Compte rendu, opéra. Toulon. Opéra, le 25 avril 2014. Verdi : Macbeth. Giuliano Carella, direction.

Passion Verdi sur ArteL’œuvre originelle. Contexte théâtral : théâtre de l’horreur. Tout en s’en démarquant quelque peu, la tragédie de William Shakespeare (1564-1616), Macbeth (entre 1603 et 1607), demeure, par sa brutalité, les scènes de meurtre, dans la veine d’un théâtre européen de l’horreur à cheval sur les XVIe et XVIIe siècles dont, en France, Les Juives de Robert Garnier (1583), par leur violence imprégnée de celle des Guerres de religion, demeurent un exemple. Shakespeare, avec son Titus Andronicus (vers 1590/1594), ne déroge pas à cette inspiration barbare des pièces élisabéthaines de la fin des années 1580, prodigues en scènes atroces (cannibalisme, mutilation, viol, folie). Il y renchérit même sur les œuvres plus que violentes de ses rivaux, tels Christopher Marlowe qui porte à la scène avec crudité la Saint-Barthélemy (Massacre de Paris, 1593) et la cuve d’huile bouillante son Juif de Malte (1589) ou Thomas Kyd et sa Tragédie espagnole. Macbeth fut le plus grand succès public de Shakespeare, longtemps rejouée, traduite en allemand par des compagnies itinérantes. Mais ce mélange d’horreur et de pathétique, dérogeant aux règles de la bienséance classique, la pièce sera reléguée après avoir régalé le grand public.
Le dramaturge anglais s’inspire librement d’une chronique médiévale relatant des événements historiques, la vie de Macbeth, roi des Pictes, qui régna en Écosse de 1040 à 1057 ; il monte sur le trône en assassinant Duncan, le roi légitime. Mais de cet événement, un régicide, le meurtre d’un roi, somme toute banal dans l’histoire, Shakespeare tire la peinture, le portrait d’un assassin ambitieux certes, mais timoré, freiné puis tourmenté par des scrupules moraux. Cependant, il est incité par sa machiavélique femme, Lady Macbeth, qui le pousse dans la marche au pouvoir qui ne se soutient que par l’enchaînement inexorable de crime en crime. Le couple maudit, rongé par la crainte d’être découvert et le remords, acculé à la surenchère criminelle pour se maintenir au sommet de la puissance, dans son escalade criminelle, trouve son expiation, son châtiment, lui, saisi d’abord d’hallucinations croyant voir même dans un banquet, au milieu des courtisans, le fantôme de Banco, l’ami qu’il a fait assassiner, elle, Lady Macbeth, son âme damnée, sombrant dans le somnambulisme qui la trahit, dans la folie, lavant sans cesse des mains tachées du sang du régicide.
Shakespeare ajoute au drame historique une dimension surnaturelle : ce sont des sorcières, qui, après une glorieuse bataille, saluant Macbeth, seigneur de Glamis, du titre de seigneur de Cawdor, seront les agents de sa fulgurante ascension politique et de sa chute. En prophétisant ce titre inattendu de seigneur de Cawdor, que lui décerne sur le champ le roi Duncan pour prix de sa victoire sur les Norvégiens envahisseurs, et en lui prédisant qu’il sera également roi d’Écosse, les sorcières enclenchent la mécanique de l’ambition, qui déclenche la tragédie. Elles sont peut-être la manifestation de son inconscient. À son ami, l’autre général, Banquo, elles prédisent également que, sans régner lui-même, il sera l’origine d’une lignée de roi. Quoiqu’il en soit, Macbeth écrit ces prédictions à sa femme et met en route en elle l’ambition fatale qui les perdra tous deux.

Réalisation
L’opéra de Toulon présentait la magnifique production venue de Bordeaux et de Lorraine de l’opéra Macbeth de Verdi (1813-1901) sur un livret de Francesco Maria Piave (1810-1876). Première représentation eut lieu avec un grand succès à Florence en 1847. En 1865, Verdi remania son œuvre pour la version française de Paris, qui, retraduite en italien, s’imposa dans le monde.
On saluera d’entrée la mise en scène efficace et effectiste de Jean-Louis Martinoty qui rend à cette œuvre, parfois édulcorée, toute la violence visuelle à la fois de la pièce de Shakespeare et de l’opéra de Verdi dont on connaît le soin maniaque, tout moderne, qu’il portait à la réalisation théâtrale : d’un si grand mélodiste et musicien, on peut s’étonner du primat qu’il donnait à l’action scénique sur la musique. Par souci de théâtralité, il voulait une Lady Macbeth à la voix laide mais expressive et l’on sait, de son propre aveu, que Maria Callas dut son premier rôle à la Scala grâce à Toscanini qui voulait, pour ce rôle, une soprano au timbre ingrat selon le vœu du compositeur. Ainsi, rien n’est déguisé de l’horreur des crimes, du massacre même des enfants de Macduff mais poétisé par un expressionnisme impressionnant et l’estompe onirique des lumières obscures, à peine livides parfois, de François Thouret, qui font hésiter, comme dans un rêve entre veille et sommeil, de la réalité de ce que nous entrevoyons plus que nous ne voyons : des images mentales d’un chaotique cauchemar impossible à quitter.
Ce décor de Bernard Arnould, autant que les personnages, enferme le spectateur dans ce confus et pourtant géométrique dédale, une minérale et angoissante forêt de colonnes rigides mais toujours mouvantes, aux pâles reflets de miroirs, où toute action, où tout groupe se démultiplie, telles les sorcières, omniprésentes, instigatrices et spectatrices du drame, vagues nonnes blanches de face, images de la mort de dos, revers devenant avers dans le miroir, dans un univers baroque à l’envers comme l’arbre humain pendant des cintres, où tout est réversible, le vrai et le faux, où la vérité est le plus grand des mensonges. Les vidéos Gilles Papain, celle de Jacques Brissot de la confuse bataille, le magmas glapissant des sorcières, l’amas de corps désarticulés des morbides poupées de Bellmer, comme issu d’un charnier concentrationnaire dont notre temps est prodigue, tissent, entassent un grouillement fantasmagorique grandguignolesque, gore et mandragore maléfique pesant du ciel comme une épée de Damoclès : résidus fatal de la scène sanglante. Dans cette pénombre des consciences rayées par les éclairs obscurs des miroirs pivotants, les costumes somptueux de Daniel Ogier, rouge foncé, aux éclats satinés d’acier et de bronze, semblent les sombres et vains vêtements évanouis d’un funèbres carnaval. Le bliaut, le fourreau de Lady Macbeth est d’un vert acide vénéneux pour la reine venimeuse, déteignant sur d’autres.
Les rideaux de scène projetés de Ronan Barrot sont beaux mais d’une esthétique coloriste tendant vers l’abstrait, où l’on devine, parfois, des ombres goyesques car l’œil, pour bien les percevoir, est trop sollicité par le clair-obscur des citations en anglais, puis en français, de quelques sentences de la pièce : « Ce qui est fait est fait et ne peut être défait » de Lady Macbeth et, de sopn royal et régicide époux : «  [La vie] est un récit conté par un idiot, plein de bruit et de fureur, et qui ne signifie rien. »

Interprétation
Pas une faiblesse à déplorer dans, ni dans la fosse ni dans ce plateau homogène. Des chœurs très engagés, maîtrisés par Christophe Bernollin, des comparses bien en place, des rôles épisodiques bien choisis, Aurélie Ligerot en dame d’honneur qu’on aimerait réentendre, Antoine Abello, bon soliste et choriste.
Dans cet opéra qui rompt avec la convention de son temps, avec un rôle muet, le roi Duncan, pas d’histoire d’amour entre soprano et ténor, mais pacte haineux de mort entre les deux maléfiques héros, elle soprano dramatique d’agilité, lui baryton Verdi, voix corsées et sombres. À leur noirceur s’ajoute celle, vocale de Banco, la basse géorgienne Mikhail Kolelishvili, profonde et immense voix  dont on craint un peu, au début l’instabilité slave de la ligne mais qui, dans son air avant son assassinat, plein de tendresse angoissée pour son fils et de sombres pressentiments, il est impressionnant dans des graves nourris et un mi aigu pleinfort sans perte de couleur.
Cependant, deux voix claires masculines illuminent la partition, essentiellement au dernier acte, comme un horizon qui s’éclaire dans l’éclair de la douleur pour Macduff dont la femme et les enfants ont été assassinés, interprété avec une vérité et une force touchantes par le ténor russe Roman Shulackoff, et dans le ciel dégagé de Malcolm, qui regagnera le trône d’Écosse de son père, chanté par l’Italien lumineux Giorgio Trucco.
Le couple maudit est formé de deux chanteurs de trempe exceptionnelle eu égard à ce qu’exige d’eux Verdi. Notamment pour sa Lady Macbeth, à laquelle il impose une tessiture infernale du si grave au ré bémol aigu avec un médium corsé, dramatique, et l’obligation de coloratures agiles, notamment dans la scène du banquet. La soprano suédoise Ingela Brimberg n’est certes pas une voix méditerranéenne mais, si la musique de Verdi l’est assurément, son héroïne, écossaise, ne l’est pas et l’on sait que le compositeur était davantage attaché à la crédibilité de ses personnages, à l’émotion du rôle qu’ils dégageaient qu’à la simple beauté de l’émission vocale. En cela, cette grande artiste se tire avec honneur de cette partition terrible, passant avec aisance et puissance du grave aux aigus enchaînés en sauts périlleux (où l’on peut encore voir filmés les ratages sublimes de Callas qui affrontait sans tricher cette tessiture diabolique). Physiquement, elle a de l’allure, une belle figure, un jeu crédible, elle est émouvante même de l’arrogante voracité de sa première apparition en rousse qui sent le roussi, à la dégradation progressive, cheveux courts et noirs, implacable, écharpe et gant rouges du sang versé, puis cette somnambule hagarde regardant ses mains, pitoyable, aux longs cheveux gris : subtile marque du passage du temps, de la chronologie, par le corps de la femme.
À ses côtés, avec une voix sonore, chaude, large, égale sur toute le tessiture, d’une rondeur humaine prête à arrondir tous les angles, le Macbeth de Giovanni Meoni, velléitaire sinon veule, sans avoir la grandeur farouche de sa femme, a la dimension tragique su criminel d’emblée conscient de son crime. Il murmure ses scrupules, ses craintes, de façon très dramatique, avec une vocalité d’une conduite exemplaire tant dans la force brutale que dans la confidence finalement humaine.
À la tête de l’Orchestre et Chœur de l’Opéra de Toulon, son chef et directeur Giuliano Carella, comme chez lui, joue à plein des contrastes et des couleurs de cette partition : des murmures aux flots déchaînés d’une musique expressive, oppressante dans les scènes intimistes, déchaînée dans le bruit et la fureur qui, ici, font sens.
À quelques broutilles près d’un soir de première, une réussite à la hauteur de Shakespeare et Verdi.

Macbeth, de G. Verdi. Livret de Francesco Maria Piave d’après la tragédie de Shakespeare. Opéra de Toulon, 25, 27 et 29 avril, Coproduction de l’Opéra National de Bordeaux et de l’Opéra National de Lorraine. Orchestre et Chœur de l’Opéra de Toulon. Direction musicale : Giuliano Carella. Mise en scène : Jean-Louis Martinoty. Décors : Bernard Arnould. Costumes : Daniel Ogier. Lumières François Thouret.Vidéos : Gilles Papain.
Distribution : Lady Macbeth : Ingela Brimberg ; Macbeth : Giovanni Meoni ; Banco : Mikhail Kolelishvili ; Une dame d’honneur Aurélie Ligerot ; Macduff : Roman Shulackoff ; Malcolm : Giorgio Trucco.

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