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PARIS, Palais Garnier : A QUIET PLACE de Bernstein

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PARIS, GARNIER. BERNSTEIN : A QUIET PLACE – 9-30 mars 2022  -  Entrée au répertoire attendue : A Quiet Place de Leonard Bernstein, mis en scène par Krzysztof Warlikowski et dirigé par Kent Nagano. La nouvelle production est d’autant plus prometteuse que le chef s’est déjà distingué par une excellente lecture du dernier opéra de Bernstein (réalisée pour Decca à Montreal en 2017 : LIRE notre critique de A Quiet Place de Leonard Bernstein, avec une distribution remarquable dont les barytons Gordon Bintner (remarquable Junior, si fin si trouble et d’une franchise désarmante, annoncé à PARIS dans le même rôle qu’il tenait en 2017), Lucas Meachem (photo ci dessous : exceptionnel Sam en père d’abord pétrifié et monolithique, puis peu à peu humanisé à mesure que la leçon de la décédée se précise et s’illumine dans le III)…

http://www.classiquenews.com/cd-evenement-critique-bernstein-a-quiet-place-nagano-osm-2-cd-decca-2017/

Directeur musical de l’OSM Orchestre Symphonique de Montreal, KENT NAGANO y a donc éblouit littéralement dans une version surtout chambriste, première au disque, où scintille l’intelligence du chant dialogué, l’équilibre d’un orchestre complice et suractif mais jamais couvrant, et un plateau superlatif de solistes (dont les chanteurs diseurs somptueusement articulés : Gordon Bintner et Lucas Meachen, déjà mentionnés, dans les rôles clés du fils et du père, Junior et Sam), qui savent dessiner avec beaucoup de finesse comme d’humanité, le profil de chaque protagoniste, dont surtout la famille des proches : Sam le père et ses deux enfants, la fille Dede et Junior le garçon “atypique”… De sorte qu’au début, la mosaïque sociale bruyante et bavarde, devient conversation intime, d’une sincérité déchirante, un théâtre dépouillé des artifices du début / un lieu tranquille dont le terreau des incompréhensions passées peut enfin se résoudre et s’accomplir : la satire collective devient dans le dernier acte (III), thérapie familiale, hymne à l’amour et à la réconciliation. En somme, un drame familial qui vaut métaphore universel, propre à l’humanisme fraternel de Bernstein. L’auteur de West Side Story (1957) signe avec A Quiet Place (1983), une épure qui saisit par sa simplicité active, sa fausse légèreté, et pourtant sa sincérité psychologique dans une galerie de portraits frappants par leur vérité. Que fera le metteur en scène déjanté, souvent confus, Krzysztof Warlikowski de cette évocation d’une famille américaine endeuillée dont la souffrance dévoile les secrets intimes ?
Autre argument de la production parisienne, outre le chef, la présence de la soprano Patricia Petibon, attendue dans le rôle de Dede). Kent Nagano, qui fut proche de Bernstein au moment de l’écriture d’A Quiet place, dirige à Paris, la version condensée (livret et orchestration resserrés) qu’il a créé à Berlin en 2013 puis enregistré avec la réussite que l’on sait en 2017.

 

 

 

 

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BERNSTEIN : A Quiet Place (1983) – version 2013bernstein oepra de paris a quiet place annonce critique classiquenews
Livret : Stephen Wadsworth / Adaptation livret, orchestration : Garth Edwin Sunderland
PARIS, Palais Garnier
Du mercredi 9 mars au mercredi 30 mars 2022
Les 9, 10, 16, 18, 21, 23, 24, 26, 29 et 30 mars à 20h, dimanche 13 mars à 14h30 ;
avant-première pour les moins de 28 ans le 7 mars à 20h.
RÉSERVEZ VOS PLACESboutonreservation
directement sur le site de l’Opéra de Paris / Palais Garnier
https://www.operadeparis.fr/saison-21-22/opera/a-quiet-place
Tél. : 08 92 89 90 90.

 

 

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DIFFUSION sur France Musique
A quiet Place sera diffusé sur France Musique le samedi 23 avril à 20h dans l’émission “Samedi à l’Opéra”,

WAGNER READINGS. Kent NAGANO ressuscite un Wagner, instrumentalement historique

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REPENSER WAGNER... Marek Janowski à l'épreuve du RingWAGNER READINGS – Wagner sur instruments historiques : L’Or du Rhin sur instruments d’époque, dirigé par Kent Nagano. La phalange Concerto Köln s’engage dans un projet musical de première valeur : jouer Wagner sur instruments d’époque. Voilà une approche historiquement informée que l’on attendait depuis longtemps et qui tordera le cou aux partisans d’un Wagner plus sonore et puissant que chambriste et détaillé. Pourtant Karajan en son temps (pour DG Deutsche Grammophon) avait révolutionné totalement notre perception de Wagner, « osant » alors en déc 1969, une tétralogie détaillée, finement timbrées, aux équilibres orchestraux ténus qui a fait surgir l’œuvre psychologique et la finesse suggestive d’un Wagner déjà psychanalytique.

Premières sessions de ce Ring événement
Le 18 nov 2021 à Cologne / Kölner Philharmonie
Le 20 nov 2021 à Amsterdam / Concertgebouw Amsterdam

nagano kent maestro classiquenewsPour Kent Nagano, le Ring de Wagner est « l’une des partitions les plus complexes » mais « une approche réfléchie et historiquement informée n’avait encore jamais été réalisée. Nous travaillons sur cette nouvelle version depuis 4 ans. Je suis très heureux que notre Rheingold soit bientôt jouée ». De fait, la recherche sur le matériel de répétition laissé par Wagner, la connaissance des tempos d’époque, de ses instruments préférés comme l’étude de la prononciation des chanteurs à l’époque du compositeur produisent un résultat sonore et stylistique surprenant.
Depuis 2017, une série d’études scientifiques conduites par « the Association of Freunde von Concerto Köln » a produit ses conclusions dont les premiers résultats ont été édités et peuvent être consultés sur le site https://wagner-lesarten.de.

PLUS D’INFOSwagner grand format
https://wagner-lesarten.de/project.html
https://www.concerto-koeln.de/1787.html

November 18, 2021, 20h, Kölner Philharmonie
November 20, 2021, 13h, Concertgebouw Amsterdam

Richard Wagner
Das Rheingold WWV 86A
Opéra en 4 scènes. Vorabend zu dem Bühnenfestspiel “Der Ring des Nibelungen” WWV 86 (1848–74)

Derek Welton (Bass-baritone) | Wotan
Johannes Kammler (Bass-baritone) | Donner
Julian Prégardien (Tenor) | Loge
Tansel Akzeybek (Tenor) | Froh
Stefanie Irányi (Mezzo-soprano) | Fricka
Sarah Wegener (Soprano) | Freia
Gerhild Romberger (Mezzo-soprano) | Erda
Daniel Schmutzhard (Baritone) | Alberich
Thomas Ebenstein (Tenor) | Mime
Tijl Faveyts (Basso) | Fasolt
Christoph Seidl (Basso) | Fafner
Carina Schmieger (Soprano) | Woglinde
Ida Adrian (Soprano) | Wellgunde
Eva Vogel (Mezzo-soprano) | Floßhilde

Concerto Köln
Kent Nagano, conductor/ direction musicale

CD, critique. WIDMANN : ARCH (Nagano, 2017 2 cd ECM New Series)

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widmann arche nagano cd reiwe critique cd classiquenews ECM-2605-06-240x240CD, critique. WIDMANN : ARCH (Nagano, 2017 2 cd ECM New Series). HAMBOURG janvier 2017. Après Rihm (créé par le NDR Elbphilharmonie Orchester), Widmann propose en janvier 2017, sa nouvelle oeuvre, un oratorio monumental pour inaugurer la Philharmonie de l’Elbe / Elbphilharmonie, salle de concert au profil design qui souhaite être à la pointe de l’innovation musicale. Ainsi «  Arche », nouvelle partition a été créée en janvier 2016 : Kent Nagano (ordinairement pilote du Symphonique de Montréal) conduit pour se faire l’orchestre local en Allemagne (et en résidence dans l’institution), le Philharmonisches Staatsorchester Hamburg, pour la création de la pièce qu’il a commandée : oratorio en grand format pour soli, 3 choeurs, choeurs d’enfants et (très) grand orchestre (avec orgue) : soit 300 participants.
Réponse contemporaine aux Gurrelieder de Schoenberg, ou mieux à la 8ème Symphonie de Mahler (dite «Symphonie des Mille »), Arche assume son gigantisme (avec effet de lumière pour ceux qui ont assisté à la pièce, en particulier pour le Fiat Lux), et aussi sa signification par référence à l’Ancien Testament : le vaisseau de Noé indique un nouveau « commencement », point de départ de la Philharmonie de l’Elbe elle-même. D’autant que l’architecture du bâtiment cite elle, une proue de bateau.
La pièce compte 5 épisodes : Fiat lux, le Déluge, l’Amour, Dies Irae, Dona nobis pacem avec citations et références à Michel-Ange, Heine, Schiller. Musicalement, c’est une mosaïque de parodies, reprenant les mélodies de Boradway, surtout la Fantaisie pour piano chœur et orchestre op.80 de Beethoven, repères facilement compréhensible par la public. Le principe est facile mais fonctionne. Chacun s’amuse ici à reconnaître l’oeuvre citée.
Les solistes défendent avec engagement une partition pléthorique et grandiloquente on l’a compris : la soprano Marlis Petersen se distingue par son chant assuré, déclamatoire, emphatique; le baryton Thomas E.Bauer paraît parfois serré, « petit »; à leur côté, les enfants semblent plus à leur aise (en voix parlées ou chantées). Le texte glouton comme la mise en musique, cite une foi triomphante en l’homme… une autoconfiance dans une monde globalisé et interdépendant, de moins moins sensible à son salut collectif. Cette oeuvre qui proclame la foi en internet et dans les réunions politiques internationales type G8 ou G7 montre surtout les limites d’une humanité qui doute profondément d’elle-même et se bloque dans sa capacité à assurer son futur. Il est bien dommage que le texte ne soit pas à la mesure de l’enjeu : aucune référence au dérèglement climatique, à l’agonie des espèces animales, bientôt des espèces végétales et des arbres… avant l’espèce humaine. Un texte engagé, plus directement connecté avec la réalité de la planète aurait eu infiniment plus d’impact.
Widman de son côté, déploie une musique habile car théâtrale et rythmique, contrastée et caractérisée. Jamais ennuyeuse, mais pas troublante non plus. Mahler savait autrement porter, conduire, exalter, sublimer, transfigurer collectivement. Et toucher malgré le nombre et l’effectif. Jörg Widmann se borne à une démonstration virtuose qui peine à dépasser son ampleur, sa démesure, .… osons dire une vacuité spectaculaire bien dans l’ère du temps.
 
 
 
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Californien analytique, Nagano détaille, comme à son habitude, souligne même la finesse d’une orchestration plutôt fouillée : mais dont le sens manque de profondeur réelle. Cette gravité parfois prenante résonne vainement, dépourvue d’un vrai texte de prise de conscience sur notre monde et le désarroi des sociétés modernes. Pléthorique, gigantesque, la partition manque à notre avis son but car ne dénonce rien, dans notre monde proche de l’apocalypse.

 
 
 

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CD, critique. Jörg Widmann : Arche, oratorio créé à Hambourg en janvier 2017 – 2 cd ECM New Series 4817007

Marlis Petersen, soprano / Thomas E.Bauer, baryton
Knabensopran: Soliste du chœur d’enfants de la Chorakademie Dortmund / Récitant (enfant): Antonius Hentschel / Récitante (enfant): Jonna Plate / Orgue: Iveta Apkalna
Hamburger Alsterspatzen (Chef de chœur: Jürgen Luhn)
Audi Jugendchorakademie (Chef de chœur: Martin Steidler)
Chor der Hamburgischen Staatsoper (Chef de chœur: Eberhard Friedrich)
Philharmonisches Staatsorchester Hamburg
Direction musicale: Kent Nagano

Programme de l’oratorio ARCHE :

CD 1
1 FIAT LUX / ES WERDE LICHT – 18:58
2 SINTFLUT – 29:03
3 DIE LIEBE – 26:55

CD 2
1 DIES IRAE – 16:52
2 DONA NOBIS PACEM – 09:16

 
 
 

CD, compte rendu critique, opéra. Honegger, Ibert : L’Aiglon (2 cd, Nagano, 2015)

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aiglon-honegger-ibert-kent-nagano-decca-clic-de-classiquenews-reportage-video-lausanne-tours-ossonceCD, compte rendu critique, opéra. Honegger, Ibert : L’Aiglon (2 cd, Nagano, 2015). Récemment exhumé sur les scènes francophones, Lausanne puis Tours, sous la direction de Jean-Yves Ossonce, en mai 2013, – et plus récemment encore à Marseille (avec D’Oustrac dans le rôle-titre, février 2016) l’opéra à deux têtes, L’Aiglon de Arthur Honegger et Jacques Ibert, sort en disque, mais à l’initiative de nos confrères québécois, depuis Montréal, prolongement d’une série de recréations très applaudies (en mars 2015) sous la direction de Kent Nagano, ardent défricheur à la posture globale, impliquée donc convaincante.

Kent Nagano rend justice au drame lyrique de 1937, signé par Jacques Ibert et Arthur Honegger…

Deux plumes inspirées pour un Aiglon sacrifié

Aux côtés de Cyrano, Rostand laisse avec L’Aiglon créé en 1900 avec la coopération légendaire de Sara Bernhardt, un drame historique glaçant, qui retrace à travers la relation sadique Metternich et le jeune prince impérial et Duc de Reichstag, l’épopée malheureuse et tragique d’une destinée avortée. La partition datée de 193è (créée à Monte Carlo) s’empare en pleine Europe insouciante et déjà terre de tensions exacerbée, de la figure du fils unique de Napoléon Ier, otage odieusement traité à Vienne, Prince de papier, vraie victime sacrifiée, dont le sort le destinait directement à l’opéra. Evidemment, c’est un drame rétrospectif, dont la couleur nostalgique, ressuscite l’ancien lustre impérial, alors définitivement effacé : c’est tout le jeu et le charme de la relation de Flambeau (superbe Marc Barrard qui profite de sa connaissance antérieure du personnage à Tours et à Lausanne justement : son aisance, le souffle du chant, l’intelligence expressive s’en ressentent évidemment) et du Prince, jouant aux soldats sur une carte, convoquant l’ivresse conquérante de son père… (fin du II) ; même évocation subtilement conduite pour la bataille victorieuse de Wagram. Le souci prosodique des deux auteurs contemporains construit cependant un opéra français d’une réelle force épique, où le portrait d’un jeune homme trop frêle à porter le costume légué par son père demeure fin et d’une belle intelligence : sa faiblesse par nature étant parfaitement exprimée dans le fameux duo, implacable et terrible où il trouve son geôlier à peine déguisé, en la personne du ministre Metternich, d’une glaciale et cynique froideur dominatrice.
kent nagano l aiglon honegger ibert cd decca montrealJustement, le choix des solistes étaye globalement la réussite de l’interprétation où rayonne la clarté d’un français toujours audible : Anne-Catherine Gillet, qui chante Juliette chez Gounod, éblouit dans le rôle-titre, en souligne l’angélisme enivré, la droiture morale, l’esprit d’espérance… d’autant plus flamboyant qu’elle est “cassée” minutieusement par le chant ombré, sarcastique, souterrain du ténébreux Prince de Metternich (excellent Etienne Dupuy dont on avait pu il y a quelques années mesurer le beau chant français romantique chez Massenet dans une lecture de Thérèse, singulière et imprévue et caractérisation ciselée aux côtés de Charles Castronovo). Seule réserve, le manque d’ampleur de Gillet qui la trouve dans les aigus à soutenir dans la hauteur comme l’intensité, parfois à la limite de ses justes possibilités (il est vrai que le rôle de l’Aiglon, rôle travesti, est chanté par des mezzos à Lausanne comme à Tours : Carine Séchay avait relevé les defis d’une partition redoutable pour la voix avec constance et finesse ; repris aussi à Marseille avec D’Oustrac…). La créatrice du rôle central était Fanny Heldy, cantatrice aux tempérament explosif et aux ressources phénoménales, car elle chantait Thaïs de Massenet, entre autres… c’est dire.

Ici même sens du verbe, même approche dramatique nuancée : Honegger et Ibert sont deux contemporains nés dans les années 1890, qui quarantenaires en 1935, signent une parfaite compréhension du souffle théâtral chez Rostand, lui-même respecté par Henri Cain qui signe le livret.
Au mérite de Kent Nagano, revient tout l’art de rendre une partition Belle Epoque et Modern style, expressive et palpitante sans affectation (parfois idéalement suave : la valse du III). Très belle réussite globale, et belle redécouverte d’un opéra très peu joué.

CLIC_macaron_2014CD, compte rendu critique, opéra. Ibert, Honegger : L’Aiglon (1935) d’après Rostand. Anne-Catherine Gillet (L’Aiglon, Duc de Reichstag), Etienne Dupuis (Meternich), Marc Barrard( Séraphin, Flambeau), Marie-Nicole Lemieux (Marie-Louise), … Choeur et Orchestre Symphonique de Montréal. Kent Nagano, direction (2 cd Decca 478 9502, enregistré en mars 2015)

 

LIRE aussi notre DOSSIER L’AIGLON d’Ibert et Honnegger