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CD, critique. QUINTETTE AQUILON : Saisons (Piazzolla, Tomasi, Barber, McDowall… – 1 cd Klarthe records)

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aquilon cd saisons critique classiquenews piazzolla mcdowel critique cd par classiquenews CLIC de CLASSIQUENEWS de mai et juin 2019 KLA070couv_lowCD, critique. QUINTETTE AQUILON : Saisons (Piazzolla, Tomasi, Barber, McDowall… – 1 cd Klarthe records). Mon premier cd écolo est en carton, imprimé sur un papier ensemencé (de graines mellifères) et il peut même fleurir. Mais avant vos germinations et fleurissements écologiques, il y a au cœur de cet engagement visionnaire, un programme délectable qui confirme le brio du quintette de musiciennes Aquilon. Les 5 jeunes musiciennes réalisent ici un programme percutant qui met en avant la plasticité conjuguée de leurs instruments respectifs (flûte, basson, clarinette, cor et hautbois) ; la conception du cd, – réduisant le plastic a minima, affirmant haut et fort la fragilité des espèces animales et du patrimoine végétal, est en soi un acte méritant dont toute l’industrie musicale devrait s’inspirer. Saluons le label Klarthe de s’associer à cette vision des plus pertinentes.

 

 

LES SAISONS par AQUILON : mon premier cd écolo

 

Sur le thème des SAISONS, le cycle comprend l’inusable Piazzolla (qu’elles ont joué en concert), les plus rares « Printemps » de Tomasi (avec le saxo de Vincent David), Summer music de Barber (alliant sérénité et contemplation), et « cerise sur le gâteau », deux compositrices à (re)découvrir avec urgence : Autumn music de Jennifer Higdon et surtout Winter music de Cecilia McDowall (1951) dont l’écriture allie verve et humour.
Ottoño porteño et Invierno de Piazzolla sont intercalés à Barber et Higdon, ajoutant à l’unité et à la cohérence du déroulement global. A la diversité des écritures – fait marquant qui renouvelle l’approche sur le thème pourtant usé et rebattu des « saisons », répond une attention spécifique aux nuances et accents souvent privilégiés par chaque compositeur. On se délecte des chants d’oiseaux du Tomasi, véritable volière sonore, riche en couleurs et en vivacité ; distinguons parmi les partitions contemporaines, celle de McDowall, palpitante, heureuse, plus printanière à notre sens qu’hivernale. L’acuité expressive de chaque musicienne rétablit ce jeu sonore propre à un collectif véritablement complice et agile. Habile et astucieux dans chaque partitions (certaines transcriptions), Aquilon caractérise chaque séquence avec un style et un goût sûrs. Certaines instrumentistes jouent en orchestre, maîtrisant la pratique des instruments historiques : tout cela s’entend dans la réalisation des accents et des phrases plus chantantes et ornementées. De sorte que nous tenons là, un programme enthousiasmant, serti de trouvailles souvent irrésistibles dans l’art du jeu concertant et dialogué. Convaincant.

 

 

 

 

 

 

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CD, critique. QUINTETTE AQUILON : Saisons (Piazzolla, Tomasi, Barber, McDowall… – 1 cd Klarthe records)

Astor Piazzolla (1921- 1992) – Estaciones porteñas, arrangement Ulf Guido Schäfer
Henri Tomasi (1901 – 1971) – Printemps pour sextuor à vent (Saxophone, Vincent David)
Samuel Barber (1910-1981) – Summer music
Jennifer Higdon (1962*) – Autumn music
Cecilia McDowall (1951*) – Winter music

CLIC D'OR macaron 200Quintette à vents Aquilon (Marion Ralincourt, flûte – Claire Sirjacobs, hautbois – Stéphanie Corre, clarinette – Marianne Tilquin, cor – Gaëlle Habert, basson) – CLIC de CLASSIQUENEWS de mai et juin 2019.

 

 

 

 

 

 

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VIDEO, teaser du cd SAISONS par le Quintette Aquilon / 1 cd KLARTHE records
https://www.youtube.com/watch?v=-xFt37jq5WI

 

 

 

 

Entretien avec la soprano colorature Géraldine Casey

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espana-geraldine-grisey-cd-klarthe-records-critique-cd-review-cd-classiquenews-annonce-critique-cdENTRETIEN avec la soprano Géraldine CASEY, exploratrice / ambassadrice du verbe ibérique tel qu’il rayonne dans les mélodies des XIXè et XXè…  Le label Klarthe, jamais en manque d’un choix artistique original, édite un programme riche en contrastes et couleurs (intitulé avec raison : “ESPAÑA”) où la cantatrice française cisèle l’esprit du drame et de la passion ibériques, le sens du rythme, l’intelligence et les intentions du verbe incarné… sans omettre tout un nuancier d’émotions et de sentiments mêlés parfois tragique, souvent tendres et amoureux… La cantatrice précise les grandes divas qui l’ont inspirée pour réaliser les défis de ce répertoire des plus exigeants…

 

 

 

CLASSIQUENEWS / CNC :  En quoi est-il pertinent d’aborder les mélodies choisies pour soprano colorature, c’est à dire pour votre voix ?

Géraldine Casey : On connait le répertoire de mélodies espagnoles surtout à travers des représentantes emblématiques telles Teresa Berganza, Victoria de los Angeles ou Montserrat Caballé, c’est-à-dire des voix de mezzo sopranos ou sopranos lyriques. Il suffit de constater la popularité des fameuses ”Siete canciones populares” de Manuel de Falla, souvent enregistrées et diffusées auprès du grand public. Aux accents typiquement ibériques, elles sont expressément composées pour mezzo soprano.

Il est vrai que la référence au “cante jondo” (littéralement traduit chant rond) du flamenco dans ce répertoire est très présente, et pousserait à croire qu’il ne s’adresse qu’aux voix graves.

Or, nombreux sont les compositeurs espagnols qui ont écrit pour voix de soprano, leur permettant justement d’allier les références folkloriques à la musique dite plus “savante”. Il semblait intéressant de les faire mieux connaitre. Souvent certaines sont de vraies raretés au disque, comme les très belles mélodies de jeunesse de Manuel de Falla ou les pépites de Fernando Obradors

Cela donne une forme toute particulière de mélodies, dans laquelle la voix plus aigue peut exprimer la spiritualité et le raffinement de l’esprit et des textes emblématiques espagnols (la piquante morale de Cervantès dans les si aigus de Consejo d’Obradors ou la subtilité et les intonations du rapport mère/fille dans Preludios de Falla). Les vocalises typiquement coloratures permettent en outre d’imager des éléments essentiels de l’histoire comptée, comme le vol du papillon dans Elegie eterna de Granados, le rire dans De donde venis amore et le vent dans les arbres de De los alamos vengo de Rodrigo, ou encore l’insolence dans Coplas de Curro Dulce d’Obradors.

Soit certainement au final une grande liberté et une large palette de couleurs pour des voix étendues comme la mienne.

 

 

 

CLASSIQUENEWS / CNC : A propos des textes de canciones, quels thèmes poétiques vous semblent spécifiques à l’âme espagnole ? Y a t il 1 / 2 pièces que vous trouvez particulièrement emblématiques ?

Géraldine Casey :Le corpus littéraire invoqué dans le répertoire de mélodies espagnoles est tout simplement fantastique. Car au côté des thèmes folkloriques comme la séduction, les affres ou bonheurs de l’amour, la simple danse, vous trouvez les très belles poésies de Gustavo Adolfo Bécquer (1836-1870) ou Antonio de Trueba (1819-1899), ou encore celles des catalans Josep Janés (1913-1959) et Apel les Mestres (1854-1936), très connus en Espagne. Souvent reviennent les thèmes de l’action du temps dans nos vies, le rapport à la mort, mais aussi tout ce qui concerne l’indépendance et la liberté de l’être. Ce qui frappe finalement, c’est cette propension à la dualité “assumée” de la nature humaine, toute de fougue comme de subtilité, toute de vie comme de mort, toute d’amour signifiant joie et malheur à la fois.
Derrière un subtil raffinement du texte, utilisant souvent la métaphore, les thèmes sont abordés de manière forte, directe, entière, et souvent avec beaucoup d’humour.

Difficile d’isoler une ou deux œuvres parmi toute ces richesses, mais peut-être le chef d’œuvre “Damunt de tu nomes les flors” de Federico Mompou en est-il une synthèse, tout comme Preludios de de Falla déjà citée. Très typiques sont El majo discreto de Granados (en plus inspirée de tableaux de Goya) tout comme El Vito d’Obradors, au niveau de l’humour et de l’insolence.

 

 

 

CLASSIQUENEWS / CNC : A part Maria Barientos que vous évoquez dans le texte du livret, quelles sont les cantatrices modernes qui vous ont inspirées ? Sur le plan du style, des intonations, du caractère ?

Géraldine Casey : J’avais bien sûr entendu Victoria de los Angeles (qui a eu la chance d’enregistrer nombre de mélodies de Mompou avec le compositeur lui-même) ou encore Teresa Berganza et Montserrat Caballé, toutes trois ardentes défenseurs du répertoire espagnol. Mais la vraie révélation est venue de Maria Bayo, qui chante énormément ce répertoire ainsi que la (peu connue en France) zarzuela (équivalent de notre opéra comique français). J’ai été touchée par la subtilité de cette voix de soprano léger dans un répertoire souvent uniquement associé au folklore. Elle m’a véritablement fait découvrir toute la finesse de l’inspiration de ces compositeurs des 19ème et 20ème siècles, tout en démontrant une liberté de style dans les affects et intonations de voix se rapprochant du flamenco (trilles typiques, exclamations, utilisation plus appuyée de la voix de poitrine). Avec une tessiture équivalente et un amour de l’Espagne car j’y ai vécu, je ne pouvais que m’engouffrer avec délectation sur ses pas ! Pilar Lorengar, plus ancienne, est aussi un maître en la matière, notamment au niveau de la justesse du texte et surtout du sous-texte. J’apprécie enfin le style simple et nuancé de Dania Rodriguez, qui cherche tout comme nous l’avons fait, à faire redécouvrir les raretés de ce répertoire.

Propose recueillis en avril 2019

 

 

 

 

 

 

LIRE aussi :
espana-geraldine-grisey-cd-klarthe-records-critique-cd-review-cd-classiquenews-annonce-critique-cdCD, critique. Géraldine Casey, soprano : ESPAÑA ! (1cd KLARTHE). Nous avions remarqué son cd Mozart : où son sens expressif et sa plasticité comme coloratoure savaient relire avec vivacité et investissement les airs redoutables écrits par Mozart… Klarthe édite un tout autre programme où la cantatrice française troque l’agilité et le legato mozartiens pour l’esprit de la couleur ibérique, le sens du rythme, l’intelligence et les intentions du verbe incarné… sans omettre, un épanchement nuancé dans la douleur, la pudeur blessée, ce tragique contenu et toujours digne, qui fait l’orgueil des héroïnes hispaniques… et aussi la profondeur souvent mal comprise de la majorité des pièces concernées.
Le choix de l’interprète se porte sur les mélodistes espagnols des XIXè et XXè, dont le travail ressuscite dans l’écriture « savante », la force et la sincérité des idiomes traditionnels et populaires. Comme le précise Géraldine Casey dans le texte de la notice, tous les compositeurs ainsi réunis sont pianistes (d’où le raffinement de l’accompagnement au clavier) ; ils sont tous marqués par l’impressionnisme des parisiens Debussy et Ravel, enrichissant encore la palette ibérique de nuances harmoniques à la française. Le jaillissement des sentiments se double ainsi d’une évocation très fine des situations et des climats qui portent les émotions du chant.

 

 

 

ZAHIR : 4 saxophones enivrés

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klarthe records ZAHIR quatuor de saxos critique CLIC de classiquenewsCD événement, critique. ZAHIR (1 cd Klarthe records). ZAHIR signifie en arabe, ce qui est “visible”, ce qui occupe en permanence la vision et l’esprit… Ce quatuor de saxos (né en 2015) écartent tous ses concurrents par son audace, la liberté du geste, une virtuosité naturelle et souple, sa ligne artistique, ses lumineux engagements. Velours mordant et caractérisé : le son du Quatuor ZAHIR enchante littéralement et berce dans l’excellente transcription du Quatuor de Borodine (réalisée par le sxo soprano Guillaume Berceau) ; un Borodine revivifié, transcript, sublimé dont le charme d’esprit populaire dès son premier Allegro caressant séduit immédiatement par l’équilibre des quatre instruments (quatuor vocal plutôt que quatuor à cordes : c’est à dire saxophones soprano, alto, ténor, baryton). Le souci de la caractérisation, le sens du dialogue entre les parties, la très fine conception du format sonore, d’une subtilité réjouissante, la fluidité de l’écriture qui fait passer d’un instrument à l’autre, de surcroît dans une prise de son « tournante », ni trop proche ni trop éloignée, mais ronde et presque dansante, souligne l’extrême ductilité lumineuse des Zahir (pulsion dansée, organiquement très soignée du Scherzo). La tendresse simple du Notturno seduit tout autant, jusqu’au très beau mystère grave du début du Finale avant la séquence plus vive, très animée, idéalement caractérisée elle aussi dans l’enchaînement des séquences successives. Jaillit une expressivité assumée, jamais tendue ni outrée grâce à la recherche constante et exaucuée d’un sublime équilibre sonore.
L’audace de ce premier cd fait miroir avec une curiosité tout azimut, qui fait de ZAHIR, outre un idéal esthétique, un laboratoire musicale. D’où une implication totale dans la défense des partitions contemporaines. LIRE notre critique complète du cd ZAHIR (Klarthe records)

ENTRETIEN AVEC LE QUATUOR VENDÔME (Créations)

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ENTRETIEN AVEC LE QUATUOR VENDÔME. En mai 2018, paraissait chez Klarthe records, un programme réjouissant, totalement dédié à la création, mêlant des oeuvres signées Bacri, Beffa, Escaich, Connesson… quatuor de compositeurs vivants répondant au geste explorateur d’un quatuor en connexion avec son époque ; autant de créateurs contemporains qui ont joué ainsi la carte de l’inédit, répondant à la commande des quate instrumentistes du quatuor de clarinettes, le QUATUOR VENDÔME. Élu « CLIC de CLASSIQUENEWS » (printemps 2018), le cd révèle et souligne l’étonnante cohérence des quatre clarinettistes, alliant sens de l’écoute, partage et complicité. Vertus profitables pour une sonorité et un geste affûtés, vifs, particulièrement convaincants. Entretien avec le QUATUOR VENDÔME… sur la notion de travail et d’entente collectifs, sur les bénéfices aussi qu’a aujourd’hui une formation chambriste dans la défense des écritures de notre temps…

 

 

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CLASSIQUENEWS.COM / CNC : Comment avez vous travaillé avec chaque compositeur dans la réalisation de leur pièce respective ? De quelle façon il est important de pouvoir recueillir au cours du processus de création, les commentaires et les indications des auteurs ?

QUATUOR VENDÔME : Travailler avec des compositeurs aussi talentueux et reconnus a été un moment privilégié. Passée la petite appréhension de l’inconnue que réserve toute œuvre nouvelle, la conscience de l’enjeu musical a très vite succédé au plaisir de la découverte. Nous tenions à maitriser au mieux les textes avant de rencontrer les cinq compositeurs. Ils nous ont tous montré un bel enthousiasme à la première écoute, moment toujours important dans le processus de création, car chargé d’attentes de reconnaissance de part et d’autres : « Rendons-nous justice à la musique » du point de vue des interprètes, « mon œuvre est-elle réussie » se demande le compositeur ?
Malgré une réelle autonomie musicale du groupe, basée sur nos déjà nombreuses expériences de chambriste, soliste ou musicien d’orchestre, travailler avec les créateurs nous a apporté indéniablement un « supplément d’âme » dans notre interprétation, sur le caractère des pièces, en particulier, un sens du détail également. Nous avons souhaité nous approprier entièrement les œuvres que nous ont confié les compositeurs.

 

 

CLASSIQUENEWS.COM / CNC : Comment définiriez vous le son de votre ensemble ? Qu’est ce qui fait sa singularité ?

QUATUOR VENDÔME : Sommes-nous vraiment les mieux placés pour définir l’identité sonore de notre formation ?
Ce qui nous amuse et nous rassure en même temps sont les commentaires de ceux qui nous connaissent le mieux tous les quatre individuellement, amis musiciens, professionnels ou étudiants :
« J’ai essayé de reconnaitre qui joue quelle partie dans l’enregistrement et me suis trompé à chaque fois ! »
Notre démarche de chambriste est réelle, mais il faut constamment veiller à « rentrer dans le rang », ne jamais abuser de notre potentiel « solistique » sans le renier non plus, et tenter toujours de concilier quatre fortes personnalités musicales.

 

 

CLASSIQUENEWS.COM / CNC : De quelle façon chaque pièce exploite-t-elle les particularités du Quatuor de clarinettes ?

QUATUOR VENDÔME : Lorsque nous avons choisi les compositeurs pour cet enregistrement, nous nous sommes gardés de leur donner un cahier des charges. Ils avaient « carte blanche » avec pour seule consigne de ne nous épargner aucune difficulté technique.          Nous avons sur ce point été servis, tant les quatuors sont exigeants par leurs difficultés rythmiques, leurs fulgurances, par l’utilisation sans réserves de tout l’ambitus de l’instrument, l’emploi de nuances extrêmes parfois aux limites de la rupture du son.

 

 

CLASSIQUENEWS.COM / CNC : Quels sont les principaux défis pour un quatuor de clarinettes ? Y a t il un/des meneur/s ? Chaque instrument est il soliste égal aux autres ?

QUATUOR VENDÔME : La grande qualité de ce type de formation est de pouvoir trouver assez rapidement une forme d’homogénéité, comme d’autres formations de chambre issues de la même famille d’instruments. Le « défaut de la qualité » est le risque d’avoir toujours le même son. Pour apporter de la variété (et aussi pour rester bons amis ?), nous avons décidé dès les débuts de l’ensemble il y a quinze ans d’alterner au sein du groupe toutes les parties, de la clarinette soprano à la petite clarinette, de la clarinette basse au cor de basset… Il en découle une grande variété de couleurs, les thèmes circulent davantage, le public est surpris et séduit par ce jeu de « chaises musicales ».
Une autre de nos spécificités est peut-être le choix des répertoires. Nous n’avons eu de cesse de donner en quelques sortes « ses lettres de noblesses » à cette formation qui manquait cruellement de pièces originales de qualité et de transcriptions convaincantes.
Nous incluons également toujours une pièce de grande virtuosité dans nos programmes ; la clarinette n’est-elle pas aussi un instrument volubile ? Nous aimons à croire que le Quatuor Vendôme a suscité de nombreuses vocations en France et à l’étranger, et constatons qu’il existe maintenant beaucoup plus de quatuors de clarinettes qu’il y a 15 ans !

 

 

Propos recueillis à l’été 2018

 

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creation quatuor de vendome clarinette cd review critique cd par classiquenews kla046couv_lowLIRE aussi notre critique complète du cd CREATIONS : QUATUOR VENDÔME. Bacri, Beffa, Escaich, Connesson… (1 cd Klarthe records (2011-2016). Paru en mai 2018.
http://www.classiquenews.com/can-critique-creations-quatuor-vendome-bacri-beffa-escaich-connesson-1-cd-klarthe-records-2011-2016/

 

 

 

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CD événement. ADN BAROQUE (Alexandre / Vincent, 1 cd Klarthe records)

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ADN Baroque theophile alexandre guillaume vincent piano cd review critique cd par classiquenewsCD événement. ADN BAROQUE (Alexandre / Vincent, 1 cd Klarthe records). C’est une mise à nu, au sens propre comme au sens figuré : le chanteur pose nu sur le piano. Et délivre un chant brut mais millimétré comme un diseur dans le lied ou la mélodie française. En blanc et noir, en une approche « radiographique », les deux artistes régénèrent l’exercice du récital lyrique. Le travail se concentre sur le relief intime, le souffle, l’intonation et la projection du verbe… répond à ce souci du sens et de l’affect (un principe moteur dans l’esthétique baroque, en particulier à l’opéra dont sont extraits maintes séquences ici), le piano, complice privilégié pour cette exacerbation canalisée des passions humaines…
Les titres de chaque extrait sont parlants, porteurs d’un imaginaire psychologique désormais essentiel car il est ici vécu et joué de façon viscérale : « l’oubli, la célébration, l’ambition… l’effroi, la colère, l’abandon, les larmes, la liberté »… La palette est aussi large que l’implication des deux interprètes profonde, parfois grave, toujours intense.

PIANO / VOIX SUPERLATIF

La réussite est totale car l’intelligence du programme, c’est à dire la succession des oeuvres proposées crée une dramaturgie qui saisit par l’intensité des climats intérieurs, la recherche permanente de ce que dit le texte, la volonté d’exprimer l’introspection et la charge émotionnelle de chaque air. C’est une traversée intime où chaque épisode doit sa « vérité » au choix des compositeurs : les plus grands du XVIIè (Monteverdi, Purcell…) et du XVIIIè européen (JS Bach, Haendel, Vivaldi…).

21 airs, 21 sentiments de l’âme… Belle idée en ouverture d’aborder le récital par l’indicible langueur de Monteverdi (“Oblivion soave“… extrait de L’Incoronazione di Poppea) dont le contre ténor Théophile Alexandre exprime tout le vertige halluciné ; lui répond un piano littéralement hypnotique du très pictural Guillaume Vincent … au toucher de rêve : quel régal dans des airs baroques où l’on pensait que seuls comptaient la virtuosité et le panache. Rien de tel ici tant la sincérité, l’intériorité, la précision feutrée sont éloquentes et remarquablement exprimées. On souhaiterait écouter le pianiste dans un récital seul chez Rameau ou Scarlatti…
CLIC D'OR macaron 200Ecoutez ainsi comment le clavier installe un climat de balancement onirique, à la scansion taillée comme un diamant, à la fois percussif mais tendre (nouvel oxymore… notion qu’apprécient les initiateurs de ce programme) pour l’air de l’hiver de Purcell (« cold song » / renommé « l’effroi » – plage 6) ; même franche émission et naturel vocal réjouissant, et d’une belle complicité dans le meilleur duo lyrique à notre avis (avec la soprano Marion Tassou), épisode “Les larmes” : « son nata a lagrimar» de Haendel, où les deux timbres s’enlacent et se répondent en une déploration aérienne, pudique et sobre.
Tout le programme relève dans le chant, de ce souci de la nuance et de l’émission, sublimé par un piano constamment enivrant.

EN CONCERT

Les amateurs de cette relecture rafraîchissante du Baroque lyrique le plus connu, retrouveront les deux artistes en tournée. Premières dates à Paris, Athénée, les 22 et 23 octobre 2018.

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CD événement. ADN BAROQUE (Alexandre / Vincent, 1 cd Klarthe records) – durée : 1h13mn – enregistrement réalisé à Paris

 
Programme / track listing

 

1. L’OUBLI  I  OBLIVION SOAVE, MONTEVERDI
2. LA CÉLÉBRATION  I  STRIKE THE VIOL, PURCELL
3. L’AMBITION  I  SARÒ QUAL VENTO, HAENDEL
4. L’ESPOIR  I  ALTO GIOVE, PORPORA
5. LE DÉSIR  I  PUR TI MIRO*, MONTEVERDI
6. L’EFFROI  I  COLD SONG, PURCELL
7. LA COLÈRE  I  GEMO IN UN PUNTO, VIVALDI
8. L’EMPATHIE  I  EJA MATER, VIVALDI
9. LA CANDEUR  I  LES SAUVAGES*, RAMEAU
10. LES TOURMENTS  I  AGITATA INFIDO FLATU, VIVALDI
11. LA FOI  I  CUM DEDERIT, VIVALDI
12. LES REGRETS  I  ERBARME DICH, BACH
13. LE PLAISIR  I  ONE CHARMING NIGHT, PURCELL
14. LA FIERTÉ  I  DOMERÒ LA TUA FIEREZZA, HAENDEL
15. LE JEU  I  PLACIDETTI ZEFFIRETTI**, PORPORA
16. LA LÉGÈRETÉ  I  PLACIDETTI ZEFFIRETTI***, PORPORA
17. LE DOUTE  I  IF LOVE’S A SWEET PASSION, PURCELL
18. LA VENGEANCE  I  OMBRA CARA, HAENDEL
19. LES LARMES  I  SON NATA A LAGRIMAR**, HAENDEL
20. L’ABANDON  I  DITE OHIMÈ, VIVALDI
21. LA LIBERTÉ  I  LASCIA CH’IO PIANGA, HAENDEL

VOIR le TEASER vidéo ADN BAROQUE :

CD, compte rendu critique. Piazzolla : Une histoire de tango (Héau, Roggeri, 1 cd Klarthe, 2015)

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piazzolla heau florent clarinette marcela roggeri piano review cd classiquenews critique cdCD, compte rendu critique. Piazzolla : Une histoire de tango (Héau, Roggeri, 1 cd Klarthe, 2015).  Ce qui captive chez Piazzolla c’est le génie des mélodies suaves, nostalgiques et le sens de la danse et du rythme. C’est aussi une atténuation très subtile de l’énoncé expressif qui évite le pathos comme l’excès démonstratif pour in fine, exprimer la sensation intérieure et l’écoute introspective. A l’échelle de cette carte poétique spécifique, l’accord chambriste des deux solistes ici réunis par le label Klarthe records porte ses fruits associant très judicieusement une pianiste argentine (consœur donc du grand Astor) et un clarinettiste français, dédicataire créateur de partitions contemporaines majeures comme Le Chant des ténèbres ou Chorus de Thierry Escaich, ou le Concerto pour clarinette de Philippe Hersant… les deux partenaires s’étaient déjà retrouvés, autour des mélodies du compositeur argentin Carlos roggerri-marcela-piano-argentin-piazzollaGuastavino. Marcela Roggeri et Florent Héau dessinent la fluide arche lyrique intérieure et résolument nostalgique d’Oblivion (plage 1) ; puis le plus chaloupé (Adios Nonino), guilleret, et presque enivré qui met en avant la capacité du clarinettiste à caractériser et colorer une séquence qui passe de l’exaltation à la tendresse. D’une calme torpeur caressante, alliant amertume et pudeur blessée, Milonga del ángel (comme doucement enivré) renforce le très sensible accord de la clarinette avec le piano remarquablement articulé et suggestif de Marcela Roggeri. D’ailleurs, la ductilité suggestive de la pianiste s’impose tout au long de l’album, soulignant sa dextérité rare qui diversifie les effets et parties du clavier selon les épisodes et les morceaux : purement mélodique, précisément rythmique, surtout enveloppant et envoûtant tel un nimbe harmonique, résonant comme un petit orchestre. La participation délicate de l’Argentine est toujours aussi remarquable en terme d’intelligence musicale. Jamais tapageuse, toujours dans la suggestion des choses comme l’enrichissement feutré / ciselé des climats.

Bordel 1900 affirme une nouvelle brillance plus explicite et déterminée ; qui exige de l’instrument un jeu à la fois percussif et agile, plein de caractère. De fait rien à voir avec les vapeurs plus éthérées et le parfum d’une langueur plus insaisisable de Café 1930… épisode social, très parisien : encore la preuve de l’inspiration de Piazzolla quand il s’agit d’évoquer l’ambiance et l’urbanité françaises, spécifiquement parisiennes.

Rêves intérieurs, complicité élective : Piazzolla da camera

CLIC_macaron_2014Plage 8, fleuron de l’inspiration de Piazzola, l’Ave Maria qui vient d’être abordé par le violoncelliste Christian-Pierre La Marca (transposition remarquable du compositeur et guitariste Samuel Strouk) dans son excellent album titre CANTUS, CLIC de classiquenews de mai 2016, s’impose ici aussi par son opulence secrète d’une absolue pudeur, caractère que relève le clarinettiste avec une belle sensibilité, à la fois rêveuse et lointaine, comme subtilement absente. Aucun doute, la mélancolie Piazzollienne est toute entière recueillie dans cette mélodie de presque 6mn dont l’instrument à anche souligne par ses couleurs empruntées / inspirées du bandonéon surtout, la vocalità souple et veloutée.

CD. Florent Héau : tout pour PiazzollaA travers le parcours du programme entier, on note la superbe gradation, progressivement, dans les replis de l’âme pensive, divagations de plus en plus introspectives, précisément dans les deux derniers épisodes, lesquels déploient une suggestion magicienne, toute enivrée : Milonga en ré, surtout Aire de la zamba niña, dont l’apaisement affectionne presque la fluidité d’une berceuse… La complicité de plus en plus convaincante et séductrice des deux instrumentistes visiblement dans le même esprit… d’une évanescence légère, délicieusement chaloupée, éclaire ce que le trop court texte d’introduction, – et presque sybillin, évoque avec justesse : l’émotivité affleurante d’un Piazzolla chambriste, aux secrets enfouis (intimes?), plutôt dramatiques. L’entente des deux solistes, – la pianiste sur son seul clavier ; le clarinettiste changeant d’instruments selon le caractère de chaque pièce-, gagne peu à peu en économie, intensité, profondeur. Accord total, rêverie croissante. Donc CLIC de CLASSIQUENEWS.

CD, compte rendu critique. Piazzolla : Une histoire de tango (Florent Héau, clarinettes – Marcela Roggeri, piano) — enregistré à Paris en mars 2015 / 1 cd Klarthe 015 — durée : 54 mn. CLIC de CLASSIQUENEWS de juin 2016.

Entretien avec le compositeur Samuel ANDREYEV à propos de “Moving”…

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Entretien avec le compositeur Samuel ANDREYEV à propos de “Moving”… A l’occasion de son premier disque monographique édité par le label français KLARTHE, le compositeur Samuel Andreyev répond aux questions de CLASSIQUENEWS.

 

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CLASSIQUENEWS : Vous utilisez des titres “très poétiques” ou faisant référence à un épisode narratif choisi. De quelle façon la poésie s’immisce dans votre écriture et nourrit votre œuvre de compositeur?

SAMUEL ANDREYEV : Je suis venu très tôt à la poésie. À l’époque où je vivais encore à Toronto, je fus davantage impliqué dans le monde littéraire que celui de la musique… je suis allé jusqu’à diriger une petite maison d’édition spécialisée dans la poésie contemporaine. J’ai publié deux recueils de poésies, dont le plus récent est sorti en octobre dernier. Aujourd’hui, je lis énormément, en anglais comme en français. Je consacre donc un temps important à cette activité. Les deux domaines de la poésie et de la musique ont beaucoup en commun, si bien que je me demande parfois, à part la question du « sens » que portent toujours les mots, et dont on ne trouve pas de réel équivalent dans la musique, ce qui les sépare réellement..

Samuel Andreyev :

« Il faut savoir calibrer le degré de complexité de son écriture »

CLASSIQUENEWS : L’album MOVING regroupe 7 pièces. Pouvez vous en extraire une sorte d’évolution de votre écriture ? Vers quelle direction s’est affirmée votre inspiration ?

SAMUEL ANDREYEV : Dans mes premières partitions, j’avais la volonté d’exprimer une énorme tension dans ma musique. Souvent, je mettais en opposition deux idées diamétralement opposées, les menant jusqu’au paroxysme. Aujourd’hui, je suis beaucoup plus focalisé sur la qualité presque plastique du son comme agent de l’expressivité. Mon écriture rythmique est devenue plus pulsée, son rapport à la métrique plus direct. Ma musique est devenue plus subtile au fil des années, et plus simple. Cela m’a demandé un effort considérable car j’ai un style qui tend naturellement vers la complexité ; je dois constamment m’efforcer d’aller au cœur des choses. Ce qui paraît simple au moment de l’écriture devient, une fois passé par la crible de la perception de l’auditeur, 10 fois plus complexe que l’on n’imagine.. il faut donc savoir calibrer le degré de complexité de son écriture.

J’écris constamment, mais je ne garde pas tout : j’ai déjà retiré environ la moitié de mes pièces écrites depuis 2002. Le monde est déjà plein de musique jetable, je crois que ça n’a aucun sens de garder autre chose que mes pièces les plus solides. Pour moi, une œuvre n’est définitivement achevée qu’au moment où elle est créée, reprise plusieurs fois, éditée, enregistrée — il faut qu’elle existe dans le monde. Tout cela demande, outre le temps de composition (déjà très considérable) — un gigantesque travail et des collaborateurs aussi fous que moi — des personnes qui respectent mon rythme de création et qui partagent mes exigences. Il faut dire que pour ce CD, j’ai eu une équipe merveilleuse autour de moi : l’ensemble proton bern a fait un travail extrêmement minutieux sur ces 7 pièces sur une période de plus de 2 ans, et Klarthe Records a pris un risque en soutenant, avec une patience incroyable, un projet très complexe à mettre en place, pour ne pas dire insolite.. ce dont je ne saurais trop les remercier !

CLASSIQUENEWS : Quels sont les compositeurs présents ou contemporains qui continuent de vous inspirer ?

 

SAMUEL ANDREYEV : Je trouve inspirant tout artiste qui, par son attitude, fait preuve d’une certaine ténacité, d’une absence de compromission si je puis dire… quand j’aborde un nouveau compositeur, ou un quelconque artiste, tous domaines confondus, c’est l’attitude qui me marque en premier, plus que le style. Dans une époque où les artistes sont encouragés à se « professionnaliser » et à développer le sens du marketing très tôt, il est encourageant de voir que certains résistent aux facilités du marché. Dans la poésie, les enjeux économiques et/ou professionnels sont minimes, voire inexistants, donc la question ne se pose pas trop. En revanche, dans la musique, il y a une réelle pression car les contraintes sont nombreuses et les projets musicaux peuvent être extrêmement onéreux. Parmi les grands classiques du XXème siècle, je me sens très proche de Varèse, Webern, Feldman.. ou Carl Ruggles, figure dont on entend trop peu parler.

CLASSIQUENEWS : Seriez vous tenté par la grande forme ? Opéra ou Symphonie ? Pourquoi ? et quel en serait le sujet, le prétexte (poétique)?

 

SAMUEL ANDREYEV : Absolument. D’ailleurs, j’ai déjà écrit deux pièces pour orchestre, et j’envisage d’en rajouter une troisième d’ici un ou deux ans, pour ainsi former un grand cycle. Il s’agit de mon premier véritable projet d’envergure et cela m’occupe depuis déjà deux ans. Pour ce qui est de l’opéra, ce serait fascinant. Si j’abordais l’opéra, ce serait pour exploser la narrativité et en proposer une vision alternative. Encore faudrait-il que je trouve des collaborateurs « de rêve ». Un opéra ne se monte pas tout seul, le compositeur à certes un rôle important à jouer, mais le succès (où l’insuccès) d’une telle aventure tourne souvent sur la mise en scène et le livret autant que sur la musique. Je ne suis pas pressé, pour autant : l’art a son rythme, je m’efforce de le respecter.

Propos recueillis en mai 2016. — Illustration : Portrait de Samuel Andryev © M. Lambert 2015

CD : « Moving », premier cd monographique dédié aux œuvres de Samuel Andreyev, 1 cd Klarthe, CLIC de CLASSIQUENEWS. LIRE notre grande critique développée : 

moving-ensemble-proton-bern-samuel-andreyev-moving-cd-klarthe-review-presentation-review-critique-cd-classiquenewsCD, compte rendu critique. MOVING. Pièces de Samuel Andreyev (2003-2015) : Bern Trio, Moving,… ensemble proton bern (1 cd Klarthe, 2015). Le nouveau label discographique Klarthe nous dévoile la sensibilité crépitante et très réfléchie du jeune compositeur d’origine canadienne, Samuel Andreyev. Moving est un remarquable album monographique d’un jeune compositeur à l’exigence sonore aiguë. Ses oeuvres très écrites ne cèdent en rien à l’artifice de la seule performance mais accréditent l’idée d’une modernité soucieuse de sens et de développement et de temporalité sonore. Le programme dans son ensemble est lumineux, intelligent et pour les interprètes autant que l’auditeur, d’un impact continu, exaltant. En mai et juin 2015 à Paris (Maison de Radio France), les instrumentistes de l’ensemble proton bern, sous la direction de Matthias Kuhn, enregistrent plusieurs oeuvres de Samuel Andreyev, né en 1981, rassemblant comme en un album monographique, les pièces les plus emblématiques du jeune compositeur, soit 7 compositions, de la plus ancienne PLP (2003) à Bern Trio (2015). …