Après le très rare « Soldat en chocolat » d’Oscar Straus, Carmen de Georges Bizet reçoit un vrai coup de fouet dans la nouvelle production de James Hurley montée à l’IF Opera. Les deux ouvrages marquent la 30ème édition du festival (la deuxième à Church Farm) – et un nouveau petit miracle lyrique pour une compagnie qui monte une saison de cette qualité sans le moindre argent public.
Church Farm demeure l’un des grands plaisirs du circuit des festivals d’été : une ferme élégamment restaurée et sa minuscule église paroissiale de St Mary, du quatorzième siècle, nichées parmi les pelouses, une mare à canards et des jardins, avec l’auditorium couvert du Saddlespan planté dans les champs, et le Westbury White Horse découpé dans la colline en toile de fond. Arrivez tôt, pique-niquez sur l’herbe, et la soirée a déjà commencé bien avant la première note. Dois-je préciser qu’il faisait une chaleur toute sévillane du début à la fin, quelle que soit la géographie officielle de la production ? Et il n’y eut aucun compromis sur les horaires à cause de l’éclipse ce soir-là non plus : le rideau se leva pile à l’heure, sans égard pour le fait qu’un bon morceau du soleil se faisait tranquillement grignoter par la lune quelque part au-dessus du Wiltshire pendant que nous prenions nos places.
Le parti pris de Hurley consiste ici à transposer tout l’opéra dans le Paris du tournant du vingtième siècle, apparemment au moment d’une des grandes expositions universelles que la ville accueillit à cette époque, avec une Carmen réinventée non pas en cigarière andalouse mais en artiste de rue, tirant sa subsistance d’une troupe de comédiens plutôt miteux, une véritable attraction de fête foraine, et ce dans le meilleur sens du terme, avec, pour faire bonne mesure, un mini french cancan glissé parmi les numéros de cabaret. L’idée est intéressante, et s’avère enracinée dans les origines mêmes de l’œuvre : l’opéra-comique est né du vieux théâtre forain parisien, et Hurley est allé jusqu’à restituer une scène de pantomime comique pour le premier acte, la fameuse Scène de l’anglais, rarement sinon jamais donnée dans les productions modernes. Vu le concept, il y a une jolie ironie à ce que cette scène, à la guérite, mette en jeu un Anglais, exactement le genre d’élément importé que cette production semble elle-même faire passer en contrebande.
D’où, justement, le hic. Nous sommes à Paris, et les contrebandiers font passer leur marchandise depuis l’Angleterre via Le Havre. La taverne de Lilas Pastia se retrouve plantée quelque part dans l’est de Paris plutôt que du côté de Séville, et pourtant, au quatrième acte, toute la troupe s’est déplacée, par bateau semble-t-il, jusqu’aux arènes de Séville, en vue, faut-il croire, de la prochaine grande exposition du circuit. Les soldats de l’original de Bizet deviennent des policiers dans cette mise en scène, ce qui se tient plutôt bien vu le cadre parisien, sauf que lorsque Don José, cassé pour faute grave, rejoint la Légion étrangère française, un corps qui recrutait aussi bien à Marseille qu’à Paris, mais qui cadre mal avec un policier parisien en civil. Micaëla, quant à elle, semble accomplir le trajet entre son village natal, Paris, puis Séville, à une vitesse qui aurait stupéfié jusqu’à la SNCF. Et puisque toute la troupe, à l’exception d’Escamillo, se révèle résolument française plutôt qu’andalouse, toute la couleur flamenco, les costumes et les danses, doit être comprise comme un spectacle dans le spectacle, monté par ces artistes parisiens pour un public parisien avide d’un peu de flamme espagnole exotique.
Rien de tout cela ne tient vraiment debout, sacré bleu, et il y eut des moments où je me suis surpris à faire plus de calcul géographique que ce que le drame demande normalement à son public. Mais c’est une manière authentiquement fraîche et intéressante d’aborder une œuvre pourtant archi-connue, avec un vrai je ne sais quoi, même s’il y a un peu trop de sais-pas quant à sa propre géographie interne, et tout le mérite en revient à Hurley et à son équipe pour avoir tenté autre chose qu’une énième version tout droit sortie des arènes et de la manufacture de cigarettes. C’est, au bout du compte, plus café-concert que corrida, une Carmen de boulevardier pour la Belle Époque, ou pas loin.
Rien de tout cela ne gêne en rien une soirée musicalement solide. La Carmen de Sophie Kidwell n’en fut que plus délicieuse pour avoir été reprise au pied levé, marquant ses débuts à l’IF Opera, et il n’y avait rien de timide là-dedans : magnifique de voix et pleinement convaincante en actrice, tout à fait crédible en femme qui sait précisément l’effet qu’elle produit sur les hommes et se soucie précisément fort peu des conséquences. Ce fut une véritable prise pour la compagnie, et un vrai bonheur pour le public, que de l’avoir sur cette scène, tout simplement. Elle bénéficia du soutien excellent de Marie Cayeux et Sofia Kirwan-Baez en Mercédès et Frasquita, toutes deux remarquables, chantant avec un vrai caractère et un bel équilibre dans leur trio de la scène des cartes avec Carmen. De son côté, Eric Fennell compose un Don José efficace, chanté avec puissance, même si ce José paraît d’emblée expérimenté et endurci plutôt que l’innocent aux yeux grands ouverts que suggère le texte ; la chute en grâce se lit ainsi moins comme une chute que comme la confirmation de quelque chose qui était déjà là. C’était aussi ses débuts à IF Opera, et une belle carte de visite pour ce ténor américain, installé à Berlin, qui a déjà plusieurs Don José à son actif ailleurs.
Yuriy Yurchuk campe un Escamillo à l’arrogance on ne peut plus juste, une présence scénique statuesque doublée d’un chant plein de panache et de puissance. La Micaëla de Sarah Gilford, en dépit de la logistique déroutante de ses déplacements, chanta ses airs avec une grande assurance et beaucoup de style, dans la meilleure tradition du rôle, offrant certains des moments les plus émouvants de la soirée ; encore des débuts à l’IF Opera, qui montrèrent bien pourquoi elle fut finaliste du Cardiff Singer of the World. Il y eut aussi de solides débuts plus loin dans la distribution : Giuseppe Pellingra apporta une réelle autorité à Zuniga, Seán Tester fut un Remendado vif et bien chanté, Lisa Dafydd donna une Lilas Pastia particulièrement vivante, et Paul Grant livra un Moralès fermement dessiné.
Oliver Gooch tira du Bristol Ensemble un jeu élégant, chaleureux et plein d’idiome tout au long de la soirée, et les qualités scéniques n’étaient pas en reste : les décors de Laura Jane Stanfield, d’une simplicité trompeuse, un cadre art nouveau agrémenté d’une jolie touche, une tête de taureau intégrée au motif, faisaient énormément avec très peu, et la mise en scène de James Hurley se montra assez alerte pour emmener la production, et le public, de Paris à Séville sans jamais laisser traîner les changements de décor.
Cette production ne recule pas non plus devant la violence, et il y en a sensiblement plus qu’à l’accoutumée : coups de poing, coups portés, bien avant que n’arrive l’inévitable coup de couteau final. L’honnêteté de la mise en scène sur ce point est tranchante comme une orange de Séville, sans le moindre adoucissement sentimental. Éprouve-t-on la moindre compassion pour quiconque au bout du compte ? Pas vraiment. Ils l’avaient tous bien cherché.
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CRITIQUE, Opéra. WINGFIELD, IF Opera (Church Farm), le 12 août 2026. BIZET : Carmen. James HURLEY / Olivier GOOCH. Crédit photograpĥique (c) Craig Fuller
