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Entretien avec DIANA BARONI à propos de son album PAN ATLANTICO (printemps 2022)

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Pan-Atlantico diana baroni simon drappier cd critique classiquenews traverso chantENTRETIEN avec DIANA BARONI à propos de son nouvel album « PAN ATLANTICO ». C’est le chant d’un journal intime exprimé en duo ; l’expression d’une identité retrouvée aussi à travers des périples multiples et une expérience intime de la mort. Dans « Pan Atlantico », Diana Baroni, voix et traverso, s’associe à l’arpeggione de Simon Drappier dans un programme inédit qui est une collection de textes forts, irrésistibles. Entretien exclusif pour classiquenews.

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CLASSIQUENEWS : Que signifie le titre de votre nouvelle album ?

DIANA BARONI : Ce titre nous est apparu par magie; c’est surtout grâce à une vision de Simon, qui a séjourné plusieurs années en Argentine. Alors, lui il voyait la route « panamericana » qui traverse l’Argentine du nord au sud; moi, je voyais les bateaux des immigrés d’après guerre, qui traversaient l’océan Atlantique. La rencontre conceptuelle de deux images fonctionne à merveille: elles représentent pleinement nos sources d’inspiration, notre matière d’attention disons, et le voyage, le parcours, les aller-retours également, aussi de l’un et de l’autre (Simon français, ayant vécu là bas et moi italo-argentine, installée en France).

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CLASSIQUENEWS : Prolonge-t-il des éléments de vos programmes ou albums passés ? Ou est ce un programme en « rupture » ?

DIANA BARONI : J’aime bien l’idée de rupture. Il y a quelque chose d’essentiel qui est présent dans cet album, plus que dans mes albums précédents. C’est évident que les expériences apportées par la vie courante ces derniers années, tant au titre personnel comme mondial, m’ont mis quelque part à nue, d’abord par la mort, ensuite par la pandémie. Quelque part je me dis aujourd’hui que mon album précédent THE EMIDY PROJECT sorti en 2018, a été un geste de survie… à l’instar de l’esclave musicien de notre saga ; Emidy m’a permis de vivre, de traverser la douleur.
Ce signe de maladie de notre civilisation, de notre terre, est aussi un signe de rupture dans un sens plus large, et universel je dirais. Nous aurons espéré peut être une sensibilisation de notre société par l’expérience du confinement, qui nous a forcé à faire une rupture temporelle également. Et non… Les temps qui courent ne sont pas les plus joyeux, et nous sommes tous responsables malheureusement de l’état actuel de notre civilisation, de ce visage de la nature humaine si égoïste, si individualiste. Les luttes sociales qui ont été portées par les générations précédentes sont en train de s’évaporer, même leur fruits sont en train de disparaitre. C’est terrifiant et désolant.
En ces temps obscurs, la musique et l’art sont d’autant plus des moyens d’éveil, de cure, de clairvoyance. Je crois profondément à la possibilité de véhiculer un message qui nous aiderait à être en quête, en questionnement de notre nature humaine pour éviter de « subir les événements comme des somnambules », selon les paroles d’Edgar Morin.
Alors oui, ce disque, que nous avons enregistre LIVE, entre deux confinements pandémiques, au cours de l’été 2020, est le reflet d’une inévitable rupture universelle. C’est peut être pour tout cela que les choix artistiques que nous avons assumés avec Simon Drappier, ont été plus radicaux, les gestes plus poussés, le répertoire plus précis.

 

 

 

 

CLASSIQUENEWS : Quels sont les thèmes des textes que vous chantez ? Quelles grandes chanteuses avez vous en tête quand vous les interprétez ?

DIANA BARONI : Avec Simon pour PAN ATLANTICO, nous avons choisi notre répertoire guidés par des amours respectifs par certains artistes, comme Simon Diaz, Violeta Parra, Victor Jara. C’est vrai que d’une façon souterraine, nous avons touché par les compositions des uns et des autres, des thématiques proches : le désarroi, l’absence, le désespoir, l’amour. Les sujets évoqués s’entrelacent entre eux, se parlent, se répondent; il y a une unité enfin qui s’est tissé naturellement.
Les femmes qui m’inspirent viennent de loin, d’une sorte de mémoire collective, je veux dire… chacune par des qualités spécifiques très différentes : Chavela Vargas, par sa force rhétorique; Violeta Parra, par sa nudité; Elis Regina, par sa vulnérabilité expressive et son élégance vocale; aussi brésilienne, Luciana Souza, par sa justesse et son timbre transparent. Dans un autre registre, encore deux voix féminines qui me touchent et m’inspirent par toutes les raisons confondues évoquées : Lorraine Hunt et Anne Sophie Von Otter – cette dernière pour l’immense liberté d’esprit qu’elle représente à mes yeux dans le milieu musicale actuel.

 

 

 

 

CLASSIQUENEWS : La présence de l’arpeggione renouvelle beaucoup votre univers poétique et musical. Qu’apporte l’instrument concrètement pour la cohérence musicale et poétique de ce programme ?

DIANA BARONI : C’est certain que l’univers mis a disposition par l’arpeggione et le jeu extraordinaire – dans le véritable sens du terme – proposé par Simon, m’ont immédiatement propulsé vers des zones de travail absolument nouvelles.
Et il a sans doute la personnalité idéale pour se lancer vers l’exploration, vers l’inattendu. Tout comme moi, Simon n’hésite pas à brouiller les pistes, franchir des frontières; nous nous sommes retrouvés exactement là ou il fallait, je pense, dans nos parcours artistiques… lui aussi il cherchait au moment de notre rencontre, un instrument qui devienne sa propre voix / voie. L’arpeggione est devenu le partenaire idéal. Il avait entre ces mains un instrument noble d’une versatilité énorme, avec toutes les possibilités du jeu à l’archet, accordé en plus comme une guitare (Simon a été à la base guitariste et contrebassiste) Du coup, c’était le complice parfait, et avec le traverso, c’était juste magique du point de vue des timbres et des nuances. Aussi, nous avions tous les deux un passé musical très riche, dans des milieux extrêmement variés: le jazz, la musique contemporaine, le baroque, l’improvisation autour de la tradition orale; tout cela a nourri notre confiance et notre terroir, pour partir à la recherche d’autres horizons ; pour créer ensemble une matière qui nous représente pleinement.

 

 

 

 

CLASSIQUENEWS : Y-a-t-il 1 ou 2 chansons qui vous tien(nen)t à cœur dans cet album ? Pour quelles raisons ?

DIANA BARONI : « Poema 15 » de Victor Jara / Pablo Neruda,  et « Que he sacado con quererte » de Violeta Parra, sans hésiter… le Chili à l’honneur, hélas!
Sur la première composition, le poème de Pablo Neruda est mis en beauté par Victor Jara avec une modestie et une intelligence musicale assez uniques. Cette chanson est une métaphore du départ de l’être aimée, de son absence, de son esprit perdu dans les ténèbres d’un sommeil profond … et encore vivant. J’ai éprouvé moi-même tout ce que cela peut signifier ; la vie m’a obligé il y a 5 ans maintenant à faire face à la mort, à lui parler aussi. Mon compagnon a été dans le coma 12 jours suite à un accident ; la découverte de ce poème et cette chanson m’ont permis de sacraliser peut être autrement cette expérience qui a changé le cours de mon existence pour toujours. Je ne peux pas m’empêcher de penser aux derniers moments à ses cotés quand je chante « Poema 15 ». En travaillant avec Simon, nous avons trouvé quelque chose de pure, de nu, puissant, avec son ostinato minimaliste, in crescendo, et pourtant mécanique et presque froid. C’est grâce à ce contraste que nous avons trouvé un équilibre je crois, l’équilibre qui nous permet de traverser les émotions de cette chanson qui représente autant pour moi.
«Que he sacado con quererte» est un hymne au désespoir le plus absolu: Violeta s’interpelle à propos de l’amour et du fait d’aimer inutilement quelqu’un. C’est sans doute en questionnant sa relation tumultueuse et difficile avec le suisse Gilbert Favre (anthropologue, queniste – joueur de quena) l’amour de sa vie. Peu de temps après son départ vers la Bolivie, tout en la quittant définitivement, Violeta lui dédiera plusieurs compositions et textes; déchirée toujours par cette rupture, elle mettra aussi fin à ses jours peu de temps après. Ce désespoir que la chanson de Violeta nous transmet, vient quelque part créer une sorte de balancement avec « Poema 15 ».
Ces deux opus de l’album sont pour moi les piliers émotionnels sur lesquels notre programme s’est construit.

 

 

 

 

Propos recueillis en avril 2022 / Photos : © Erol GUM

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Pan-Atlantico diana baroni simon drappier cd critique classiquenews traverso chantCD
 DIANA BARONI et SIMON DRAPPIER : nouvel album (printemps 2022), CLIC DE CLASSIQUENEWS « Pan Atlantico » : https://bfan.link/pan-atlantico-2  -  LIRE aussi notre critique du cd PAN ATLANTICO / CLIC de CLASSIQUENEWS (printemps 2022)

 

 

 

EN CONCERT : le 3 juin 2022 : 360 PARIS MUSIC FACTORY ;
Les 14, 15 et 16 juillet 2022 à LYON / Festival du Perystile – Opéra de Lyon
programme du cd Pan Atlantico, avec Simon Drappier (arpeggione) – lire ci après, dans notre sélection agenda :

 

 

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AGENDA – Prochains concerts de Diana Baroni 2022

 

 

Dimanche 8 mai 2022 / 20h30
Concert privé – Sadirac, Gironde
“Boleros & Love Songs” avec Valerie Chane-Tef (piano)

Jeudi 19 mai / 12h30
Universite Scientifique de la Doua, Villeurbanne – Rhône
“Hommage a Nestor Perlongher » avec Joel Defrance (chant, performer)

Vendredi 20 mai / 19h
Centre Charles Chaplin – Vaux en Velin, Rhône
“Autour de Emidy Project : conférence musicale” avec Tunde Jegede (kora)

Dimanche 22 mai / 17h30
Les concerts de La Chiesaz- Eglise Notre Dame, Blonay -Saint Legier SUISSE
“The Emidy Project” avec Tunde Jegede (kora), Simon Drappier (arpeggione) Rafael Guel (vihuela, percussions), Gora Diakhate (narrateur), Ishimwa Muhimanyi (danseur)

 

 

Vendredi 3 juin / 19h30 TBCPan-Atlantico diana baroni simon drappier cd critique classiquenews traverso chant
Le 360 Paris Music Factory – Ile de France
“Pan Atlantico” avec Simon Drappier (arpeggione)

 

 

Jeudi 23 juin / 19h30
Apero musical au Naturel Dissipé – Ferme de Paletou, Naucelle, Aveyron
“Ex Solum” avec Gregorio Orozco (guitare)

Mercredi 29 juin / 20h
Les Musicales en Confluence – Tours, Indre-et-Loire
“Chants de Travail” avec Jasser Youssef (viole d’amour)

Dimanche 3 juillet / 20h
Cafe Plum – Lautrec, Pays de Cocagne
“Ex Solum” avec Gregorio Orozco (guitare)

 

 

Jeudi 14, vendredi 15 et samedi 16 juillet / 19hPan-Atlantico diana baroni simon drappier cd critique classiquenews traverso chant
Festival du Perystile – Opéra de Lyon, Rhône
« Pan Atlantico » avec Simon Drappier (arpeggione)

 

 

 

 

actualité de Diana Baroni à suivre sur
dianabaroni.com

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CRITIQUE, CD événement. PAN ATLANTICO : Diana Baroni / Simon Drappier (1 cd Accords croisés)

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Pan-Atlantico diana baroni simon drappier cd critique classiquenews traverso chantCRITIQUE, CD événement. PAN ATLANTICO : Diana Baroni / Simon Drappier (1 cd Accords croisés) – Flûtiste ès mérite (au sein du Café Zimmermann), chanteuse à tempérament, entre gouaille et grain, mais latino et inspirée par les chamans du Nouveau Monde, Diana Baroni signe ici l’un de ses meilleurs enregistrements : miraculeux, poétique, d’une transe hallucinée, invoquant, exhortant toutes les misères et les grandeurs (vaines) de ce monde. Empruntant désormais les chemins de la chanson à message, dramatique, tout en servant une sensibilité millimétrée et orfévrée qui recueille des décennies de compagnonnage en terre baroqueuse… Distinguons deux hymnes au monde, à la terre, à l’humanité : Tonada de luna llena et Que he saccado con quererte. Diptyque où le texte incarné en fusion avec l’arpeggione atteint de rares et bouleversante fulgurances.
C’est le chant de la mère, de l’humble servante , pleureuse et invocatrice tragique, l’instrumentiste pour laquelle toutes les nuances de la muCLIC D'OR macaron 200sique baroque, historiquement informées, n’ayant aucun secret, sème sa part de tendresse et d’humanité, d’ultime imploration avant la fin du monde. La musicienne argentine a fait évolué son art en s’accordant et de quelle manière à la corde incandescente de l’arpeggione de Simon Drapier, violoncelle lui aussi venu du XIXè Schubertien, qu’un sens virtuose de l’improvisation, associe désormais en complicité et compréhension à la diseuse funambule.

Le verbe extraverti, espagnol ou portugais, dit cette mélancolie indicible, marquée par le départ, le deuil, le renoncement. Les deux cordes se répondent, – avec le vol enchanté du traverso dont se saisit la chanteuse instrumentiste- dialoguent, s’électrisent au delà de tout ce que l’on a écouté, entendu jusque là : plainte et prière à la fois, pour un monde qui peut n’être jamais et ne sera jamais définitivement ; toujours espéré, vainement. Viscéralement évoqué, invoqué, souhaité. Magistral duo. CLIC de CLASSIQUENEWS du printemps 2022.

 

 

PLUS D’INFOS sur le site de Diana Baroni : https://www.dianabaroni.com/actualites/blog-post-title-three-cs6dl-QhfHC-tmkmg-a9z3e

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TEASER VIDEO :

 

 

 

 

La Schubertiade de Sceaux : Schubert, Brahms, Schumann

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sceaux la schubertiade de sceaux hotel de ville saison sur classiquenewsSCEAUX, Sam 19 janv 2019. 17h30 : alto / piano, L Hennino / PK Atanassov. Duo de charme, alto / piano, le nouveau concert présenté dans le cadre de la Schubertiade de Sceaux, et dans la salle principale de l’Hôtel de ville, met l’accent sur une facette passionnante de la musique de chambre : le dialogue entre deux instruments aux moirures complices… le pianiste Pierre-Kaloyann Atanassov quitte son trio (Trio Atanassov) le temps de ce programme et joue avec l’une des altistes les plus prometteuses de sa génération, Léa Hennino, dans un programme d’œuvres romantiques, associant Schubert, Schumann, Brahms. L’opus D 821 était originellement pour piano et arpeggione. L’arpeggione est un ancien instrument entre la guitare et le violoncelle, expérimentation qui résulte d’une commande de son ami Vincenz Schuster, guitariste affirmé ; l’arpeggione n’avait que 6 cordes, rendant extrêmement difficile sa maîtrise : l’instrument nouveau ne s’imposa pas et l’œuvre est aujourd’hui surtout joué par l’alto ou le violoncelle. La Sonate Arpeggione de Schubert (1824) comprend trois mouvements (allegro moderato, adagio, allegretto). Lumineuse et profonde, l’œuvre porte qualités et caractères de Schubert : nostalgie, finesse, renoncement poétique, tendresse rêveuse et mélancolie éthérée… avec dans variations et reprises, une réflexion personnelle sur le sens et la direction de l’écriture mélodique.

 

 

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Léa Hennino, alto  -  Pierre-Kaloyann Atanassov, piano

   

 

Brahms johannes concertos pianos orchestre par adam laloum nelson freire critique annonce par classiquenewsL’opus 120 de Brahms comprend deux sonates (composées à l’été 1894, initialement pour piano et clarinette, et transcrites plus tard par le compositeur pour alto et piano). Pierre-Kaloyann Atanassov et Léa Hennino jouent la n° 2 en mi bémol majeur. La transcription n’entame en rien l’élégance d’une œuvre de la pleine maturité (les deux Sonates sont ses ultimes pièces dans le genre) : multiplicité mouvante de l’écriture en variations (dont Brahms a le génie), surtout riche exploitation du timbre sombre, parfois âpre et amer de l’alto que le compositeur aime passionnément comme Berlioz avant lui. A noter l’Allegro appassionato, fiévreux et serein à la fois, exprime au plus près, les deux faces de la passion brahmsienne, Eros et Tanatos, – l’équivalent du doublé ambivalent : Florestan / Eusebius de Schumann. Jamais l’élan poétique et l’architecture faussement simple des deux dernières Sonates n’ont à ce point fusionné. La Sonate est l’un des sommets de l’inspiration chambriste de Brahms.

Enfin, de Schumann, les deux instrumentistes interprètent Märchenbilder, soit 4 pièces très contrastées inspirées de vieilles légendes populaires : il s’agit des (trop) rares partitions du répertoire écrites initialement pour alto et piano.

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SCEAUX (92), La Schubertiadeboutonreservation
Hôtel de Ville
Samedi 19 janvier 2019, 17h30

 

 
Schubert: Sonate Arpeggioneschubert-franz-schubertiade-concert-annonce-par-classiquenews
Schumann: Fantasiestücke op. 73
Brahms: Scherzo de la sonate FAE
Brahms: Sonate op. 120 n° 2 en mi bémol majeur

Léa Hennino, alto
Pierre-Kaloyann Atanassov, piano

 

 

RESERVATION
http://www.schubertiadesceaux.fr/pierre-kaloyann-atanassov-et-lea-hennino-19-janvier-2019/

Renseignements
06 72 83 41 86 – schubertiadesceaux@orange.fr

 

   

 

MASTERCLASS PRÉALABLE :

A 11h45 « A vous la scène » :

Master-classe publique de Pierre-Kaloyann Atanassov à destination d’un ensemble amateur sélectionné, suivie de la prestation publique de l’ensemble / En coproduction avec Proquartet Centre Européen de Musique de Chambre.

 

   

   

 

CD. Franz Schubert : Arpeggione, Quatuor La Jeune fille et la mort (Luigi Piovano, 2013) 1 cd Eloquentia

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schubert-luigi-piovano-eloquentia-schubert-cdCD. Franz Schubert : Arpeggione, Quatuor La Jeune fille et la mort (Luigi Piovano, 2013) 1 cd Eloquentia. Le présent opus met en miroir deux œuvres emblématiques de Franz Schubert composées dans la même période : une période sombre qui aiguise sa formidable sensibilité musicale. Ébranlé voire dépressif, le Schubert de 1824, celui des deux oeuvres ici abordées – la Sonate Arpeggione et le Quatuor La jeune fille et la mort-, saisit par ce regard sans concession sur la fragilité humaine et la désespérante solitude qui est la sienne. Ayant contracté la syphilis, le jeune homme de 28 ans reste alité condamné malgré lui mais sa clairvoyance musicalement géniale transparaît sans fard, pointant une vivacité exceptionnellement mûre pour son âge. La mort est présente, et la plume d’une rare acuité. Une irrépressible aspiration au chant de l’amour y croise des gouffres amers  ; l’emprise de la mort (prémonition troublante) guerroie avec les dernières forces vitales : c’est ce que nous offre à entendre le violoncelliste Luigi Piovano qui réunit autour de lui les cordes seules de l’orchestre de l’Accademia di Santa Cecilia. Chaque oeuvre est abordée dans une version non familière dont les bénéfices se dévoilent en cours de lecture.

La Sonata en la mineur D. 821 dit l’Arpeggione et le Quatuor en re mineur D. 810 “La Jeune Fille et la Mort”, les deux versions proposées dans cet album sont des transcriptions ; pour la première, Luigi Piovano, par ailleurs violoncelle solo de l’Orchestre Symphonique de l’Accademia di Santa Cecilia, réunit les cordes seules de la phalange romaine. Il nous propose une version pour violoncelle piccolo à cinq cordes et orchestre à cordes ; pour le Quatuor D. 810, Luigi Piovano a retenu la version pour orchestre à cordes écrite par Gustav Mahler en 1896.

piovano luigi schubertPour l’Arpeggione D821, Luigi Piovano a pris soin de choisir son instrument dans la connaissance des possibilités de l’instrument originel utilisé par Schubert (hybride à 6 cordes entre la viole de gambe, le violoncelle et la guitare, conçu par le facteur viennois JG Stauffer en 1823). Le piccolo utilisé par le violoncelliste italien réalise les octaves originales : il cisèle surtout la fluidité chantante de l’instrument, dévoilant tout ce qui dans l’écriture de Schubert relève du chant pur car le lied est bel et bien primordial ici.

Les solos soulignent l’âprete mélancolique de l’air principal qui dialogue avec le second dansant presque populaire et rustique, d’un caractère nettement brillant. De toute évidence, la transposition fait valoir l’exceptionnelle sensibilité expressive du violoncelle solo comme l’instinct musical du soliste. Le bénéfice des cordes comme un tapis sonore apporte de nouvelles couleurs une extension orchestrale évidente, même uniquement aux cordes : la partition gagne de nouvelles respiration, un souffle qui amplifie l’effet de contraste entre nostalgie maladive (dépressive) du premier motif et élan chorégraphique (plus insouciant) du second. L’approche de Piovano dans l’Adagio accentue les qualités que nous remarquions dans le premier mouvement : langueur et mystère du premier motif où s’affirment la simplicité et la pudeur très profonde du violoncelle requis (William Forster III de 1795).

Schubert transcrit : geste allant, clair et fluide

 

Le 3ème épisode (Allegretto) est sautillant d’une précision et d’un grand raffinement agogique (comme son Saint-Saëns -intégrale pour violoncelle et piano-, également éditée par Eloquentia, remarquablement expressif et là aussi d’une belle caractérisation introspective). Le violoncelle affirme une flexibilité aérienne, une versatilité étonnante assurant l’allègement progressif de la matière sans perdre l’élocution très précise et volubile du violoncelle, d’une musicalité virtuose. Si le soliste avait souhaité faire briller, chanter l’instrument, mais aussi émouvoir par une sensibilité pure, il n’aurait pas agi autrement. L’Allegretto atteint un naturel et une complicité expressive avec les cordes qui l’entourent : toute la fin est écrite en légèreté et nuances, réalisant le haut intérêt de la transposition.

L’idée de transcrire pour orchestre à cordes l’admirable Quatuor La jeune fille et la mort D.810, peut surprendre… Que peut apporter un effectif plus nombreux, immanquablement plus dense pour ne pas dire davantage, en place d’un quatuor aux équilibres affinés,  d’une lisibilité inatteignable ? Si la question mérite d’être posée,  la défense  de la transcription choisie  se réalise d’elle même… conçue à l’extrême fin du XIXème par Gustav Mahler.

Les interprètes parviennent à maintenir le niveau d’élocution préalable (D. 821) en soignant la ligne expressive ; ils évitent surtout lourdeur et épaisseur,  gageure difficile à relever sur le terme. Ils retrouvent en cela la cohérence de leur album des transcriptions des lieder de Mahler précédemment édité aussi chez Eloquentia.

L’agilité se détache en particulier dans le premier mouvement  à l’activité nerveuse, finement énoncée ; les fins de phrase étant millimétrées par le violoncelle toujours fidèlement inspiré du chef et leader de l’effectif (Piovano a été récemment confirmé comme chef soliste de l’ensemble à cordes romain : une entente dont témoigne et confirme le présent enregistrement).

piovano luigiLe souci de clarté s’affirme, y compris dans l’âpreté qui manque parfois de rudesse tranchante dans les tutti rageurs, mais les cordes savant exprimer ce climat d’instabilité et de profondeur inéluctable (ajout de la contrebasse par Mahler), celles d’une eau inquiétante comme un secret qui plonge dans un lac… Très engagés, acteurs d’une force puissante, les interprètes abordent le 2ème mouvement (Andante con moto avec variations : l’épisode le plus saisissant de Schubert) dans des qualités des pianissimi bénéfiques, n’empêchant pas qu’une certaine pesanteur (Mahler moins inspiré) s’impose malheureusement là où la forme quatuor glisse dans la pure magie suspendue. Pourtant malgré la largeur sonore liée à l’effectif, l’allant trouve à la fois cette urgence (galop de la mort séductrice), la prière de la jeune fille comme l’inquiétant mystère qui flotte continument au dessus des instruments. Le Scherzo est âpre et intensément dramatique. Le violoncelliste leader veille là encore aux équilibres associant engagement et lisibilité y compris dans le trio plus détendu et insouciant,  sautillant et gracieux. Le presto final est une course échevelée aux secousses finement tressées. Le nerf et l’engagement des musiciens réalisent ce dernier mouvement comme l’élément libérateur de toutes les tensions préalablement énoncées.  Sans perdre le fil tragique et lugubre, l’orchestre même épais évite la pesanteur et le pathos : sa ligne simple et dépouillée suit son cours coûte que coûte, offrant une couleur orchestrale au drame qui se joue. Le flux nerveux ne manque pas d’expressivité comme de caractérisation ; les musiciens misent sur une précision là encore jamais prise en défaut. La «  chevauchée / tarentelle » reste l’une des plus passionnantes de Schubert. Le dénouement spectaculaire et théâtral où la mort reprend ce à quoi elle avait fait mine de renoncer,  est vif, frappant, d’une inéluctable évidence. Voici un jalon dans la complicité du violoncelliste et de l’orchestre qu’il dirige. Sans atténuer ni diluer l’intensité schubertienne, les interprètes savent en éclairer les arêtes vives, souligner les points de force de la délicate structure. Une gageure scrupuleusement relevée.

Franz Schubert : Arpeggione, Quatuor La Jeune fille et la mort (transpositions pour soliste et orchestre à cordes). Orchestre à cordes de l’Accademia di Santa Cecilia. Luigi Piovano, violoncelle et direction. 1 cd Eloquentia EL 1446, enregistrement réalisé en mai 2013.