COMPTE-RENDU, concerts, festival. NOHANT FESTIVAL CHOPIN 2019. Les 8 et 9 juin 2019, Nelson Freire, ClĂ©ment Lefebvre, piano. Beethoven, Shostakovich, Chopin, Rameau, Scriabine
 

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  La 53Ăšme Ă©dition du Nohant Festival Chopin a commencĂ© le 1er juin, ce jour oĂč, en 1839,  FrĂ©dĂ©ric Chopin dĂ©couvrit Nohant. La demeure accueillante de George Sand fut, on le sait, le berceau de nombreux chefs-d’Ɠuvre littĂ©raires et musicaux que l’on doit au couple mythique. Au cƓur d’une campagne berrichonne inspirante et gĂ©nĂ©reuse, qui n’est peut-ĂȘtre pas sans rappeler au compositeur sa Pologne natale, la vie Ă  Nohant adoucit un temps la plaie de l’exil: cet « exil romantique », le thĂšme de cette Ă©dition, dont les accents nostalgiques percent entre les notes de tout l’Ɠuvre du compositeur. Jusqu’au 23 juillet, Nohant vibre Ă  nouveau de l’ñme de Chopin in situ et hors les murs, chaque week-end et un peu plus, tisse des liens de filiation, se fait aussi un temps le havre d’autres compositeurs exilĂ©s.

La richesse de cette Ă©dition laisse un gout de « reviens-y », et un sentiment de frustration lorsque l’on quitte Nohant le 9 juin au soir. On serait bien revenu pour Christian Zacharias, Andreas Steier, SĂ©lim Mazari et tant d’autres! Seulement voilĂ  la musique fleurit partout aux beaux jours et nous appelle dans autant de magnifiques endroits. Le 8 juin, le week-end commence dans la bergerie par la traditionnelle causerie: il n’y a pas comme Jean-Yves ClĂ©ment pour en faire un moment captivant assaisonnĂ© de plaisir et d’humour, cette fois en compagnie de Bruno Messina, auteur de Berlioz, aux Ă©ditions Actes Sud (2018): il nous parle du compositeur français le plus romantique, de son extraordinaire personnalitĂ©, de son caractĂšre impossible, de ses amours capricieuses, et de sa rencontre avec George Sand. Une belle entrĂ©e en matiĂšre, avant le concert du soir.

 

 

La lumiĂšre au bout des doigts de Nelson Freire

Nelson Freire arrive sur scĂšne, le pas prĂ©cautionneux. il ne jouera pas la sonate en si mineur n°3 de Chopin, ni sa berceuse, ni mĂȘme son deuxiĂšme scherzo inscrits au programme. Ce n’est pas un problĂšme tant son rĂ©pertoire est vaste. Un prĂ©lude pour orgue de Bach arrangĂ© par Siloti introduit la premiĂšre partie, qui commence avec la sonate « Clair de lune » opus 27 n°2 de Beethoven, contrastĂ©e: L’adagio sostenuto avance, rapide et fluide, dans l’épanouissement du chant, sans se charger de pathos, profond et calme, laissant entrevoir la beautĂ© des contre-chants; l’allegretto aimable et sans façon conduit Ă  la folle prĂ©cipitation d’un presto agitato, vĂ©hĂ©ment, jouĂ© quasiment sans pĂ©dale, au bord d’un prĂ©cipice imaginaire, mais tenu de main ferme. Sur le ton de la confidence et de l’apaisement, les quatre KlavierstĂŒcke de l’opus 119 de Brahms s’illuminent doucement: Freire libĂšre ces piĂšces ultimes de toute lourdeur, au fil de leurs pages nous enseigne l’allĂšgement, nous dit que rien n’est si grave de la vie et du temps qui a passĂ©, passe de la nostalgie Ă  la jovialitĂ©, voire l’optimisme, obtient des timbres miraculeux on ne sait comment tant il semble effleurer le clavier avec dĂ©sinvolture (arpĂšges du 3Ăšme intermezzo), les doigts tels des papillons (4Ăšme – rhapsodie). L’esprit reste lĂ©ger, presque futile et joueur dans les 3 Danses fantastiques opus 5 de Shostakovich, devient tendre, suave et rĂȘveur dans le nocturne en si bĂ©mol majeur de Paderewski. De l’hĂŽte des lieux, il joue en fait la polonaise opus 26 n°1, puis l’impromptu opus 36, deux mazurkas et enfin la troisiĂšme ballade opus 47. Que dire de plus qui n’aurait dĂ©jĂ  Ă©tĂ© dit sur ce grand interprĂšte de Chopin? Que tout y est, et en particulier le chant, toujours et partout le chant, conduit, phrasĂ© sans emphase, sublime! et quelle dĂ©licatesse dans ses mazurkas, quelle Ă©lĂ©gance, tout est Ă  sa juste place dans la plus infime inflexion, au cƓur des impalpables « pp » comme de l’éloquence. La Ballade a des ailes, cette lumiĂšre, cette « ardeur juvĂ©nile » chĂšre Ă  Cortot, mais curieusement s’emballe outre mesure Ă  la fin, appelĂ©e par on ne sait quelle urgence. Le public ne veut pas lĂącher cet artiste si essentiel, qui se prĂȘte de bonne grĂące au jeu des bis. Il nous offre alors les dĂ©lices du Tango d’AlbĂ©niz-Godowsky, l’émotion de l’OrphĂ©e et Euridice de GlĂŒck dans la transcription de Sgambati,  et le festif « jour de noce Ă  Troldhaugen » de Grieg, avec la spontanĂ©itĂ© et la simplicitĂ© que l’on reconnait aux plus grands.

 

 

Le piano atmosphérique de Clément Lefebvre 

Le dimanche commence avec le Tremplin-dĂ©couverte. Le jeune artiste invitĂ© est ClĂ©ment Lefebvre. ÉlĂšve d’Hortense Cartier-Bresson puis de Roger Muraro au CNSMD de Paris, il a remportĂ© le premier Prix et le Prix du public au Concours international de piano James Mottram de Manchester. Il est aussi laurĂ©at de plusieurs fondations (Banque Populaire, Safran, MĂ©cĂ©nat SociĂ©tĂ© GĂ©nĂ©rale
). Son premier disque « Couperin/Rameau » (Evidence Classics 2018) a Ă©tĂ© saluĂ© unanimement et est rĂ©compensĂ© par un Diapason d’or DĂ©couverte.  A point nommĂ© son rĂ©cital commence par la Nouvelle Suite en la de Rameau. ClĂ©ment Lefebvre fait son miel de l’ornementation baroque comme si celle-ci avait toujours Ă©tĂ© Ă©crite pour le piano, avec une aisance, un goĂ»t et une fluiditĂ© touchant la perfection. Avec quel Ă -propos et quelle subtile poĂ©sie il construit cette suite, en orchestre la gavotte et ses doubles, nous entraĂźne Ă  la fin dans sa grisante Ă©nergie! Pour Chopin son choix s’est portĂ© sur la troisiĂšme Ballade opus 47, le PrĂ©lude opus 28 n°15, et la Barcarolle opus 60. Belle et cohĂ©rente succession: son jeu clair, dĂ©liĂ© et aĂ©rien dĂ©voile progressivement un propos tout en finesse, en distinction, au fil des pages de la ballade, ne force jamais le trait, et sans rien qui pĂšse et qui pose, donne par moment une dimension debussyste Ă  l’Ɠuvre, sÂ â€˜Ă©cartant du clichĂ© romantique. Plus que le sens Ă©pique, qui est propre aux autres ballades, c’est l’atmosphĂšre qu’il privilĂ©gie, comme dans le prĂ©lude appelĂ© communĂ©ment « la goutte d’eau » jouĂ© introspectif, sombre, statique mais pas plombĂ©, qui touche le fond dans sa partie centrale. Comme aussi dans la Barcarolle, qui toute en liquiditĂ© berce un mystĂšre: non point exposĂ©e au plein soleil italien, mais au contraire nocturne, lunaire, impressionniste, elle suspend le temps, sonde les profondeurs avant de s’ouvrir sur un Ă©lan magnifique et palpitant. Romantique, la troisiĂšme sonate de Scriabine? ƒuvre du jeune compositeur qui adorait Chopin, dans un tout autre climat elle en a la saveur, l’ivresse tourmentĂ©e, et ClĂ©ment Lefebvre en saisit les multiples facettes comme autant d’ « états d’ñme », chemine entre noire passion et lumiĂšre cĂ©leste, vigueur triomphante et pensĂ©es indicibles, drame et contemplation. Impossible de rĂ©sister: il faut se laisser emporter par cette musique, ses timbres, ses rythmes et ses cantabile, comme par une vague, ses soubresauts et ses accalmies, et c’est bien ce que le pianiste parvient Ă  rĂ©aliser avec le plus grand naturel. Comme il parvient Ă  nous convaincre que les barriĂšres stylistiques sont moins infranchissables qu’on ne le pense. Au disque, il a associĂ© Couperin et Rameau, tels deux insĂ©parables (qui pourtant ne se rencontrĂšrent jamais!). Il fallait donc une piĂšce de Couperin pour boucler le programme, « Les Roseaux », donnĂ©e aprĂšs l’andante de la dixiĂšme sonate de Mozart K 330: deux bis dans le langage du tendre et du sensible, qui remportent dĂ©finitivement l’adhĂ©sion d’un public admiratif, au cƓur conquis.

 

 

 

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COMPTE-RENDU, concerts, festival. NOHANT FESTIVAL CHOPIN 2019. Les 8 et 9 juin 2019, Nelson Freire, ClĂ©ment Lefebvre, piano. Beethoven, Shostakovich, Chopin, Rameau, Scriabine
 

 

 

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COMPTE-RENDU, piano. LILLE PIANO(S) FESTIVAL 2019. Concert de clÎture, le 16 juin 2019. BRAHMS : Concerto pour piano et orchestre en si-bémol, Johannes Brahms. ONL, JC CASADESUS, N FREIRE.

Compte rendu, piano. Lille. Concert de clĂŽture Festival Piano(s) Lille, 16 juin 2019. Concerto pour piano et orchestre en si-bĂ©mol, Johannes Brahms. Orchestre National de Lille. Jean-Claude Casadesus, direction. Nelson Freire, piano. Nous voici dans la fabuleuse salle – auditorium du Nouveau SiĂšcle Ă  Lille pour la clĂŽture de la 15e Ă©dition du Lille Piano(s) Festival, Ă©vĂ©nement dĂ©sormais incontournable du printemps lillois chaque annĂ©e et qui voyait cette annĂ©e d’anniversaire, la derniĂšre direction artistique de Jean-Claude Casadesus. Pour souligner 2019, le pianiste brĂ©silien Nelson Freire interprĂšte le 2e concerto pour piano et orchestre de Brahms, avec l’Orchestre National de Lille sous la direction de
 Jean-Claude Casadesus. Trois jours de cĂ©lĂ©bration kalĂ©idoscopique de l’art du piano avec une conclusion sensible oĂč l’accord, la symbiose entre le piano et l’orchestre sont au rendez-vous.

Nelson Freire, aprĂšs un rĂ©cital solo d’une sensibilitĂ© exquise la veille, rejoint ainsi l’Orchestre National de Lille pour le monumental concerto de Brahms. L’Ɠuvre composĂ©e 20 ans aprĂšs le premier fut trĂšs bien reçue dĂšs sa crĂ©ation. Modeste, Brahms parlait du concert comme « un petit concert en si-bĂ©mol ». Nous pouvons voir l’évolution tout Ă  fait symphonique du maĂźtre ; s’il est moins exubĂ©rant que le premier, il est plus Ă©quilibrĂ©, d’une plus grande rĂ©serve Ă©motionnelle, accouplĂ©e Ă  une plus grande maĂźtrise de l’orchestration et surtout Ă  un sens plus mĂ»r de la relation entre le soliste et l’ensemble.

 

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Le 2ù Concerto de Brahms par Nelson Freire

Un « petit concert » pas comme les autres

 

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L’opus en 4 mouvements commence par un Allegro non troppo qui s’ouvre avec un solo du cor Ă  la beautĂ© Ă©difiante et sereine. En ce mouvement de forme sonate Ă©largie, Nelson Freire fait preuve d’un toucher sensible mais avec brio, et si le dialogue entre lui et l’orchestre commence loin de l’équilibre, pour des raisons peut-ĂȘtre liĂ©es Ă  l’acoustique de l’auditorium, nous sommes bien sĂ»r conquis par l’humanitĂ© des efforts concertĂ©s.

L’Allegro Appassionato qui suit est un scherzo romantique oĂč l’on peut apprĂ©cier davantage la relation tout Ă  fait intense entre le piano et l’orchestre, et ceci par la maĂźtrise et la cohĂ©sion des groupes sous la baguette du chef, les cordes se montrant particuliĂšrement puissantes. L’orchestre se dresse en effet devant le jeu quelque peu tourmentĂ©, trĂšs vertigineux, du pianiste. Le troisiĂšme mouvement est un Andante tranquille oĂč le violoncelle a un rĂŽle important. Il interprĂšte une sorte de cantilĂšne d’une beautĂ© paisible qui apaise et qui inspire. Le piano s’agite dans la partie centrale ce qui fait ressortir davantage les contrastes, et qui permet Ă©galement de ne pas rester bercĂ© par le violoncelle.

 

 

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L’Ɠuvre se termine enfin par un Allegretto grazioso soit les pages les plus dramatiques et virtuoses pour le soliste. La forme rondo est habituellement une des plus lĂ©gĂšres dans le concert classique, mais ici Brahms l’élargit massivement, comme s’il s’agissait d’équilibrer l’opus par rapport aux mouvements prĂ©cĂ©dents. Bien sĂ»r, le mouvement a ce je ne sais quoi de dansant typique des rondos, et c’est encore une occasion d’entendre les vents de l’Orchestre National de Lille en excellente forme, ainsi que les cordes toujours pleines de brio et de grande souplesse expressive.

Le public est enflammĂ© aprĂšs cette interprĂ©tation triomphale d’une Ɠuvre phare du rĂ©pertoire pianistique ; ses espoirs sont couronnĂ©s par un bis de Nelson Freire d’une beautĂ© bouleversante. Il s’agĂźt de la transcription d’une musique de ballet du 2e acte de l’OrphĂ©e et Eurydice de Gluck, connue simplement comme « mĂ©lodie » ou encore comme la « danse des esprits bĂ©nis ». Ici Nelson Freire offre une interprĂ©tation d’une justesse et d’une dĂ©licatesse inouĂŻes. Il a conscience de l’origine orchestrale de la partition, si le doigtĂ© est luxuriant, la mĂ©lodie chantante est d’une clartĂ©, d’une limpiditĂ© surprenante, d’une caresse Ă©difiante. Inoubliable.

 

 

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Le chef Jean-Claude Casadesus partage ensuite quelque mots de remerciements pour cette fin de festival heureuse. 15 ans d’aventure musicale qui mĂ©ritent toutes les louanges. Vivement les prochaines Ă©ditions ! Le Festival 2019 a rĂ©uni selon les organisateurs pas moins de 15 000 spectateurs : belle validation populaire. Aucun doute, le grand public et le classique poursuivent Ă  Lille des noces florissantes. RV est pris pour la 16Ăš Ă©dition de LILLE PIANO(S), annoncĂ©e dĂ©jĂ  le week end des 12, 13 et 14 juin 2020. Photos et illustrations : © Ugo Ponte / ONL 2019

 

 

 

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VIDEOS
Vidéo des meilleurs moments du festival 2019 sur www.youtube.com/ONLille

Compte-rendu, concert. Dijon, le 30 nov 2018. Beethoven. N.Freire / Academy of St Martin in the Fields.

Compte rendu, concert. Dijon, OpĂ©ra, auditorium, le 30 novembre 2018. Beethoven. Nelson Freire et l’Orchestre de l’Academy of St Martin in the Fields. Entre Luxembourg et Berlin, une grande tournĂ©e europĂ©enne de l’Academy of St Martin in the Fields fait Ă©tape Ă  Dijon, avec un programme exclusivement consacrĂ© Ă  Beethoven. Murray Perahia, annoncĂ©, devait y donner le 5Ăšme concerto de Beethoven, « L’Empereur ». Las, aprĂšs ses inquiĂ©tantes Ă©clipses qui faisaient craindre la perte de ses moyens, il ne peut assurer son engagement de ce soir (*). Plus qu’une consolation, un miracle : c’est son aĂźnĂ© de trois ans, alerte septuagĂ©naire, Nelson Freire qui le remplace. Chacun connaĂźt l’Academy of St Martin in the Fields, fondĂ©e il y a soixante ans par Neville Marriner compte-tenu de son passĂ© prestigieux et de l’abondance de sa production discographique. Les sonoritĂ©s sont superbes et tĂ©moignent de la riche histoire de la formation, cependant l’orchestre, composĂ© d’instruments modernes, a quelque chose de surannĂ© dans ses Ă©quilibres : les cordes, trĂšs puissantes, dominent souvent les bois, comme dans les enregistrements d’il y a cinquante ans.

 
 
 

Impérial Nelson Freire

 
 
 
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La premiĂšre romance pour violon et orchestre est toujours un rĂ©gal, une mise en bouche. D’emblĂ©e la sĂ©duction du jeu de Tomo Keller est indĂ©niable. Le violon chante, sonore, plein et chaleureux. Les bois ne sont pas en reste, mais l’orchestre surprend, semblant ignorer la nuance « piano », et amoindrissant ainsi les contrastes voulus par le compositeur. La dynamique est rĂ©elle et ne se dĂ©mentira jamais. La deuxiĂšme symphonie, qualifiĂ©e par certains de « derniĂšre de l’Ancien rĂ©gime », est quelque peu oubliĂ©e par les interprĂštes comme par les programmations, coincĂ©e entre sa devanciĂšre et l’Eroica. Le chef, Tomo Keller, dirige de son pupitre. L’adagio molto, pris beaucoup plus vite qu’à l’habitude (Beethoven prĂ©cise : la croche Ă  84 !) prend des couleurs sombres, tourmentĂ©es, dans l’urgence. L’allegro con brio est d’une rare violence, trĂšs accentuĂ©, toujours nerveux. Son dĂ©veloppement est conduit avec clartĂ©, mais le parti pris interprĂ©tatif gomme tout le charme et le mystĂšre dont sont empreints les bois. Le larghetto, trĂšs liĂ©, atteint Ă  une plĂ©nitude que l’on pourrait parfois qualifier de schubertienne, ne manque que le sourire. Le scherzo claque, vigoureux, mais l’excitation n’est pas la joie. La dĂ©monstration, techniquement aboutie, gomme l’esprit. Le finale, allegro molto, est splendide, bouillonnant, du vif argent, insaisissable, subtil. Les contrastes y sont accusĂ©s comme jamais, un feu d’artifice. AprĂšs cette interprĂ©tation menĂ©e au sabre d’abordage, on s’interroge sur ce que Nelson Freire nous rĂ©serve. Chacun attend « l’Empereur » 

Les trois accords cadentiels qui introduisent le premier thĂšme, fortissimo et expressifs, portent la marque du pianiste : la puissance, assortie d’un son, d’une couleur qui n’appartiennent qu’à lui. L’orchestre, toujours nerveux, martial, nous offre une belle pĂąte, somptueuse, un Ă©crin de luxe pour un piano impĂ©rial. Le passage binaire/ternaire du premier solo est un moment de grĂące, tout comme les trilles et le marcato en triples octaves. L’orchestre flamboie. Toujours concentrĂ© sur son jeu, Nelson Freire impose ses tempi, et ainsi, son dialogue avec les bois, trĂšs retenu, est admirable. Alliant une puissance surhumaine Ă  une douceur caressante, avec une jeunesse enviable, le grand pianiste brĂ©silien nous offre Ă  la fois une leçon, humble, jamais dĂ©monstrative, efficace, et la joie en partage, au sens beethovenien. L’adagio des cordes ne chante guĂšre, avec des pizz des basses toujours trop sonores. Il appartiendra au piano de nous donner ce bonheur refusĂ© par l’orchestre. Le rondo enchaĂźnĂ© est
 dĂ©chaĂźnĂ©, jubilatoire, intense, dru, fluide, aĂ©rien, avec un agogique important, qui mĂ©nage les attentes. Sous les doigts de Nelson Freire, on croit dĂ©couvrir l’Ɠuvre, il la joue, au meilleur sens du terme. Un moment exceptionnel d’une Ă©motion vraie.

Un grand bis, parfaitement appropriĂ© rĂ©pond aux acclamations d’un public conquis : l’intermezzo en la majeur, op 118 n°2 de Brahms, que le pianiste affectionne particuliĂšrement. Les polyphonies en sont claires, ça chante avec simplicitĂ©, du trĂšs grand piano.

(*) “I’m very sorry to have to withdraw from this tour that I was so much looking forward to doing with the Academy as their Principal Guest Conductor. I wish them all the best for the concerts with Jan Lisiecki, Nelson Freire and Rudolf Buchbinder and I look forward to performing with the orchestra again in the near future.”  
 
 

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Compte rendu, concert. Dijon, OpĂ©ra, auditorium, le 30 novembre 2018. Beethoven. Nelson Freire et l’Orchestre de l’Academy of St Martin in the Fields. CrĂ©dit photographique © Gilles Abbeg – OpĂ©ra de Dijon.

 
 
 
 
 
 

CD, compte rendu critique. DVORAK : STABAT MATER (Belohlavek, Prague mars 2016, 1 cd Decca)

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CD, compte rendu critique. DVORAK : STABAT MATER (Belohlavek, Prague mars 2016, 1 cd Decca). Etrangement la Philharmonie TchĂšque / Czech Philharmonic sonne dĂ©mesurĂ©e dans une prise de son Ă  la rĂ©verbĂ©ration couvrante qui tant Ă  diluer et Ă  noyer le dĂ©tail des timbres, comme le relief des parties : orchestre, solistes, choeur (Prague Philharmonic Choir). Heureusement, la direction tendre du chef Jiri Belohlavek (rĂ©cemment dĂ©cĂ©dĂ© : il s’est Ă©teint le 31 mai 2017) Ă©vite d’écraser et d’épaissir, malgrĂ© l’importance des effectifs et le traitement sonore plutĂŽt rond et indistinct. C’est presque un contresens pour une partition qui plonge dans l’affliction la plus dĂ©chirante, celle d’un pĂšre (Dvorak) encore saisi par la perte de ses enfants Josefa en septembre 1875, puis ses ainĂ©es : Ruzenka et Ottokar.

 

Fini en 1877, crĂ©Ă© Ă  Prague en 1880, le Stabat Mater imposa un tempĂ©rament puissant, Ă  la fois naĂŻf et grandiose, qui alors, confirmait l’enthousiasme de Brahms (trĂšs admiratif la Symphonie n°3 de Dvorak). L’étonnante franchise et sincĂ©ritĂ© de la paritition valurent partout oĂč elle fut crĂ©Ă©e, un triomphe Ă  son auteur (dont Ă  Londres oĂč il dirigea lui-mĂȘme la fresque bouleversante en 1884). Comme le Requiem de Verdi, aux dimensions elles aussi colossales, le Stabat Mater de Dovrak n’en oublie pas l’humanitĂ© et l’intimitĂ© de son sujet : la ferveur Ă  la Vierge de compassion et de douleur ne pourrait s’exprimer sans pudeur et dĂ©licatesse.

C’est pourquoi l’oeuvre alterne constamment entre le dĂ©sir de paix et d’acceptation, et la profonde dĂ©chirure de la douleur et du sentiment immense, irrĂ©pressible d’impuissance comme d’injustice.  TrĂšs libre quant Ă  la liturgie, – comme Brahms et l’élaboration de son Requiem Allemand, Dvorak façonne son Stabat Mater comme un hymne personnel Ă  la Vierge douloureuse, rĂ©confortante, admirable.

 

L’Ampleur et l’épaisseur brahmsienne s’invitent ainsi dans la tenue de l’orchestre du cd2 – parfois trop solennelle, Ă©crasante mĂȘme, particuliĂšrement dans l’intro pour l’air de tĂ©nor (avec choeur) : « Fac me vere tecum flere », d’une attĂ©nuation plus tendre grĂące au timbre hĂ©roĂŻque et trĂšs rond du tĂ©nor amĂ©ricain Michael Spyres ; air de compassion, aux cĂŽtĂ©s  de la mĂšre endeuillĂ©e, face au Fils crucifiĂ©, rempli de recueillement et aussi de volontĂ© parfois colĂ©reuse
 LĂ  encore, le chanteur amĂ©ricain soigne sa ligne, arrondit les angles, caresse et rassĂ©rĂšne


 

AprĂšs la sĂ©quence purement chorale (tendresse souple du choeur Ă©voquant Marie / plage 2, cd2), le duo soprano et tĂ©nor (VIII. Fac ut portem Christi mortem / Fais que supporte la mort du Christ) affirme la trĂšs forte caractĂ©risation des parties solistes (lumineuse et fragile vorie sĂ©raphique Eri Nakamura) ; leur duo exprime le dĂ©sir des solistes : supporter l’affliction nĂ©e du deuil et de la perte, emportant tout l ‘effectif. Les deux voix s’engouffrent dans la peine divine et la souffrance du Fils.  Soprano et tĂ©nor trouvent l’intonation juste, entre dĂ©ploration et pudique exhortation, mais elles sont souvent noyĂ©es dans le magma orchestral (la prise de son est vraiment indigne).

 

Plus Ă©nergique et presque conquĂ©rant, l’air de l’alto Elisabeth Kulman (Inflammatus), prenant Ă  tĂ©moin aussi la Vierge courageuse et compatissante affirme le beau tempĂ©rament de la chanteuse au timbre noble et rond, trĂšs respectueuse de l’intĂ©rioritĂ© mesurĂ©e de cet andante maestoso : la voix Ă©carte toute solennitĂ©, elle intensifie la priĂšre individuelle d’une fervente « rĂ©chauffĂ©e par la grĂące », adoratrice apaisĂ©e de Marie, dans l’attĂ©nuation finale d’une douleur enfin mieux vĂ©cue.

 

Le chef trouve des accents plus pointillistes Ă  l’orchestre et idĂ©alement accordĂ©s au quatuor vocal, Ă  la fois attendri et sincĂšre dans des accents plus francs et directs ; toujours, le geste semble mesurer l’ampleur du dolorisme que la mort implacable et injuste suscite (vague du collectif renforcĂ© par le choeur grandiose), alternĂ© par une priĂšre fervente trĂšs incarnĂ©e, soudainement lumineuse Ă  l’énoncĂ© du Paradis promis Ă  l’ñme Ă©plorĂ©e.

Jiri Belohlavek force le trait dans la solennité, conférant à la fresque de Dvorak, une épaisseur majestueuse, quasi beethovénienne (Missa Solemnis) et une trÚs forte charge introspective (Brahmsienne).

 

Le finale est une arche plus impressionnante et spectaculaire (de surcroĂźt dans un espace trĂšs rĂ©verbĂ©rĂ©) que retenue ; et le chef joue sur le grandiose des effectifs en nombre. MalgrĂ© la spatialisation large et la prise de son diluĂ©e, Belholavek trouve l’intonation juste dans les derniĂšres mesures aux cordes qui dessinent l’espoir d’une aube nouvelle, rĂ©solvant la charge de tant de ferveur antĂ©rieure.

Dans la salle Dvorak au Rudolfinum de Prague, le cĂ©rĂ©moniel l’emporte sur la vĂ©ritable intimitĂ© de la ferveur. La fresque parfois dĂ©mesurĂ©e, dĂ©borde du sentiment individuel pourtant contenu dans une partition Ă  la trĂšs forte coloration autobiographique. Autour du maestro, les Ă©quipes rĂ©unies : chƓur (rendu ainsi confus par la prise de son indistincte et pĂąteuse), orchestre, solistes
 cĂ©lĂšbrent surtout un monument national, et aussi assurĂ©ment l’engagement d’un chef alors ĂągĂ©, reconnu pour sa dĂ©fense du rĂ©pertoire national. Pour les versions alternatives, avec solistes aussi impliquĂ©s et sobres, et surtout choeur enfin dĂ©taillĂ©, voyez du cĂŽtĂ© des chefs Herreweghe, Kubelik et Sinopoli (les deux derniers chez DG). RĂ©alisĂ© quelques semaines avant sa mort, ce Stabat Mater prend des allures de testament artistique du chef principal, dĂ©tenteur de toute une tradition esthĂ©tique que l’on ne peut dĂ©sormais ignorer.

 

 

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CD, compte rendu critique. DVORAK : STABAT MATER (Belohlavek, Prague mars 2016, 1 cd Decca)

Compte rendu, concert. Toulouse, Halle-aux-Grains, le 28 avril 2015 ; Jean-SĂ©bastien Bach (1685-1750) / Alexandre Siloti : PrĂ©lude en sol mineur pour orgue, BWV 53 ; Jean-SĂ©bastien Bach/Ferruccio Busoni : “Ich ruf zu Dir, Herr Jesu Christ”, BWV639 , “Komm, Gott Schöpfer, heiliger Geist”, BWV 667 ; Jean-SĂ©bastien Bach / Myra Hess , “Jesus que ma joie demeure” ; Ludwig van Beethoven (1770-1827) , Sonate n°31, en la bĂ©mol majeur, opus 110 ; Serge Prokofiev (1891-1953) : 8 Visions Fugitives, opus 22 ; FrĂ©deric Chopin : Sonate n°3, en si mineur, opus 58 ; Nelson Freire, piano.

freire-nelson-piano-bresil-critique-concert-piano-classiquenews-avril-2015Nelson Freire invitĂ© par les Grands InterprĂštes nous a offert une soirĂ©e rare sous le signe de la musicalitĂ© la plus naturelle. Avec calme et simplicitĂ© Nelson Freire s’installe au piano et dĂ©bute un rĂ©cital admirablement construit par une piĂšce du pĂšre de la musique. Impossible de rĂ©sister Ă  la beautĂ© de ce piano dans Bach. Quatre piĂšces transcrites complĂ©mentaires et Ă©videntes ont ouvert une monde de beautĂ©, ferveur, intelligence et bontĂ©. Tout y a Ă©tĂ© parfait. Nelson Freire arrive a faire entendre une registration d’orgue, une prĂ©cision comme au clavecin et une douceur digne du luth. Tant de musique en de si courtes piĂšces ! La trĂšs cĂ©lĂšbre transcription de « Jesus que ma joie demeure » par Myra Hess se termine sur un silence fait musique d’une douceur infinie.

Force de lâ€˜Ă©quilibre

La penultiĂšme Sonate pour piano de Beethoven si savamment construite avec une fugue si riche rend hommage Ă  Bach et ouvre tout le pianoforte Ă  ses capacitĂ©s nouvelles. Avec un son d‘une rare ampleur, des trĂšs belles couleurs et un toucher ferme et enveloppant cette grande sonate dĂ©ploie ses beautĂ©s avec tranquillitĂ© et Ă©vidence. Tout est musique sous les doigts si savants du pianiste brĂ©silien. Certes Freire, et cela dĂšs ses dĂ©buts, est un virtuose que rien d’arrĂȘte mais avec le temps c’est sa musicalitĂ© qui prend le pas sur toutes ses qualitĂ©s.

En deuxiÚme partie du récital le choix de 8 Visions Fugitives de Prokofiev met en valeur un humour et une finesse des détails dans des nuances exquises et des couleurs de caméléon.

La troisiĂšme sonate de Chopin qui a clos le rĂ©cital a Ă©tĂ© portĂ©e par un souffle inĂ©puisable.  A  nouveau les doigts se mettent au service de la musicalitĂ© la plus pure. Le hasard des rĂ©Ă©ditions nous fait trouver actuellement dans les bacs, un coffret des disques enregistrĂ©s pour Columbia, dont la sonate de Chopin datant de  1972. La maturitĂ© du pianiste est aujourd’ hui pleine de lumineuse clartĂ©. Le tempo est tenu sans rubato et pourtant tout respire et paraĂźt souple. Les doigts sont puissants et percussifs mais sans jamais de duretĂ©, comme c’est parfois le cas dans l’enregistrement. Le jeu respire constamment, souple et vivant.  Le legato du troisiĂšme mouvement est envoĂ»tant La musique diffuse et pourtant toute la structure d’ensemble est lisible comme aucun dĂ©tail ne se perd. Nelson
Freire construit comme une apothĂ©ose de pure musique. Le maintien si noble de l‘artiste, toujours modeste, donne Ă  la Musique la premiĂšre place, signature d’un musicien d’exception. Nelson Freire est un trĂšs grand artiste qui a toujours su rĂ©sister Ă  la pression mĂ©diatique pour façonner une carriĂšre exemplaire.