© se distingue nettement. La seconde entrĂ©e, L’histoire, impose un Ă©tonnant brio des cuivres, la rĂ©sonance des percus et le chĹ“ur Ă  la fĂŞte, visiblement très engagĂ©s dans l’expression du retour de la gloire grâce au hĂ©ros vertueux et clĂ©ment (SĂ©leucus) : Ă  nouveau la noblesse hĂ©roĂŻque de Thomas DoliĂ©, campe le vainqueur sublime SĂ©leucus ; dans sa somptueuse virilitĂ© chantante s’Ă©coule dĂ©jĂ  tous les souverains idĂ©alisĂ©s par Les Lumières : roi magnanime et comprĂ©hensif, surtout père prĂ©occupĂ©, exemplaire… la richesse du timbre, la simplicitĂ© et le naturel de l’articulation, l’intelligibilitĂ© font ici un modèle de chant engagĂ©, prĂ©cis, d’une rare intelligence dramatique. Puis, le chanteur touche au sublime pathĂ©tique dans la solitude de Zimes au III… souci du verbe, justesse Ă©motionnelle,  simplicitĂ© et mesure du style (air : Que deviens je ?)… tant de grâce noble et raffinĂ©e fait espĂ©rer demain un superbe ThesĂ©e (Hippolyte et Aricie) ou un non moins coeur foudroyĂ© idĂ©al pour le rĂ´le d’AnthĂ©nor dans Dardanus et son fameux air “Monstres affreux”…: que les directeurs n’oublient pas son formidable potentiel.

Lumineuse,  tendre,  d’un brio irrĂ©sistible,  le soprano d’EmĹ‘ke Baráth est l’autre perle vocale de la distribution (Polymnie puis une syrienne dans le Prologue et le III). La prĂ©sence de VĂ©ronique Gens reste prĂ©cieuse mĂŞme si la voix hĂ©las n’offre plus rien dans les aigus Ă  peine soutenus et constamment confus.
Sa Stratonice a la distinction altière et royale (malgrĂ© ses aigus tirĂ©s, vibrĂ©s, confus) : elle fait une princesse tiraillĂ©e, dont l’amour pour son beau fils, Antiochus, fait une cougar, traĂ®tresse au roi SĂ©leucus. Son “Triste recours des malheureux” partage avec Phèdre d’Hippolyte et Aricie, une souveraine gravitĂ©, digne des plus grandes tragĂ©dies de Rameau.DistinguĂ©e, racĂ©e, ainsi Gens / Stratonice parvient Ă  convaincre (n’a t elle pas l’âge et la fatigue manifeste du rĂ´le?). Sachons donc reconnaĂ®tre la finesse de sa diction toujours d’un port princier. .. qui fait mouche mĂŞme dans le rĂ´le de la mère aux vertus magiciennes d’Oriane.

Thomas DoliĂ©,  Mathias Vidal,  EmĹ‘ke Baráth font les dĂ©lices vocaux de cette rĂ©crĂ©ation attendue pour l’annĂ©e Rameau.  La tenue musicale,  fluide, ronde,  prĂ©cise de l’orchestre,  la qualitĂ© du chĹ“ur ajoutent Ă  l’excellence artistique du prĂ©sent enregistrement : un autre fleuron Ă  possĂ©der d’urgence dans le prolongement du Rameau concertant et transposĂ© du jeune ensemble ZaĂŻs de BenoĂ®t Babel (1 cd Parary)…. en attendant le ZaĂŻs avec la subtile et irrĂ©sistible Sandrine Piau dans le rĂ´le clĂ© de ZĂ©lidie (voir notre reportage vidĂ©o ZaĂŻs de Rameau,  recrĂ©ation de novembre 2014).

CD. Rameau : Les FĂŞtes de Polymnie, 1745. Ballet hĂ©roĂŻque en un Prologue et Trois actes : La Fable, L’Histoire, La FĂ©erie. Avec Thomas DoliĂ©, Mathias Vidal, Emoke Barath, VĂ©ronique gens, AurĂ©lia Legay, Marta Stefanik, Domonkos BlazsĂł… Purcell Choir, Orfeo Orchestra. György Vashegyi, direction. Enregistrement rĂ©alisĂ© en Hongrie, Palace des Arts, en avril 2014 (2 cd Glossa rĂ©f.: GCD 923502).

VIDEO : voir notre reportage exclusif Les Fêtes de Polymnie de Rameau, extraits musicaux de la production dirigée en Hongrie par György Vashegyi

Reportage vidéo : Le Temple de la Gloire de Rameau et Voltaire, 1745. Recréation

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RameauVIDEO, reportage. Le Temple de la Gloire de Rameau et Voltaire, 1745. RecrĂ©ation. Temps fort de l’annĂ©e Rameau 2014, la recrĂ©ation par le CMBV (Centre de musique baroque de Versailles), du Temple de la Gloire tĂ©moigne de la collaboration entre Rameau et Voltaire en 1745. C’est l’annĂ©e des prodiges pour le compositeur : PlatĂ©e, La Princesse de Navarre et donc Le Temple de la Gloire : universel, gĂ©nie imaginatif, Rameau imagine dans le ballet hĂ©roĂŻque, trois opĂ©ras en un. Bacchanale pour la première entrĂ©e (BĂ©lus), bacchanale pour la seconde entrĂ©e (Bacchus), tragĂ©die pour la troisième entrĂ©e (Trajan). MĂŞme le Prologue est l’un des plus raffinĂ©s et aboutis, suscitant dans le personnage de l’Envie trĂ©pignant aux abords du Temple, l’un des personnages graves et tragiques, accompagnĂ© par les bassons, parmi les plus saisissants conçus par Rameau. Reportage exclusif CLASSIQUENEWS.COM © 2015

Reportage vidéo. Rameau : Zaïs (1748), recréation par le CMBV (novembre 2014)

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rameau 2014 logo 2014VIDEO. RecrĂ©ation : ZaĂŻs (1748) de Rameau Ă  l’OpĂ©ra royal de Versailles. Temps fort de l’annĂ©e Rameau 2014, le 18 novembre 2014, Ă  l’OpĂ©ra royal de Versailles, le CMBV prĂ©sente la recrĂ©ation de la Pastorale hĂ©roĂŻque ZAĂŻS, ouvrage merveilleux inspirĂ© par les idĂ©es des Lumières. C’est en vĂ©ritĂ© la tĂ©nacitĂ© de ZĂ©lidie, très Ă©prouvĂ©e par son amant ZaĂŻs soupçonneux, qui triomphe ici malgrĂ© les Ă©preuves et les tromperies qu’elle doit subir. Pour la soprano Marie Fel et la haute contre JĂ©lyotte, – deux chanteurs d’exception, Rameau Ă©crit deux rĂ´les d’une grâce et d’un charme irrĂ©sistibles. RecrĂ©ation Ă©vĂ©nement. Reportage vidĂ©o © CLASSIQUENEWS.TV 2015

Les Indes Galantes de Rameau pour et par les jeunes

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Trappes, La Merise. Rameau : L’Inde Galante, les Sauvages. Le 10 février 2015, 19h30.  Lycéens, Pages de la Maîtrise du CMBV. L’Inde dansante :quand le baroque suscite un projet de jumelage pour les jeunes… Le CMBV réalise une nouvelle production comprenant la 4ème entrée des Indes Galantes de Rameau, Les Sauvages en associant les Pages de la Maîtrise du Centre de musique baroque de Versailles et plusieurs classes des lycées de Trappes.  Une expérience collective qui transmet l’écoute, le partage, la rencontre comme valeurs premières.

cmbv-rameau-2015-les-indes-galantes,-l'inde-dansante-Trappe-Versailles-opera-olivier-schneebeli-582Dans un bosquet d’une forêt de l’Amérique, une belle Sauvage, Zima (soprano), fille d’un chef puissant et redouté est courisée par les officiers européens, le français Damon (haute-contre) et l’espagnol Don Alvar (baryton). Un temps dépaysée par tant de courtoisies exotiques, la Sauvagesse préfère l’un de ses semblables le guerrier Adario (baryton). Rameau dépeint l’amour imprévu et aussi la guerre qui se conclue par la pacification des nations affrontées (fameuse danse du calumet de la paix). A l’époque, Les Indiens d’Amérique étaient réputés dansant nus et fumant de longs calumets, d’après les chroniques des voyageurs ou les gravures de Bernard (Cérémonies et coutumes religieuses, 1723), ou de Lafitau (Mœurs des Sauvages Américains (1724). Le compositeur réutilise la pièce fameuse de son recueil de pièces pour le clavecin, Les Sauvages publiée en 1728 d’après la danse de vrais indiens de Louisiane danseurs, qu’il avait pu voir au Théâtre Italien en 1725.

Les Sauvages est la quatrième Entrée de son opéra ballet les Indes Galantes, entrée ajoutée pour la reprise de l’ouvrage en 1736 (un an après sa création en 1735). C’est l’occasion d’utiliser de brillantes trompettes, des airs d’agilité d’esprit italien : ainsi l’air de Zima « Régnez plaisirs et jeux » où s’associent trompettes, timbales et flûtes. Comme plus tard (1745) dans Le Temple de la gloire et l’acte de Bacchus (bacchanale sensuelle), Rameau alterne en particulier dans la Chaconne finale des Sauvages, accents guerriers et pastoraux, nerf et suavité, caractère et douceur. L’air des Sauvages publié en 1728 innerve toute la danse collective à l’ouverture et dans le rondeau final. La mélodie géniale comme l’est Frère Jacques (attribué depuis 2014 à Rameau donc), sera repris immédiatement par nombre de compositeurs de Suites orchestrales ou d’opéras (Corette, Tapray, Guignon, Dalayrac…), la pièce traverse même l’Atlantique pour rejoindre les côtes des Antilles Françaises, sur l’île de Dominique : un témoin d’époque rend compte du jeu d’un claveciniste très versé dans l’art de Rameau.

Après la Ritournelle d’entrée, Rameau imagine d’abord la confrontation entre Alvar et Damon, colons aux Amériques, rivaux en amour.

Puis paraĂ®t les Indiens : Adario amoureux qui fusionne bientĂ´t avec la belle et convoitĂ©e par tous, Zima. Les deux indigènes inspirĂ©s par l’amour se jurent fidĂ©litĂ©.

Ensuite, la Danse du grand calumet de la Paix est portée par les Indiens et le couple d’amoureux Zima et Adario ; puis c’est la danse qui conclue l’ouvrage indien : menuet des Françaises en Amazones, air de ZIma victorieuse : « Régnez plaisirs et jeux », enfin Chaconne finale.

Partition débordante de sensualité et d’italianisme, Les Sauvages sont l’objet d’un travail spécifique entre les Pages de la Maîtrise du Centre de Musique Baroque de Versailles et plusieurs lycéens de Trappes. Chant, déclamation, danse et jeu scénique sont les étapes d’un jeu collectif où les jeunes professionnels rencontrent les jeunes publics autour du génie musical de Rameau. La vivacité dansante de l’opéra ballet fascine toujours autant depuis le XVIIIème siècle. Une équipe chevronnée de professionnels (Olivier Schneebeli, direction musicale ; Françoise Deniau, chorégraphie ; Michel Verschaeve, mise en scène) encadrent les jeunes apprentis. Sous leurs auspices, certains pourraient même se dépasser porté par la magie du théâtre baroque.

 

 

 

 

boutonreservationSoirée les Indes Galantes au Théâtre La Merise de Trappesmardi 10 février 2015, 19h30

Direction Musicale : Olivier Schneebeli
Direction des Chœurs: Sarah Boissou (collège Youri Gagarine), Marjolaine Martel (collège Le Village) et Marie-Pascale Perillon (collège Gustave Courbet),
Mise en scène : Michel Verschaeve
Chorégraphie : Françoise Deniau
RĂ©gie : Thierry Carreau

Solistes et choristes : Pages du CMBV
Choristes : Elèves des collèges Youri Gagarine, Le Village et Gustave Courbet de Trappes.
Instrumentistes : Elèves du CRR de Versailles et du CRD de la Vallée de Chevreuse.
Danseurs et comédiens : Elèves de Lycée Plaine de Neauphle (à confirmer)
Régisseurs : stagiaires Ecole de la deuxième chance (ZA-Trappes-Elancourt).

Infos et réservations

Théâtre La Merise à Trappes

01 30 13 98 51  tarif unique : 5 euros.

Spectacle repris le 12 février 2015 à l’Opéra royal de Versailles

Vidéo, grand reportage. Rameau : Les Fêtes de Polymnie, 1745

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RAMEAU 2014 : sĂ©lection cdVidĂ©o, grand reportage. Rameau : Les FĂŞtes de Polymnie, 1745. En 2014, pour l’annĂ©e Rameau (250ème anniversaire de sa mort), le CMBV Centre de musique baroque de Versailles a ressuscitĂ© Les FĂŞtes de Polymnie (ballet hĂ©roĂŻque, 1745 puis 1753), opĂ©ra ballet majeur heureusement dĂ©voilĂ© Ă  l’occasion de l’annĂ©e anniversaire. C’est avec Le Temple de la Gloire, la rĂ©habilitation la plus marquante d’une annĂ©e de productions riches en surprises et redĂ©couvertes. L’annĂ©e oĂą Rameau compose PlatĂ©e et La Princesse de Navarre (sur un livret de Voltaire), Les FĂŞtes de Polymnie dĂ©passe son prĂ©texte monarchique (cĂ©lĂ©bration des victoires militaires de Louis XV) et saisit par le fin Ă©quilibre rĂ©alisĂ© entre chĹ“urs, airs solistes, duos et trios enchaĂ®nĂ©s… Avec son librettiste Cahusac, Rameau met l’accent sur le ballet et le divertissement tout en illustrant plusieurs thèmes franc-maçons… Reportage vidĂ©o exclusif © CLASSIQUENEWS. Le double cd est Ă©ditĂ© chez Glossa en janvier 2015

Castor et Pollux Ă  Toulouse

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RAMEAU 2014 : sĂ©lection cdToulouse, Capitole. Rameau: Castor et Pollux : 22 mars>14 avril 2015. Lors de sa crĂ©ation en 1737, le second opĂ©ra tragique de Rameau est d’autant plus attendu qu’il succède Ă  deux ouvrages saisissants : le scandaleux et dĂ©jĂ  gĂ©nial Hyppolite et Aricie de 1733, puis l’opĂ©ra-ballet, les Indes Galantes de 1735. Suscitant l’ire des Lullistes, choquĂ©s par tant d’audaces inĂ©dites, Castor et Pollux n’est jouĂ© que 21 fois : c’est pour Rameau un semi Ă©chec : il pense aussitĂ´t Ă  rĂ©Ă©crire l’opĂ©ra dont la seconde version très diffĂ©rente voit le jour en 1754. En 17 ans, le goĂ»t du public a sensiblement Ă©voluĂ©.

Au centre de l’action le lien fraternel qui unit Pollux fils immortel de Jupiter et LĂ©da, Ă  son demi frère, Castor fils de Tyndare et a contrario simple mortel. S’ils aiment la mĂŞme femme, TĂ©laĂŻre, Pollux s’efface et dĂ©sire mĂŞme après la mort de son frère, prendre sa place aux enfers; PhĂ©bĂ© amoureuse de Castor, jalouse de TĂ©laĂŻre, ne cesse d’invoquer les forces malĂ©fiques pour contraindre et faire Ă©chouer les projets de Pollux et TĂ©laĂŻre. Finalement, Jupiter Ă©mu par l’amour de Pollux pour Castor, lequel sait aussi se sacrifier pour son frère, accepte de ressusciter Castor, l’unir Ă  TĂ©laĂŻre, leur offrir l’immortalitĂ©, après avoir foudroyĂ© l’ignoble PhĂ©bĂ©.

La version de 1754 prend en compte toutes les Ă©volutions du goĂ»t : en plein cĹ“ur de la Querelle des Bouffons, le nouveau Castor Ă©blouit et s’impose sur la scène : c’est le plus grand succès lyrique du XVIIIème siècle. Rameau y excelle Ă  renforcer l’impact dramatique de l’action, tout en flattant l’oreille des spectateurs par des airs italiens des plus tendres et sensuels. En 1754, plus de prologue Ă  la gloire du roi, une musique nouvelle qui enchaĂ®ne en un tout organique, chĹ“ur, air, rĂ©citatif, surtout ampleur et souffle “cosmique” de l’orchestre.

RameauLa couleur funèbre et lugubre du chĹ“ur des Spartiates : ” Que tout gĂ©misse “, prĂ©cĂ©dant la fameuse plainte / prière de TĂ©laĂŻre (” Tristes apprĂŞts, pâles flambeaux… “), le monologue solitaire de Castor : ” SĂ©jour de l’Ă©ternelle paix “, la grâce amoureuse de l’ariette du V : ” Tendre amour “, la noire haine de PhĂ©bĂ© (” Soulevons tous les dieux “),  le pathĂ©tique noble et viril de Pollux tout au long des actes… bouleversent et saisissent par leur justesse poĂ©tique et leur profondeur sentimentale. Rameau rĂ©ussit tout : l’implacable solitude des coeurs amoureux, la grandeur des sentiments partagĂ©es, la brĂ»lure et la hideuse noirceur des âmes haineuses… Le compositeur offre un nouveau standard lyrique après Lully, l’Ă©galant voire le dĂ©passant par sa force dramatique, la puretĂ© et la grandeur de son Ă©loquence dĂ©clamatoire qui Ă©gale aussi le théâtre parlĂ© dĂ©clamĂ© de Corneille et Racine. Avec Rameau, l’opĂ©ra gagne ses lettre de noblesse et atteint une grandeur et un sublime jamais Ă©galĂ©s avant lui ; théâtre d’action et de sublimation, c’est aussi une scène flamboyante qui culmine par la rĂ©ussite des disciplines associĂ©es : oĂą la danse toujours omniprĂ©sente avec le chĹ“ur et les solistes, chanteurs et danseurs, rĂ©alise les plus beaux “divertissements”, ballets combinĂ©s au drame chantĂ© dont le dernier, l’ultime chaconne après le jugement de Jupiter et qui reprĂ©sente les planètes autour du Soleil (quand Castor nouvel immortel rejoint aux cĂ´tĂ©s de Pollux, le Zodiaque), demeure un sommet de l’Ă©criture ramĂ©lienne.

 

 

 

Castor, modèle du bon goût français

 

Rameau_Carmontelle10 ans avant de mourir, Rameau laisse une oeuvre alliant la grandiose et le tendre, le pathĂ©tique et le sensuel qui s’exprime par un orchestre suractif et nuancĂ© qui comme un creuset, transfigure chaque Ă©lĂ©ment au contact de l’autre : danse, chant, musique pure se trouvent fusionnĂ©s comme jamais. Jusqu’en 1785, sous le règne de Marie-Antoinette et de Louis XVI, Castor et Pollux incarne la grandeur exemplaire de l’opĂ©ra français : mĂŞme en pleine rivalitĂ© entre glukistes et piccinnistes, Castor incarne le modèle indĂ©passable. MĂŞme Berlioz pourtant ardent gluckiste, savait reconnaĂ®tre le gĂ©nie unique de Rameau par la prière de TĂ©laĂŻre : “Tristes apprĂŞts, pâles flambeaux”, cet air que Sofia Coppola dans son film Marie-Antoinette, fait paraĂ®tre Ă  l’opĂ©ra, sachant sĂ©duire et mĂŞme enthousiasmer la jeune reine qui ose applaudir contre tout respect de l’Ă©tiquette… Au dĂ©but du XXème siècle, quand les antiwagnĂ©riens tels D’Indy, et Bordes jouent Castor, l’emblème du bon goĂ»t français, Debussy est Ă©mu par la justesse lugubre du chĹ“ur des spartiates dont l’humanitĂ© le touche particulièrement. En 1991, Wiliam Christie fait retentir les notes magiciennes de Castor Ă  Aix en Provence et l’annĂ©e Rameau 2014 a vu le retour en force de l’opĂ©ra le plus cĂ©lĂ©brĂ© du compositeur.

 

 

 

 

RAMEAU 2014 : sélection cdCastor et Pollux de Rameau au Capitole de Toulouse,
du 24 mars au 2 avril 2015.
Christophe Rousset, direction
Marianne Clément, mise en scène
Les 24,27,29 31 mars puis le 2 avril 2015.

Tragédie lyrique en cinq actes
Livret de Pierre-Joseph Gentil-Bernard
créée le 24 octobre 1737 à l’Opéra de Paris (version révisée : 1754)

 

 

 

Nouveau Dardanus de Rameau par Michel Fau Ă  Bordeaux

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RAMEAU 2014 : sélection cdBordeaux, Opéra. Rameau : Dardanus. 18>26 avril 2015. 5 représentations pour un chef d’oeuvre musical que le génie de Rameau porte au sommet de l’inspiration baroque française. L’intrigue pose les jalons d’un huit clos amoureux composé de trois protagonistes : Iphise est aimée par deux prétendants : Anténor et Dardanus. Ce dernier ennemi de son père Teucer, est le seul aimé par la princesse. Comme toujours le surnaturel et le fantastique font la valeur des héros et révèlent leurs talents : Dardanus sauve des griffes du monstre Anténor qui laisse son rival épouser Iphise.

Depuis son premier opĂ©ra Hippolyte et Aricie en 1733, Rameau ne cesse d’attiser la haine des lullistes. .. avec le succès des Indes galantes puis des FĂŞtes d’Hebe, Dardanus propose un nouveau regard sur la tragĂ©die lyrique,  combinaison stimulante de l’amour,  du merveilleux,  du surnaturel fantastique et spectaculaire. En bien des points, Rameau d’ouvrage tragique en ballet enchanteur va toujours plus loin. Formellement, harmoniquement.

Pierre_Jelyotte Dardanus Rameau jeliotteLe livret de Leclerc de la Bruère,  jeune auteur Ă  la mode, un temps favorisĂ© par Voltaire,  est plus digne d’un OpĂ©ra ballet que d’une tragĂ©die. .. Son manque d’unitĂ© et de progression dramatique, son caractère dĂ©cousu affaiblissent en vĂ©ritĂ© un ouvrage que seul le traitement musical Ă©lève au rang de chef d’oeuvre : fils de Jupiter,  Dardanus fait basculer le prĂ©texte mythologique vers le merveilleux et le pouvoir des enchantements. Mais la prose et la construction poĂ©tique de La Bruère n’a pas l’intensitĂ© ni la tension des livrets de Pirrhus (Royer, 1730), ou de JephtĂ© de MontĂ©clair (1732).

Les deux amants Iphise et Dardanus s’aiment contre la volontĂ© des hommes : les obstacles inventĂ©s par La Bruère manquent de nĂ©cessitĂ© dramatique, ils tombent souvent Ă  plat dans le flux du drame : autoritĂ© du père d’Iphise (Teucer), rivalitĂ© du guerrier Antenor (qui aime aussi Iphise), formidable monstre destinĂ© Ă  rĂ©vĂ©ler la valeur de chacun. .. pire, les Ă©pisodes dansĂ©s et les tableaux merveilleux sont mal intĂ©grĂ©s Ă  l’action.  Superposition plutĂ´t que fusion. .. malheureuse.

 

 

 

Le merveilleux dans Dardanus

 

piranese prisons dardanus RameauD’emblĂ©e, pourtant, ce qui frappe dans Dardanus, c’est la place du merveilleux et de la magie : prĂ©sence du magicien IsmĂ©nor dont le pouvoir accompagne Dardanus,  et dĂ©voile Ă  ce dernier les vrais sentiments d’Iphise Ă  son Ă©gard ; puis sommeil de Dardanus et songe du hĂ©ros (avec divertissement dansĂ©) soudainement libĂ©rĂ© d’une prison oĂą il Ă©tait tenu prisonnier (superbes dĂ©cors de Piranèse pour la reprise de l’opĂ©ra après sa crĂ©ation),  enfin monstre affreux qui rĂ©vèle Dardanus Ă  sa vraie nature : un hĂ©ros vainqueur promis Ă  l’amour. .. Qu’il s’agisse de la version initiale de 1739 ou de celle de 1744, la partition captive par sa caractĂ©risation musicale : le compositeur sait Ă  l’inverse des divertissements dansĂ©s au prĂ©texte totalement invraisemblable,  approfondir la psychologie des protagonistes,  concevoir des situations aux couleurs harmoniques inĂ©dites qui forcent l’admiration : le mode lugubre de la prière de Dardanus (Lieux funestes oĂą tout respire la honte et la douleur) dans sa prison, reste un moment inoubliable dont la profondeur et la justesse Ă©motionnelle Ă©gale la prière de TelaĂŻre dans Castor et Pollux (Tristes apprĂŞts,  pâles flambeaux. ..). Si les vers de La Bruère sont indiscutablement bien trempĂ©s,  le livret dans sa totalitĂ© n’a pas la mĂŞme cohĂ©rence : le poète Ă©tait bon pour la sĂ©quence non pour le drame dans sa continuitĂ©. Mais pour la crĂ©ation, Rameau a pu compter sur le tempĂ©rament virtuose du tĂ©nor JĂ©liotte, dont il fait son chanteur favori…

Le jeune ensemble Pygmalion et son chef Raphael Pichon ont fait de Rameau leur fond de commerce mais avec un verdeur encore perfectible : en témoigne encore leur récent enregistrement de Castor et Pollux, réalisé à Versailles : pas assez cohérent, poétiquement instable. En avril 2015, leur escale bordelaise pourrait indiquer une nouvelle maturité dans leur approche… A suivre donc.

Rameau : Dardanus à l’Opéra de Bordeaux

Mise en scène, Michel Fau
DĂ©cors, Emmanuel Charles
Costumes, David Belugou
Lumières, Joël Fabing
Maquillages et masques, Pascale Fau
Chorégraphe, Christopher Williams
VĂ©nus, Karina Gauvin
Iphise, Gaëlle Arquez
Dardanus, Frédéric Antoun
Anténor, Florian Sempey
Teucer, Isménor, Nahuel di Pierro
Un songe, l’Amour, une phrygienne,
Katherine Watson
Un Phrygien, Etienne Bazola
Un Songe, Virgile Ancely
Un Songe, Guillaume Gutiérrez
Ensemble Pygmalion Chœur et Orchestre
Direction musicale, Raphaël Pichon

Les 18, 20, 22, 24 et 26 avril 2015, 20h (le 26 Ă  15h)

 

 

Illustrations : Rameau, Pierre Jéliotte / Jélyotte, les prisons de Piranèse (DR)

 

 

Compte rendu, concert. Liège. Salle Philharmonique. Orchestre philharmonique royal de Liège. Rameau symphonique : ouvertures et ballets des opéras Zoroastre, Naïs, Castor et Pollux, Acante et Céphise… Bruno Procopio, direction.

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Maestro surprenant. Rameau : une Ă©preuve dĂ©cisive pour les orchestres modernes ? Alors que s’impose peu Ă  peu l’orthodoxie des instruments anciens, nouveaux jalons pour une sonoritĂ© historique des orchestres, Bruno Procopio, spĂ©cialiste de l’approche historiquement informĂ©e, propose de jouer Rameau sur instruments … modernes. Une vision ouverte, curieuse, audacieuse qui ouvre de nouvelles perspectives et favorise surtout l’enrichissement musical et technique des musiciens d’orchestre. Non tout ne dĂ©pend pas uniquement des instruments : il en suffit pas de jouer Rameau, Bach, Haendel avec des cordes en boyaux pour rĂ©ussir immĂ©diatement un concert… le style, la rĂ©alisation technique, le jeu et d’autres questions relevant de l’esthĂ©tique, font aussi une vision.

 

 

 

bruno-procopio-liege-rameau-symphonique-copyright-classiquenews-2014-grand-angle-tout-orchestre

 

 

En 2012, Ă  Caracas (VĂ©nĂ©zuela) avec l’orchestre de Gustavo Dudamel (Simon Bolivar Symphony Orchestra), Bruno Procopio avait dĂ©montrĂ© une Ă©tonnante maĂ®trise de l’écriture et de l’énergie ramĂ©liennes en un concert offrant, sur instruments modernes donc, un florilège d’extraits d’ouvertures et de danses du Dijonais. L’expĂ©rience valait dĂ©fi : comment rĂ©ussir (comme ici) Ă  faire jouer aujourd’hui un orchestre moderne dans les Ĺ“uvres de Rameau, compositeur parmi les plus difficiles du baroque français ? Le rĂ©sultat (inouĂŻ) peut s’Ă©couter Ă  prĂ©sent grâce au disque Ă©ditĂ© dans le prolongement de cette aventure “Rameau in Caracas” (1 cd Paraty) : Ă©loquente dĂ©monstration que l’on peut interprĂ©ter et exprimer le gĂ©nie orchestral de Rameau avec des instruments modernes… – C’est aussi ce que rĂ©ussit Sir Simon Rattle avec le Philharmonique de Berlin !
Pour fĂŞter Ă  son tour les 250 ans de la disparition de Rameau, l’Orchestre Philharmonique royal de Liège indique une curiositĂ© mĂ©ritante et aussi un goĂ»t exemplaire du risque en invitant Bruno Procopio Ă  faire de mĂŞme : jouer Rameau sur instruments modernes mais avec la culture et la connaissance de la pratique d’époque, des traitĂ©s historiques prĂ©cisant la manière de rĂ©aliser les attaques, les ornements, la dynamique et l’hagogique, la succession dĂ©concertante des rythmes divers… Bref, un dĂ©fi rare pour un orchestre qui n’a pas l’habitude d’une syntaxe et d’une langue parmi les plus Ă©prouvantes de la musique baroque.

 

 

 

L’orchestre Ă  l’Ă©cole de Rameau

Rameau électrisé sur instruments modernes

 

C’est pour l’Orchestre, une occasion unique d’apprendre d’un jeune chef passĂ© maĂ®tre dans l’art symphonique ramĂ©lien ; c’est pour ce dernier, une expĂ©rience humaine et artistique aux vertus pĂ©dagogiques inestimables. Rien de mieux pour dĂ©poussiĂ©rer et dynamiser, rĂ©gĂ©nĂ©rer et surtout enrichir la vie d’un orchestre, que ce type d’expĂ©rience musicale aux bĂ©nĂ©fices multiples.
Bruno Procopio a donc passĂ© 3 jours (seulement) avec les instrumentistes du Philharmonique royal de Liège, les pilotant dans le jeu savant et très technique, si exigeant aussi dans la rĂ©alisation motorique, d’un Rameau d’une complexe mais gĂ©niale inspiration.
Le programme reprend pour partie celui de Caracas (cf. le programme du cd Rameau in Caracas prĂ©citĂ©), faisant se succĂ©der plusieurs Ouvertures et Suites de danses dont le choc des contrastes, l’Ă©clat martial pour certaines (comme NaĂŻs) – timbales et trompettes en diable-, rappelaient non sans opportunitĂ©, la thĂ©matique de la saison symphonique de l’OPRL : “guerre(s) et paix”.

 

 

bruno-procopio-liege-rameau-symphonique-2-copyright-classiquenews-2014

 
 
 

D’une tenue rythmique impeccable, soucieux de la structure, exploitant de son mieux les ressources de l’orchestre en timbres et en accents, le jeune maestro convainc pas une franchise de ton, une sĂ»retĂ© Ă  la fois Ă©conome et efficace, une Ă©nergie dansante qui emportent le collectif. Sa battue d’une clartĂ© exemplaire rĂ©tablit les Ă©quilibres entre les pupitres, jouant de l’acoustique naturelle de la Salle Philharmonique qui rĂ©serve elle aussi bien des surprises pour celui qui la dĂ©couvre. C’est un guide d’une brillante fermetĂ© qui sait traverser un parcours semĂ© d’embĂ»ches avec d’autant plus de mĂ©rite que le temps de prĂ©paration a Ă©tĂ© rĂ©duit.
Le gain pour l’orchestre en termes de dĂ©passement, de risques assumĂ©s, d’enrichissements nouveaux dans le jeu proprement dit est indiscutable. Mais alors quels orchestres en Europe, en France oseraient une telle expĂ©rience ? C’est aussi Ă  l’aune de ce pari artistique et musical, pour ne pas dire strictement technicien- que se mesure l’intĂ©rĂŞt de la dĂ©marche. A tous les orchestres qui souhaitent enrichir encore leur approche des rĂ©pertoires, assimiler Rameau ainsi, pour mieux mieux jouer Gluck ou Mozart et Haydn, voilĂ  un sillon fertile en accomplissements inĂ©dits.  Pour l’annĂ©e de ses 250 ans, Rameau ne pouvait mieux ĂŞtre servi, rĂ©vĂ©lĂ©, rĂ©habilitĂ© : et si son Ă©criture Ă©tait une formidable Ă©cole pour tous les orchestres ? A mĂ©diter. Bruno Procopio nous en apporte dĂ©jĂ  la preuve. Gageons que le jeune maestro n’affirme bientĂ´t son intuition et son travail en visionnaire.

 

 

Liège. Salle Philharmonique. Dimanche 14 dĂ©cembre 2014. Concert “Rameau Symphonique”. Dans le cadre de la saison 2014-2015 de l’Orchestre philharmonique royal de Liège : “Guerre(s) et paix”. Rameau : Ouvertures et Ballets des opĂ©ras Zoroastre, NaĂŻs, Castor et Pollux, Acante et CĂ©phise, Les Indes Galantes… Bruno Procopio, direction.

 

 

Approfondir
LIRE notre critique intégrale du cd Rameau in Caracas par Bruno Procopio et les Soloists of the Simon Bolivar Symphony Orchestra of Venezuela (1 cd Paraty 2012)

 

Illustrations : photographies © CLASSIQUENEWS 2015

Liège. Grand concert Rameau symphonique par Bruno Procopio, annonce

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Liège, OPRL. Bruno Procopio joue Rameau. Le 14 dĂ©cembre 2014, 16h. Dans la Salle Philharmonique, voici un rĂ©cital symphonique qui cĂ©lèbre l’annĂ©e Rameau 2014 et sur instruments modernes. Faire jouer Rameau, le plus grand compositeur baroque français, en dirigeant des orchestres modernes ? C’est le choix audacieux du chef Bruno Procopio. Après l’Orchestre SimĂłn BolĂ­var de Caracas, le voici Ă  Liege ce 14 dĂ©cembre 2014, 16h pilotant l’OPRL, l’Orchestre philharmonique royal de Liège.

Il a osé ce que personne avant lui n'avait osé, renouant avec l'audace de premiers conquérants et pionniers baroqueux : jouer et enregistrer Rameau à Caracas sur instruments modernes ! Le résultat dépasse nos attentes...

 

VOIR notre reportage Les Grands Motets de Rameau Ă  Cuenca

 

 

L’Ă©lève au clavecin de Christophe Rousset qui a dirigĂ© et enregistrĂ© les Grands Motets, les Pièces pour clavecin en concerts, n’en est pas Ă  un dĂ©fi près. Jouer Rameau sur des instruments qui ne sont pas anciens peut paraĂ®tre contradictoire de la part d’un enfant de la rĂ©volution baroque. Il n’en est rien bien au contraire car l’expĂ©rience pourrait s’avĂ©rer particulièrement formatrice pour le chef et les musiciens. Nouvelle technique d’archet, rĂ©alisation des attaques, ornements, vibrato, phrasĂ©s. .. tout le vocabulaire instrumental est ici reformulĂ© dans le sens de la lisibilitĂ© et de la clartĂ©. Bruno Procopio apprend pour sa part de nouvelles facettes de sa maĂ®trise pĂ©dagogique. Le style et l’esprit des oeuvres Baroques en particulier la vitalitĂ© rythmique et l’esprit chorĂ©graphique de Rameau, sa sensualitĂ© comme sa profondeur sont des clĂ©s redoutables pour rĂ©ussir une immersion dans l’esthĂ©tique baroque.

Bruno Procopio : maestro assoluto !

 

 

VOIR notre reportage Jouer Carl Philip Emanuel Bach Ă  Caracas

Jouer Rameau sur instruments modernes

Le Rameau symphonique de Bruno Procopio

 

 

Castor et Pollux de Rameau (1737-1754)De quoi faire encore et encore progresser les instrumentistes du Philharmonique de Liège. Bruno Procopio connaĂ®t d’autant mieux ce programme qu’il l’a enregistrĂ© dans les mĂŞmes conditions instrumentales et avec les mĂŞmes enjeux esthĂ©tiques Ă  Caracas au Venezuela, avec les musiciens du Simon Bolivar Orchestra, l’orchestre si Ă©nergique et audacieux qu’ a pilotĂ© Gustavo Dudamel. Du Venezuela Ă  Liège, Bruno Procopio transmet la mĂŞme tension recrĂ©atrice, le mĂŞme Ă©lan dansant, un sens affĂ»tĂ© de la transmission et s’agissant de Rameau, un sens remarquable de la construction dramatique comme des respirations poĂ©tiques. .. un art de la direction d’autant mieux adaptĂ© pour les ouvertures et les ballets extraits des opĂ©ras de Rameau.

 

Concert Rameau 2014 à la salle Philharmonique de Liège

Liège, salle philharmonique. Bruno Procopio dirige l’OPRL, Rameau 2014. Dimanche 14 dĂ©cembre 2014, 16h.

Jean-Philippe Rameau

Ouvertures et ballets de Zoroastre, Dardanus, NaĂŻs, Castor et Pollux, Acanthe et CĂ©phise, Les Indes galantes

Orchestre Philharmonique Royal de Liège

Bruno Procopio, direction

28/16 € – GRATUIT pour les moins de 16 ans

 

« Rencontre avec… » Bruno Procopio. Le mercredi 10 décembre à 18h30, au Foyer Ysaye, Stéphane Dado (OPRL) anime une rencontre d’une heure avec Bruno Procopio : l’occasion de faire connaissance avec le musicien francobrésilien qui ne craint pas de sortir des sentiers battus (il est aussi fondateur du label de disques Paraty). Entrée gratuite.

 

 

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Liège. Grand concert Rameau symphonique par Bruno Procopio

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Liège, OPRL. Bruno Procopio joue Rameau. Le 14 dĂ©cembre 2014, 16h. Dans la Salle Philharmonique, voici un rĂ©cital symphonique qui cĂ©lèbre l’annĂ©e Rameau 2014 et sur instruments modernes. Faire jouer Rameau, le plus grand compositeur baroque français, en dirigeant des orchestres modernes ? C’est le choix audacieux du chef Bruno Procopio. Après l’Orchestre SimĂłn BolĂ­var de Caracas, le voici Ă  Liege ce 14 dĂ©cembre 2014,  16h pilotant l’OPRL, l’Orchestre philharmonique royal de Liège.

Il a osé ce que personne avant lui n'avait osé, renouant avec l'audace de premiers conquérants et pionniers baroqueux : jouer et enregistrer Rameau à Caracas sur instruments modernes ! Le résultat dépasse nos attentes...

 

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L’Ă©lève au clavecin de Christophe Rousset qui a dirigĂ© et enregistrĂ© les Grands Motets,  les Pièces pour clavecin en concerts, n’en est pas Ă  un dĂ©fi près.  Jouer Rameau sur des instruments qui ne sont pas anciens peut paraĂ®tre contradictoire de la part d’un enfant de la rĂ©volution baroque.  Il n’en est rien bien au contraire car l’expĂ©rience pourrait s’avĂ©rer particulièrement formatrice pour le chef et les musiciens.  Nouvelle technique d’archet, rĂ©alisation des attaques,  ornements,  vibrato,  phrasĂ©s. .. tout le vocabulaire instrumental est ici reformulĂ© dans le sens de la lisibilitĂ© et de la clartĂ©. Bruno Procopio apprend pour sa part de nouvelles facettes de sa maĂ®trise pĂ©dagogique. Le style et l’esprit des oeuvres Baroques en particulier la vitalitĂ© rythmique et l’esprit chorĂ©graphique de Rameau, sa sensualitĂ© comme sa profondeur sont des clĂ©s redoutables pour rĂ©ussir une immersion dans l’esthĂ©tique baroque.

Bruno Procopio : maestro assoluto !

 

 

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Jouer Rameau sur instruments modernes

Le Rameau symphonique de Bruno Procopio

 

 

De quoi faire encore et encore progresser les instrumentistes du Philharmonique de Liège. Bruno Procopio connaĂ®t d’autant mieux ce programme qu’il l’a enregistrĂ© dans les mĂŞmes conditions instrumentales et avec les mĂŞmes enjeux esthĂ©tiques Ă  Caracas au Venezuela, avec les musiciens du Simon Bolivar Orchestra,  l’orchestre si Ă©nergique et audacieux qu’ a pilotĂ© Gustavo Dudamel.  Du Venezuela Ă  Liège,  Bruno Procopio transmet la mĂŞme tension recrĂ©atrice, le mĂŞme Ă©lan dansant, un sens affĂ»tĂ© de la transmission et s’agissant de Rameau, un sens remarquable de la construction dramatique comme des respirations poĂ©tiques. .. un art de la direction d’autant mieux adaptĂ© pour les ouvertures et les ballets extraits des opĂ©ras de Rameau.

Concert Rameau 2014 à la salle Philharmonique de Liège

Liège,  salle philharmonique. Bruno Procopio dirige l’OPRL,  Rameau 2014. Dimanche 14 dĂ©cembre 2014, 16h.

Jean-Philippe Rameau

Ouvertures et ballets de Zoroastre, Dardanus, NaĂŻs, Castor et Pollux, Acanthe et CĂ©phise, Les Indes galantes

Orchestre Philharmonique Royal de Liège

Bruno Procopio, direction

28/16 € – GRATUIT pour les moins de 16 ans

 

 

« Rencontre avec… » Bruno Procopio. Le mercredi 10 décembre à 18h30, au Foyer Ysaye, Stéphane  Dado (OPRL) anime une rencontre d’une heure avec Bruno Procopio : l’occasion de faire connaissance avec le musicien francobrésilien qui ne craint pas de sortir des sentiers battus (il est aussi fondateur du label de disques Paraty). Entrée gratuite.

 

 

Bruno Procopio dirige Rameau à Liège

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Liège, OPRL. Bruno Procopio joue Rameau. Le 14 dĂ©cembre 2014, 16h. Dans la Salle Philharmonique, voici un rĂ©cital symphonique qui cĂ©lèbre l’annĂ©e Rameau 2014 et sur instruments modernes. Faire jouer Rameau, le plus grand compositeur baroque français, en dirigeant des orchestres modernes ? C’est le choix audacieux du chef Bruno Procopio. Après l’Orchestre SimĂłn BolĂ­var de Caracas, le voici Ă  Liege ce 14 dĂ©cembre 2014,  16h pilotant l’OPRL, l’Orchestre philharmonique royal de Liège.

Il a osé ce que personne avant lui n'avait osé, renouant avec l'audace de premiers conquérants et pionniers baroqueux : jouer et enregistrer Rameau à Caracas sur instruments modernes ! Le résultat dépasse nos attentes...

 

VOIR notre reportage Les Grands Motets de Rameau Ă  Cuenca

 

 

L’Ă©lève au clavecin de Christophe Rousset qui a dirigĂ© et enregistrĂ© les Grands Motets,  les Pièces pour clavecin en concerts, n’en est pas Ă  un dĂ©fi près.  Jouer Rameau sur des instruments qui ne sont pas anciens peut paraĂ®tre contradictoire de la part d’un enfant de la rĂ©volution baroque.  Il n’en est rien bien au contraire car l’expĂ©rience pourrait s’avĂ©rer particulièrement formatrice pour le chef et les musiciens.  Nouvelle technique d’archet, rĂ©alisation des attaques,  ornements,  vibrato,  phrasĂ©s. .. tout le vocabulaire instrumental est ici reformulĂ© dans le sens de la lisibilitĂ© et de la clartĂ©. Bruno Procopio apprend pour sa part de nouvelles facettes de sa maĂ®trise pĂ©dagogique. Le style et l’esprit des oeuvres Baroques en particulier la vitalitĂ© rythmique et l’esprit chorĂ©graphique de Rameau, sa sensualitĂ© comme sa profondeur sont des clĂ©s redoutables pour rĂ©ussir une immersion dans l’esthĂ©tique baroque.

Bruno Procopio : maestro assoluto !

 

 

VOIR notre reportage Jouer Carl Philip Emanuel Bach Ă  Caracas

 
 

 
 

Jouer Rameau sur instruments modernes

Le Rameau symphonique de Bruno Procopio

 

 

De quoi faire encore et encore progresser les instrumentistes du Philharmonique de Liège. Bruno Procopio connaĂ®t d’autant mieux ce programme qu’il l’a enregistrĂ© dans les mĂŞmes conditions instrumentales et avec les mĂŞmes enjeux esthĂ©tiques Ă  Caracas au Venezuela, avec les musiciens du Simon Bolivar Orchestra,  l’orchestre si Ă©nergique et audacieux qu’ a pilotĂ© Gustavo Dudamel.  Du Venezuela Ă  Liège,  Bruno Procopio transmet la mĂŞme tension recrĂ©atrice, le mĂŞme Ă©lan dansant, un sens affĂ»tĂ© de la transmission et s’agissant de Rameau, un sens remarquable de la construction dramatique comme des respirations poĂ©tiques. .. un art de la direction d’autant mieux adaptĂ© pour les ouvertures et les ballets extraits des opĂ©ras de Rameau.

Rameau_Joseph_Aved-Portrait_de_Jean-Philippe_Rameau_vers_1728L’Orchestre Philharmonique Royal de Liège participe ainsi aux concerts-anniversaire de la mort de Jean-Philippe Rameau (1683-1764), inscrits au programme de l’annĂ©e Rameau 2014, en interprĂ©tant les suites des plus cĂ©lèbres opĂ©ras du compositeur. Des Indes galantes à Zoroastre en passant par Castor et Pollux, soit six opĂ©ras de Rameau que l’OPRL fait revivre le dimanche 14 dĂ©cembre Ă  16 heures dans l’extraordinaire Salle Philharmonique de Liège, cĂ©lèbre pour son acoustique Ă©lectrisante. C’est lĂ  il y a peu que classique news avait captĂ© plusieurs sĂ©quences de l’enregistrement du ThĂ©sĂ©e de Gossec remarquable opĂ©ra composĂ© Ă  la fin du règne de Marie-Antoinette, frappant par la couleur et l’Ă©nergie de son orchestration,  la noirceur des personnages en particulier celui de MĂ©dĂ©e, la construction très originale de choeurs ambitieux Ă  l’ampleur spatialisĂ©e…Bruno Procopio. Pour ce « best-of symphonique » baroque sur instruments modernes, l’OPRL fait appel Ă  la vedette du moment dans ce domaine, le claveciniste et chef brĂ©silien Bruno Procopio. De Paris Ă  Caracas. Bruno Procopio est avant tout claveciniste, formĂ© Ă  Paris auprès de Pierre HantaĂŻ et Christophe Rousset. En tant que chef, il dirige rĂ©gulièrement plusieurs orchestres sud-amĂ©ricains, dont le fameux Orchestre Symphonique SimĂłn BolĂ­var de Gustavo Dudamel (Venezuela), qu’il a initiĂ© au baroque français avec son projet« Rameau Ă  Caracas ». La presse a saluĂ© un talent rare au feu communicant : « Tant d’évidence avec un orchestre moderne aux cordes nombreuses relève du miracle. Cette expĂ©rience exotique rĂ©vèle comme rarement la fantaisie effrontĂ©e de Rameau » (Classica). « Vous n’en croirez pas vos oreilles » (Diapason)… le disque Ă©ditĂ© chez Paraty (Rameau Ă  Caracas) a Ă©tĂ© Ă©lu CLIC de classique news (il fait aussi partie des cd incontournables de notre bilan discographique Rameau 2014). Bruno Procopio explique qu’il a conçu son programme de manière Ă  valoriser les deux dimensions fondamentales de la musique de Rameau : la danse et le drame en une sĂ©lection subtile et remarquablement Ă©laborĂ©e des ballets et ouvertures des opĂ©ras.

 

 

 

Bruno Procopio dirige Rameau Ă  Caracas

 

 

 

 

Concert Rameau 2014 à la salle Philharmonique de Liège

Liège,  salle philharmonique. Bruno Procopio dirige l’OPRL,  Rameau 2014. Dimanche 14 dĂ©cembre 2014, 16h.

Jean-Philippe Rameau

Ouvertures et ballets de Zoroastre, Dardanus, NaĂŻs, Castor et Pollux, Acanthe et CĂ©phise, Les Indes galantes

Orchestre Philharmonique Royal de Liège

Bruno Procopio, direction

28/16 € – GRATUIT pour les moins de 16 ans

 

 

« Rencontre avec… » Bruno Procopio. Le mercredi 10 décembre à 18h30, au Foyer Ysaye, Stéphane  Dado (OPRL) anime une rencontre d’une heure avec Bruno Procopio : l’occasion de faire connaissance avec le musicien francobrésilien qui ne craint pas de sortir des sentiers battus (il est aussi fondateur du label de disques Paraty). Entrée gratuite.

 

 

 

approfondir :

Le site de Bruno Procopio :www.brunoprocopio.com

(extraits de presse : http://brunoprocopio.com/wp/fr/presse/)

Bruno Procopio dirige les Grands motets de Rameau au Festival de Cuenca 2014, critique sur  http://www.classiquenews.com/cuenca-2014/

Bruno Procopio explique son projet « Rameau à Caracas » avec l’Orchestre Symphonique Simón Bolívar, reportage Classiquenews : https://www.youtube.com/watch?v=Fnt4DlFE3_g

Extraits de presse : CD « Rameau à Caracas » :

Rameai in Caracas, Bruno Procopio« Vous avez bien lu : l’orchestre révélé par Gustavo Dudamel dans les mambos de Bernstein et de Marquez, l’énorme machine qui ne joue les symphonies de Mahler qu’à seize contrebasses et douze cors, réduit ses forces à cinquante et, sous la direction d’un jeune claveciniste brésilien formé à Paris, le méconnu Bruno Procopio, gambade dans le jardin réputé le plus épineux du répertoire. Est-ce d’avoir appris son métier par la danse ? Est-ce de porter plus haut le jeu collectif que la prouesse individuelle ? Vous n’en croirez pas vos oreilles. La fermeté des phrases, la justesse des ornements, l’économie du vibrato, la perfection des équilibres, la scansion des menuets, le tournoiement des passepieds, le naturel du style… Zoroastre est un miracle. »(Ivan Alexandre, Diapason, )

« Fin connaisseur de ce répertoire, le claveciniste Bruno Procopio a appris à l’orchestre le style, les gestes et le son idoines. Attaques précises, vibrato limité, notes inégales : la transformation est impressionnante. Ce voyage à Caracas se révèle un des meilleurs remèdes contre la morosité ambiante. » (Philippe Venturini, Les Echos, 12/2013)

« The Simón Bolívar Symphony Orchestra are known for bringing energy and vibrancy to their playing, and this album is no exception. Royal and regal, or lively and lilting, it’s a treat to hear the musicians bringing the dotted dance rhythms to life, and adding a sense of excitement to every note.  » (Classic FM, 12/2013)

 

 

LIRE aussi la critique complète du cd Rameau Ă  Caracas par notre rĂ©dacteur Carter Chris Humphray : “Rameau Ă©lectrisĂ©” (1 cd Paraty)

 

 
 

 

Rameau 2014. Quel bilan discographique ?

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AnnĂ©e Rameau 2014 : concerts, opĂ©ras, temps forts de septembre Ă  dĂ©cembre 2014CD. Rameau 2014. Quel bilan discographique ? L’annĂ©e Rameau, pour le 250ème anniversaire de la mort du gĂ©nie dijonnais, s’achève. Les concerts et opĂ©ras Ă  l’affiche ont Ă©tĂ© diversement accueillis, plus ou moins convaincants, mais d’une indiscutable Ă©loquence quant Ă  l’inventivitĂ© et au gĂ©nie du Rameau rĂ©formateur. Le compositeur mort en 1764 aura bien fait Ă©voluer l’art musical français du XVIIIème, sous le règne de Louis XV et Ă  l’époque des Lumières, malgrĂ© l’esthĂ©tique aimable, dĂ©corative ambiante instillĂ© par La Pompadour. Qu’en est-il des rĂ©alisations discographiques Ă©ditĂ©s pour l’annĂ©e des 250 ans ? Certaines majors ont rĂ©Ă©ditĂ© les perles de leur catalogue (ainsi Erato, voir chapitre coffrets… ; d’autres son restĂ©es Ă©trangement muettes (Decca, Archiv, Deutsche Grammophon) ; ou ont confirmĂ© une approche rĂ©solument neuve, dĂ©poussiĂ©rĂ©e voire excessive (Teodor Currentzis pour Sony classical… mais l’audace ne suscite t elle pas le renouvellement de l’interprĂ©tation?… C’est surtout de la part des petits labels privĂ©s et indĂ©pendants que la surprise a jailli, – plus audacieux et dĂ©fricheurs que jamais, rĂ©vĂ©lant des Ĺ“uvres oubliĂ©es ou confirmant des gestes nouveaux, ceux des nouveaux champions ramĂ©liens, inspirĂ©s par une ardeur inĂ©dite d’une Ă©lĂ©gance prometteuse (Bruno Procopio, BenoĂ®t Babel, Alexis Kossenko…). Voici nos coups de coeur par ordre dĂ©croissant d’importance…

 
 
 

Tout Rameau 2014

en 10 cd et 2 coffrets majeurs

 

 

Le Rameau le plus impétueux, le plus troublant : Teodor Currentzis

rameau courrentzis musicaeterna tteodor currentzis sound of lightCD. Rameau : the sound of light (Currentzis, 2012). The sound of light… Lumineux et mĂŞme solarisĂ© (serait-ce une rĂ©fĂ©rence indirecte Ă  son appartenance Ă  une loge comme Ă  ses nombreux ouvrages pĂ©nĂ©trĂ©s de symboles et rituels maçonniques : de ZaĂŻs Ă  Zoroastre…?). FrĂ©nĂ©tique, motorique, surexpressive… la lecture de Teodor Currentzis, jeune chef athĂ©nien formĂ© dans la classe d’Illya Musin Ă  Saint-PĂ©tersbourg (Ă  22 ans) qui est passĂ© par l’OpĂ©ra de Novossibirsk puis actuellement Perm, – oĂą il est directeur artistique,…

 

 

 

Le mieux concertant : Benoît Babel et Zaïs

DOM BEDOS Rameau handel orgue PARATY visuel_cd_handelrameau_reelCD. Rameau, Handel : Concertos pour orgue, Pièces pour clavecin… (Zaïs, Paul Goussot, Paraty, 2013).  Attention, programme remarquablement audacieux. Et sur le plan interprétatif : quelle fulgurance dans un jeu à la fois noble, généreux et aussi percutant voire d’une mordante énergie ! Sans réserve, voici le cd que nous attendions pour l’année Rameau 2014 : d’une plénitude enthousiasmante et par le choix de son programme, dans les œuvres retenues et transcrites, l’expression la plus sincère et la plus directe de cette furie musicale, doublée d’élégance propre au génie raméllien : l’affinité des interprètes (instrumentises de l’ensemble Zaïs et organiste)…

 

 

 

Le plus sensuel, le mieux articulĂ© : William Christie l’enchanteur

le-jardin-de-monsieur-rameau-cd-les-arts-florissants-rameau,-monteclair-grandval,-jardin-des-voix-2013CD. Le Jardin de Monsieur Rameau (William Christie, le Jardin des Voix 2013). A chacune de ses éditions, l’académie de jeunes chanteurs des Arts Florissants, le Jardin des Voix fait le pari de l’engagement artistique et de la complicité humaine, vertus collégiales partagées par tous les participants, professionnels et jeunes apprentis. Le miracle d’une telle aventure humaine et musicale se réalise pleinement dans chacun des programmes et peut-être d’une façon souvent inouïe pour cette promotion 2013 (la 6ème du genre) où les 6 nouveaux élus (la parité y est préservée : 3 chanteuses, 3 chanteurs), portés par l’exigence de grâce et…

 

 

 

 

Bruno Procopio, chef décapant et raffiné.
Orchestralement impeccable et sur instruments modernes !

IDOL_PARATY512120Rameau in Caracas, Soloists of Simón Bolívar Symphony Orchestra of Venezuela (Bruno Procopio, direction, 1 cd Paraty). Programme festif et exaltant en prélude à l’année Rameau (2014), qui marque le 250ème anniversaire de la mort du compositeur. Rameau in Caracas Soloists of the Simón Bolívar Symphony Orchestra of Venezuela conducted by Bruno Procopio Jouer Rameau à Caracas – Les Soloists of Simón Bolívar Symphony Orchestra of Venezuela, invitent Bruno Procopio à diriger un programme totalement dédié à Jean-Philippe Rameau. C’est pour les musiciens vénézuéliens, une découverte exceptionnelle : celle du baroque français, première incursion dans la musique française du XVIIIème siècle. Bruno Procopio commente : J’ai surtout voulu susciter la curiosité des musiciens de l’Orchestre pour une…

 

 

 

Le mieux chambriste : Bruno Procopio, clavecin

CD Ă©vĂ©nement. Rameau rĂ©vĂ©lĂ© Rameau: Pièces de clavecin en concert (Bruno Procopio, clavecin… label Paraty). Avec ses Pièces pour clavecin en concert, Rameau offre un aboutissement inĂ©galĂ© dans l’art de la musique de chambre mais selon son goĂ»t, c’est Ă  dire avec impertinence et nouveautĂ©: jamais avant lui, le clavecin, instrument polyphonique et d’accompagnement n’avait osĂ© revendiquer son autonomie expressive de la sorte. PubliĂ© en 1741, voici bien le sommet du chambrisme français sous la règne de Louis XV: alors que Bach se concentre sur le seul tissu polyphonique, Rameau fait Ă©clater la palette sonore du clavier central, qui de pilier confinĂ© devient soliste…

 

 

 

Les plus poĂ©tiques : Alexis Kossenko et Sabine Devieilhe…

Devieilhe_sabine_ERATO_rameau_theatre_amour_ambassadeursCD. Rameau : le grand théâtre de l’Amour. Sabine Devielhe. Le sentiment de notre rédacteur Benjamin Ballif suscite l’unanimité de la rédaction de classiquenews : le nouvel album des Ambassadeurs, complices du premier récital lyrique de la jeune diva française Sabine Devieilhe émerveille. La chanteuse était sacrée ” révélation lyrique” aux dernières Victoires de la musique 2013. Voici un Rameau inventif et audacieux, expressif et intelligent qui convainc absolument. Il est d’autant plus pertinent qu’il met en avant cette sensualité raffinée propre au XVIIIè français et qui fait aussi de Rameau, à côté du scientifique et du…

 

 

 

Le plus défricheur : une partition méconnue dévoilée

rameau-fetes-hymen-amour-1747-Niquet-cd-glossaCD. Rameau : Les fêtes de l’Hymen et de l’Amour (Niquet, février 2014, 2 cd Glossa).  A l’époque où La Pompadour enchante et captive le coeur d’un Louis XV dépressif, grâce à ses divertissements toujours renouvelés, Rameau et son librettiste favori Cahuzac imaginent de nouvelles formes lyrique et théâtrales. Quoiqu’on en dise, les deux compères forment l’un des duos créateurs les plus inventifs de l’heure, ce plein milieu XVIIIè, encore rocaille et rococo qui pourtant par sa nostalgie et ses aspirations à l’harmonie arcadienne préfigure déjà en bien des points, l’idéal pacificateur et lumineux des Lumières. Au contact de Cahuzac,…

 

 

 

 

 

3 opéras de référence par William Christie

 

 

 

rameau_hippolyte_aricie_christie_eratoCD. Rameau : Hippolyte et Aricie (Christie, 1996). Dès 1996, William Christie et ses Arts Florissants, portĂ©s par une expĂ©rience collective de près de 17 ans, inaugure avec cette gravure historique devenue lĂ©gendaire, un cycle Rameau particulièrement saisissant. Autant Zoroastre par son sujet et le profil des protagonistes Ă©voque le choc des forces du Bien et du mal en un opĂ©ra vĂ©ritablement spectaculaire, autant Les BorĂ©ades rĂ©activent sous le prĂ©texte du sujet du Dieu du vent du nord (BorĂ©e), le fantastique des phĂ©nomènes naturels (tempĂŞtes multiples), … autant Hippolyte, premier grand ouvrage du Dijonais, sorte de dĂ©claration de tout ce qu’il va rĂ©aliser par la suite (1733) est un ouvrage oĂą perce la solitude des ” grands ” (Phèdre et ThĂ©sĂ©e), Rameau y analyse comme un texte de Corneille et surtout de Racine (le théâtre parlĂ© grande rĂ©fĂ©rence des gĂ©nies lyriques) l’impuissance trouble des âmes saisies dans leur Ă©loquente solitude et leur conscience terrifiĂ©e : le couple royal implose en plein vol et la musique dans le chant de l’orchestre nous dit tout de leur errance et de leur course au vide. Ici la fosse exprime les vertiges infernaux, Hippolyte Ă©galement (voir ici tout l’acte II : ThĂ©sĂ©e aux Enfers, Ă  la recherche de son ami PirithoĂĽs) mais Rameau peint aussi Ă  travers les amours d’Hippolyte et Aricie, le formidable printemps d’un l’amour juvĂ©nile le plus tendre jamais peint de cette façon (depuis Lully) sur une scène lyrique…

 

 

RAMEAU_zoroastre_cd_christie_ERATOCD. Rameau : Zoroastre (Christie, 2001). En ces temps de célébration Rameau (2014 marque le 250ème anniversaire de sa mort en 1764), où les grands projets lyriques se font rares – aucune grande tragédie lyrique du Dijonais n’est à l’affiche ni l’Opéra de Paris, héritière de l’institution pour laquelle le compositeur a écrit tous ses opéras (Académie royale de musique), ni même à l’Opéra de Dijon (qui ne manque pas de moyens pour célébrer son plus grand génie musical et patrimonial), le disque remplit opportunément notre soif et comble d’une certaine façon notre attente. D’autant qu’avec la renaissance du…

rameau_Castor_pollux_ChristieCD. Rameau : Castor et Pollux (Christie, 1992).  La deuxième tragéde lyrique de Rameau célèbre l’amour fraternel et viril. La réalisation de William Christie est liée à cet accord exemplaire (légendaire) entre un plateau de solistes quasi idéal (Daneman, Shirer, Padmore…), un choeur palpitant (sauf les sopranos pour le tableau d’Hébé), des instrumentistes conteurs, inventifs, nuancés. La direction du chef est exactement emblématique de sa sensibilité comme raméllien de premier plan : aiguë sans être cassante ni raide, précise et mordante, d’une fluidité hautement dramatique, capable d’une tendre et poétique sincérité. La plasticité de la déclamation lyrique française, engagée,…

 

 

 

 

 

 

Coffrets événements

 

 

ERATO coffret Rameau 27 cdCD. Coffret Rameau 2014 (27 cd ERATO). Nul ce coffret événement pour l’année Rameau 2014 récapitule 40 ans d’interprétation raméllienne : comme souvent, les approches les plus pertinentes sont extrahexagonales, voire anglo-saxonnes… Paillard et Harnoncourt, puis McGegan et Gardiner, surtout William Christie qui réinvente Rameau en lui restituant sa poétique symphonique singulière… voilà autant d’interprètes majeurs qui font de la réédition anniversaire élaborée par Erato pour l’année Rameau 2014 et en 27 cd, une somme événement. Evidemment CLIC de classiquenews. Le coffret prend valeur d’odyssée discographique dévoilant les jalons marquants de l’interprétation ramellienne depuis 40 ans – c’est dire son…

 

 

 

grands motets francais william christie ERATOCD. Grands Motets français. Desmaret, Campra, Rameau, Mondonville. Les Arts Florissants. William Christie (4 cd ERATO, 1994-2002). Le coffret Erato tombe à pic : fleuron de l’année Rameau 2014, récapitulatif d’un legs discographique majeur, et tout autant, focus remarquablement persuasif sur un pan entier de notre répertoire musical qui était bien oublié jusqu’au début des années 1990… jusqu’à ce que William Christie  ne s’en empare en défricheur visionnaire et si justement inspiré : le fondateur  et directeur musical des Arts Florissants révèle l’humanité et la splendeur des Grands Motets français. Il en dévoile même l’exceptionnelle fortune après les Lully et Lalande qui au…

 

 

 

Ă  venir …

La moisson continue en 2015. En liaison avec l’activitĂ© du Centre de musique Baroque de Versailles grand coordinateur de l’annĂ©e Rameau 2014 en France et dans le monde, deux nouveautĂ©s absolues sont annoncĂ©es en 2015, dĂ©sormais Ă  suivre : Les FĂŞtes de Polymnie et Le temple de la Gloire, qui fut entre autres rĂ©vĂ©lations, un temps fort de la programmation Rameau au Château de Versailles, pendant cet automne 2014…

Compte rendu, opĂ©ra. Versailles. OpĂ©ra Royal, le 18 novembre 2014. Jean-Philippe Rameau (1683-1764) : ZaĂŻs, Pastorale hĂ©roĂŻque en quatre actes avec prologue. Livret Louis de Cahusac. CrĂ©Ă©e Ă  l’AcadĂ©mie Royale de Musique de Paris, le 29 fĂ©vrier 1748. Avec : ZaĂŻs, Julian PrĂ©gardien ; Zelidie, Sandrine Piau ; Oromasès, Aimery Lefèvre ; Cindor, BenoĂ®t Arnould ; Sylphide, la Grande prĂŞtresse de l’amour, Amel Brahim-Djelloul; L’Amour, Hasnaa Bennani ; Un Sylphe, Zachary Wilder. Choeur de Chambre de Namur, direction du chĹ“ur, Thibaut Lenærts. Les Talens Lyriques ; Direction et clavecin, Christophe Rousset.

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rousset christophe talens lyriques amadis phaeton roland, bellerophonAvant le grand gala Rameau organisĂ© dans le somptueux Ă©crin de la galerie des glaces ce 22 novembre 2014, Versailles poursuit ces cĂ©lĂ©brations dans le cadre de l’annĂ©e Rameau 2014. L’annĂ©e Rameau touche Ă  sa fin, du moins Ă  Versailles. Elle a, grâce au travail des Ă©quipes du CMBV Centre de musique baroque de Versailles, Ă©tĂ© fĂŞtĂ©e avec un certain faste dans le monde et en France, permettant de faire dĂ©couvrir ou de redĂ©couvrir certaines Ĺ“uvres d’un Rameau plus mal connu qu’inconnu du public. Ce soir, c’est ZaĂŻs qui nous Ă©tait proposĂ© en version concert Ă  l’OpĂ©ra Royal, après une recrĂ©ation Ă  Beaune l’étĂ© dernier et un passage par Amsterdam quelques jours auparavant. ZaĂŻs que les Talens Lyriques auront enregistrĂ©s Ă  l’occasion de cette fin de tournĂ©e est une pastorale dont le livret de Louis de Cahusac est des plus simplissimes et des plus « naĂŻfs ». C’est une histoire de bergers et de bergères, d’amours lĂ©gèrement contrariĂ©s.

ZaĂŻs inabouti

Le génie des airs, Zaïs, déguisé en berger, met à l’épreuve une jolie bergère, Zélidie, dont il est follement épris. Il est aidé par son complice, Cindor, mais ni l’un ni l’autre ne parviennent à détourner la belle bergère, qui fait preuve de constance dans ses sentiments. Zaïs renonce alors à son immortalité pour elle. Mais pour les récompenser, Oromazès, le roi des génies leur offre à tous deux de vivre à jamais ensemble, car le temps ne doit pas s’opposer au bonheur.

Ce n’est donc pas l’histoire qui compte mais bien la musique de Rameau. La page la plus connue de cette œuvre exceptionnelle est son prologue. Il résume à lui seul, toute la puissance, l’effervescence, le bouillonnement, la violence des éléments qui rend si unique la musique de ce compositeur. Mais de ci de là, on a parfois déjà entendu en particulier dans le somptueux CD d’Ausonia « Que les mortels servent de modèles aux dieux », certains airs, dont la beauté onirique et évanescente comme « Chantez-oiseaux » ou tempétueuse et tellurique comme « Aquilons, rompez vos chaînes », y révélaient toutes leurs splendides nuances.

C’est donc avec une certaine impatience que nous attendions cette recréation complète de l’œuvre par les Talens Lyriques, d’autant plus lorsqu’on connait les affinités électives de Christophe Rousset avec la musique du compositeur dijonnais. Las, il y a des soirées avec et des soirées sans. On ne peut pas dire que tout fût décevant ce soir, loin s’en faut. C’est une addition de petits riens, de petites fautes, qui ont fini par nous laisser un sentiment d’incomplétude, un rien agaçant, d’autant plus lorsqu’on sait combien les Talens Lyriques nous offrent généralement bien mieux.

Castor et Pollux de Rameau (1737-1754)Christophe Rousset avait réuni autour de lui une très belle, voir exceptionnelle distribution. Mais malheureusement, on a dû relever ce qui est une erreur de casting. Cette dernière est d’autant plus regrettable que Zachary Wilder, puisque c’est de lui qu’il s’agit, nous avait révélé de magnifiques qualités d’interprétation en compagnie de Leonardo Garcia Alarcon dans la production d’Elena de Cavalli, il y a quelques mois. Son timbre de haute – contre est inadapté pour la musique du XVIIIe, a fortiori celle de Rameau. En revanche, même si Aimery Lefèvre semble en légère difficulté en première partie, il se reprend ensuite, donnant dans la séquence finale,  toute sa noble solennité  à Oramasès dans la célébration de l’union de Zaïs et Zélidie. Benoît Arnould est un Cindor, à peine roué et plein de charmes, tandis qu’Hasnaa Bennani est un Amour suave et Amel Brahim-Djelloul une grande – prêtresse de l’Amour, au céleste envoutement. Enfin les deux grands triomphateurs de la soirée, sont Julian Prégardien et Sandrine Piau. Lui est un Zaïs au timbre et à la diction d’une grande séduction. Tandis que la soprano est une bergère à l’élégance élégiaque, sensible, raffinée, pourtant si combattive. Le Chœur de chambre de Namur est quasi parfait, particulièrement redoutable comme dans « Aquilons, brisez vos chaînes ». Leur phrasé, leur musicalité en font un acteur essentiel.

Ce soir, ce sont les Talens Lyriques nous ont semblé en légère méforme. Bien sûr, il y a eu de beaux moments, mais aussi de manière assez surprenante, chez eux des fautes de justesse et de légers décalages avec le chœur qui ont troublé cette harmonie parfaite que nous attendions d’eux. Certes Christophe Rousset est parvenu à rétablir une situation très instable, mais la fatigue de ses troupes -et tout particulièrement des flûtes et des hautbois-, aura laissé au cours de la soirée un sentiment d’inaccompli.

Compte rendu, opĂ©ra. Versailles. OpĂ©ra Royal, le 18 novembre 2014. Jean-Philippe Rameau (1683-1764) : ZaĂŻs, Pastorale hĂ©roĂŻque en quatre actes avec prologue. Livret Louis de Cahusac. CrĂ©Ă©e Ă  l’AcadĂ©mie Royale de Musique de Paris, le 29 fĂ©vrier 1748. Avec : ZaĂŻs, Julian PrĂ©gardien ; Zelidie, Sandrine Piau ; Oromasès,  Aimery Lefèvre ; Cindor, BenoĂ®t Arnould ; Sylphide, la Grande prĂŞtresse de l’amour, Amel Brahim-Djelloul; L’Amour, Hasnaa Bennani ; Un Sylphe, Zachary Wilder. Choeur de Chambre de Namur, direction du chĹ“ur, Thibaut Lenærts. Les Talens Lyriques ; Direction et clavecin, Christophe Rousset.

CD. Rameau : the sound of light (Currentzis, 2012)

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rameau courrentzis musicaeterna tteodor currentzis sound of lightCD. Rameau : the sound of light (Currentzis, 2012). Voici un Rameau qui fait rĂ©agir : lisez d’abord le titre de cette anthologie, The sound of light, le son de la lumière… Lumineux et mĂŞme solarisĂ© (serait-ce une rĂ©fĂ©rence indirecte Ă  son appartenance Ă  une loge comme Ă  ses nombreux ouvrages pĂ©nĂ©trĂ©s de symboles et rituels maçonniques : de ZaĂŻs Ă  Zoroastre…?). FrĂ©nĂ©tique, motorique, surexpressive… la lecture de Teodor Currentzis, jeune chef athĂ©nien formĂ© dans la classe d’Illya Musin Ă  Saint-PĂ©tersbourg (Ă  22 ans) qui est passĂ© par l’OpĂ©ra de Novossibirsk puis actuellement Perm, – oĂą il est directeur artistique, ne laisse pas indiffĂ©rent : sa baguette suractive exaspère comme elle transporte.
Pour le 250ème anniversaire de sa mort, le compositeur vit une annĂ©e 2014 finalement florissante : aux concerts (Le Temple de la gloire, ZaĂŻs… resteront de grands moments de redĂ©couverte… Ă  l’OpĂ©ra de Versailles), ou Ă  l’opĂ©ra (Castor et Pollux, Les Indes Galantes, PlatĂ©e...), s’ajoutent plusieurs rĂ©alisations discographiques dont ce programme pourtant enregistrĂ©e dĂ©jĂ  en juin 2012 Ă  Perm (Maison Diaghilev, Oural). Le champion de la direction nerveuse, survitaminĂ©e au risque de paraĂ®tre … hystĂ©rique fait feu de tout bois, en l’occurrence sa facultĂ© motorique qui frise la surenchère souvent, s’accommode idĂ©alement de la science rythmique d’un Rameau jamais en reste d’une idĂ©e ou d’une forme neuve. Le Rameau dĂ©fricheur, expĂ©rimentateur, inventif trouve ici une dĂ©monstration Ă©loquente voire spectaculaire, continĂ»ment investie. Evidemment les partisans du compositeur fulgurant et tendre regretterons cette outrance, ce jeu pĂ©taradant, certes dramatique et théâtral mais agressif (Ă©coutez les BorĂ©ades et Dardanus… trop caricaturaux). Musette et surtout tambourin pour Terpsichore des FĂŞtes d’HĂ©bĂ© sont Ă  la limite du trait percussif. Pourtant dans cette violence et cette dĂ©termination surgit une autre facette du talent de Rameau : son insolence gĂ©niale.

currentzis teodorLes autres qui aspirent Ă  plus de trouble et d’ambivalence, de profondeur et de poĂ©sie voire de tendresse en seront certainement pour leurs frais. Pourtant le phĂ©nomène Currentzis, il y a dĂ©jĂ  2 ans, se distingue par une capacitĂ© hors norme Ă  exprimer la vitalitĂ© et l’intensitĂ© radicale des partitions qu’il a choisi : ses premiers Mozart (ceux de la trilogie da Ponte en cours, – hier Les Noces ; aujourd’hui pour NoĂ«l 2014 : Cosi ; et demain Don Giovanni… Ă  l’automne 2015) en font foi : l’urgence, l’intensitĂ© fulgurante imposent ici, d’abord le chant et l’engagement de l’orchestre ; ensuite les voix (qui ne sont pas toutes totalement convaincantes il est vrai…). Mais le caractère entier, passionnĂ©, la volontĂ© du chef font table rase de tout ce qui a Ă©tĂ© rĂ©alisĂ© et entendu jusque lĂ  ; une juste et très attachante remise en question de tous les fondamentaux : Teodor Currentzis a cette facultĂ© de tout reprendre Ă  zĂ©ro : exprimer avec conviction et engagement un point de vue, rĂ©vĂ©lant les Ĺ“uvres Ă  leur propre force de motricitĂ©, dĂ©voilant souvent grâce Ă  une travail de plus en plus nuancĂ©, la richesse des Ă©critures, la vitalitĂ© des inspirations, le fini d’une orchestration.

 

 

 

Rameau solarisĂ©, survitaminĂ©… Ă©lectrocutĂ©

 

currentzis teodor cosi fan tutte mozart dirige baltasar neumannVoilĂ  qui nous change de la standardisation polie de rigueur, dans bien des concerts et programmes enregistrĂ©s : son Rameau exulte, regorge de frĂ©nĂ©sie théâtrale, de force dramatique… parfois dure voire âpre.  Une Ă©nergie comme celle des pionniers baroqueux, osant tout, risquant tout… Et cette seule capacitĂ© Ă  dĂ©passer la simple exĂ©cution pour une interprĂ©tation qui dĂ©range ou enchante, renouvelle mĂŞme la place de l’auditeur : autant dire que notre Ă©coute est ici active ; et lorsque les chanteurs partagent l’engagement du chef, ses dĂ©lires aussi, quand ceux ci sont justes et mesurĂ©s, le rĂ©sultat est très convaincant : c’est le cas de l’actuel Cosi fan tutte (publiĂ© ce 17 novembre 2014 : dont la Despina de la soprano – bellinienne – Anna Kassyan est anthologique, de finesse, d’intelligence, de subtilitĂ© expressive : un rĂ©gal) ; c’est assurĂ©ment le cas aussi pour Nadine Koutcher, soprano biĂ©lorusse qui affirme ici une technicitĂ© expressive de premier ordre pour le rĂ´le dĂ©jantĂ© de la Folie de PlatĂ©e. Un personnage que seul Rameau pouvait imaginer, et qui est la personnification de toute ce que peut et doit la musique – selon le compositeur thĂ©oricien de grande valeur-. Ce Rameau dramatique, exaltĂ© est la meilleure rĂ©alisation nĂ©e de la complicitĂ© du chef et de la soprano.

L’Ă©nergie vindicative qui semble refaire le monde et rĂ©organiser le cosmos pour l’ouverture de NaĂŻs, se perd, Ă  la fois brouillon et absent Ă  la nostalgie rĂŞveuse, dans la prière d’Aricie d’Hippolyte : rien Ă  faire, la tendre langueur, la profondeur sont absentes, et Currentzis rate l’air qui aurait dĂ» bercer par sa caresse allusive. Pourtant l’entrĂ©e des Muses des BorĂ©ades (plage 3) laissait prĂ©sager une tendresse revivifiĂ©e, une juvĂ©nilitĂ© tendre et profonde. VoilĂ  peut-ĂŞtre la limite d’une direction trop nerveuse qui s’Ă©loigne du cĹ“ur et du sentiment.

CLIC D'OR macaron 200Cependant, depuis 2012, les instrumentistes ont gagnĂ© une nouvelle Ă©paisseur, un nouveau sentiment dans ce Cosi fan tutte anthologique (Ă©ditĂ© en dĂ©cembre 2014) qui frappe par sa nervositĂ© palpitante et touche aussi par la finesse Ă©motionnelle de ses couleurs (voyez l’exceptionnelle Ă©toffe instrumentale qui porte la pĂ©tillance de Despina, comme nous le disions).  MĂŞme la tonicitĂ© motorique et la tension expressive des deux contredanses des BorĂ©ades sont expĂ©diĂ©es sans guère de nuances, dans la force et la dĂ©monstration outrĂ©es… quant Ă  la fin des Tambourins de Dardanus, la transe tourne Ă  … l’hystĂ©rie (c’est rĂ©ducteur et bien mal connaĂ®tre Rameau que d’exĂ©cuter ainsi l’oeuvre). Nonobstant ce Rameau force l’admiration par la rage conquĂ©rante dont font preuve chef et instrumentiste de MusicAeterna. Comme il agace par l’outrance expressive de certains passage. Cependant, Currentzis n’Ă©tant pas Ă  une exception près, l’ineffable douleur tragique de ” Tristes apprĂŞts ” de TĂ©laĂŻre dans Castor et Pollux se rĂ©alise ici par la caresse de la lecture, vĂ©ritable aurore, le commencement d’une ère nouvelle. De cela, par ses visions jamais neutres, sachons reconnaĂ®tre au chef, cette audace de la baguette qui tranche avec bon nombre de ses confrères trop lisses, trop conformes. DĂ©cidĂ©ment le geste de Currentzis fait rupture et dĂ©bat. La RĂ©daction de classiquenews a choisi son camp : l’Ă©nergie, la fougue complĂ©tĂ©e par son Cosi rĂ©cent confirme la valeur du chef. Sa direction dĂ©tonne, renouvelle. Ce Rameau saisit, frappe, agace… tel Ă©tait assurĂ©ment le cas Ă  l’Ă©poque du compositeur si jalousĂ© et critiquĂ©. Changer de regard et de perspective reste une valeur Ă  laquelle nous tenons. Merci au chef de nous surprendre dans ce disque qui suscitera Ă©videmment de vives rĂ©actions. Son Rameau non conforme, outrancier ne pouvait mieux tomber en cette annĂ©e Rameau 2014.

 

Jean-Philippe Rameau (1683-1764) : The sound of Light. Extraits des FĂŞtes d’HĂ©bĂ©, Zoroastre, Les BorĂ©ades, Les Indes Galantes, PlatĂ©e, Six Concerts, NaĂŻs, Hippolyte et Aricie, Dardanus, Castor et Pollux… MusicAeterna. Teodor Currentzis, direction. EnregistrĂ© Ă  Perm (Oural, maison Tourgheniev, juin 2012). 1 cd Sony classical 88843082572.