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CRITIQUE, opéra. MONTPELLIER, le 11 juin 2022. HAENDEL : Giulio Cesare. Arquez, Baráth, Fagioli, Michieletto / Artaserse, Jaroussky

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handel-haendel-portrait-classiquenewsCRITIQUE, opéra. MONTPELLIER, le 11 juin 2022. HAENDEL : Giulio Cesare. Arquez, Baráth, Fagioli, Michieletto / Artaserse, Jaroussky – Après les représentations du TCE, le Giulio Cesare dirigé par Philippe Jaroussky débarque à Montpellier avec une distribution légèrement remaniée. Il y confirme ses talents de chef, magnifiés par la puissante vision allégorique de Michielletto, cohérente, mais contestable.

Giulio Cesare funeste et mortifère

Pour son premier opéra, Philippe Jaroussky a choisi l’un des chefs-d’œuvre de Haendel, et sans doute son opéra le plus joué. Des quatre heures de la partition intégrale, le chef a retranché une trentaine de minutes qui n’obère pas la continuité et la cohérence dramatique d’une intrigue souvent qualifiée de shakespearienne. La lecture de Damiano Michielletto, qui s’attaque ici à son premier opéra baroque, se concentre sur les aspects sombres et mortifères du drame (oubliant son origine vénitienne qui repose toujours sur un fragile équilibre entre les différents registres) : point d’exotisme égyptomaniaque, mais une sorte de huis-clos symbolisé par les quatre murs d’une boîte qui suggère l’unité de lieu de la tragédie classique. La mort rôde en permanence, comme en témoigne la présence récurrente des trois Parques, aux silhouettes cadavériques et dont les fils de la vie apparaissent aussi comme… le fil rouge du dispositif scénique, sortant tour à tour de la bouche de certains personnages ou constituant une immense toile de fond, ou encore les traces de sang ou les cendres funéraires se déversant sur César, qui rappellent constamment la finitude du personnage que symbolise la présence des conspirateurs à la fin du drame. Une scénographie austère, mais non moins spectaculaire qui gomme, et c’est bien dommage, un aspect essentiel du drame vénitien, même si la version de Haendel, à la base, s’en éloignait déjà quelque peu.

Sur scène, la distribution réunie pour ces 3h30 de musique, confine à la perfection.  Dans le rôle-titre, Gaëlle Arquez déploie un timbre solide et sonore, faisant preuve d’un abattage efficace, bien que tempéré par sa position de victime en sursis. Ses arie di sdegno « Empio dirò tu sei » et « Al lampo dell’armi » impressionnent par leur virtuosité martiale, tandis qu’une grande variété de couleurs et d’affetti triomphent dans « Va tacito e nascosto » et dans le sublime « Alma del gran Pompeo ». Carlo Vistoli incarne magnifiquement le tyrannique et effemminato Tolomeo, fougueux à souhait, présence scénique électrisante et étendue vocale à couper le souffle. Le Sesto de Franco Fagioli mérite les mêmes louanges, même si l’on peut parfois regretter certains maniérismes qui nuisent à la clarté de l’élocution. Les autres rôles masculins oscillent entre l’impeccable Achillas de Francesco Salvadori, au timbre caverneux et superbement projeté, l’exceptionnel Nireno de Paul Figuier (en lieu et place de Paul-Antoine Benos-Djian), malgré un rôle très limité (on est admiratif de cette voix d’une grande pureté et d’une diction absolument parfaite), et le Curio décevant d’Adrien Fournaison, au registre pas toujours bien timbré, à la voix quelque peu nasillarde et à la souplesse souvent défaillante. Mention spéciale pour la Cléopâtre d’Emőke Baráth (qui remplace Sabine Devieilhe au TCE), très émouvante dans l’un des plus beaux airs de la partition (« Se pietà »), malgré une position peu confortable, à quatre pattes et coiffée d’une tête de cheval… Sa présence scénique, qui avait déjà fait merveille dans la belle Elena de Cavalli exhumée à Aix par Leonardo García Alarcón, est ici une nouvelle fois exemplaire ; elle imprime au personnage une fougue et une fièvre qui montrent une large palette de sentiments, de la femme ambitieuse et vengeresse à l’amoureuse sincère à la fin du drame. Quant à la Cornelia de Lucile Richardot, son timbre unique, ses graves abyssaux, que révèle davantage encore une présence paradoxalement tout en retenue, continue de nous faire écarquiller les yeux de stupore (symbole de la meraviglia baroque), et le duo avec Sesto qui clôt le deuxième acte, restera un des grands moments de la soirée.
 Dans la fosse, Philippe Jaroussky gagne en assurance par rapport à son entrée en scène l’an dernier en tant que chef dans l’oratorio de Scarlatti, Il primo omicidio, qui avait déjà fait fort bonne impression. Si l’on peut regretter certains manques de justesse (chez les violons et les cuivres notamment), et parfois des tempi un peu trop rapides, son énergie communicative, son attention à l’équilibre des pupitres et surtout sa louable intégrité, insufflent une réelle continuité dramatique qui fait oublier la durée quasi wagnérienne de la partition. Artiste en résidence, il reviendra l’an prochain dans un opéra vénitien d’Antonio Sartorio, le compositeur de la version originale de Giulio Cesare, dont s’est inspiré Haendel. On s’en délecte déjà.

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CRITIQUE, opéra. MONTPELLIER, le 11 juin 2022. HAENDEL : Giulio Cesare. Gaëlle Arquez (Jules César), Emőke Baráth (Cléopâtre), Franco Fagioli (Sextus), Lucile Richardot (Cornélia), Carlo vistoli (Ptolémée), Francesco Salvadori (Achillas), Adrien Fournaison (Curio), Paul Figuier (Nireno), Sébastien Duvernois (Pompeo), Damiano Michieletto (mise en scène), Paolo Fantin  (décors), Agostino Cavalca (Costumes), Alessandro Carletti (lumières), Thomas Wilhelm (chorégraphie), Cécile Kretschmar (coiffure, maquillage et masques), Diane Clément (Assistante à la mise en scène), Gianluca Castaldo (assitant aux décors), Chiara Amaltea Ciarelli (assistante aux costumes), Ensemble Artaserse, Philippe Jaroussky (direction).

Compte-rendu : Paris. Opéra National de Paris (Palais Garnier), le 23 mai 2013. Haendel : Giulio Cesare in Egitto. Lawrence Zazzo, Sandrine Piau, … Concert d’Astrée. Emmanuelle Haïm, direction. Laurent Pelly, mise en scène.

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haendel_portrait_perruqueL’Opéra National de Paris accueille l’Orchestre et Choeur du Concert d’Astrée dirigé par Emmanuelle Haïm, pour la reprise de leur production de Giulio Cesare de Haendel de 2011 dans la mise en scène signée Laurent Pelly.

Giulio Cesare a une place spéciale dans la production lyrique du Caro Sassone. Il s’agît de l’un des plus riches exemples de caractérisation musicale dans tout le répertoire. La partition est une des plus somptueuses et originales de la plume du compositeur. L’écriture vocale est virtuose, d’une abondance mélodique enivrante. Le Concert d’Astrée sous la sévère et précise d’Emmanuelle Haïm se révèle très convaincant (effet de la rbague d’aisance contagieuse …). Non seulement il soutien les chanteurs avec maestria, mais se distingue aussi de façon surprenante à plusieurs moments de la ptte eprise : les musiciens et leur chef reprennent la production déjà vue avec plusrésentation, et non seulement lors des intermèdes purement instrumentaux. L’orchestre se montre dramatique, noble et maestoso pendant les airs de Cornélie, d’une dignité royale et d’un entrain presque romantique lors de l’air de Sextus “L’angue offeso mai riposa”, parfois agité, parfois larmoyant, toujours excellent. Les ritournelles sont d’un entrain souvent singulier et les solos de flûte, violon et cor, vraiment impressionnants. 

Un éventail brillant de sentiments

 

Comme la distribution des chanteurs d’ailleurs. Si le livret peut paraître risible, les chanteurs sont très engagés et donnent vie aux personnages avec les moyens dont ils disposent. Dans ce sens les rôles de César et de Cléopâtre, tenus par Lawrence Zazzo et Sandrine Piau respectivement, sont les vedettes incontestables, pourtant accompagnés d’une équipe de grande qualité. Le Jules César de Lawrence Zazzo est progressif. Si au tout début, il semble plutôt affecté voire superflu, au cours des 4 heures de spectacle, il arrive à dessiner un portrait fantastique et complexe du héros romain, qui, malgré l’abondance mélodique, n’a pas la musique la plus individuelle de l’oeuvre. Il est ainsi le héros à la coloratura parfaite et savoureuse. Ses moments les plus intenses sont les récitatifs accompagnés, mais le souvenir plus vif que nous avons de sa prestation est sans doute son énergie et cet investissement indiscutable dans ses vocalises pleines de caractère et sa musicalité. L’interprète se révèle même irrésistible dans son court air guerrier à la fin du 2e acte “Alla’po dell’armi”.

Sandrine Piau est une Cléopâtre encore plus irrésistible! Sa prestation est piquante à l’extrême. Tous ses airs chatouillent et caressent les oreilles. De plus, sa silhouette s’accorde parfaitement au personnage séducteur. Son air du 2e acte : “V’adoro pupille” avec un orchestre des muses sur scène et l’un des sommets esthétiques et érotiques de l’oeuvre. Mais nous avons droit lors du même acte à un autre sommet de beauté cette fois-ci presque spirituelle lors de son air “Se pietà di me non senti” qui n’est pas sans rappeler Bach. Également investie dans les  duos, la soprano réussit tout autant son air de bravoure à la fin de l’opéra :  ”Da tempeste il legno infrango” est la cérise de virtuosité sur le délicieux gâteau d’une performance indiscutable.

Le personnage le plus dramatique, Cornélie, est vivement défendu  par la mezzo-soprano Verduhi Abrahamyan (nous avons toujours des excellents souvenirs de sa Néris dans la Medea de Cherubini ainsi que de sa Pauline dans la Dame de Piques de Tchaikovsky). Elle est noble et fière dans sa souffrance et le duo final du 1er acte : “Son nata a lagrimar”,  est magnifique : il suscite une vague de forts applaudissements et des bravos justifies.  Le Sextus de Katherine Deshayes paraît malheureusement en retrait. Son personnage n’a que des airs de vengeance (à l’exception du duo d’adieux avec Cornélie), et ils sont tous dans sa tessiture. Ce qui aura pu être une excellente occasion pour elle n’est qu’une interprétation correcte mais peu mémorable. Christophe Dumaux dans le rôle de Ptolomée est, au contraire, un chanteur que nous avons du mal à oublier (excellent Disenganno dans Il Trionfo de février 2013).  Virtuosité vocale, sincère investissement, avec un sens aigu du théâtre, font de lui un méchant plutôt attirant!  Paul Gay et Dominique Visse sont tous les deux excellents en Achillas et Nirénus respectivement, d’ailleurs comme Jean-Gabriel Saint-Martin dans le rôle de Curio (beau Guglielmo dans Cosí fan Tutte à Saint Quentin en avril 2013).

La mise en scène de Laurent Pelly n’est pas pour tous les goûts, mais elle ne nuit pas à  l’oeuvre. Au contraire, sa transposition de l’action dans un Musée du Caire imaginé est plutôt sympathique.  Comme le fait qu’il intègre le 18e siècle dans sa vision. Dans ce sens, le concert des muses habillées en costumes baroques avec divers clins d’oeil à la Rome antique (le choeur des bustes entre autres!) affirment une belle humeur et une imagination plutôt libérée. La reprise de la production est au final un festival pour tous les sens et l’éventail des sentiments et d’affects est certainement présenté avec candeur et noblesse. Au final, une production recommandable à voir et écouter au Palais Garnier, encore le 31 mai ainsi que les 4, 6, 9, 11, 14, 16 et 18 juin 2013.

Haendel: Guilio Cesare en direct du Met. Le 27 avril 2013,18h

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Cinéma. Haendel: Giulio Cesare en direct du Met. Le 27 avril 2013, 18h

haendel_giulio_cesare_dessay_metropolitanMis en scène par David Mc Vicar, nouveau prodige de la mise en scène d’opéra en particulier très inspiré par le théâtre Baroque, Le Metropolitan Opera de New York diffuse en direct au cinéma et dans toutes les salles du monde, le chef d’oeuvre antique de Haendel : Giulio Cesare où rayonne la beauté piquante de Cléopâtre en prise avec l’arrogance politique de son frère Ptolomée… Avec Natalie Dessay en Cléopâtre (qui a chanté le rôle à l’Opéra Bastille auparavant, non sans difficultés), David Daniels (Jules César), Christophe Dumaux (Tolomeo somptueux, mordant et engagé, également présent dans la production précédente présentée à l’Opéra Bastille à Paris), Patricia Bardon (Cornelia, la veuve de Pompée), Alice Coote (Sesto)… Harry Bicket, direction.