Parmi tous les festivals d’été qui se disputent aujourd’hui le calendrier lyrique, aucun ne rend un service aussi véritable à un seul compositeur que le Rossini Opera Festival.
Nulle part ce service ne se révèle plus précieux que dans la détermination du festival à maintenir en vie les pans les moins joués de l’œuvre de Gioacchino Rossini, aux côtés des grands succès familiers. Il barbiere di Siviglia et La Cenerentola remplissent les salles où qu’ils se donnent ; il faut, en revanche, une conviction et une érudition véritables pour accorder le même soin à la reprise, vieille de dix-sept ans, d’une farce d’une heure que la plupart des maisons ne songeraient même pas à programmer. Pesaro le fait chaque été, par principe et non par goût de la nouveauté, et le festival a ainsi fait plus qu’aucune autre institution pour restituer aux farces comiques de Rossini, et non aux seuls chefs-d’œuvre célébrés, la place qui leur revient dans le répertoire.
Au début du dix-neuvième siècle, le petit théâtre vénitien San Moisè devient le foyer de ce genre précis, la farsa, ces opéras semi-sérieux en un acte, confiés à une distribution modeste de six ou sept chanteurs, sans chœur, accompagnés d’un orchestre tout aussi réduit. C’est pour ce théâtre que le jeune Gioacchino Rossini écrit, en un peu plus de deux ans, cinq farces de ce type, parmi lesquelles La scala di seta, créée en 1812. Son ouverture, novatrice pour l’époque, ouvre sur une cascade rapide de violons qui introduit une mélodie lyrique au hautbois avant de se lancer dans le thème brillant et rapide devenu si caractéristique du style rossinien mature ; et si l’opéra lui-même disparaît vite du répertoire courant, cette ouverture demeure, à juste titre, une pièce de concert appréciée pour elle-même, entendue bien plus souvent que l’œuvre à laquelle elle appartient.
C’est précisément cette lacune que Pesaro s’attache à combler, et il convient de rappeler, avant toute chose, ce que cette pièce est et a toujours voulu être : une farce italienne légère et pétillante, en un acte, une confiserie destinée à l’amateur de Rossini plutôt qu’une œuvre appelant une mise en scène qui en ferait quelque chose de plus grand. C’est avec cette compréhension, plutôt qu’avec une attente plus haute, que l’on doit aborder une soirée en sa compagnie. L’intrigue suit les péripéties légères propres au genre : une soprano, secrètement mariée à un ténor sans fortune, doit inventer des stratagèmes toujours plus élaborés pour dissimuler ce mariage tout en échappant au riche prétendant que son tuteur lui destine. Si l’intrigue elle-même ne pourrait être plus simple, la musique qui la porte se révèle considérablement plus sophistiquée qu’on ne l’attendrait, mêlant une écriture d’ensemble raffinée à un air de ténor lyrique et à une vaste scène et air pour la soprano qui préfigurent, l’un comme l’autre, des éléments qui deviendront caractéristiques de l’opera seria rossinien.
Cette année, le festival a repris la production que Damiano Michieletto a créée avec succès en 2009, une mise en scène qui porte avec elle les contradictions familières que fait naître toute transposition en costume contemporain : il n’est tout simplement plus crédible, aujourd’hui, qu’une jeune femme soit contrainte au mariage par le choix de son tuteur, moins encore qu’elle doive épouser en secret l’homme qu’elle aime réellement, et aucune ingéniosité de mise en scène ne parvient tout à fait à combler ce fossé entre convention du dix-huitième siècle et sensibilité moderne. Le décor de Paolo Fantin a figuré l’appartement de Giulia à même le plancher de la scène, fenêtres, portes et meubles simplement indiqués plutôt que construits ; pendant l’ouverture elle-même, des machinistes ont assemblé physiquement les différentes pièces tandis qu’un architecte ou un géomètre dirigeait les opérations, plans en main. L’idée s’est révélée réellement astucieuse, une manière charmante de remplir de mouvement scénique l’ouverture la plus célèbre de Rossini, et elle a mérité sa place, au moins pour ces quelques minutes. Un immense miroir, incliné à quarante-cinq degrés au-dessus du plateau, a offert au public une vue plongeante sur l’appartement et a beaucoup clarifié l’action qui se déroulait en dessous.
Là où le concept a rencontré ses limites, ce n’est pas dans sa logique interne, cohérente en elle-même, un personnage dans une pièce donnée n’étant simplement ni vu ni entendu par un personnage dans une autre, les murs n’étant que des lignes tracées au sol, mais dans la manière dont cette logique cohabitait avec une seconde convention, incompatible, que la production a aussi imposée à ses chanteurs. Lorsqu’un personnage pénétrait dans la même pièce notionnelle qu’un autre devant rester caché, ce dernier ne s’en remettait pas du tout au mur invisible, mais se précipitait au contraire dans un placard bien réel, ou sous des couvertures bien réelles, exactement comme si l’espace était solidement construit. Les deux dispositifs n’ont pas raconté, à l’examen, la même histoire de ce que sont ces murs : l’un les traite comme suffisamment réels pour dissimuler entièrement une personne, l’autre comme s’ils n’existaient pas du tout. Étirée sur quatre-vingt-dix minutes sans entracte, cette tension non résolue entre deux idées différentes de la dissimulation est devenue, en définitive, davantage une source de distraction que de plaisir.
Dans la conception de Michieletto, Germano, le domestique de Giulia, a été habillé et caractérisé comme un employé de maison philippin, un choix explicitement calqué, à ce que je comprends, sur un personnage de la télévision italienne populaire au début des années 2000. Pour un public italien qui reconnaît cette référence, la caractérisation se trouve sans doute adoucie, peut-être même rendue tout à fait acceptable, par ce souvenir partagé d’un numéro télévisé comique ; pour un spectateur qui l’aborde sans ce contexte, elle se lit très différemment. Le jeu a largement dépassé la comédie franche pour verser dans quelque chose de plus proche de la pantomime : exagéré, outré, et s’est même permis, à un moment, une salve de faux mouvements de kung-fu entièrement gratuits, sans le moindre lien discernable avec l’intrigue, et qui n’a semblé exister, pour autant que j’aie pu en juger, que pour signaler « l’exotisme asiatique » à des fins de rire facile.
La direction d‘Iván López-Reynoso a manqué d’une partie de cette grâce légère, presque mozartienne, que réclame la partition, et certains ensembles ont eux aussi manqué de poli. Parmi la distribution, la Giulia de Hasmik Torosyan s’est révélée fraîche de timbre et techniquement assurée, couronnée d’une jolie note pianissimo dans son grand air. Le Dorvil d’Alasdair Kent a livré un aigu par moments préoccupant, bien que son interprétation de « Vedrò qual sommo incanto » ait eu ses propres récompenses ; le reste de la distribution, le Blansac charismatique de Iurii Samoilov, la Lucilla de Mara Gaudenzi, sans doute la plus belle voix de la soirée, et le Dormont solide d’Enrico Iviglia, a bien complété l’ensemble.
Rien de tout cela ne constitue une véritable réserve contre une soirée qui demeure, pour ce qu’elle est, tout à fait aimable. La scala di seta n’a jamais eu vocation à devenir un jalon du répertoire, et cette reprise n’a pas à être jugée comme telle ; c’est une farce légère et pétillante, en un acte, à savourer sans excès de sérieux, par un public venu à Pesaro pour le pur plaisir de Rossini plutôt que pour une révélation. C’est précisément cette volonté du festival de programmer des œuvres de cette échelle modeste, aux côtés de ses grandes nouvelles productions, qui fait toute son importance. Pesaro, comme toujours, a fait de cette soirée ce qu’elle a été, un festival chaleureux, sans prétention et merveilleusement accueillant, plein de gens qui aiment simplement ce compositeur et cette ville ; il existe, en définitive, de pires façons de passer une soirée d’août qu’assis au Teatro Rossini, questions sur une caractérisation stéréotypée mises à part, à écouter la musique de Rossini rendue avec toute la justice et la générosité qu’elle mérite, par une troupe qui prenait visiblement plaisir à jouer.
Je ne vois guère, en vérité, ce qui pourrait mieux remplir une journée que ceci : une baignade dans l’Adriatique le matin, un opéra le soir, un dîner pris la nuit dans la douceur de l’air italien, tout le rythme du lieu construit, très délibérément, autour de cette seule séquence de plaisirs. J’ignore si Rossini lui-même se baignait ; mais pour tout le reste, la table, la lenteur des journées, les soirées entièrement vouées à la musique et à la bonne compagnie, il avait manifestement raison, et Pesaro, au mois d’août, vit encore selon cette leçon. Après des années de résistance, je suis désormais, moi aussi, tout à fait converti.
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CRITIQUE, festival. ROSSINI OPERA FESTIVAL 2026, Teatro Rossini, le 19 août 2026. ROSSINI : La Scala di Seta. Damiano Michieletto / Iván López-Reynoso. Crédit photo (c) Rossini Opera Festival
