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CRITIQUE, livre. BELLINI par Gérard Denizeau [Bleu Nuit Éditeur, collection Horizons]

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bellini denizeau biographie bleu nuit éditeur classiquenews critique livreCRITIQUE, livre. BELLINI par Gérard Denizeau [Bleu Nuit Éditeur, collection Horizons] – Biographie au verbe aiguisé, à la pertinence affûtée qui a le mérite de dépoussiérer la figure autant que l’écriture d’un Bellini méconnu,  insoupçonné mais très juste : « mystérieux et méchant », d’une puissance enfin dévoilée, dont le tempérament méditerranéen [sicilien né à Catane] revendique une autre voie, celle élégiaque en rien spectaculaire dont la pureté subtile se détacherait dans le paysage européen romantique, au même titre que la transparence française, ou les brûmes pâlissantes et septentrionales germaniques.

Nouvelles facettes d’un Bellini réévalué

Le propos est suffisamment original et juste pour accréditer le texte qui outre la présentation idéale des opéras du génie romantique italien, [mort trop tôt comme Mozart] , en 1835, souligne combien aux côtés des voix et du chant bellinien, il faut aujourd’hui s’intéresser à retrouver les couleurs et le relief particulier de son orchestre, -lequel ne peut être réduit voire minimiser, comme on l’a écrit et l’écrit encore, au seul rôle d’une guitare simplifiée, uniquement accompagnatrice.

Les champs belliniens s’annoncent ainsi passionnants dans les sillons des interprètes du XXe qui l’auront révélé tel qu’en lui-même : mélodie incandescente, directe, aiguisée comme un diamant, et qui suppose une technique virtuose mais pas artificielle : certes Callas qui aura chanté 100 fois « Casta diva », aussi Caballé, Sutherland et Pavarotti, et nous ajouterons plus récemment encore, June Anderson et Edita Gruberova, sans omettre la diseuse agile Cécilia Bartoli, heureuse inspirée dans le sillon de l’art élégiaque de Maria Malibran. Tous et toutes sont les dépositaires de l’âme et de la voix belliniennnes qui associées à la finesse expressive et l’élégance du style, fondent ce bel canto bellinien, sommet de l’art lyrique avec Mozart et Rossini, avant Verdi et Puccini.

L’auteur dans un style d’une grande finesse évoque genèse et enjeux des quelques 10 ouvrages lyriques majeurs laissés par le génie de Catane : des premiers  drames déjà impressionnants [Adelson e Salvini, 1825 à 24 ans ; Bianca e Fernando, 1826 ; Il Pirata, 1827 ; La Straniera et Zaira de 1829- quand Rossini fixe alors le modèle du grand opéra français avec Guillaume Tell], aux ouvrages de la maturité, celle du trentenaire désormais adulé [I Capuleti e I Montechi, 1830 ; surtout les deux sommets de surcroît simultanés, de 1831 : La Sonnambula et Norma, chef d'œuvre absolu], enfin les dernières partitions avant la mort précoce : Béatrice di Tenda de 1833, enfin I Puritani de 1835, commande de Rossini, directeur à Paris, du Théâtre Italien. Captivant.

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CRITIQUE, livre. BELLINI par Gérard Denizeau [Bleu Nuit Éditeur, collection Horizons n°96] 176 pages, parution : sept 2022 – CLIC de CLASSIQUENEWS AUTOMNE 2022. Plus d’informations sur le site de l’éditeur Bleu Nuit : https://www.bne.fr/page240.html

CRITIQUE CD événement. JACQUET DE LA GUERRE : Sémélé, Judith… Maïlys de Villoureys, Amarillis 1 cd Evidence

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jacquet de la guerre elisabeth cantates amarillis villoutreys cd evidence critique cd reviex classiquenews CLIC de CLASSIQUENEWSCRITIQUE CD événement. JACQUET DE LA GUERRE : Sémélé, Judith… Maïlys de Villoureys, Amarillis 1 cd Evidence – Chambriste et mordante, détaillée et caractérisée dans sa parure instrumentale aussi dense que restreinte, la lecture révèle avec à propos la parenté (en intensité dramatique) des 2 cantates : Sémélé puis Judith que la claveciniste virtuose et compositrice géniale Élisabeth JACQUET DE LA GUERRE (1665 – 1729) compose respectivement en 1715 et 1708 . La première a l’audace d’une orgueilleuse qui sera foudroyée pour son désir déplacé ; la seconde force sa nature et commet un crime dont l’audace force l’admiration par ce courage inouï qui l’a portée. D’une belle vivacité ardente, le soprano de Maïlys de Villoutreys exprime l’énergie et le tempérament de ces deux femmes fortes au destin contraire.

 

 

 

Feux élégantissimes du dernier Louis XIV

Sémélé / Judith…Deux Drames tendres et vaillants
d’Élisabeth Jacquet de la Guerre

 

 

 

L’interprète éclaire la force du désir, la conviction de l’intention qui mène à deux issues opposées ; Sémélé s’adresse aux auditeurs, enivrée par sa vanité aveugle quand c’est le récit du narrateur qui évoque dans Judith, le geste héroïque de la meurtrière d’Holopherne, son bras qui n’a pas faibli.
Mais les interprètes dans Sémélé soulignent la force morale du dernier air : apologie sensible de la modestie tendre plutôt qu’illusion trompeuse de la gloire vaine.
Pour Judith, le récit structure la continuité du drame ; son articulation précise, sensuelle, fusionne plus étroitement chant des instruments et trame narrative de la voix qui raconte : ainsi après la gravité tendre du sommeil évoqué au traverso, à la fois ample et sobre, le récit s’enivre lui-même à l’évocation de Judith triomphante.

Les deux « intermèdes » instrumentaux choisis pour faire contraste avec les deux drames féminins (Sonate en Trio et surtout la somptueuse Suite finale de 1707, où brille voluptueux, noble le superbe clavecin de Marc Wolff) composent comme le commentaire imaginaire des deux paraboles dramatiques inscrites à la fin du règne du Roi-Soleil ; l’éloquence du hautbois, la suprême agilité allusive des cordes soulignent un peu plus le raffinement d’une écriture musicale, de fait solaire et crépusculaire, aux chatoiements éblouissants et oniriques, qui sait exprimer sans fioriture ni emphase gratuite. Eloquente et directe, mais suave et élégantissime, l’écriture d’Élisabeth Jacquet de la Guerre est bien à la hauteur de sa réputation et l’on comprend que le Roi Louis XIV ait estimé à sa juste valeur, ce génie trop méconnu. Déterminée, nuancée, vive, la lecture est captivante.

 

 

 

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CLIC_macaron_2014CRITIQUE CD événement. JACQUET DE LA GUERRE : Sémélé, Judith… Maïlys de Villoureys, Amarillis / 1 cd Evidence – La Courroie, nov 2021 – CLIC de CLASSIQUENEWS

 

 

 
 

 

 

CRITIQUE CD. WEINBERG : Symphonie n°3, n°7, Concerto pour flûte – Mirga Gražinytė-Tyla (1 cd Deutsche Grammophon)

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WEINBERG symph 3 et 7 Mirga Grazinyte DG critique review classiquenews cd clic de classiquenews septembre 22WEINBERG : Symphonie n°3, n°7, Concerto pour flûte – - Mirga Gražinytė-Tyla (1 cd Deutsche Grammophon). De toute évidence, le catalogue de Weinberg est l’apport le plus important depuis les 2 dernières décades. Ce qui s’apparente telle une intégrale en cours chez DG Deutsche Grammophon, comble évidemment un manque évident, qu’il est temps de réparer. D’autant que le compositeur a laissé 27 symphonies. Après ses précédents enregistrements des Symph 1 et 21 (DG, 2019), la cheffe lituanienne Mirga Gražinytė-Tyla (née en 1986) convainc tout autant, dès la Symphonie n°7 qui associe les notes cristallines du clavecin au nuage orchestral, entamant entre les deux, un dialogue sonore des plus captivants (les deux premiers mouvements). Le Scherzo halluciné s’impose par son réalisme dramatique sans concession. Il fusionne la répétition incisive du clavecin et les cordes de l’orchestre, dans un climat d’inquiétude acide puis de transe panique, avant que les accords ténus, immédiatement rassurants du clavecin ne referme le cycle symphonique comme le dernier chapitre d’un livre qui peut n’avoir été qu’un rêve… (solo du violon aux nuances murmurées énigmatiques évanescentes). Magistral. Tout cela évoque la 6è, ses épisodes lourdement chargés sur le plan émotionnel, comme le choeur de garçons qui évoque la destruction de la maison devenu leur tombeau. Mais aussi la 8è symphonie à venir, où Weinberg exprime ses racines polonaises et sa rémission après avoir réussi à échapper à la barbarie nazie… toujours l’indication de séquences insoutenables pour l’esprit humaniste et fraternel, se pare d’une enveloppe orchestrale des plus raffinées, infiniment suggestive, comme dans cette 8è justement, où l’épisode des « chiens de Varsovie » évoque l’extermination du vivant, hommes et canins mêlés.

Le Concerto pour flûte a cette pulsation frénétique, proche de l’insouciance assumée, consciente ou non, de la Symphonie Classique de Prokofiev.

CLIC D'OR macaron 200La Symphonie n°3 (révision 1959) affirme immédiatement un coloris plein et transparent à la fois ; l’allant élégantissime et grave du premier Allegro affirme l’imaginaire de Weinberg symphoniste de premier plan. Le premier mouvement gagne en ampleur et caractère de plus en plus martial, jouant sur des harmonies troubles, ambivalentes, entre esprit de conquête et fatalité, activité irrépressible et cynisme barbare, pas si loin de l’inspiration elle aussi double de Chostakovitch. Entre échappées réellement lunaires et oniriques, et désespérance collective, la cheffe n’omet pas une gravité sourde qui d’ailleurs conclut le premier mouvement. Le 2è Allegro noté « Giocoso » respire, gambade, s’autorisant même des élans d’ivresse jaillissante, dans l’esprit d’une légèreté qui atteint – sentiment rare et précieux, à une insouciance enchantée. L’Adagio est une pause suspendue, éperdue, intime, d’une gravité elle aussi transparente. Le dernier Allegro superbement détaillé jusque dans d’infimes séquences où brillent les timbres filigranés, affecte l’élan puis les hoquets d’une marche de plus en plus frénétique, dans un climat d’inquiétude croissante. Le geste ciselé, expressif, de Mirga Gražinytė-Tyla éblouit par sa compréhension des climats enchaînés d’autant mieux réalisés qu’elle en rétablit aussi la cohérence dans un déroulement organiquement abouti. Le sens de la syncope comme de l’élégance d’un Weinberg évidemment inspiré par Chostakovitch, se hisse à son meilleur, sidérant par ses fulgurances contrastées, envoûtant même dans sa recherche d’harmonies raffinées souvent imprévisibles et d’autant plus efficaces.

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CRITIQUE CD. MIECZYSŁAW WEINBERG : Symph n°3 et n°7 – Concerto pour flûte / Mirga Gražinytė-Tyla / 1 cd DG Deutsche Grammophon – parution : le 16 sept 2022.

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Symphony No. 3 in B Minor, Op. 45
Symphony No. 7, Op. 81
Flute Concerto No. 1, Op. 75
City Of Birmingham Symphony Orchestra
Deutsche Kammerphilharmonie Bremen
Kirill Gerstein · Marie-Christine Zupancic
Mirga Gražinytė-Tyla, direction.

PLUS D’INFOS sur le site de DG Deutsche Grammophon
https://www.deutschegrammophon.com/en/catalogue/products/weinberg-symphonies-nos-3-7-grazinyte-tyla-12783

En streaming, l’Adagio de la Symphonie n°3 opus 45

VISITER aussi le site de la cheffe lituanienne Mirga Gražinytė-Tyla : http://mirgagrazinytetyla.com/

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CRITIQUE, opéra. SALZBOURG, le 13 août 2022. PUCCINI : Il Trittico. Welser-Möst / C Loy. Asmik Grigorian (Lauretta, Giorgetta, Suor Angelica), … Wiener Philharmoniker.

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CRITIQUE, opéra. SALZBOURG, le 13 août 2022. PUCCINI : Il Trittico. Welser-Möst / C Loy. Asmik Grigorian@CLASSIQUENEWS  -  Salzbourg, août 22. PUCCINI : Trittico. Vedette indiscutable par son chant sobre et musical, la soprano Asmik Grigorian qui endosse les 3 rôles féminins de chacun des 3 drames enchaînés, a particulièrement convaincu sur la scène autrichienne estivale ; tout allant de plus en plus dans le drame et la dignité tragique ; de l’adolescente amoureuse Lauretta, innocente dans Gianni Schicchi, à Giorgetta, épouse malheureuse, libertaire mais finalement détruite ; surtout Suor Angelica, sour de souffrance et de contrition, finalement libérée, suicidaire après la découverte d’une terrible nouvelle, celle de la mort de son fils…
L’actrice se révèle peu à peu à mesure de l’épaisseur des 3 portraits féminins, offrant en fin d’action, un cri de liberté, en phase avec une mise en scène sobre et particulièrement efficace qui montre la salvation d’une âme coupable et humble, trompée et démunie, mais qui concentre toute la tendresse de Puccini. La fin est bouleversante quant celle qui s’est percé les yeux, voit son fils mort il y a deux années sans qu’elle en a été informée.

 

 

 

Ardente et bouleversante Asmik Grigorian

 

 

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Auparavant, le chef Franz Welser-Möst poursuit dans la fosse de Salzbourg, sa complicité avec les Wiener Philharmoniker (qu’il a dirigé à nombreuses reprises dont dès déc 2011, le concert du Nouvel An hypermédiatisé, le 1er janvier 2011, il y a plus de 10 ans… ; et aussi plus récemment à Salzbourg pour une ELEKTRA de braise, été 2022) – Welser-Möst exprime la charge ironique voire cynique (Gianni Schicchi), tragique et même désespérée (Il Tabarro puis surtout Suor Angelica) d’un Puccini atteignant lors de la création à New York (1918) le sublime lyrique, dans ce mariage naturel entre fluidité cinématographique des séquences et situations, et vivacité enivrée de la parure orchestrale. Chef et orchestre éclairent ainsi le réalisme cru et direct d’après La Divine Comédie de Dante dont s’inspirent compositeur et librettiste. 

 
SAlzburg-sazlbourg-festspielhaus-il-trittico-puccini-welser-most-loy-critique-opera-review-classiquenewsBien que Christof Loy bouleverse l’ordre des 3 drames en un acte, commençant par Schicchi (son délire infernal et machiavélique), puis s’achevant par la promesse du pardon voire le paradis pour une Angelica finale, quand même suicidaire et totalement détruite. Loy attendri par son héroïne, en fait une mère aveugle, déjà morte, mais rassérénée en  blotissant son fils mort dans ses bras. Son apothéose fusionne avec l’image bouleversante de l’innocence sacrifiée. Une scène comme il a été dit précédemment, déchirante et un très fort moment théâtral.
Le soin dans le jeu d’acteurs se lit aussi avec bonheur dans Il Tabarro car ici c’est avec justesse le mort de l’enfant qui scelle la rupture du couple Michele et Giorgetta ; ou dans Suor Angelica, la confrontation de la tante amorale et froide (Karita Mattila) qui obtient la signature de la Sœur sacrifiée, emmurée, maudite. Le comble du sordide est atteint, … ce qui transcende davantage, par un effet de contraste vertigineux, le « rêve » d’Angelica à la fin, en femme libre et mère enfin comblée.

De quoi réaliser sur la scène (vaste) du Festspeilhaus de Salzbourg, l’inimité psychologique de chaque protagoniste. En soi un premier défi réussi. Cette production est plus que convaincante : éblouissante par son intelligence (et son respect des partitions).

  

 

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CRITIQUE, opéra. SALZBOURG, le 13 août 2022. PUCCINI : Il Trittico. Welser-Möst / C Loy. Asmik Grigorian (Lauretta, Giorgetta, Suor Angelica), …  Wiener Philharmoniker.  Photos : © Monika Rittershaus Salzburg festspiel 2022

 

 

 

REPLAY – REVOIR sur ARTEconcert, Il Trittico de Puccini, Salzbourg 2022 (Gioanni Schicchi, Il Tabarro, Suor Angelica) – Jusqu’11 nov 2022 : 
https://www.arte.tv/fr/videos/110428-001-A/giacomo-puccini-il-trittico/

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CRITIQUE CD événement. BEETHOVEN : « The symphonies » / intégrale des 9 Symphonies – Chamber Orchestra of Europe – Yannick Nézet-Séguin (DG Deutsche Grammophon – Baden Baden, juil 2021)

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Beethoven-nezet-seguin-complete-symphonies-chamber-orchestra-of-europe-5-cd-DG-deutsche-Grammophon-review-critique-cd-CLIC-classiquenewsCRITIQUE CD événement. BEETHOVEN : « The symphonies » / intégrale des 9 Symphonies – Chamber Orchestra of Europe – Yannick Nézet-Séguin (DG Deutsche Grammophon – Baden Baden, juil 2021)  -  Le chef montréalais Yannick Nézet-Séguin inscrit les symphonies dans l’urgence et un sens du détail qui soigne angles et accents de cette machine rythmique affûtée qu’est le COE Chamber Orchestra of Europe (premier violon : Lorenza Borrani), ce dès la 1ère Symphonie, d’une vivacité comme foudroyée. Pourtant dans ce geste électrique, se tend et s’affirme une dureté parfois tranchée, presque trop incisive qui exalte voire exacerbe les effets de contrastes, entre respirations des bois et tutti des cordes. Le chef s’applique, joue toutes les mesures dans un « premier enregistrement Urtext de la nouvelle édition Beethoven ». La battue est fouettée, le geste nerveux (” Menuetto ” de la symph 1), d’une véhémence impérieuse qui gomme toute nuance : ce Beethoven est martial rien que martial et trépidant. Parfois trop sec. Heureusement l’approche évolue au fil des symphonies, enregistrées ainsi en juillet 2021, lors du Festival estival de Baden Baden dont il est familier (cf ses précédents opéras de Mozart aussi édités par DG et tous critiqués sur CLASSIQUENEWS – voir ci après).

Ainsi le maestro, pilier de la nouvelle politique artistique du Met à New York, fait valoir sa sensibilité dramatique, proche de l’opéra. Nézet-Séguin, chef lyrique, aussi passionnant que peut l’être Kirill Petrenko à Berlin (et auparavant à Bayreuth), articule, ouvrage dans le détail chaque timbre et combinaison de timbre, selon les nouvelles proportions et données de l’édition Urtext Beethoven qui permet des pépites inédites, en matière de couleurs et de palette sonore, en particulier dans la riche et très passionnante 9è. Tour d’horizon sélectif de cette intégrale qui compte.

Bain de pure poésie et d’évocation enivrée que donne la Symphonie n°6 ? Marquant ses distances avec la sécheresse de la symph 1, le premier « Allegro » sait respirer davantage, s’assouplir, varier et colorer la palette déjà impressionniste qu’a conçu Beethoven, premier romantique écologiste… Le Scherzo qui mène à l’explosion de la tempête (Finale) sait aussi ciseler chaque intervention soliste instrumental ; la construction du déchaînement des éléments, coup de tonnerre à la clé, est admirablement mené, en contrastes, tension, élasticité, timbres déchirants, déchirés (cuivres) dont l’éclat acéré complète une somptueuse peinture cataclysmique. Et quand vient l’accalmie, clarinette et cor avant les cordes, dispensent leur chant apaisant, véritables appels à l’harmonie, avant que la conclusion n’ondule littéralement grâce aux cordes souplement tressées, à la fois, tendues et …éperdues. La sonorité est particulièrement saisissante et le cheminement ultime, capable d’unissons souples, jaillissants désormais comme l’aurore d’une ère nouvelle, régénérée, prometteuse.

 

 

 

 

Yannick Nézet-Séguin et l’Orchestre de chambre d’Europe
jouent tout Beethoven selon la nouvelle édition Urtext

9 symphonies régénérées

 

 

 

 

De la 8è, – bain d’énergie dansante-, Nézet-Séguin exprime l’urgence, les secousses qui trépignent ; ce Beethoven racé qui convoque le destin et sait faire rugir un orchestre … cosmique. Réglé comme une mécanique horlogère, « l’Allegretto scherzando » regorge de nerveuse vitalité, alliant précision, nuance, intensité (avec clarinettes délirantes d’un effet inédit, superlatif). L’Allegro vivace quant à lui réalise cette implosion dansante, transe magnifiquement réglée là encore, où la prise de son semble goûter le relief de chaque timbre, électrisé par une direction plus qu’affûtée, elle-même exultante, se jouant des couleurs et accents avec une verve qui devient ferveur collective. Avec la 6è, cette 8è est la plus réussie, et ces derniers accords martelés, jalons d’une ivresse libératrice.

Mais le meilleur est pour la fin… La 9è, éruptive à souhait, rien que musclée, s’enflamme sans perdre la précision des attaques, ni la ciselure de chaque ligne des cordes. Tout avance, se précipite vers son terme dans une ébullition critique, échevelée des cordes, qui exige le dépassement immédiat ; où le chant des bois, inquiets, questionne. Nézet-Séguin clarifie les dialogues, cisèle chaque timbre, récapitule, répète, souligne l’impérieuse nécessité d’un Beethoven, clairvoyant, investi par l’idéal musical et artistique qui l’anime au plus haut, saisi par l’imminence de son propre destin. Le « Molto vivace » trépigne lui aussi, galvanisé par la même énergie insatisfaite, interrogative, brûlante.

Le 3è mouvement, « Adagio » laisse couler à la fois âpre, sobre, direct, son « cantabile » d’une tendresse infini. Que les bois et les cuivres détaillent en une longue séquence soliste, temps suspendu avant que les cordes ne chantent véritablement, que les cuivres ne rappellent un temps compté, appelant à la résolution qui cependant s’étire dans l’extrême douceur. La simplicité et le naturel, exposant chaque timbre, se révèlent bénéfiques dans une séquence exprimée amoureusement.

Comme la dernière confrontation entre Don Giovanni et le commandeur, le « presto » convoque le destin ; il ouvre sur l’ultime cycle, et s’accomplit dans la mélodie énoncée d’abord par les violoncelles (« allegro assai » qui suit), avant que le ténor entonnant le texte de Schiller – vibrant Werner Güra, n’inaugure l’accomplissement de la symphonie avec solistes et chœur.
Le chef se montre architecte, bâtisseur d’une cathédrale aux appels impérieux, sculptant l’orchestration avec un irrépressible élan qui a cédé l’espoir pour la pure joie, accordant le CLIC D'OR macaron 200chœur conquis tel une assemblée unie dans la réalisation d’un choral d’un nouveau type : le chant des partisans d’une humanité nouvelle, cependant que tous les instruments, vent debout, exprime l’avènement d’une ère nouvelle.

 

 

 

 

APPROCHE CRITIQUE ET RECRÉATIVE... L’intérêt de cette lecture outre ses qualités strictement interprétatives, vient de l’édition Urtext, apport nouveau permis par la nouvelle édition Beethoven, à l’initiative des Archives Beethoven de Bonn, sa ville natale. En découle des effets et un dispositif d’orchestration nouveau, révisé, en particulier pour la 9è, partition spectaculaire créée à Vienne le 7 mai 1824. Sur le texte de Schiller, l’ode à la joie, Beethoven souligne l’importance de l’avènement d’une humanité réconciliée, entièrement portée par la fraternité.
L’édition critique publiée en 2020 pour les 250 ans, analyse la genèse de la partition, amorcée dès 1815 et dont la composition s’étale sur … 12 ans. Car après la création viennoise de 1824, Beethoven eut encore à superviser la cohérence des reprises à Londres (mars 1825, l’Ode étant chantée en… italien) ; puis la copie de la partition adressée au Roi Friedrich Wilhelm III de Prusse en sept 1826… toutes ses sources ont été analysées, à travers aussi la correspondance et les carnets de conversations écrites, utilisés par Ludwig de venu sourd.
Des détails notables se font entendre (précisément dans la dernière symphonie avec le texte de Schiller), comme le rôle du contrebasson, lequel ne se cantonnant plus à jouer un rôle de doublage des cordes basses (colla parte), est révélé quand le baryton entonne l’Hymne à la joie, dans la 9è Symphonie. Même relecture critique quant à l’articulation et la prosodie des chanteurs solistes, révélant un souci du texte chez Beethoven, méconnu jusque là (l’ultime consonne étant placée après la dernière note) : il en résulte une primauté du texte que l’on ignorait jusque là et que Nézet-Séguin a à cœur de dévoiler.

Magistrale acuité du maestro Nézet-Séguin. Cette conception humaniste, individuelle et collective, régénère toute la section finale, conférant à la voix chorale, un relief inédit, l’expression de cette transcendance profane à laquelle invite le barde Beethoven, prophète d’un monde qu’il nous reste à conquérir (et que chef, instrumentistes, chanteurs semblent un temps entre-apercevoir et transmettre). Magistral. Outre son irrésistible énergie, cette édition Urtext confirme si l’on en doutait, les crépitements magiciens de la grandes forge beethovénienne. A Nézet-Séguin revient le mérite de nous en dévoiler l’alchimie intérieure.

 

 

 

 

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CD événement. BEETHOVEN : The Symphonies (Symph 1 à 9) – Yannick Nézet-Séguin · Chamber Orchestra of Europe – enregistré à Baden Baden, juil 2021 – 5 cd DG Deutsche Grammophon) – CLIC de CLASSIQUENEWS été 2022.

 

 

 

 

PLUS D’INFOS sur le site de Deutsche Grammophon :
https://www.deutschegrammophon.com/en/catalogue/products/beethoven-the-symphonies-nezet-seguin-12724

 

 

 

  

 

 

 

FRANCE MUSIQUE, sam 13 août 2022. PUCCINI : Il Trittico. Franz Welser-Möst

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pucciniFRANCE MUSIQUE, sam 13 août 2022. PUCCINI : Il Trittico. Franz Welser-Möst qui l’a dirigé à l’occasion du fameux concert du Nouvel An, retrouve ici l’orch Philharmonique de Vienne et les chœurs de l’Opéra de Vienne, pour le triptyque lyrique de Puccini (Il Trittico), après Il Tabarro et Suor Angelica, enfin Gioanni Schicchi. Créé en 1918, le cycle des 3 opéras en un acte, redéfinit l’intensité dramatique, le rapport de la musique au temps psychologique ; ainsi si Suore Angelica offre un portrait particulièrement bouleversant d’une jeune novice frappée par la tragédie du deuil et du sacrifice, Gianni Schicchi épingle la duplicité et la vénalité crasse qui déchirent et foudroient les membres d’une famille apparemment unie et solidaire … Sous le drama buffa, Puccini dévoile les travers les plus sordides du genre humain. L’attrait du gain, la convoitise d’un héritage « facile » finissent par tuer toute entente car chacun veut ici sa part, autour de la dépouille supposée morte du riche Buoso Donati. C’est compter sans l’esprit de ruse et de manipulation du très modeste Gianni Schicchi. Dans l’un de ses drames les mieux conçus, musicalement très abouti, Puccini livre sa propre vision désenchantée mais réaliste de la communauté humaine.

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Opéra / cycle lyrique donné le 15 août 2017 au Grosses Festpielhaus à Salzbourg dans le cadre du Festival de Salzbourg en Allemagne.
Giacomo Puccini
Il Trittico (Le Triptyque) : 1. Gianni Schicchi
 - Opéra-comique en un acte sur un livret de Giovacchino Forzano d’après un extrait de «La Divine Comédie» de Dante
Il Trittico (Le Triptyque) : 2. Il Tabarro (La Houppelande) - 
Opéra en un acte sur une livret de Giuseppi Adami d’après la pièce «La Houppe- lande» de Didier Gold
Il Trittico (Le Triptyque) : 3. Suor Angelica (Sœur Angélique) - 
Opéra en un acte sur un livret de Giovacchino Forzano Konzertvereinigung Wiener Staatsopernchor (Association de concert du Choeur de l’Opéra d’État de Vienne)
dirigé par Jörn Hinnerk Andresen
, Salzburger Festspiele und Theater Kinderchor (Chœur d’enfants du Festival et du Théâtre de Salzbourg)
 dirigé par Wolfgang Götz
Angelika Prokopp,
Summer Academy of the Vienna Philharmonic,
Orchestre Philharmonique de Vienne  /  
Franz Welser Möst, direction

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VOIR… En Complément regardez ARTE dim 14 août 2022, 18h35, qui diffuse le volet Gianni Schicchi par Welser-Möst à salzbourg 2022 – LIRE notre présentation de Gioanni Schicchi : http://www.classiquenews.com/puccini-gianni-schichi-welser-most-salzbourg-2022/
Puis, EN REPLAY sur ARTEconcert, jusqu’au 13 nov 2022.

CRITIQUE, opéra. Aix en Provence, le 9 juil22. MOZART : Idomeneo. Pichon / S MIYAGI.

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idomeneo pichon spyres nicole chevalier critique opera classiquenewsCRITIQUE, opéra. Aix en Provence, le 9 juil22. MOZART : Idomeneo. Pichon / S MIYAGI   –   On oubliera vite la mise en scène inexistante du japonais Satoshi Miyagi qui fait à Aix-en-Provence, ses premiers pas… résolument ratés. Des mouvements hiératiques qui pétrifient tous les solistes en poupées japonaises parfaitement inexpressives ; des choeurs perdus dans la forêt de socles des dites poupées… La volonté incohérente au possible d’inscrire la trame grecque antique mozartienne dans une grille qui remonterait à la Guerre de 1945, montre ses limites. La défaite scénographique est totale. Aucun protagoniste ne semble humain ici et chacun fait face au public pour asséner sa triste et misérable solitude… Les duos sont expédiés en confrontation artificielle qui éloigne les 2 intéressés. Pourtant Mozart élabore en 1781, un seria ambitieux qui touche autant par le profil hypersensible des héros (Idamante / Ilia / Elettra) que le souffle de l’orchestre, un collectif somptueux et flamboyant comme les parties du chœur, en tout point éblouissant.
La réalisation est loin de convaincre, et ce cru aixois, avec Moïse et Pharaon de Rossini, guère plus convaincat, semble scellé sous le coup d’une mauvaise année. Décidément le Festival mozartien à Aix nous a habitué à beaucoup plus enchanteur et pertinent.

 

 

Au sein d’une production lisse et ennuyeuse,
la fulgurante Elettra de Nicole Chevalier

 

 

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La direction de Raphaël Pichon est appliquée mais sans souffle ni nuance, étrangère viscéralement au caractère d’urgence tragique que savait lui insuffler l’inatteignable Harnoncourt. L’enregistrement discographique de ce dernier indique de tout autres horizons, dévoilant un Mozart fulgurant, visionnaire, bien avant Don Giovanni. L’absence de vision scénographique aurait pu faciliter la caractérisation des personnages… tout dépend des solistes.
Assez lisses, et sans guère de passion : l’Idamante d’Anna Bonitatibus, plus présente et affirmée que vocalement nuancée ; même frustration pour l’Ilia de Sabine Devieilhe dont on retrouve cette mesure instrumentale d’une perfection absolue, et finalement sans guère d’émotion (Sa Zerbinette précédemment à Aix laissait un même sentiment de tiédeur malgré l’excellence des aigus et des trilles). Pourtant c’est par Ilia que le miracle se produit sur scène, quand l’oracle ému par l’amour, consent à adoucir le sort d’Idomeneo et de son fils Idamante (un tableau des plus ratés dans cette production minimaliste où l’oracle s’exprime à travers un tourne disque, gadget fake, à peine identifiable par les spectateurs depuis leurs sièges…); de toute évidence, l’Idomeneo de Michael Spyres, virtuose et plan plan, déçoit lui aussi : voix plus fragile et peu sûr, plus que de coutume ; il impose un Roi de Crête, statique et hiératique, comme étranger au drame qui le déchire, – parfait emblème de la réalisation scénique (ainsi son air tunnel « Fuor del mar » est réalisé comme une course de fond, avec ornements en cadeau, mais où peinent à surgir le sentiment et l’émotion).

La révélation demeure à 100 lieues de ses partenaires, la fusée Nicole Cavalier, chauffée dans son premier air « Idol mio » (celui d’une amoureuse encore trop sage), puis entité possédée, éructant en rage et  haine, imprécation et malédiction primitive, totalement bouleversante dans l’air final « Oh smania ! Oh furie » : et l’on se félicite d’écouter enfin, par ce chant halluciné et si juste, le génie mozartien, tel qu’en lui-même, classique, fantastique, déjà romantique, d’une sincérité saisissante… Aussi juste et d’une fragilité spontanée moins affichée, l’Arbace du jeune baryton Linard Vrielink, lequel poursuit une percée remarquée à Aix (remarqué précédemment ici même dans Tristan und Isolde…) preuve que tout n’est pas perdu pour la scène provençale).

 

 

 

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CRITIQUE, opéra. Aix en Provence, le 9 juil22. MOZART : Idomeneo. Direction musicale : Raphaël Pichon – Mise en scène : Satoshi Miyagi – Avec : Michael Spyres, Sabine Devieilhe, Anna Bonitatibus, Siobhan Stagg, Linard Vrielink, Kresimir Spicer, Alexandros Stavrakakis, Choeur et orchestre Pygmalion.

IDOMENEO – Dramma per musica en trois actes (Munich 29 janvier 1781)
Musique de Wolfgang Amadeus Mozart – K.366
Livret de Giambattista Varesco
D’après Idoménée, livret d’Antoine Danchet (1712)

 

 

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VOIR en REPLAY (jusqu’au 15 janv 2023) l’opéra Idomeneo de MOZART par R Pichon / Miyagi sur ARTEconcert :
https://www.classiquenews.com/aix-en-provence-2022-nouvel-idomeneo-de-mozart-satoshi-miyagi-r-pichon/

Photo : © JL Fernandez / Aix en Provence 2022

 

 

 

 

 

 

 

 

CRITIQUE CD. RAMEAU: nouvelle symphonie (Les Musiciens du Louvre / M Minkowski – 1 cd Château de Versailles Spectacles – janv 2021)

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RAMEAU CD nouvelle-symphonie-minkowski sempey critique cd review classiquenewsCRITIQUE CD. RAMEAU: nouvelle symphonie (Les Musiciens du Louvre / M Minkowski – 1 cd Château de Versailles Spectacles  (janv 2021)   –   Nervosité et tendresse, muscle et abandon : voilà le génie de Rameau réactivité par celui qui en a, il y a 30 ans déjà, revitalisé l’approche aux côtés de l’indétrônable Christie, dans une version d’Hippolyte et Aricie, alors époustouflante. Quelques décennies ont passé depuis son premier essai dans le genre, ayant abouti à une première « Symphonie imaginaire » dont le propos semblait opportun : Rameau est avant Berlioz et Ravel, l’inventeur de l’orchestre français (ampleur, souffle, coloris, rythme, développement, pensée et abstraction…) ; il était tentant d’aborder à travers ouvertures et formidables intermèdes dansés de ses opéras, sa conception unique et singulière de l’écriture orchestrale. On retrouve ici la pétulance des timbres (ivres, hallucinés), le mordant des cordes, l’insolente exacerbation des accents, une surenchère crânement assumée, que le baryton invité dans ses diverses interventions (cette nouvelle symphonie est donc aussi lyrique), Florian Sempey reprend à son compte dans un jeu souvent surjoué, où peine l’esprit de nuances et de finesse (Orcan des Paladins) ; fort heureusement, à demi voix, son « Monstres affreux » d’Anténor (Dardanus) trouve une intention mieux calibrée, plus sobre, entre terreur et hallucination, deux sentiments que les cordes expriment, elles, de façon exemplaire (2è partie de l’air « Quels bruits »).

Nouvelle symphonie (lyrique) de Rameau

En un geste caricatural et sur un tempo étrangement ralenti, « Le Turc généreux » (les esclaves africains) a des airs de pachyderme ayant le hoquet ; l’option est personnelle, carrée, raide, toujours totalement défendue ; on lui préfère les enchainements très contrastés ensuite (Sarabande de Pygmalion) puis, pointés, rythmiques, les formidables tambourins pour les Spartiates (Castor, version 1754) – puis l’air très gai (version de 1754) fait valoir les trépidations de cette mécanique aussi nerveuse que rythmée ; enfin la Chaconne finale a autant de chien que de tension, et comme les morceaux précédents, saisie par un sentiment d’urgence et de nécessité, décuplés, comme chauffés à blanc. Voici le morceau le plus réussi de notre point de vue : motricité électrisée et abandon aux vents (flûtes), habile posture entre tension et détente.
A ce jeu hyper expressif, souvent binaire, certes le spectacle est total et les effets concertés, en surenchère, mais Rameau peut-il se réduire à ce systématisme ? Aujourd’hui, les tenants de la nouvelle génération d’interprètes, le chef et claveciniste, Bruno Procopio en tête, inaugurent des voies nouvelles, n’omettant pas les vertiges poétiques aux côtés de la carrure rythmique ; c’est aussi une nouvelle orchestration, plus proche des usages de Rameau et des moyens mis à sa disposition par l’Académie royale de musique : pupitre des violoncelles étoffé jusqu’à 10 instruments (!) … / versus les 4 instruments ici ; et c’est immédiatement une texture et un format sonore revitalisés qui surgissent, convoquant (enfin) ce que l’on avait jamais écouté jusque là : ce Rameau dramaturge, coloriste et visionnaire… qui pense l’orchestre comme un symphoniste.
En fondant l’année dernière (oct 2021) son prometteur JOR Jeune Orchestre Rameau, Bruno Procopio ouvre des expériences aussi inédites que décisives pour notre connaissance de Rameau. Voilà qui n’ôte rien à la prestation de Minkowski, son engagement admirable pour souligner le génie ramélien à l’orchestre. On peut cependant regretter le concours du baryton dans cette « nouvelle symphonie » qui pour le coup atténue l’enjeu purement instrumental du projet, en rompant le fil strictement orchestral.

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CRITIQUE CD. RAMEAU: nouvelle symphonie (Les Musiciens du Louvre / M Minkowski – 1 cd Château de Versailles Spectacles – janv 2021)

CRITIQUE CD, événement. MONTEVERDI : Il Ritorno Ulisse in patria (Les Épopées, S. Fuget – 3 cd Château de Versailles Spectacles – déc 2021

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Il-Ritorno-d-Ulisse-In-Patria epopees fuget critique cd review classiquenewsCRITIQUE CD, événement. MONTEVERDI : Il Ritorno Ulisse in patria (Les Épopées, S. Fuget – 3 cd Château de Versailles Spectacles – déc 2021) – Révélés à l’église (dans une lecture dramatique et articulée des Grands Motets de Lully / cycle superlatif en cours à Versailles), les musiciens des Épopées représentent actuellement un collectif homogène, particulièrement engagé, d’une somptueuse expressivité – Esprit affûté et fédérateur, Stéphane Fuget aborde désormais l’opéra : son approche cible et interroge le cœur même du chant montéverdien, ce « recitar cantando » qui articulant une action ne peut qu’être déclamatoire et oratoire. Il convient de trouver la voie juste qui laisse à l’intelligibilité du chant, sa capacité à être audible et compris des auditeurs / spectateurs. C’est un travail spécifique sur le récitatif : la voix articule et déclame le texte sur une ligne instrumentale [basse continue] réduite à l’essentiel, pour ne pas couvrir tel « recitar », mais souligner et renforcer son expressivité.
Il en ressort une diversité d’accents et de nuances dans la réalisation de cette mélopée chantante qui aiguise la caractérisation des personnages, qui clarifie les situations. Ce dans une diversité de tons et d’intentions d’autant plus opportune que Monteverdi a su multiplier et croiser les différents registres : comique, héroïque, tragique, sentimental…
Tous les solistes suivent le directeur des Épopées dans ce souci de vivacité et de naturel où la parole se fait plus que chant : geste vocal, pilote dramatique. C’est un retour sur l’exigence qu’avait Ravel (cité dans la passionnante notice explicative) quand il précisait le type de chant ["quasi parlando"] pour son opéra  L’heure Espagnole : “dire plutôt que chanter”. En réalité, Stéphane Fuget déboulonne les verrous de la notation musicale et questionnant ce qui se joue dans chaque séquence vocale, rétablit les vibrations et accents du cœur et du sentiment dans l’expression ainsi notée. Ainsi ses solistes ici ne chantent ou ne déclament pas : ils éprouvent, souffrent, témoignent… Tous prêts à jouer comme de suprêmes acteurs le vertige des émotions et des passions. Ni plus. Ni moins.

 

 

Les Épopées chantent l’opéra de Monteverdi

Réaliser le recitar cantando montéverdien

 

 

Historiquement voilà qui restitue l’Ulisse montéverdien dans toute l’intensité de sa ténacité à la fois héroïque et astucieuse telle que l’ont conçu Claudio Monteverdi et son librettiste Badoaro, proche de Busenello [librettiste de l'opéra suivant : L'incoronazione di Poppea] pour la création à Venise fin 1640.
Texte et musique eurent suffisamment d’impact pour impressionner l’auteur Federico Malipiero qui écrit dans la foulée de Monteverdi sa propre “Peripezia d’Ulisse” dont le texte de sa préface confirme et la date et la paternité de l’ouvrage.

Réaliste, poète, aussi astucieux que son héros, Monteverdi sait varier les formes vocales pour renforcer toujours l’acuité du drame et la justesse expressive de la musique : sa science lyrique puise à maintes sources, y compris le burlesque délirant avec Iro, monstre goulu et bégayant qui contraste avec les autres personnages et entités divines ; son profil se révèle particulièrement stimulant pour la vivacité du drame. Chaque soliste s’engage pour la vérité. Ce Iro, dans son délire à la fois égotiste et vulgaire, récupère la tension de ce qui a précédé (l’assassinat des Prétendants par Ulisse déguisé). Opportun, il atténue l’horreur criminelle qui a précédé : Jörg Schneider se montre vif, acéré, libre dans sa charge burlesque : les prétendants massacrés, comment va-t-il manger à sa faim à présent, lui qui dépendait d’eux pour subsister ? Le délire et le cynisme de la scène sont emblématiques de tout l’opéra. Protagonistes actifs, Valerio Contaldo et Lucile Richardot campent avec vérité et franchise chacun leur personnage d’Ulisse et Penelopa (celle ci à la fois et digne et tragique), et même les dieux, entités qui tirent les ficelles, expriment ici, avec une sincérité ardente, souhaits et impérieux décrets (Junon / Marie Perbost, jugeant qu’Ulysse « a trop erré »). Tous les rôles bénéficient d’une vivacité décuplée ; une implication qui inscrit le verbe ardent comme acteur de l’action.

 

 

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CRITIQUE CD, événement. MONTEVERDI : Il ritorno Ulisse in patria (Les Épopées, S. Fuget – 3 cd Château de Versailles Spectacles – enregistré à Versailles en déc 2021) – CLIC de CLASSIQUENEWS été 2022

 

 

distribution

Valerio Contaldo, Ulysse
Lucile Richardot, Pénélope
Ambroisine Bré, Mélantho, Euryclée, La Fortune
Juan Sancho, Jupiter, Télémaque
Alex Rosen, Le Temps, Neptune, Antinoos
Claire Lefilliâtre, Minerve
Marie Perbost, L’Amour, Junon
Filippo Mineccia, La Fragilité Humaine, Pisandre
Cyril Auvity, Eumée
Jörg Schneider, Iro
Pierre-Antoine Chaumien, Eurymaque
Fabien Hyon, Amphinomis

Les Epopées – Stéphane Fuget, direction

 

LUXEUIL LES BAINS, Basilique Saint-Pierre. Emmanuel Arakélian joue le Grand Siècle

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arakelian emmanuel orgue luxueil musique et memoire mg_8236LUXEUIL LES BAINS, Basilique Saint-Pierre, le 18 juil 2022, 21h.  Emmanuel Arakélian, orgue.  Le programme inaugure l’acte II du Festival Musique et Mémoire 2022 ; l’organiste avignonais Emmanuel Arakélien, titulaire des orgues de Saint-Maximin-la-Sainte-Baume, professeur au Conservatoire de Marseille, – éclaire la diversité des compositeurs du Grand Siècle avec Charles Piroye et Jean-Adam Guilain. Johann Sebastian Bach figure également au programme, admirateur de la musique française avec sa ” Pièce d’orgue ”. Pépite complémentaire, une œuvre de Régis Campo, « Capriccio” écrite pour le grand- orgue de Mouzon. Concluant par le grand génie du début du siècle, admiré par Bach, Nicolas de Grigny et ses versets du Veni Creator, Emmanuel Arakélian propose une fabuleuse immersion au cœur du mystère d’un orgue séculaire… récemment restauré, et sis, tel le joyau unique par la beauté sonore autant que le décor sculpté de son buffet, dans la Basilique Saint-Pierre Saint-Paul de Luxeuil-les-Bains. Photo : E Arakélien à l’orgue © S Ferreti

 

 

 

Emmanuel Arakélian, orgue.
Compositeurs du Grand Siècle

LUXEUIL-LES-BAINS, Basilique Saint-Pierre Saint-Paul
Lundi 18 juillet 2022, 21h

Réservez vos places
directement sur le site du Festival Musique & Mémoire 2022 :
https://www.vostickets.fr/Billet?ID=CULTURE_70

 

 

 

Au programme, les compositeurs du Grand Siècle

Charles Piroye, Jean-Adam Guilain, ainsi que Johann Sebastian Bach et Régis Campo, Nicolas de Grigny (versets du Veni Creator) …

Découvrir les concerts suivants / 29è Festival Musique et Mémoire 2022, ACTE II : les 20, 21, 22, 23 et 24 juillet 2022 / a nocte temporis, Doulce mémoire, oratorios de Bonaventura Aliotti par Les Traversées Baroques, Alia Mens, Ronald Martin Alonso… : ici / Musique et Mémoire 2022 / Vosges du Sud

 

 

CRITIQUE DVD événement. Tero SAARINEN : Third Practice – 1 dvd BelAir classique

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critique dvd bac198-tero saarinen-third practice monteverdi critique dvd danse classiquenewsCRITIQUE DVD événement. Tero SAARINEN : Third Practice – 1 dvd BelAir classique – Helsinki, mars 2021. Avec “Phird Practice“, le chorégraphe finlandais Tero Saarinen explore toute l’expressivité de la Secunda prattica, modernité sublimée par le génie monteverdien. Les madrigaux dramatiques et érotiques du grand Claudio lui inspirent une 3ème voie entre chant et danse d’une puissance hypnotique.
Le spectacle s’inscrit comme une lente percée de l’ombre à la lumière. Où peu à peu dans la vocalità souveraine de deux chanteurs (familiers du répertoire baroque, peut-être moins concernant le ténor, de l’écriture montéverdienne : ses vocalises et mélismes manquent quand même de précision).
Le prélude primordial, chaotique, inquiétant, dans les ténèbres de l’informe, prépare à l’émergence de la musique, l’une de plus articulées et sensuelles qui soit. Sous sa coupe, les corps s’organisent et se répondent dans l’élan d’un madrigal monteverdien (souffle aérien de « Zefiro »), où le chanteur danseur pilote désormais le collectif mieux structuré, plus uni.
La part est belle à la vocalità d’une langueur souple. Celle évocatrice propre au monde des bergers qui semblent découvrir la beauté de la nature [superbe soprano de Nuria Rial] ; musique et danse célébrant le mystère de la suave harmonie de ce bocage merveilleux dansé alors par une seule danseuse. Pour Saarinen, l’urgence est de redéfinir notre humanité dans un monde promis à la destruction.

Tero Saarinen met en danse Monteverdi

Ancrer l’humanité dans le chaos du monde

Le spectacle s’enfonce peu à peu dans une sensualité suspendue que subliment des éclats de lumière caravagesque, preuve que la compagnie Saarinen a bien étudié l’esthétique du tout début xviie.
L’émergence de l’individu pensant, agissant, son éveil au monde.

Le ténor [« Quam pulchra est »] sorte de narrateur ou testo, est désormais guide d’une action qui émerveille en tableaux noirs d’une indéniable beauté picturale [la danseuse et son voile aérien comme le gaze de son âme qui flotte autour de sa tête... ou les séquences collectives où le faisceau coupant des rayons de lumière en forts chiaroscuro /clair-obscurs, dessinent le profil des groupes de danseurs qui personnifient des tableaux dignes de Caravage ou de Ter Bruggen. Ou encore le désarroi de l'amant éprouvé par la belle « Clori », laquelle paraît enchanteresse en une image flottante, impalpable, évanescente, apparition très opportune... Le spectacle touche aussi parce qu'il interroge jusqu'au mystère de l'alchimie amoureuse. Une notion clé dans le labyrinthe montéverdien. Dans cette épreuve permanente, se révèlent les tempéraments.

« Mentra vagha angioletta »... marque un nouveau palier. Le madrigal dévoile cet humanisme filigrané, à reconquérir / redéfinir, énoncé voce sola puis à deux voix d'hommes, claire réflexion en miroir sur le désarroi des amants perdus dans les volutes du désir irrépressible. Le chorégraphe Tero Saarinen exploite avec beaucoup de justesse la langue monteverdienne, ses élans paniques, son souple questionnement existentiel, et toujours sa suprême élégance sensuelle.

En quête d'une unité perdue le danseur solo se perd dans un jeu d'images démultipliées celui de la chanteuse qui captive et enchante comme Alcina sur son île. L'illusion menace autant qu'elle fascine.

CLIC D'OR macaron 200« Third Practice » est un spectacle baroque autant que vocal que chorégraphique où l'incise des instruments anciens dans l'expérience des images ainsi créés, semble renouer avec l’invention des pionniers baroqueux il y a 50 ans. La réussite du spectacle tient aussi à la tenue des deux chanteurs, solides tempéraments dans l'interprétation baroque [Topi Lehtipuu et Nuria Rial]. En fin d’action, c’est la danse qui reprend la parole et occupe la scène : deux corps qu’inspire la nostalgie d’une fusion toujours espérée, à jamais reportée. Hypnotique.

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CRITIQUE DVD événement. Tero SAARINEN : Third Practice – 1 dvd BelAir classique : 
https://belairclassiques.com/tero-saarinen-company-third-practice-rooted-with-wings-vod / CLIC de CLASSIQUENEWS été 2022.

Le spectacle créé à Cremona (Festival Monteverdi) en mai 2019 est complété par un docu très complet et instructif (intitulé « Rooted with Wings », sur la compagnie de danse fondée par Tero Saarinen à Helsinki

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TEASER VIDEO – Third Practice par la Cie Tero Saarinen / d’après Monteverdi (2019 / 2020) – ballet créé au Festival Monteverdi de Cremona en mai 2019

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Tero Saarinen Company: Third Practice (2019) trailer from Tero Saarinen Company.

CRITIQUE, CD. Fauré : mélodies. Cyrille Dubois, ténor / Raes, piano (3 cd Aparté)

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faure_melodies integrale dubois raes melodies aparte critique cd review classiquenewsCRITIQUE, CD. Fauré : mélodies. Cyrille Dubois, ténor / Raes, piano (3 cd Aparté) – Sur les traces du baryton Camille Maurane et surtout du ténor Gérard Souzay, champions de l’éloquence nuancée en la matière, le ténor actuel Cyrille Dubois, en complicité avec le pianiste Tristan Raës, avec lelquel il forme le duo Contraste, enregistre toutes les mélodies de Fauré : ambition sur le papier probablement précoce et périlleuse.


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Est parue en mai 2018, une précédente intégrale de grande valeur,faure melodies boucher boulianne figueroa gilmette olivier godin integrale revoew critique cd classiquenews mai 2018 atma réunissant 4 solistes ciselés, parmi les meilleurs interprètes francophones, surtout québécois (Antonio Figueroa, Hélène Guilmette, Julie Boulianne, Marc Boucher), sous le label canadien ATMA 4 cd). Accompagnés par le pianiste Olivier Godin (sur un remarquable Erard de 1859, restauré pour l’occasion et accordé à 435 Hz), les interprètes constituent depuis lors, une corpus incontournable pour tout amateur fauréen.
https://atmaclassique.com/produit/faure-integrale-des-melodies-pour-voix-et-piano/ – livret accessible ici :
https://atmaclassique.com/wp-content/uploads/livret/14e8ea76-f40b-4224-8830-5a33faa1e90a_722056274128_Booklet.pdf

Les 103 mélodies qui jalonnent la vie de Fauré tout du long, occupent ainsi 3 cd ; pudeur, mesure, mystère, suprême élégance, et toujours une subtilité qui ne doit rien sacrifier au naturel ni à la souplesse ; le ténor a tout cela, avec une fraîcheur et une ardeur, voire un vaillance… dans bien des cas, régénératrices. Seul son vibrato, que d’aucun trouveront envahissant voire sur le terme agaçant, est heureusement canalisé, jamais surimposé, mais dans certains cas, étrangement « décoratif ». Si la déclamation est irréprochable, les couleurs et l’intonation manquent parfois de nuances, de trouble, … de mystère (« C’est l’extase », est quand même une proclamation pudique qui convoque le songe le plus intime). Car derrière le verbe, se cache toujours une image intime qui se dérobe à la première lecture, mais fait sens par filiation ou correspondance ténue avec ce qui précède ou ce qui suit. Osons émettre une réserve : l’approche pour probe et lumineuse qu’elle soit, manque encore de questionnement, d’énigmes à déchiffrer, d’hallucination éthérée… D’autant que l’évolution fauréenne tend à davantage d’épure, de concision, de décantation essentielle qui à rebours de sa réputation d’amabilité de salon, atteint des sommets d’élégance rentrée, de pudeur subtile, d’une indicible puissance suggestive (« Après un rêve »). Ici l’art doit cacher la technique par l’émergence de la sincérité et du naturel. Parfois appliquée, voire précautionneuse, l’émission même palpitante, manque de profondeur, de langueur inquiète, de questionnement autant poétique que métaphysique (Au cimetière).
Le piano de Raës est au diapason de cet art de la délicatesse à défaut de la nuance : précis, coloré, d’une indéniable sincérité, parfois grave, toujours enveloppant et caractérisé.

Une intégrale est toujours intéressante en ce qu’elle explore aussi des champs souvent écartés, ou peu connus comme cette « Sérénade du Bourgeois gentilhomme », extrait d’une musique de scène pour la pièce de Molière) ; on y retrouve avec délice Shylock, les 5 mélodies de Venise, les 9 séquences de La Bonne chanson ; les 8 du Jardin clos ; les 10 du cycle La Chanson d’Eve… claire offrande à la sensualité la plus élégamment exprimée voire éprouvée…

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CRITIQUE, CD. Fauré : Intégrale des mélodies / complete songs. Cyrille Dubois, ténor. Tristan Raës, piano. Enregistré du 1er au 3 juillet et du 10 et 17 août 2020, et du 14 au 16 juin 2021, Salle Colonne, Paris. 3 cd Aparté : https://www.apartemusic.com/albums/faure-complete-songs/

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CD1

1. Mai op.1 no. 2
2. Le Papillon et la Fleur op. 1 no. 1
3. Puisque j’ai mis ma lèvre op. posth.
4. Tristesse d’Olympio op. posth.
5. Dans les ruines d’une abbaye op. 2 no. 1
6. Les Matelots op. 2 no. 2
7. Chant d’automne op. 5 no. 1
8. Rêve d’amour (S’il est un charmant gazon) op. 5 no. 2
9. L’Absent op. 5 no. 3
10. L’Aurore op. posth.

Cinq mélodies “de Venise” op. 58
11. Mandoline
12. En sourdine
13. Green
14. À Clymène
15. C’est l’extase

16. Les Présents op. 46 no. 1
17. Clair de lune op. 46 no. 2
18. Soir op. 83 no. 2
19. Prison op. 83 no. 1
20. Larmes op. 51 no. 1
21. Au cimetière op. 51 no. 2
22. Spleen op. 51 no. 3
23. La Rose (Ode anacréontique) op. 51 no. 4

La Bonne Chanson op. 61
24. Une Sainte en son auréole
25. Puisque l’aube grandit
26. La lune blanche luit dans les bois
27. J’allais par les chemins perfides
28. J’ai presque peur, en vérité
29. Avant que tu ne t’en ailles
30. Donc, ce sera par un clair jour d’été
31. N’est-ce pas ?
32. L’hiver a cessé

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CD2

1. Au bord de l’eau op. 8 no. 1
2. Ici-bas ! op. 8 no. 3
3. La Rançon op. 8 no. 2
4. Sylvie op. 6 no. 3
5. Tristesse op. 6 no. 2
6. Aubade op. 6 no. 1
7. Chanson d’amour op. 27 no. 1
8. La Fée aux chansons op. 27 no. 2
9. Aurore op. 39 no. 1
10. Fleur jetée op. 39 no. 2
11. Le Pays des rêves op. 39 no. 3
12. Les Roses d’Ispahan op. 39 no. 4
13. Nell op. 18 no. 1
14. Le Voyageur op. 18 no. 2
15. Automne op. 18 no. 3
16. Notre amour op. 23 no. 2
17. Les Berceaux op. 23 no. 1
18. Le Secret op. 23 no. 3
19. Le plus doux chemin op. 87 no. 1
20. Le Ramier op. 87 no. 2

Shylock op. 57
21. Chanson
22. Madrigal

23. Dans la forêt de septembre op. 85 no. 1
24. La Fleur qui va sur l’eau op. 85 no. 2
25. Accompagnement op. 85 no. 3

La Chanson d’Ève op. 95
26. Paradis
27. Prima verba
28. Roses ardentes
29. Comme Dieu rayonne
30. L’Aube blanche
31. Eau vivante
32. Veilles-tu, ma senteur de soleil ?
33. Dans un parfum de roses blanches
34. Crépuscule
35. O mort, poussière d’étoiles

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CD3

1. Lydia op. 4 no. 2
2. Chanson du pêcheur (Lamento) op. 4 no. 1
3. Hymne à Apollon op. 63
4. Sérénade from Le Bourgeois gentilhomme

Poème d’un jour op. 21
5. Rencontre
6. Toujours
7. Adieu

8. Le Don silencieux op. 92
9. Chanson op. 94

Le Jardin clos op. 106
10. Exaucement
11. Quand tu plonges tes yeux dans mes yeux
12. La Messagère
13. Je me poserai sur ton cœur
14. Dans la nymphée
15. Dans la pénombre
16. Il m’est cher, Amour, le bandeau
17. Inscription sur le sable

18. Nocturne op. 43 no. 2
19. Noël op. 43 no. 1
20. En prière
21. C’est la paix op. 114

Mirages op. 113
22. Cygne sur l’eau
23. Reflets dans l’eau
24. Jardin nocturne
25. Danseuse

26. Après un rêve op. 7 no. 1
27. Hymne op. 7 no. 2
28. Barcarolle op. 7 no. 3
29. Sérénade toscane op. 3 no. 2
30. Seule ! op. 3 no. 1
31. Arpège op. 76 no. 2
32. Le Parfum impérissable op. 76 no. 1

L’Horizon chimérique op. 118
33. La mer est infinie
34. Je me suis embarqué
35. Diane, Séléné
36. Vaisseaux, nous vous aurons aimés

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CRITIQUE DVD. André Tubeuf (1930 – 2021) : le lied (Bel air classiques)

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tubeuf liede documentaire critique classiquenews bac187-visuel-recto-730x1038CRITIQUE DVD. André Tubeuf (1930 – 2021) : le lied (Bel air classiques) – Rue Milton, dans son salon cosi, cadre intimiste qui prête à la confession, le musicologue, écrivain et philosophe André Tubeuf délivre (en 2018) les clés de compréhension d’une passion ainsi explicitée : le lied, entendez l’équivalent germanique de la mélodie française. Les 7 épisodes composent chacun un commentaire libre sur le sujet questionné : connaisseurs de poésie, les compositeurs ayant réussi l’accord ténu, subtil, exceptionnel du verbe et de la musique, du chant et des climats sonores sont ainsi magistralement abordés, expliqués à travers une conversation libre, – une rencontre idéale où le savoir et le commentaire sont des portes ouvertes sur des trésors poétiques et musicaux de première valeur. Comme une odyssée explorant 7 constellations musicales, sont commentés avec finesse les auteurs suivants : tous les romantiques sont analysés sans érudition opaque mais avec la vivacité d’une culture qui sait être accessible : des préromantiques Mozart et Beethoven, aux grands noms du lied, Schubert évidemment (2 volets parmi les plus passionnants dont de nombreux exemples extraits du Winterreise / La Voayge d’hiver qui est la parabole de l’existence terrestre), Schumann, Brahms, et les plus tardifs et non les moindres : Wolf, Richard Strauss, Gustav Mahler…
CLIC D'OR macaron 200Avec éloquence et références aussi avec les peintres (Caspar Friedrich, Van Gogh, Spitzweg…), le guide narrateur, inspiré, enchanté, nous immerge dans les vertiges du verbe, sa résonance vocale et musicale, éclairant ce qui compose l’intense attractivité de chaque mesure ; au fond du texte, surgit parfois la vérité, l’essence de la passion humaine, solitude, aspiration, désir ou regret, amour et mort, espérance et doute ; les faces du questionnement sont sans fin mais manifestent une activité permanente qui révèle le génie des auteurs ; alors au terme d’une carrière faite écoute et lente assimilation et maturation critique dans la proximité d’œuvres qu’il connaît mais semble redécouvrir toujours, André Tubeuf laisse ici un testament, un témoignage qui fait figure d’exemple pour tous les mélomanes. Un régal.

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CRITIQUE DVD. André Tubeuf (1930 – 2021) : le lied (Bel air classiques) – Réalisation : Martin Mirabel – Paris 2018 : 7 conversations : documentaires (DVD, Blu Ray BelAir classiques). CLIC de CLASSIQUENEWS été 2022.

Nouvelle Tosca à NANCY : Paoli / Allemandi

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puccini-giacomo-portrait-operas-classiquenews-dossier-special-HOMEPAGE-classiquenewsNANCY. PUCCINI : Tosca. 22 juin – 2 juillet 2022. Allemandi / Paoli. Nouvelle production de Tosca à Nancy. L’œuvre marque l’évolution du goût contemporain : il semble que Tosca, sommet lyrique de Puccini au début du XXè (création en janvier 1900), quasi simultané au Pelléas de Debussy (1902) soit devenu l’opéra le plus joué sur les scènes lyriques mondiales, surclassant Carmen de Bizet, Don Giovanni de Mozart et La traviata de Verdi, trio de tête des ouvrages les plus représentés dans les 5 dernières saisons. Si Carmen, l’opéra « africain » selon Nietzsche, exacerbe la passion furieuse de la Gitane, libre et suicidaire, Tosca offre une autre vision de l’amour tragique, celle d’un couple d’artistes (Floria, cantatrice / Mario, peintre) broyés tous deux par la machination d’un monstre politique, le baron Scarpia, préfet de Rome et monarchiste aussi radical (que Mario est bonapartiste). Au huis clos du trio vocal : Floria, Mario, Scarpia, qui fixe définitivement le trio des tessitures affrontées : un baryton jalouse le ténor car il aime la même soprano… Puccini ajoute le réalisme poétique des évocations de Rome, arrière plan de l’action qui est aussi un personnage à part entière. Chacun des 3 actes s’inscrit dans un lieu emblématique de la ville éternelle : église San Andrea della Valle (acte I) ; Palais Farnèse, le bureau du tortionnaire Scarpia (acte II) ; terrasse du Château San Angello (acte III) ; sans omettre, l’évocation pastorale du jeune berger menant son troupeau de moutons sur les collines romaines, vrai tableau idyllique, virgilien, celui de la campagne en son aube printanière, au cœur de la tragédie qui se noue…
3 TEMPS FORTS… Puccini a le génie de la composition, autant dans l’exposition des passions individuelles que dans la grandeur des scènes collectives. L’acte I est certes d’exposition mais il est construit aussi comme un vaste crescendo dramatique qui se déploie en toute puissance dans le dernier tableau à l’église où Scarpia impose son pouvoir sur l’assemblée des croyants réunis autour de la statue de la Vierge ; dans l’acte II, le plus théâtral au sens d’une scène fermée, étouffante, où Mario est torturé, Floria harcelée et implorante (son air fameux : Vissi d’amore, vissi d’arte / Je vivais d’amour et d’art), Scarpia… définitivement liquidé ; au III, la tension culmine dans un climat suspendu où le formidable duo amoureux est détruit quand s’accomplit la vengeance et la duplicité haineuse de Scarpia… Tosca regorge de coups de théâtre et de rebondissements qui ne seraient qu’accents spéctaculaires s’il n’était la musique, arrière plan prodigieux en tableaux atmosphériques, au souffle déjà cinématographique.

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NANCY, Opéra de Lorraintosca puccini nancy opera paoli allemandi critique opera classiquenews.gif.
PUCCINI : Tosca – Nouvelle production / 6 représentations
Du mercredi 22 juin au samedi 2 juillet 2022,
Mise en scène de Silvia Paoli
Orchestre & Chœur de l’Opéra national de Lorraine,
Direction musicale : Antonello Allemandi

Mercredi 22 juin, 20h
Vendredi 24 juin, 20h
Dimanche 26 juin, 15h
Mardi 28 juin, 20h
Jeudi 30 juin, 20h
Samedi 2 juillet, 20h

RÉSERVEZ VOS PLACES
directement sur le site de l’Opéra National de Lorraine, NANCY, ici :
https://www.opera-national-lorraine.fr/fr/activity/336-tosca-puccini

Distribution
Salome Jicia : Floria Tosca,
Rame Lahaj : Mario Cavaradossi,
Daniel Mirosław : le Baron Scarpia,
Tomasz Kumięga : Cesare Angelotti,
Daniele Terenzi , un Sacristain,
Marc Larcher : Spoletta,
Jean-Vincent Blot : Sciarrone,
Yong Kim : un geôlier
Heera Baen : un berger

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Une heure avant le début du spectacle sur chaque représentation (gratuit, sur présentation du billet)

CRITIQUE CD événement. SIBELIUS : 7 symphonies, Tapioca – Oslo Philharmonic, Klaus Mäkelä (4 CD – Decca, fev-juin 2021)

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sibelius-makela-symphonies-decca-critique-cd-review-classiquenews-CLIC-tapiola-symphonies-sibelius-critique-cdCRITIQUE CD événement. SIBELIUS : 7 symphonies, Tapioca – Oslo Philharmonic, Klaus Mäkelä (4 CD – Decca, fev-juin 2021) – S’attaquer si jeune à un massif immense reste un défi et avant l’écoute, une promesse indécise. Le violoncelliste de 26 ans, promu directeur musical de l’Orchestre de Paris, et ici, chef du Philharmonique d’Oslo ne manque pas de tempérament ni d’audace ; entre séduction et parfois vibration éthérée, sa direction ne laisse pas indifférent bien au contraire. L’orchestre norvégien connaît Sibelius ; leur habitude du compositeur s’entend naturellement, dans la verve, l’instinct musical, la cohésion native. Mäkelä le finlandais ressent son confrère Sibelius avec suffisamment de tact pour en exprimer le souffle, l’ampleur, l’intériorité inquiète et surtout la formidable quête lumineuse et l’espérance finale.

 

 

 


Klaus Mäkelä et l’Oslo Philharmonic jouent Sibelius

Jeunesse, audace, mesure…

 

 

 

Parmi les réussites de ce coffret plus que recommandable, distinguons surtout la 2è, la plus construite, la mieux définie par son éloquente stature et la scintillement assumé des timbres ; la 4è manque encore d’inquiétude secrète, d’intranquille activité et surtout de subtilité dans le taillage des timbres et des réponses et de l’architecture rythmiques. Mais le geste va forte dans la persuasion, l’énergie irrépressible, le feu sous la glace, offrant un ultime tiercé parmi les plus polisses de la discographie récente : 5è à l’audace pleine de panache sans les ambiguïtés abyssales de Barbirolli, Bernstein, Karajan ; 6è, parfois trop appliquée sans vertiges ; la 7è ivre certes, mais un peu sage et retenue malgré tout : l’analyse instrumentale corsèterait-elle le souffle, l’urgence, l’électrisation pourtant nécessaire ?

 

 

 

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CLIC D'OR macaron 200Mais au crédit de cette « première » intégrale qui souhaitons-le devrait profiter de prochaines recueillant les fruits de la maturité et de l’expérience, saluons le raffinement des couleurs, la lisibilité voire la transparence du contrepoint et des étagements de pupitres – en bonus, les 3 fragments découverts dans les manuscrits de travail de Sibelius, alors sur le métier d’une 8è symphonie, jamais achevée, complètent la valeur de cette intégrale riche en attraits manifestes. Sans être enchantés, on demeure séduits. Ce qui n’est pas une mince récolte pour le jeune maestro à qui tout semble sourire et qui gagnerait à forcer sa nature un peu sage.

 

 

 

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CRITIQUE CD coffret événement. JEAN SIBELIUS (1865 – 1957) : Symphonies 1 à 7, Tapiola opus 112 – 3 fragments pour la 8è symphonie – Orchestre Philharmonique d’Oslo – Klaus Mäkelä, direction – enregistré à Oslo, Konserthaus – de février à juin 2021. 4 CD DECCA – CLIC de CLASSIQUENEWS – Photos : M. Borggreve

 

 

 

 

 

 

CRITIQUE, concert. Paris, Philharmonie, le 31 mai 2022. R. STRAUSS (concert II) : Macbeth, Ein Heldenleben – Une vie de héros / Gewandhausorchester Leipzig – Andris Nelsons

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nelsons-andris-gewandhausleipzig-concert-critique-review-strauss-philharmonie-de-paris-classiquenews-critique-concert-richard-straussCRITIQUE, concert. Paris, Philharmonie, le 31 mai 2022. R. STRAUSS (concert II) : Macbeth, Ein Heldenleben – Une vie de héros / Gewandhausorchester Leipzig – Andris Nelsons – Retour du letton Andris Nelsons à la Philharmonie, là même où le maestro vedette actuelle du label Deutsche grammophon, a dirigé les Wiener Philharmoniker (Beethoven) ou le Boston Symphony Orchestra (Mahler), dont il est directeur musical comme c’est le cas du Gewandhausorchester Leipzig (comme avant lui un certain Artur Nikkisch).
Le programme de la soirée est copieusement orchestral. Et Nelsons, fédérant le collectif de Leipzig offre une approche généreuse, somptueusement contrastée, soulignant chez Richard Strauss, sa flamme dramatique, ses audaces parfois délirantes, avec un panache particulièrement élaboré. L’opus 23, Macbeth, (2è version créée en 1892) concentre toute le fougue et la transe dramatique du jeune Strauss d’avant les premiers opéras, ses formidables ressources expressives nettement audibles dans l’esthétique des contrastes exacerbés et cette rugosité brucknérienne dès les premières mesures, qui confère à l’esprit général l’idée d’une fièvre démoniaque habitant l’âme maudite du héros Shakespearien : éruptif et acérés, énergiques et fédérés, chef et orchestre préparent et construisent en réalité l’élévation lumineuse finale, le triomphe de Macduff, comme le fruit d’une gradation progressive où le magma et la grande forge orchestrale se décantent à mesure du déroulement, vers une apothéose allégée, éthérée, aux couleurs diaphanes, d’autant mieux polie que l’amorce et le développement central sont incandescents, contrastés, partie constituante du chaudron orchestral en son plein bouillonnement furioso.

 

 

 

Andris Nelsons joue Richard Strauss à la Philharmonie

Volupté et vertiges du Gewandhausorchester Leipzig

 

 

 

Une même incandescence porte la Suite orchestrale extraite de l’opéra Der RosenKavalier / Le Chevalier à la rose dans un bain de volupté presque indécente tant l’hédonisme extériorisée des pupitres s’affranchissent de toute retenue, dans la plasticité des timbres, dans le scintillement des cordes, jusqu’à l’énoncé du thème final, celui du trio Quinquin, La Maréchale, Sophie dont Andris Nelson, amoureusement, tire avec une douceur murmurée, le fil mélodique jusqu’à la rupture, soulignant combien Strauss est le maître incontestable des arcs thématiques grandiose, éperdus, d’un souffle infini qui appelle l’extase dans le renoncement. Aux flamboiements exposés, maîtrisés de l’orchestre répondent la précision et l’engagement du chef qui sait aussi sonner psychologique.

La pièce de consistance de ce second concert du Gewandhauss orchester Leipzig à la Philharmonie est « Ein Heldenleben / Une vie de héros », opus 40, aboutissement d’une décennie fabuleuse au terme de laquelle Strauss édifie cette cathédrale sonore grandiose, épique, flamboyante qui le rend apte en mars 1899… pour l’opéra. Conçu pour le Concertgebouw d’Amsterdam, la partition amplifie les ressources de l’orchestre Lisztéen et wagnérien, dans des proportions, des dialogues, des vertiges contrastés qui re dessinent jusqu’à la spatialité de l’orchestre ; Strauss n’ a rien à envier du vortex wagnérien tant les tableaux sonores suspendus et comme en lévitation, atteignent une plénitude orchestrale inédite.
Macbeth et « Ein Heldenleben » / Une vie de héros font déjà la réussite du coffret Strauss enregistré par Nelsons pour DG (cd4, enregistré en mai 2021 avec les mêmes instrumentistes de Leipzig – coffret cd CLIC de CLASSIQUENEWS) ; un bain de volupté de timbres là encore, de séquences symphoniques serties comme des joyaux auxquels le chef apporte une sensibilité particulière pour les effets transcendants des contrastes (déflagration des tutti, silences abyssaux, pianissimi arachnéens évanescents) : la vision, le geste, la conception équilibrent l’opulence comme l’éloquence instrumentale. Les amateurs de sensualité sonore sont servis ; tout en privilégiant la rondeur et la lisibilité des lignes mélodiques, Nelsons étire le ruban texturé à la limite de la tenue, ciselant et caressant comme peu le miroitant tapis orchestral.
S’il n’était le prétexte narratif très précis des 5 parties, très précisément identifiées, la réalisation qu’en donne le Gewandhausorchester Leipzig réussit des prodiges de beautés sonores, de fait entre la sincérité de Mozart et la puissance de Wagner. Strauss, voie médiane entre les deux géants, s’ingénie à perfectionner un nouveau langage pour l’orchestre où l’intelligence des tutti comme le caprice fantaisiste et comme ivre des parties solistes (violon solo pour l’évocation de l’être aimé par le héros / versatilité et humeur elle aussi vascillante, miroitante, glissandi taquins et en duo avec l’amoureuse clarinette, de « La compagne du héros » au 3) affirme une maîtrise totale de l’écriture comme de l’orchestration. La Bataille explosive du 4 (tant admirée de Romain Rolland), rugit dans de somptueuses convulsions avant que le thème de l’amour (clé de la partition) de fait, n’impose sa loi sidérale.

La fougue des cuivres, la fabuleuse clarinette, et le basson, le jeu alterné des cordes jouent avec les multiples citations straussiennes de la partie 5 (Des helden friedenswerke /«  Les œuvres de paix du héros ») – autocitations crânement assumées qui donnent le vertige par leur plénitude suggestive, leur mordant poétique.
On est saisi du début à la fin par la tension, le miracle d’un legato orchestral superbe et caressant, la souplesse voluptueuse que chef et instrumentistes cultivent sans pause. Qu’il s’agisse ou non d’une excroissance autobiographique hypertrophiant le culte de l’Artiste, Nelsons, fédérateur et séducteur, rappelle combien la partition de 1899, est un sommet de l’écriture orchestrale, l’une de ses plus flamboyantes voire délirantes odyssées instrumentales. Un régal magistralement réalisé. A retrouver dans le coffret STRAUSS dédié par Andris Nelsons et ses deux orchestres de Lepizig et Boston pour Deutsche Grammophon, paru en mai 2022 (CLIC de classiquenews).

 

 

 
 

 

 

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CRITIQUE, concert. Paris, Philharmonie, le 31 mai 2022. R. STRAUSS (concert II) : Macbeth, Ein Heldenleben – Une vie de héros / Gewandhausorchester Leipzig – Andris Nelsons

 

 

 
 

 

 

 

 

 

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LIRE aussi notre critique du coffret RICHARD STRAUSS / Andris Nelsons – Boston Symphonique Orch / GewandhausOrchester Leipzig – CLIC de CLASSIQUENEWS (mai 2022) :

Andris-Nelsons--Strauss-leipzig-boston-critique cd review classiquenews deutsche grammophonjpgCRITIQUE CD, coffret événement, critique. R. STRAUSS / NELSONS (7 cd DG Deutsche Grammophon) – 2 orchestres : Boston Symphony Orchestra, Gewandhausorchester Leipzig ; 1 chef :  Andris Nelsons font ici la valeur de ce coffret  «  Alliance », dédié aux oeuvres symphoniques majeures de Richard Strauss. Outre la vivacité énergique du maestro, c’est aussi l’opportunité de comparer les qualités de chacune des deux phalanges dont il est directeur musical.
Chaque orchestre réalise 3 programmes Straussiens – puis ce « retrouve en cd 7, dans la première de « Festliches Präludium » (Festive Prelude, pour orgue et orchestre : soliste, Olivier Latry), – ample fresque orchestrale jouée par les 2 formations réunies en nov 2019 (Boston), point fort de ce projet interorchestral et aussi, point de départ du cycle Straussien entre Boston et Leipzig.

 

 

 

 

 

 

CRITIQUE CD événement. Les Noces royales de Louis XIV – Le Poème Harmonique (1 cd Château de Versailles – nov 2021)

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noces-royales-louis-XIV-mazarin-poeme-harmonique-cavalli-cd-chateau-versailles-spectacles-cd-critique-review-cd-classiquenewsCRITIQUE CD événement. Les Noces royales de Louis XIV – Le Poème Harmonique (1 cd Château de Versailles – nov 2021) – Le Poème Harmonique exprime l’immense espoir que fait naître la Paix entre les puissances catholiques de France et d’Espagne (Paix de Pyrénées, 7 nov 1659) et la solennité de l’événement dynastique qui en résulte (négocié par Mazarin), le mariage de Louis XIV et de Marie-Thérèse d’Autriche, célébré en grande pompe le 9 juin 1660 sous la voûte de l’église de Saint-Jean Baptiste à St-Jean de Luz. Souffle majestueux, exaltation vivace presque dansante, collective essentiellement dont le spectacle Motet Jubilate Deo de Lully demeure l’emblème le plus juste : superbe gerbe heureuse, partagée et dans sa déclamation ample et précise, d’une rondeur toujours élégantissime. Solistes enivrés et acteurs autant que chanteurs (formidable Anne Quintans en dessus ; guide d’une joie triomphale).

 

Eclectisme stylistique pour les Noces de Louis

L’heure n’est pas encore à l’élaboration de l’opéra français mais la Cour de France a déjà le sens du spectacle : ce Mariage est une théatralisation d’un pouvoir qui entend démontrer sa grandeur active ; sens de l’articulation, force du groupe et mise en place scrupuleuse des individualités vocales, Le Poème Harmonique déploie d’éloquents arguments, égaux à ceux de leurs compétiteurs, Les Epopées, autre ensemble invité à Versailles et qui tout autant révolutionne aujourd’hui l’interprétation des Motets de Lully dans un cycle désormais décisif (Collection des Grands Motets de Lully / Les Epopées / Stéphane Fuget / CLIC de CLASSIQUENEWS).
En 1660, tout relève encore de la haute sensualité italienne dont témoignent les superbes pièces ici choisies, celles des vénitiens Salomone Rossi (très solennelle et presque grave Sinfonia); surtout le Magnificat de Cavalli, compositeur incontournable alors (qui allait livrer bientôt pour Paris, son Ercole Amante) dont le Magnificat expose les somptueuses effluves célébratives (jamais jouées cependant pour les noces royales mais plutôt pour une fête liturgique à Venise). Sans connaître précisément le programme musical de la Messe nuptiale de juin 1660, les pièces ici abordées évoquent le style général du goût clairement ultramontain partagé par Louis de France et son mentor Mazarin. Tout y paraît et se complète, en résonance avec les très nombreuses festivités qui ont accompagné le cortège royal français, descendu de Paris au pays basque et vice versa : chansons de circonstance des Français André de Rosiers et Nicolas CLIC D'OR macaron 200Métru ; langueur vénitienne comme l’atteste le solo tragique ou lamento extrait du Xerse de Cavalli ; et même théâtre picaresque délirant espagnol signé Juan Hidalgo. Le décorum n’empêche pas la caractérisation voire la surenchère dramatique : ce mariage offre un aperçu des styles divers ayant cours en France quand se marie le roi de France : éclectisme et sens du faste, spectacle et éloquente ferveur. Magistral.

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CRITIQUE CD événement. Les Noces royales de Louis XIV – Le Poème Harmonique / Vincent Dumestre, direction (1 cd Château de Versailles – enregistré à Versailles en nov 2021)  -  AGENDA : à l’affiche de la Chapelle royale de Versailles Dimanche 3 juillet 2022, 21h : 2 concerts en une soirée avec pyrotechnie finale : PLUS D’INFOS ici (directement sur le site de Château de Versailles Spectacles

TEASER VIDEO :

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PROGRAMME : Noces Royales de Louis XIV

Aux portes du temple
Jean-Baptiste Lully (1632 – 1687) : Sonneries pour les trompettes du Roi

Entrée des délégations
Jean-Baptiste Lully : Entrée pour la Maison de France, Les Espagnols, Les Basques

Célébration de la paix
Jean Veillot (1600 – 1662) : Hymne O filii e filiae
Jean-Baptiste Lully : Motet pour la Paix Jubilate Deo, LWV 77

Le Mariage
Salomone Rossi (1570 – 1630) : Sinfonia grave
Francesco Cavalli (1602 – 1676) : Magnificat

Ballet des nations & Réjouissances
Francesco Cavalli : Xerse : “Lasciate mi morire”
André de Rosiers (actif 1634 – 1672) : Après une si longue guerre
Nicolas Métru (1600/1605 – 1663) : Ô France
Juan Hidalgo (1614 – 1685) : Celos aun del aire matan

 

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AUTRES CD du Poème Harmonique, Vincent Dumestre, critiqués / distingués par CLASSIQUENEWS :

sebastian-duron-coronis-alpha788 poeme harmonique druet bunel opera critique review cd review critique classiquenews CLIC de classiquenewsCRITIQUE. CD événement. DURÓN : Coronis (Le Poème Harmonique, 2 cd Alpha – PARIS, avril 2021)– Formidable production pour sa vitalité rayonnante, ses contrastes opulents, ses situations truculentes qui mêlent grâce à la seule inspiration de Sebastian Durón (1660-1716), langueur extatique, rage guerrière, réalisme satirique. Le Poème Harmonique, chanteurs et instrumentistes relèvent tous les défis de cette action mythologique certes, surtout carnavalesque et bouffone, aux airs de tendresse grave, en particulier au II (Jornada Segunda) où s’imposent dans la fresque délirante, la prière et la plainte bouleversante de Protée (si peu respecté malgré ses alertes et prédictions) et Triton (soupirant démuni, colérique, éconduit par la voluptueuse Coronis). Les solistes concernés ici, Cyril Auvity et Isabelle Druet composent de superbes tempéraments vocaux, doués de puissance et de justesse humaine, de profondeur comme de sincérité émotionnelle. A leurs côtés, rien à dire aux épatantes Ana Quintans dans le rôle-titre : sa plasticité diamantine incarne à la perfection la beauté langoureuse et active qui finalement décide du sort de la Thrace…

Le-Bourgeois-gentilhomme poeme harmonique lully 400 ans de moliere critique cd review clic de classiquenewsCRITIQUE, CD événement. Molière / Lully : musiques pour la comédie-ballet LE BOURGEOIS GENTILHOMME. Le Poème Harmonique (1 cd Château de Versailles Spectacles – avril 2021) – Intercalées dans la pièce de Molière, les musiques de scènes (ballets, divertissements, airs…) de Lully soulignent le génie facétieux du surintendant de la musique depuis 1661 ; sa verve n’a de limite que le génie de Molière ; chacun semble même rivaliser d’astuces expressives, de finesse parodique sur le thème d’un Bourgeois désireux d’être anobli… à l’heure où la Cour ne parle que des Turcs en audience près du Roi-Soleil. Les 2 Baptistes ont précédemment présenté (également à Chambord, devant la Roi) Monsieur de Pourceaugnac(1669). Pour cette restitution des parties intégrales que Lully a alors façonnées, le Poème Harmonique met en lumière l’articulation langoureuse des jeunes tempéraments du chant baroque actuel ; le Bourgeois Gentilhomme s’il moque l’exotisme des moeurs du Grand Turc à travers une charge contre son ambassade alors à Versailles pour une réception attendue, reportée auprès de Louis XIV, exprime d’abord au I, l’empire de l’amour sur des cœurs enivrés …

POEME-HARMONIQUE-ANAMORFOSI-allegri-monteverdi-marazzolli-mazzochi-cd-review-critique-cd-classiquenews-vincent-dumestreLIVE STREAMING : 11 déc, 20h30. ANAMORFOSI par Le Poème Harmonique. Concert en direct à vivre sur Youtube, vend 11 déc 20h30. Le Poème Harmonique explore l’Italie du Seicento, « où la langue musicale est celle des passions, profanes et sacrées »… Le programme a été l’objet d’un somptueux album discographique (enregistré en juin 2018) distingué par le CLIC de CLASSIQUENEWS : Cd critique. ANAMORFOSI : Allegri, Marazzoli, Monteverdi (Le Poème Harmonique, juin 2018 – 1 cd ALPHA) – «  Au carrefour du profane et du sacré, se développe une même musique, constante et touchante par ses aspérités passionnelles. En hymnes sacrés ou en vers madrigalesques, l’écriture musicale ne varie pas, mais elle modifie son sens selon les paroles associées : (…) les vertiges de la musique eux sont toujours invariables et constants.

CRITIQUE, opéra. Helsinki, le 7 avril 2022. R STRAUSS : Salomé. Hannu Lintu / Christof Loy

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CRITIQUE, opéra. Helsinki, le 7 avril 2022. R STRAUSS : Salomé. Hannu Lintu / Christof Loy – Heureux internautes qui peuvent suivre l’actualité lyrique via internet et mesurer l’invention voire la pertinence des metteurs en scène actuels dont cette vision plutôt juste et défendable (c’est à dire cohérente et respectueuse) de la partition straussienne, signée à Helsinki, Christof Loy.

 

 

 

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En costumes de soirées, les hommes n’hésitent pas arborer la tenue d’Adam… ainsi Jochanaan (ou Iokanaan), acheminé sur scène à la demande de la princesse de Judée, Salomé ; le Prophète proclame la perversion des parents de la jeune femme : l’impudicité d’Hérodiade, le diabolisme d’Hérode ; se dresse dans sa nudité assumée (Andrew Foster-Williams, voix timbrée mais dépassé par l’ampleur visionnaire du rôle). Christof Loy représente sur scène la vision de Salomé. La jeune femme idéalise le Prophète.
Ses yeux , ses paroles « musicales » pénètrent l’âme de Salomé qui vibre à l’écoute des vérités proférées par l’homme de Dieu, emprisonné. « Fille de Sodome, ne m’approche pas! » ; piquée, l’adolescente fait l’inverse et reste saisie par la beauté de Iokanaan, amoureuse des grappes de ses cheveux plutôt que de son corps blanc (!)… « Je veux baiser ta bouche Iokaanan, laisse moi baiser ta bouche… », s’exclame la fille d’Herodiade, dévorée par un désir monstrueux qui va grandissant, entraînant sa fin misérable sous les boucliers des gardes d’Hérode. La soprano tire son épingle du jeu, fille-femme, ado mûre ayant des airs d’ange diabolique, Lulu et Lilith à la fois, silhouette et posture de poupée démoniaque et lascive, déjà usée… (Vida Miknevičiūtė, percutante, sincère, nuancée). La chanteuse sait construire son personnage avec beaucoup de justesse.

 

 

 

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La mise en scène (Christof Loy) souligne le jeu des regards lubriques et concupiscents, plein de ce désir qui enfle et submerge la scène : portés par une assemblée de jeunes hommes libidineux et testéronés en costumes noirs, style hommes de main et serviteurs, prêts à se dévêtir pour posséder le corps convoité : mêlée de mouches obscènes sur le corps de Salomé en vraie fausse ingénue. L’approche est juste.

Le couple de régnants, Hérode et Hérodias, empêtré dans les tensions d’un petit couple bourgeois, est honnête sans plus : Hérode tétrarque délirant (Nikolai Schukoff qui cependant se bonifie en cours de représentation), à la limite de la névrose, décrétant la fête, exigeant le vin, sur le corps ensanglanté du jeune syrien suicidaire… désirant Salomé lui aussi comme un pervers insatisfait. Surgissent les 5 juifs qui pérorent hystériques ; ils cassent la tête des invités (« Faîtes les taire! » hurle Herodiade). Laquelle de même, en pleine crise hystérique ne peut supporter la voix de Iokanaan.

 

 

 

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Puis c’est la page orchestrale la plus sulfureuse et la plus vénéneuse, c’est à dire la plus géniale d’une partition captivante : la danse de Salomé, 7 voiles contre la tête du Prophète…(à 1h03’30 – cf ci après le lien de visionnage sur le site ARTEconcert – replay jusqu’en mai 2023) ; le tableau est à nouveau un jeu de domination perverse, qui permet à Hérode de baiser la bouche du Prophète en un acte lubrique parfaitement déplacé mais totalement assumé… avant de s’enfermer dans une pièce avec sa belle-fille… dont le retour sur scène fait paraître la tueuse du Prophète en robe de chambre rose saumon.

La dernière scène où la jeune fille paraît en jeune mariée toute à son désir pour le fringant Iokanaan, devenu sujet séduisant du désir féminin, est d’une rare justesse. Salomé ardente et monstrueuse, incarnation du désir le plus impérieux, amoureuse et castratrice. La diva convainc par son intensité dramatique, son chant à blanc, jusqu’à l’accomplissement cynique (« j’ai baisé ta bouche Iokanaan / est-ce la saveur du sang ? Non la saveur de l’amour »). Si le jeu de la soprano Vida Miknevičiūtė convainc, dommage que dans la fosse, le chef assure une direction rien que routinière, sans les éclats et mille nuances de timbres qu’a ciselé pourtant le génial Strauss. La production doit être vue pour la mise en scène de Christof Loy, la Salomé expressive et juste de Vida Miknevičiūtė.

 

 

 

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CRITIQUE, opéra. Helsinki, le 7 avril 2022. R STRAUSS : Salomé. Hannu Lintu / Christof Loy

REPLAY 

-  A VOIR et revoir sur ARTEconcert jusqu’au 12 mai 2023
https://www.arte.tv/fr/videos/104849-000-A/richard-strauss-salome/
Durée : 1h46mn

 

 

 

Distribution
Vida Miknevičiūtė (Salomé)
Mihails Culpajevs (Narraboth)
Nikolai Schukoff (Herodes)
Karin Lovelius (Herodias)
Andrew Foster-Williams (Jochanaan / Iokanaan)
Elli Vallinoja (Herodia’s Page)
Orchestre de l’Opéra National de Finlande
Hannu Lintu, direction

 

 

 

CRITIQUE CD événement. David Kadouch, piano. Les musiques d’Emma Bovary (1 cd Mirare juil 2021)

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mirare david kadouch musiques emma bovary farrenc viardot fanny clara critique cd classiquenews CLIC de classiquenews critique cd reviewCRITIQUE CD événement. David Kadouch, piano. Les musiques d’Emma Bovary (1 cd Mirare juil 2021) – Comme dans son précédent album, Révolution, critiqué et distingué par CLASSIQUENEWS (CLIC de CLASSIQUENEWS, été 2019), le pianiste David Kadouch, parmi les plus convaincants de sa génération (né en 1985) interroge ici le romantisme sacrifié d’une héroïne de la littérature française du XIXè: Emma Bovary. Le pianiste défricheur suit les pas de l’auteur Flaubert et semble analyser les ferments d’une âme passionnée, très vite rattrapée par le sentiment de frustration, de dépression suicidaire. Le parallèle avec les saisons de Fanny Mendelssohn (de l’angélisme de la jeune mariée, aux premiers assauts d’une mélancolie croissante, dès “juin”, son élan amer, puis « septembre », ses accents paniqués…), l’hispanisme mélancolique de Pauline Viardot, les errements illusoires des Nocturnes de Chopin, l’emblème sentimental qu’incarne alors la Valse de Coppelia, transcrite par Dohnanyi d’après Delibes, concentré romantique par excellence… disent assez la complexité psychologique dont il est question.

 

 

 

David Kadouch joue Fanny, Clara, Pauline, Louise…
révélant le fabuleux piano d’Emma Bovary

 

 

 

Le jeu tout en nuances et subtilité du pianiste sublime le propos et rend même concrètement palpitant les rêves et vertiges d’Emma l’insatisfaite.
« A quoi-tu rêves, Emma… », aime entendre David Kadouch. Face à tant de miroitements et scintillements sonores, l’âme s’abandonne aux parfums d’une musique qui dévoile les profondes aspirations du sentiment. L’épouse Emma ne peut contraindre et contrôler les rêveries d’Emma amoureuse. Comme un frère inattendu, Liszt semble se rapprocher au plus près du cœur d’Emma : Réminiscence de Lucia di Lammermoor, l’opéra qui marqua tant Emma à Rouen, résonne comme une alarme secrète, tel le signal avant la tempête intérieure. Le Romantique Hongrois en synthétise les élans admirables comme les dangers illusoires. En un fabuleux parcours, jalonné de pièces de compositrices affûtées, rêveuses, et même éperdues, (Variations de Clara Wieck, future épouse Schumann / sublime Notturno en si mineur de Fanny Mendelssohn ; sans omettre l’ivresse nostalgique de l’air russe de Louise Farrenc), David Kadouch nous fait partager les aspirations d’Emma : il en produit l’indicible texture sonore, entre désir et regret, songe et dépression. Formidable hommage célébrant l’héroïne de Flaubert. Passionnant et convaincant.

 

 

 

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CLIC_macaron_2014CRITIQUE CD événement. David Kadouch, piano. Les musiques d’Emma Bovary (1 cd Mirare – enregistré en juil 2021 au TAP Poitiers) – CLIC de CLASSIQUENEWS printemps 2022.

 

 

 

 

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AUTRE CD de David Kadouch, critiqué sur CLASSIQUENEWS :

kadouch-david-revolution-cd-mirare-critique-cd-classiquenews-clic-de-classiquenews-cd-critique-piano-opera-critiqueCD, événement, annonce. RÉVOLUTION, DAVID KADOUCH, piano (1 cd Mirare, 2018). Né en 1985, le pianiste français DAVID KADOUCH fait partie des rares interprètes au toucher savoureux, capable d’une articulation nuancée, sachant murmurer ou rugir quand il le faut ; toujours au service de l’intériorité des oeuvres. A ces qualités, il ajoute dans ce nouvel album, une qualité complémentaire, celle de l’intelligence conceptrice. Le programme, enjeu de bien des réflexions pas toujours heureuses chez certain(e)s, s’avère dans son cas d’une intelligence sensible raccordant le chant du piano… à la mémoire, un temps passé, retrouvé sous le filtre recréateur du témoignage et de la réitération incarnée. Qu’on aime cet enchaîenment de pièces millimétrées où n’ont pas leur place la performance ni l’hystérie martelée / marketée (familières chez tant de ses confrères/sœurs). CLIC de CLASSIQUENEWS : en lire PLUS

CRITIQUE CD, coffret événement, critique. R. STRAUSS / NELSONS (7 cd DG Deutsche Grammophon)

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Andris-Nelsons--Strauss-leipzig-boston-critique cd review classiquenews deutsche grammophonjpgCRITIQUE CD, coffret événement, critique. R. STRAUSS / NELSONS (7 cd DG Deutsche Grammophon) – 2 orchestres : Boston Symphony Orchestra, Gewandhausorchester Leipzig ; 1 chef :  Andris Nelsons font ici la valeur de ce coffret  «  Alliance », dédié aux oeuvres symphoniques majeures de Richard Strauss. Outre la vivacité énergique du maestro, c’est aussi l’opportunité de comparer les qualités de chacune des deux phalanges dont il est directeur musical.
Chaque orchestre réalise 3 programmes Straussiens – puis ce « retrouve en cd 7, dans la première de « Festliches Präludium » (Festive Prelude, pour orgue et orchestre : soliste, Olivier Latry), – ample fresque orchestrale jouée par les 2 formations réunies en nov 2019 (Boston), point fort de ce projet interorchestral et aussi, point de départ du cycle Straussien entre Boston et Leipzig.
« L’alliance » ainsi défendue s’appuie en vérité sur l’histoire croisée des 2 institutions musicales des deux côtés de l’Atlantique ; en mêlant les instrumentistes des deux formations à jouer ensemble à l’occasion de Journées d’échanges (Leipzig Week in Boston ; Boston Week in Leipzig), Nelsons ne fait que renouveler des liens historiquement avérés dès la fin du XIXè, après la création du Boston Symphony Orchestra en 1881 : le siège de l’Orchestre américain (Boston Symphony Hall) s’inspire du Gewandhauss II ; de même nombre de directeurs du Boston ont étudié au Conservatoire de Leipzig. Andris Nelsons lui-même, est directeur musical des 2 orchestres, comme… Arthur Nikisch auparavant. La coopération des deux orchestres n’a donc rien de surprenant.

A travers ce programme, composé de poèmes symphoniques, de cycles symphoniques, de suites conçues à partir d’opéras, de pièces pour cordes seules (Metamorphosen)… , Nelsons joue avec le brio, l’élégance, le raffinement voire le délire de l’orchestration et l’humour de Strauss (son grand lyrisme coloré par un goût parfois immodéré pour le pastiche et la surenchère de timbres).
L’écoute des deux phalanges met en lumière la grande cohérence sonore des cordes et la clarté naturelle de Leipzig ; l’éclat, la vivacité, voire l’exubérance ivre des cuivres de Boston qui rappelle les « divines » années sous l’ère Monteux, Leinsdorf, Ozawa ; Nelsons nourrit les affinités entre les Bostoniens et Strauss, lequel comme chef put les diriger dans sa propre musique (Don Juan, Feursnot, Don Quichotte, en … 1904).

L’ampleur du projet, la réalisation plus qu’honnête, engagée, riche en panache et rebonds dramatiques (avec le scintillement précis, aiguisé des solistes invités : Yuja Wang dans Burleske / Leipzig, Yo-Yo Ma pour Don Quixote avec les Bostoniens) justifient la présente gravure : le corpus Strauss ainsi réalisé par Nelsons ressuscite une tradition coopérative interorchestre assez passionnante, qui rompt avec les habitudes du milieu. La grandeur du colossal (Festliches Präludium, avec orgue ! qui accrédite la vertu des grands rassemblements), la sublimation chambriste (Metemorphosen), la verve hautement dramaturgique des poèmes symphoniques dont Strauss jeune est passé spécialiste inégalé (Don Juan , Macbeth, Till,…), les cycles épiques (Ein Heldenleben et Aus Italien par le Gewandhaus, somptueux et rond, intérieur et comme enivré ; Symphonia Domestica et Eine Alpen Alpensinfonia par le Boston…), sans omettre la rutilance des scènes / extraits (Fauersnot, Salomé…) et Suites tirés des opéras (Der Rosenkavalier, Die Frau ohne schatten en tête…) suscitent l’enthousiasme. Le programme généreux de ce coffret à l’entente fraternellement orchestrale souligne combien Richard Strauss est l’un des grands conteurs parmi les plus inspirés du premier XXè (avec Ravel, Mahler, Sibelius…). CLIC de CLASSIQUENEWS printemps 2022.

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CLIC_macaron_2014CRITIQUE, CD. Coffret Deutsche Grammophon – 7 cd – Parution : 6 mai 2022 – 8h31mn – DG 4862040 avec  les solistes Yuja Wang (Burlesque) et Yo-Yo Ma (Don Quichotte). Boston Symphony Orchestra, Gewandhausorchester Leipzig - Andris Nelsons, direction – enregistrements : 2017 à 2021 – Deutsche Grammophon.

DVD, Blu-ray, critique : Wagner: Tristan et Isolde – Barenboim (Berlin, 2018 – Tcherniakov – 2 dvd Bel Air classiques)

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TRSITAN-UND-ISOLDE-bel-air-classiques-barenboim-Berlin-2018-dvd-blu-ray-critique-opera-classiquenews-tcherniakov-classiquenews-critique-reviewDVD, Blu-ray, critique : Wagner: Tristan et Isolde – Barenboim (Berlin, 2018 – Tcherniakov – 2 dvd Bel Air classiques)  -  Berlin avril 2018. Daniel Barenboim en dirigeant cette nouvelle production de Tristan offre une leçon de direction subtile, profonde allusive d’une sincérité irrésistible qui enchante dès le début. L’ouverture saisit par l’intelligence des phrasés aux flûtes et aux cordes (tempi étirés, suspendus, énigmatique, qui portent au mystère de l’acte II), à ce que disent les cors orfévrés, d’une incroyable couleur lumineuse et crépusculaire à la fois, pleins et riches d’une ivresse et d’une langueur extatiques, énoncées comme des questionnements sans fin, faisant jaillir le miracle et l’absolu de l’amour (et l’anéantissement des âmes qu’il produit). Avec le recul la pandémie ayant déconstruit tout un monde et un ordre mondial perdu, on se dit que ce son articulé, ciselé par un chef wagnérien de premier plan, en 2018, dit une plénitude à jamais inatteignable.

 

 

 

Fosse et chanteuses somptueuses

 

 

 

Sur scène, la relecture de Tcherniakov tire non sans rupture avec l’excellence orchestrale de la fosse, vers un théâtre réaliste : décors modernes, où le bateau du I se fait salon d’un jeune cadre trader de la classe moyenne supérieur et le jeune matelot, un invité égaré dans une soirée arrosée entre business men ; où Isolde et Brangäne, ambassadrices d’une tragédie émotionnelle explosive, font incursion de façon artificielle dans un contexte trop décalé. Fi du moyen âge, des chevaliers, de cette Irlande des preux et gentes dames. Tcherniakov nous plonge dans une actualisation imposée à coup de forceps car il faut quoi qu’il en coûte, que la grille théâtrale retenue s’accorde au drame musical et aux situations originelles. Limites des mise en scène actualisantes. Ce salon est celui d’un yacht qui vogue vers la cour du roi Mark de Cornouailles. Quel dommage que la scénographie soit aussi peu en phase avec les situations ; que les décors écartent toute poésie de la lyre légendaire et médiévale pourtant inscrite au cœur de ce sommet romantique de 1865.
Heureusement, les chanteurs suivent le chef et partagent son souci d’articulation précise exprimant du texte toutes les nuances de l’allusion et des connotations coupables, maladives, déprimées. Isolde pleine de ressentiments (convaincante Anja Kampe), victime forcée d’une tractation qui la choque; Brangäne (excellente Ekaterina Gubanova) prête à suivre et servir sa maîtresse ; leur duo est plus que convaincant. Leur complémentarité irradie tout le I ; en phase avec le tapis orchestral, les 2 cantatrices emportent l’adhésion par ce travail de justesse. Et l’on comprend que le I est l’acte qui cimente Isolde dans sa peine incommensurable ; qui expose la loyauté maternelle et protectrice de Brangäne pour la princesse destinée à être reine de Cornouailles.
Côte hommes, s’il a le timbre et la projection d’une constante intensité, le Tristan d’Andreas Schager peine à nuancer à l’égal de ses partenaires féminines ; son vibrato trop présent ici, finit par diluer toute les phrases ; telle affectation dans le style amollit la conception du personnage pourtant clé. A 1h20: l’embrasement des 2 cœurs qui se reconnaissent en dépit de tout [sous l'effet du philtre] au moment où retentit l’hommage au roi mark à l’approche de la Cornouaille, se réalise néanmoins dans une ivresse libératrice, d’une force musicale saisissante.

Dans ce jeu de déconstruction pseudo creative et de réécriture théâtreuse plutôt creuse, tout n’est pas à jeter pour autant, -chaque production peut révéler ses surprises… ici en fin d’action. Le début du III reste hypnotique grâce à un jeu dépouillé proche du suédois Bergman où dans une chambre close bientôt rendue par Kurwenal à la lumière du jour, attend malade anéanti mais plein d’espoir un Tristan alité, mourant ; c’est moins Kurwenal aux phrasés indécis, aux lignes mal assurées (inconstant Boaz Daniel) que l’excellent jeune matelot de Linard Vrielink déjà écouté dans le même rôle à Aix (retrouver ci dessous lien vers la critique Aix 2021), qui souligne ce travail millimétré développé sous la conduite du chef orfèvre, lequel en fosse poursuit des merveilles d’intentions musicales ; ciselant une étoffe orchestrale pleine de nuances et de connotations finement cousues par des instruments infiniment raffinés [le babil des flûtes et clarinette quand Tristan croit voir Isolde arriver enfin sur les côtes bretonnes] ; où le chant des instruments rappelle à chaque mesure le poids et l’éloquence d’un passé inéluctable [murmures caressants de la clarinette, du cor jaillissant ondulant, scintillant, melliflu...] , qui engage les protagonistes à leur solitude, leur propre destin.

 

 

 

La fosse miraculeuse
sublimée par Daniel Barenboim

 

 

 

Le miracle Barenboim s’accomplit. Musique de la psyché aux phrases puissantes et longues comme suspendues et interrogatives pour lesquelles en un arioso extatique le chant de Tristan (en malade halluciné) gagne une intensité remarquable : le jeu d’acteur, malgré des défaillance liées à longueur du rôle et l’ampleur de son solo tragique, est alors stupéfiant.
Cette blessure tragique qui s’écoule et dilue jusqu’à l’essence du héros, (comme plus tard l’autre maudit fautif Amfortas dans Parsifal), est au cœur du dernier acte. Comme une psychanalyse qui surgit ; le héros aux portes du trépas, interroge ses origines, ses parents, la nature du désir qui le dévore et le conduit à la mort, – vertige immense et sublime dévoilé par la direction saisissante de Barenboim. La soif d’amour de Tristan dépossédé d’Isolde finit par le tuer, avant qu’Isolde ne meurt elle aussi d’amour mais dans la lumière [ce qui est refusé à Tristan].

CLIC_macaron_2014La baguette du chef et les chanteurs font la valeur de cette production berlinoise de très haut vol sur le plan artistique. La vision de Tcherniakov reste terre à terre et théâtralement surjouée ; plutôt que d’éclaircir l’action, Tcherniakov la charge d’une lourdeur maladive systématique [surenchère de vidéos au moment clé de l'action] qui finit par dénoter avec le miracle wagnérien. Musicalement, la production est splendide.

 

 

 

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DVD, Blu-ray, critique : WAGNER: Tristan et Isolde – Barenboim (Berlin, 2018 – Tcherniakov – 2 dvd Bel Air classiques). CLIC de CLASSIQUENEWS printemps 2022. Parution annoncée : le 27 mai 2022.

 

 

 

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VISIONNER LE TEASER VIDEO : 

 

 

 

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Wagner : Tristan et Isolde
[DVD & Blu-ray]
Opéra en trois actes, 1865
Musique et livret Richard Wagner (1813-1883)

PLUS D’INFOS sur le site de BEL AIR CLASSIQUES :
https://belairclassiques.com/catalogue/wagner-tristan-und-isolde-daniel-barenboim-dmitri-tcherniakov-anja-kampe-andreas-schager-dvd-blu-ray

Distribution

Tristan : Andreas Schager
Roi Marke : Stephen Milling
Isolde : Anja Kampe
Kurwenal : Boaz Daniel
Melot : Stephan Rügamer
Brangäne : Ekaterina Gubanova
Un timonier : Adam Kutny
Un berger / Un jeune marin : Linard Vrielink
(lire aussi notre critique de TRISTAN UND ISOLDE, Aix en Provence 2021 avec Lianrd Vrielink :
https://www.classiquenews.com/critique-opera-wagner-tristan-und-isolde-le-9-juil-2021-stuart-skelton-tristan-nina-stemme-isolde-mise-en-scene-simon-stone-lso-london-symphony-orchestra-direction-musicale-simon/ )

Cor anglais : Florian Hanspach-Torkildsen (Acte III)

Staatskapelle Berlin | Staatsopernchor Berlin
Daniel Barenboim, direction

Mise en scène et décors : Dmitri Tcherniakov

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CD, critique. DEBUSSY : Demoiselle élue, Saint-Sébastien, Nocturnes (OPRF, Mikko Frank – 1 cd Alpha)

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La-Damoiselle-elue-Le-martyre-de-Saint-Sebastien-Nocturnes mikko franck radio france critique cd classiquenewsCD, critique. DEBUSSY : Demoiselle élue, Saint-Sébastien, Nocturnes (OPRF, Mikko Frank – 1 cd Alpha). Superbe cycle debussyte qui profite essentiellement de la vision nuancée, intérieure de l’excellent directeur musical actuel, Mikko Franck. Au geste analytique et sensible répond ce naturel transparent des instruments français dont l’écoute et la mesure éclairent brillamment un programme remarquable qui souligne si l’on en doutait encore, le génie du Debussy symphoniste. La richesse des harmonies, la poésie atteinte dans les alliages de timbres font déjà tout l’onirisme médiévalisant de l’introduction de La Demoiselle Élue – dans cet écrin musical des plus raffinés (3è envoi comme Prix de Rome en 1888), dommage que la Maîtrise de RF, pourtant bien articulée, soit fixée dans une prise lointaine et froide, que la soliste Melody Louledjian, quoique juste en intonation, demeure elle inintelligible dans un français approximatif. Pourtant l’énoncé majeur « Je voudrais qu’il fût déjà près de moi » convoque l’extase des mystiques foudroyé par la foi, qui fait du manuscrit cet « oratorio » sensible d’une délicatesse infini qui déjà pose la question de l’identité et du lieu, question centrale chez l’auteur de Pelléas…

Mikko Franck, somptueux debussyte

La langueur debussyste gagne un cran supplémentaire vers l’excellence orchestrale dans le Martyre de Saint-Sébastien 1912), fresque elle aussi médiévale et intensément spirituelle sous une forme flottante. La Suite en 4 mouvements (cycle très équilibré autour de 20 mn promis à un riche succès au concert), synthétisent tout ce qui en fait la valeur profonde, purement musicale, outre son déroulement chorégraphique puisqu’il s’agit d’un ballet (sur l’idée du poète d’Annunzio) : son primitivisme épuré d’une modernité harmonique absolue (fanfare des bois et vents au début de « La Cour des Lys ») – Franck trouve le ton juste et l’équilibre idéal entre ascétisme instrumental et naturel dramatique – les 4 « Fragments » éblouissent par leur plénitude méditative et aussi leur énergie intérieure qui semblent diluer le temps et élargir l’espace, inscrivant le drame musical dans une suspension onirique aux multiples lectures : ainsi les climats inquiétants et profonds de « la Passion » dont le secret semble se dérober à toute lecture littérale, convoquant là encore la langueur interrogative, irrésolue, de Pelléas…
Le couplage avec Nocturnes (1900) est très pertinent : on y décèle une filiation esthétique et des caractères de timbres proches capables d’expliciter la pensée picturale de Debussy lorsqu’il s’agit d’exprimer le mystère et la réalité à la fois de l’immatérielle nature (« Nuages ») : Franck en fait surgir la sourde clameur d’une inquiétude lancinante (cette « agonie grise doucement teintée de blanc »). L’agilité aérienne, arachnénenne des flûtes préalables semblent conduire tout l’élan de « Fêtes », manifeste insouciant du mouvement : tandis que « Sirènes » exalte les vertus expressives de l’orchestre fusionné avec la magie du chœur, en un épisode à la liquidité mystérieuse, traversée d’éclats éblouissants : « parmi les vagues argentées de lune, s’entend, rit et passe le chant mystérieux des Sirènes ». Franck, orfèvre des timbres, ne sacrifie jamais la précision ni le détail à la vibration collective, d’essence onirique. Le geste est constamment nuancé, permettant l’essor de la suggestivité : c’est un bel hommage à la texture purement française. Nouvelle version de référence. Captivant.

 

 

 

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CLIC D'OR macaron 200CD événement, critique. DEBUSSY : La Démoiselle Élue (1), Le Martyre de Saint-Sébastien (2), Nocturnes (3) (Orch Philh de Radio France, Mikko Franck – 1 cd Alpha – enregistré en 2019 (1) et 2020 (2, 3) – CLIC de CLASSIQUENEWS – coup de cœur Printemps 2022.

 

 

 

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AUTRE CD de Mikko Franck, critiqué sur CLASSIQUENEWS :

franck-cesar-cd-symphonie-re-ce-que-me-dit-la-montagne-cd-mikko-franck-critique-review-classiquenews-400CD événement, critique. César Franck par Mikko Franck : Symphonie en ré, Ce que l’on entend sur la montagne, Philharmonique de Radio France (1 cd Alpha). Depuis sa création en 1937, le Philharmonique de Radio France n’a jamais semblé aussi heureux et épanoui que sous la conduite du finlandais Mikko Franck. On se souvient d’une remarquable Tosca à Orange où le chant orchestral produisait une tension dramatique captivante (été 2010). On retrouve le même engagement et une entente bénéfique dans ce programme dédié au symphonisme de César Franck.

 

 

 

 

 

 

CRITIQUE, CD événement. PAN ATLANTICO : Diana Baroni / Simon Drappier (1 cd Accords croisés)

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Pan-Atlantico diana baroni simon drappier cd critique classiquenews traverso chantCRITIQUE, CD événement. PAN ATLANTICO : Diana Baroni / Simon Drappier (1 cd Accords croisés) – Flûtiste ès mérite (au sein du Café Zimmermann), chanteuse à tempérament, entre gouaille et grain, mais latino et inspirée par les chamans du Nouveau Monde, Diana Baroni signe ici l’un de ses meilleurs enregistrements : miraculeux, poétique, d’une transe hallucinée, invoquant, exhortant toutes les misères et les grandeurs (vaines) de ce monde. Empruntant désormais les chemins de la chanson à message, dramatique, tout en servant une sensibilité millimétrée et orfévrée qui recueille des décennies de compagnonnage en terre baroqueuse… Distinguons deux hymnes au monde, à la terre, à l’humanité : Tonada de luna llena et Que he saccado con quererte. Diptyque où le texte incarné en fusion avec l’arpeggione atteint de rares et bouleversante fulgurances.
C’est le chant de la mère, de l’humble servante , pleureuse et invocatrice tragique, l’instrumentiste pour laquelle toutes les nuances de la muCLIC D'OR macaron 200sique baroque, historiquement informées, n’ayant aucun secret, sème sa part de tendresse et d’humanité, d’ultime imploration avant la fin du monde. La musicienne argentine a fait évolué son art en s’accordant et de quelle manière à la corde incandescente de l’arpeggione de Simon Drapier, violoncelle lui aussi venu du XIXè Schubertien, qu’un sens virtuose de l’improvisation, associe désormais en complicité et compréhension à la diseuse funambule.

Le verbe extraverti, espagnol ou portugais, dit cette mélancolie indicible, marquée par le départ, le deuil, le renoncement. Les deux cordes se répondent, – avec le vol enchanté du traverso dont se saisit la chanteuse instrumentiste- dialoguent, s’électrisent au delà de tout ce que l’on a écouté, entendu jusque là : plainte et prière à la fois, pour un monde qui peut n’être jamais et ne sera jamais définitivement ; toujours espéré, vainement. Viscéralement évoqué, invoqué, souhaité. Magistral duo. CLIC de CLASSIQUENEWS du printemps 2022.

 

 

PLUS D’INFOS sur le site de Diana Baroni : https://www.dianabaroni.com/actualites/blog-post-title-three-cs6dl-QhfHC-tmkmg-a9z3e

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TEASER VIDEO :

 

 

 

 

CRITIQUE, CD, événement. HAYDN N°11 – «  Au goût parisien ». Symphonies : 87, 82, 24, 2 – Kammerorchester Basel – Giovanni Antonini (1 cd ALPHA)

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haydn symphonies 82 87 24 2 par Giovanni Antonini kammer orch basel cd critique review CLIC de CLASSIQUENEWS haydn 2032 ALPHA classicsCRITIQUE, CD, événement. HAYDN N°11 – «  Au goût parisien ». Symphonies : 87, 82, 24, 2 – Kammerorchester Basel – Giovanni Antonini (1 cd ALPHA)   –   Depuis plusieurs années, l’éditeur Alpha et l’Orch de chambre de Bâle enregistrent l’intégrale des 107 symphonies de Haydn…pour souligner en 2032, les 300 ans du compositeur viennois. Le chef Giovanni Antonini très impliqué dans les notions dynamiques, veille à la qualité artistique de l’aventure, associant aussi son propre orchestre Il Giardino Armonico…
Une éloquence crépitante, qui sait être souple ou frénétiquement contrastée : ainsi s’affirme la vitalité expressive du geste inventif, libre, à la fois furieux et intérieur du chef (et remarquable flûtiste) Giovanni Antonini, ici à la tête du collectif bâlois : l’orchestre de chambre de Bâle / Kammerorchester Basel / un modèle de volubilité hypersensible qui rappelle les réalisations elles aussi millimétrées des mêmes symphonies de Haydn sous la direction de Thomas Fey (avec le Heidelberg Sinfoniker)…
LIRE aussi notre critique des symphonies de Haydn par Thomas Fey / Heidelberg Sinfoniker : https://www.classiquenews.com/haydn-symphonies-n53-limpriale-n54heidelberger-sinfoniker-thomas-fey-1-cd-hnssler-classic/ : «  Vitalité, âpreté, mordant: les accents majeurs de l’approche de Fey à la tête de son orchestre de chambre sont désormais bien connus. Sont-ils pour autant d’excellents arguments capables d’insuffler à la machine orchestrale, ici magnifiquement polie pour les 2 symphonies de 1774, … ce caractère et cette tension, ennemis d’une certaine routine ronflante?  »
…
De son côté, le programme défendu par Giovanni Antonini expose la très riche palette de nuances et demi teintes (cet art rarement maîtrisé, du clair-obscur / chiaroscuro dont le chef est capable) ; il met en valeur les Symphonies particulièrement prisées des parisiens du début des années 1770 (1773) jusqu’à la fin des années 1780.
Mais sous la baguette de Giovanni Antonini, les contrastes et leurs alternances n’ont jamais le même caractère ; d’où une absence de toute effet mécanique ; l’articulation suit un plan organiquement changeant, pour chaque mesure… Voilà qui pourrait inspirer nombre d’orchestres modernes (et d’orchestre tout court) tant la finesse et le naturel de chaque mouvement rayonnent de liberté expressive, de fluidité ardente, d’hédonisme et d’accents qui sont proches de la parole ; tout s’enchaîne dans la diversité et la caractérisation, semblant servir et expliciter un plan général où chaque séquence signifie par sa singularité active. Toutes les parties s’imbriquent pour constituer une totalité nécessaire, une architecture équilibrée pourtant colorée et habitée selon le mouvement ; l’Allegretto de l’Ours (n°82) sait éblouir par une facétie à peine voilée ; de même l’allant dansant du Finale (dont la contredanse à 2/4 évoque l’allure d’un ours) détaille chaque chant des pupitres comme les plans expressifs distincts magnifiquement agencés, d’une ébouriffante fantaisie délurée. Cette liberté dans la souplesse, cette urgence dans la facétie ressuscitent au plus juste l’esprit même de Haydn, son esprit lumineux, sa pétillance primitive, son goût de l’invention.

Suite de l’intégrale des Symphonies de Joseph Haydn
Giovanni Antonini,
l’orfèvre qui réinvente HAYDN….

La 87 s’impose aussi par les effets de contrastes autant que de surprise ; même suractivité, presque bavarde et délirante, dès le début (le « Vivace », développé plus que de coutume ici : plus de 10mn d’une introduction qui surexprime et trépigne; mais qui exalte une motricité rythmique … rossinienne. Le ton est donné. La frénésie n’écarte pas les séquences d’une sensualité grave irrésistible. Une telle caractérisation confère à chaque symphonie la force poétique d’un opéra pour instruments et témoigne selon les mots du chef de « ce kaléidoscope des émotions humaines » revendiqué par Antonini. L’Adagio qui suit fait valoir la noblesse majestueuse cor / hautbois / flûte, soit un pastoralisme d’une « grandeur » royale et d’un raffinement aristocratique (ceux de Marie-Antoinette en son hameau de Trianon ?) – Le Menuet respire lui aussi la grâce, l’élégance, et aussi la percée facétieuse (hautbois) comme le Finale (Vivace II), tranchant et vif dont la coupe est si proche de Mozart (dernière symphonie « Jupiter » n°41).
Les 2 dernières sont plus « standards » pour autant que ce vocable sied à l’imagination débridé d’un Haydn jamais prévisible ; la 24 -composée en 1764, premier opus dont un document atteste qu’il s’agit de la première symphonie qui fut jouée et très applaudie à Paris(avril 1773) regorge de saine vivacité ; de drôlerie aussi (assumée par le cor dans le Menuet (entre autres) ; tandis que la plus ancienne, n°2, montre par comparaison (inévitable avec l’aplomb des plus récentes jouées précédemment) l’étendue poétique et expressive qui l’éloigne des deux premières n°82 et 87.
La finesse et l’intelligence avec lesquelles Giovanni Antonini aborde le massif haydnien relève d’une compréhension à la fois encyclopédique et poétique de son sujet : sa connaissance devient verve, pure agilité, mais aussi humilité car il approche chaque symphonie comme s’il s’agissait d’une planète parmi une multitude, d’une constellation infinie et vertigineuse, au diapason d’un univers plus vaste encore, celui de la pensée de Joseph Haydn. Passionnante intégrale dont l’approche et la conception renouvellent totalement l’interprétation de Haydn, comme des symphonies du XVIIIè.

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CLIC_macaron_2014CRITIQUE, CD, événement. HAYDN N°11 – «  Au goût parisien ». Symphonies : 87, 82, 24, 2 – Kammerorchester Basel – Giovanni Antonini (1 cd ALPHA – enregistré en 2019 – 2020)

Durée : 1h27 – enregistré en 2019 (87, 82, 24) – 2020 (2) – CLIC de CLASSIQUENEWS – printemps 2022.

CRITIQUE CD, événement. A night in LONDON : Ophélie Gaillard (violoncelle) : Oswald, Geminiani, … (1 cd Aparté)

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gaillard ophelie night in london oswald geminiani critique cd review CLIC de CLASSIQUENEWSCRITIQUE CD, événement. A night in LONDON : Ophélie Gaillard (violoncelle) : Oswald, Geminiani, Haendel, Porpora, Cirri… Pulcinella (1 cd APARTÉ – enregistré en sept 2021) – Feurons du programme, les Concertos de Porpora et de Cirri, deux œuvres clés (et maîtresses du répertoire) témoignent de l’attraction de Londres au XVIIIè pour les meilleurs compositeurs pour le violoncelle. Giovanni Battista Cirri en particulier, phénomène londonien dans les années 1770, mêle habilement répertoire noble et « tunes » populaires joués dans les tavernes, sobriété et virtuosité, profondeur déjà mozartienne et facétie préfigurant Haydn…
Figurent aussi Boccherini ou surtout Geminiani (« il Furibondo », plus connu comme violoniste cependant) ; auteur du fameux recueil de 6 Sonates (1746), il offre ici une fabuleuse adaptation de la Folia d’après son maître Corelli… Geminiani fait le lien avec le légendaire James Oswald, violoncelliste écossais surdoué (qui publie sa collection de « Scots Tunes », Edimbourg 1740), un cycle de joyaux mélodiques, à la fois allusifs, pudiques, mélancoliques à l’énoncé sincère comme s’ils étaient joués à l’instant, et comme improvisés. L’instrument égale l’intensité et la volubilité à la fois inquiète et fluctuante de la voix, laquelle paraît au comble de l’impuissance, telle ce chant d’une magicienne défaite face à l’amour (Alcina incarné Sadrine Piau) ou l’inatttendu, amusé, « Treatise of Good taste » d’un Geminiani décidément inqualifiable et expérimental autant que déroutant, entre humour et parodie, liberté et fantaisie (« The night her silent sable wore » / La nuit silencieuse portait son manteau… conquête de la belle Stella chez son père, mais contrairement à Faust et Marguerite, l’issue est heureuse ; avec le timbre cuivré de la subtile Lucille Richardot.

CLIC_macaron_2014D’un bout à l’autre de ce programme réjouissant, les enchaînements sont parfaits, le geste détendu, expressif, d’une souplesse à la fois astucieuse, facétieuse et naturelle ; les œuvres aussi originales que puissantes et poétiques. En somme un récital parfait. CLIC de CLASSIQUENEWS printemps 2022.

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CRITIQUE CD, événement. A night in LONDON : Ophélie Gaillard (violoncelle) : Oswald, Geminiani, Haendel, Porpora, Cirri… Pulcinella (1 cd APARTÉ – enregistré en sept 2021)

VOIR
https://www.youtube.com/watch?v=NmIWDdTqRuU

CRITIQUE, LIVRE événement. Richard Strauss : Moi, je fais l’Histoire de la musique (Fayard, mars 2022)

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RICHARD STRAUSS LOOTEN fayard je fais l histoire de la musique ecrits classiquenews critique livre review book 9782213712215-001-TCRITIQUE, LIVRE événement. Richard Strauss : Moi, je fais l’Histoire de la musique (Fayard, mars 2022)  –  Dans le cas de Strauss, l’auteur scandaleux de Salomé ou d’Elektra, la volonté d’éblouir comme de convaincre ne se réduit pas à l’écriture musicale ; cette volonté d’absorber la vie, d’expliquer aussi ses choix et la voie empruntée ne concerne pas uniquement ses partitions dont beaucoup sont autobiographiques (Sinfonia domestica, Une vie de héros, Intermezzo…) ; elle s’étend aussi à l’écriture stricto sensu : en cela Richard suit son aîné et mentor, l’autre Richard : Wagner.  Strauss admire (comme Bruckner) l’auteur de Tristan ; ses écrits n’ont pas de secret pour lui, dont en particulier « Opéra et Drame » dont le texte devrait « être lu et étudié dans toutes les universités et dans chaque conservatoire » : on ne saurait mieux exprimer sa vénération.

Les textes réunis par Christophe Looten reprennent l’édition « brute » des 16 cahiers de Richard Strauss, les fameux « Gesammelte Schriften » / « écrits réunis » (réalisée en 2016 par la Sté R Strauss de Munich) dont une partie avait déjà été imprimée, sans contextualisation ni présentation raisonnée, dès 1949 (sous le titre assez imprécis « Betrachtungen und erinnerungen / considérations et souvenirs ») par le suisse Willi Schuch, musicologue proche de Strauss, lequel n’en fut jamais réellement satisfait. Ch. Looten propose pour Fayard une publication intégrale mais avec une présentation et une mise en contexte, soit tous les écrits de R. Strauss dans un agencement rationnel en 5 parties, lesquelles suivent la chronologie d’une vie riche à plus d’un titre. La couverture choisie évoque évidemment la danse de Salomé (esquisse du peintre Gustave Moreau), page orchestrale d’une furieuse sensualité qui fait objectivement de Strauss, le plus grand symphoniste et créateur lyrique du XXè.

 

 

RICHARD STRAUSS DANS LE TEXTE

strauss richardLa mise en ordre n’empêche ni la sincérité des écrits ni leur pertinence artistique, esthétique voire politique ; si l’on parle souvent de sa « naïveté » vis à vis de Mussolini ou du régime hitlérien, le discernement et la stratégie du compositeur se manifestent pleinement dans ces pages de première valeur. Ainsi, d’une matière littéraire qui était d’abord destinée aux biographes de Strauss, le lecteur parcourt de la plume même de l’auteur, le cheminement d’une carrière admirable qui de fait, au regard de son génie compositionnel, aura « fait l’Histoire de la musique », celle de la première moitié du XXè. Chaque chapitre est précédé par un rappel des « principaux événements » de la vie de Strauss, de la vie artistique en général : « Enfance », « Jeunesse », « Années glorieuses » / celles d’Elektra, du Strauss, chef à Bayreuth, … ; « Dernières années » : où se précisent des indications personnelles sur l’inspiration, les méthodes de travail, la mélodie, l’admiration pour les écrits de Wagner, modèle permanent… ; enfin « Année sombres », dernier chapitre qui concentre les ultimes réflexions sur le sens d’une œuvre (Strauss y mêle des remarques très personnelles et souvent surprenantes mais justes sur … Schubert, « l’éducation humaniste », l’atonalité, l’effondrement total de l’Allemagne, …). Le compositeur célébré voire vénéré fut aussi un témoin de la guerre et de la chute de l’Allemagne emportée par l’effondrement de l’empire nazi.
CLIC_macaron_2014Auparavant, d’innombrables anecdotes éclairent l’ambiance et la vie de Strauss, lequel a toujours baigné dans une intense activité artistique, comme en témoignent les personnalités évoquées : les chefs Hans von Bülow, Herman Levi, Schuch, Mottl…, Wagner lui-même en prise de bec avec Strauss père, corniste de génie au tempérament bien trempé ; la veuve Wagner, Cosima, et son fils, Siegfried ; mais aussi Bruckner et Brahms (peu estimés), Mahler, Johann Strauss, Schoenberg… sans omettre son entrevue avec Mussolini ; mais aussi, pilier de l’œuvre musicale, l’écrivain et poète Hofmmansthal, son librettiste de prédilection avec lequel Strauss aura conçu ses plus grandes oeuvres (Looten a précédemment publié leur correspondance chez Fayard). L’humour et l’acuité de la pensée donnent vie et relief à ce qui n’aurait pu être qu’un catalogue d’épisodes personnels. Saisissant.

 

 

 

 

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CRITIQUE, LIVRE événement. Richard Strauss : Moi, je fais l’Histoire de la musique (Fayard, mars 2022) – 320 pages, EAN : 9782213712215 – Prix indicatif : 24 euros. CLIC de CLASSIQUENEWS printemps 2022.
PLUS D’INFOS directement sur le site de FAYARD :
https://www.fayard.fr/musique/moi-je-fais-lhistoire-de-la-musique-9782213712215

 

 

 

 

CRITIQUE, opéra. PARIS, Opéra-Comique, le 24 janvier 2022. THOMAS : Hamlet. Degout / Devieilhe, Langrée / Teste

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devielhe degout hamlet opera comique teste langree critique opera review classiquenewsCRITIQUE, opéra. PARIS, Opéra-Comique, le 24 janvier 2022. THOMAS : Hamlet. Degout / Devieilhe, Langrée / Teste. Bonheur de cette reprise d’Hamlet, déjà produite en 2018 sur les planches de l’Opéra-Comique qui invite quasiment la même distribution gagnante… Le metteur en scène Cyril Teste joue la carte de la vidéo, mieux calibrée dans cette série, avec ses gros plans fouillant la moindre émotion des visages ; avec le tableau de la folie et de la noyade d’Ophélie (fin du IV), frêle figure submergée par un océan projeté qui l’ensevelit littéralement… Aux côtés de Jérôme Boutillier, grand gagnant à Saint-Etienne (et simultanément), le baryton Stéphane Degout affirme toujours à Paris, et depuis une décennie environ, son solide Hamlet… la palette des sentiments, le travail sur l’intériorité et l’urgence souterraine montre combien l’Hamlet de Thomas reste un rôle de poids et de valeur… avant le Pelléas de Debussy. Pour autant, la projection de tant de séquences, de l’effroi murmuré (quand il comprend qu’Ophélie est morte), aux cris déchirants du prince dévoré par l’esprit de vengeance, aurait gagné à davantage de souplesse et souvent une conception plus cohérente du personnage: son « O vin dissipe ma tristesse » est assumée affirmé, droit, comme distancié, presque trop insouciant, sans les meurtrissures et amertumes du fils endeuillé et blessé…

Plus cohérente à notre avis, sur toute l’étendue du personnage pendant l’action, l’Ophélie de Sabine Devieilhe trouve dans la continuité donc, une sincérité plus crédible, moins posée : intérieure, naturelle, essentiellement tournée sur sa douleur langoureuse qu’elle exprime dans son grand air « A vos jeux mes amis », sans surexposer les vocalises.

Rien à redire au Claudius de Laurent Alvaro, bien construit et bien chantant ; au spectre abyssal de Jérôme Varnier ; au Laërte séducteur de Pierre Derhet ; au Chœur Les éléments, présent, impliqué. Dommage cependant que le direction de Louis Langrée recherche davantage le brillant, a contrario de l’introspection progressive de Hamlet, d’Ophélie. Petite réserve tant la production fait par sa globalité expressive, un spectacle prenant de bout en bout.

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CRITIQUE, opéra. PARIS, Opéra-Comique, le 24 janvier 2022. THOMAS : Hamlet. Degout / Devieilhe, Langrée / Teste. Photos : © Vincent Pontet

Hamlet : Stéphane Degout
Ophélie : Sabine Devieilhe
Claudius : Laurent Alvaro
Gertrude : Géraldine Chauvet
Laërte : Pierre Derhet
Le Spectre : Jérôme Varnier
Marcellus, 2ème Fossoyeur : Yu Shao
Horatio, 1er Fossoyeur : Geoffroy Buffière
Polonius : Nicolas Legoux

Chœur Les éléments
Chef de chœur : Joël Suhubiette
Orchestre des Champs-Élysées
Louis Langrée, direction
Mise en scène : Cyril Teste

CD, BRUCKNER : Symphonie n°2 (Thielemann, version 1877 Carragan, Wiener Philharmoniker, Christoph Thielemann)

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Bruckner-Symphonie-2 thielemann wiener classiquenews critique reviewCD, BRUCKNER : Symphonie n°2 (Thielemann, version 1877 Carragan, Wiener Philharmoniker, Christoph Thielemann) – Le premier mouvement Moderato, le plus ample, est un portique majestueux qui alterne l’esprit de grandeur et la tendresse presque innocente (flûtes aériennes confrontées aux cors lointains) ; entre déflagration et grondements telluriques, et épisodes de pure élégie intérieure, dialoguent plus qu’ils ne s’affrontent les blocs de l’orchestre ; Thielemann résout le problème sérieux de leur succession en un flux d’une grande beauté sonore, avec des qualités d’éloquence et d’articulation, d’équilibre surtout qui permet les enchaînements. Révélant en Bruckner, des dons de conteurs proche de l’opéra. Les tutti tempêtent, écrasants, spectaculaires, jamais épais ; c’est la fanfare qui s’impose et affirme le souffle de l’inéluctable, celui d’un inflexible et majestueux Fatum, aux derniers tutti déterminés, affirmatifs, définitifs.
La respiration du II (Andante aussi développé que le I, soit presque 18 mn), évoque plus Berlioz que Wagner, en une nuit enchantée qui convoque le rêve (Nuit d’extase des Troyens) et sous le geste de Thielemann atteint un sommet d’enivrement aérien, solennel certes, comme il est écrit, mais cristallin, aux lueurs crépusculaires et pudiques qu’enveloppe le clameur noble du cor solo). Le cheminement intérieur de cet ample accomplissement serein est dans les textures orchestrales réalisées, d’une opulence hédoniste néo karajanesque (!) totalement passionnant.

Comme Karajan, Thielemann élargit le spectre, élève la sonorité, s’autorise même des respirations … mahlériennes. Dans cette symphonie assez décisive, l’écriture s’organise selon une architecture qui expose clairement ses assises, construite, de plus en plus ascensionnelle, solarisée et irradiante au fur et à mesure des opus, selon le mysticisme terrien de Bruckner (esprit chtonien assumé dans le Ländler de Scherzo).

Le Scherzo (III) justement affecte l’allure d’une marche d’une noblesse impériale comme un cuirassier armé jusqu’aux dents, ou une formidable machine de guerre, capable cependant de somptueux scintillements aux cordes, laissant flotter un air de pure rêverie dans ce tableau martial. Le reprise du Scherzo affirme avec une terribilità très maitrisée, la dernière ascension, affûtée, vive, mordante.

CLIC_macaron_2014IV. FINALE : les Wiener Philharmoniker déploient derechef toutes leurs qualités collectives : se distingue comme dans l’Andante si large, la respiration et l’activité saturée des cuivres associés aux cordes, presque irréelles où le compositeur semble nous fait franchir plusieurs paliers à mesure que sa conscience s’élargit ; le portique et la vaste cathédrale orchestrale grandissent, avec de superbes échappées pastorales (hautbois, flûtes). Avant que tout l’orchestre ne semble danser et s’opposer à l’exposé de l’inéluctable qui réexpose le schéma rythmique du Scherzo et sa coupe tranchante. Mais l’orchestre sait diffuser et libérer une explosion d’énergie, qui se fait libératrice au terme de la formidable tension. Voici assurément l’une des meilleures séquences de cette intégrale Bruckner par les Viennois et Thielemann, toujours inspirés.

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CD, BRUCKNER : Symphonie n°2 (Thielemann, version 1877 Carragan, Wiener Philharmoniker, Christoph Thielemann) – CLIC de CLASSIQUENEWS – parution février 2022.

CRITIQUE, CD événement. BEETHOVEN : Symphonies : 6, 7, 8 et 9. Jordi Savall (3 cd ALIA VOX – oct 2021).

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savall beethoven vol 2 symphonies 6 7 8 et 9 concert des nations critique cd review classiquenews CLIC de clssiquenewsCRITIQUE, CD événement. BEETHOVEN : Symphonies : 6, 7, 8 et 9. Jordi Savall (3 cd ALIA VOX – oct 2021)  -  Une fin d’intégrale qui marque assurément une superbe compréhension de l’écriture beethovénienne. Après un premier coffret des symphonie 1 à 5, éruptif autant que poétique, les 4 dernières,- les plus abouties selon nous, – et d’un développement formel unique (la 9è point d’aboutissement du cycle) prolongent le choc auditif de leurs précédentes soeurs, dans le mordant nerveux, incisif comme la souplesse hédoniste. Les instruments d‘époque sont les alliés de Savall, ses outils magnifiquement huilés et articulés pour une sonorité décapante, dégraissée, vive, toujours fabuleusement nerveuse. Sa carrure rythmique dialogue toujours avec une conception sonore qui outrepasse le geste historique et exprime dans son flux naturel, la formidable volonté de la musique. Le projet inclut parmi les pupitres habituels du Concert des nations, nombre de jeunes instrumentistes qui sont venus parfaire et enrichir leur métier aux côtés de leurs ainés professionnels, dans l’esprit exemplaire du partage et de la transmission. La vitalité et la cohésion qui en ressortent sont convaincantes, apportant à tout l’édifice un sang, une tension captivants de bout en bout.

Plénitude poétique et spirituelle
Nerf expressif, vitalité collective
le BEETHOVEN captivant de Jordi Savall

Avec la réalisation de Teodor Currentzis actuellement, voilà assurément côté orchestres sur instruments anciens, une lecture dont le tempérament et la pensée marquent l’esprit.
La n°6 « Pastorale » exprime plus qu’elle ne décrit l’harmonie comme l’opulence de la Sainte Nature ; Savall s’empare du souffle et du miroitement contrasté des séquences, sans jamais chercher le brio. Le souci de communier et de partager se réalise dans une texture sonore globale qui coule comme une onde vive et trépidante, dont le fini, superbement oxygéné, respire la plénitude du motif, sa perception directe, sa restitution naturelle et franche. L’hédonisme sonore, le goût des timbres s’écoutent d’un bout à l’autre.

La 7è trépigne par son acuité martiale, sa tonicité collective ; son entrain d’une fabuleuse efficacité musicale et dramatique. Bois et cuivres dansent, exultent ; chacun exposé avec une individualité assumée (bois où percent souvent la caresse des hautbois, clarinettes, bassons); où scintillent et mordent les cors et trompettes…
La 8è, exaltation du mouvement, de l’énergie pure est bien cette célébration organique de la danse, selon le bon mot de Wagner. Déferlement d’énergie rythmique plus que réflexion sur le principe de mouvement et d’espace ; mais l’entrain porte à l’exubérance et la trépidation des pupitres. Et toujours avec une clarté polyphonique et contrapuntique qui permet aussi de réécouter les séquences différemment à ce que nous pensions connaître.
Enfin la 9è, testament fraternel qui porte très haut les couleurs de l’idéal des Lumières, pour ne pas dire maçonnique, est une prière pour un monde nouveau, une humanité nettoyée de sa violence comme de son fanatisme haineux. L’Adagio est une ample respiration profonde, grave; infiniment tendre, avant la déclaration franche de l’ode à la joie finale, porté par une ardeur à tous les pupitres, avec l’exaltation précise et intense pour chaque soliste et pour le choeur autant galvanisé par le chef catalan.

La continuité et la progression portent tout le geste : Savall en architecte soigne la cohérence de la réalisation : les deux premiers mouvements de la 9è en seraient l’exposition de l’énergie vitale exprimée dans son bouillonnement primitif ; l’Allegro initial serait la fin du monde et le début d’une ère nouvelle proclamée par le chant exalté des instruments ; le Molto Vivace qui suit est l’explicitation de cette quête innovatrice qui appelle, exige, commande au futur, affirmant la nécessité d’en finir… puis, l’adagio exposerait l’idéal fraternel qui prévaut à tout dont Savall fait une prière spirituelle étonnamment tendre ; enfin l’Ode à la joie énoncé par les violoncelles en serait les prémices appliqués : l’idée concrète incarnée dans cette humanité chorale qui chante et exhorte.
CLIC_macaron_2014La clarté et la transparence de la pâte, la nervosité des tutti, la précision des attaques, le chant souvent libre et souple, d’une exceptionnelle opulence des cordes affirment cet élan irrépressible qui inspire Beethoven. Jordi Savall vient du baroque, de Haendel et de Mozart, de Monteverdi et de JS Bach… c’est pourquoi il confère à son Beethoven, une couleur spécifique ; le sentiment et la résonance d’un aboutissement qui précipité par les Lumières, portant tout ce qu’a de révolutionnaire le premier romantisme, synthétise le sommet de la pensée viennoise, celle qui a permis avant Beethoven, le Haydn de la Création. Ce Beethoven régénéré, qui respire autant qu’il exulte, semble porter les fruits des révolutions qui précèdent… le génie français, bientôt mûr, celui de Berlioz au début des années 1830, soit 6 ans après la création et le triomphe de la 9è. On ne peut s’incliner devant une telle réalisation; qui vient opportunément compléter, elle aussi de façon captivante, le premier coffret des symphonies 1 à 5.

 

 

 

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CRITIQUE, CD événement. BEETHOVEN : Symphonies : 6, 7, 8 et 9. Jordi Savall (3 cd ALIA VOX – oct 2021).

 

 

 

Approfondir

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LIRE aussi notre critique complète du COFFRET VOL 1 Symphonies de BEETHOVEN : 1 à 5 – Académie Beethoven 250 – 3 cd ALIA VOX – CLIC de CLASSIQUENEWS – paru en avril 2020

http://www.classiquenews.com/cd-coffret-evenement-beethoven-restauration-vol1-jordi-savall-symphonies-1-a-5-le-concert-des-nations-academie-beethoven-250-3-cd-alia-vox-2019/

beethoven revolution symphonies 1 5 savall critique cd classiquenewsDans les faits, Jordi Savall démontre une compréhension profonde du massif beethovénien ; il en révèle les équilibres singuliers, d’autant mieux mesurés depuis son interprétation précédente des 3 dernières symphonies de Mozart (2017-2018). L’auditeur y détecte une filiation avec l’harmonie des bois et des vents, particulièrement ciselés et privilégiés, dialoguant avec les cordes, jamais trop puissantes. La martialité de Ludwig s’en trouve allégée, plus percutante, et c’est tout le bénéfice des instruments d’époque qui jaillit, renforçant les contrastes beethovéniens. La sonorité est l’autre superbe offrande de Savall grâce à l’effectif : autour de 60 instrumentistes dont 32 cordes ; la fidélité aux souhaits de Beethoven est éloquente dans cette clarification entre les pupitres. Voilà comment le chef catalan éclaire de l’intérieur l’expressivité beethovénienne où l’orchestre n’exprime pas la pensée musicale : il est cette pensée elle-même…

 

 

 

CRITIQUE, CD, coffret SAINT-SAËNS : transcriptions pour piano : Cto n°2, Symphonie pour orgue, l’Assassinat du Duc de Guise… (2 cd, 1 dvd PIANO 21 – 2021)

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Katsaris-cyprien-camille-saint-saens-duc-de-guise-piano-21-critique-cd-review-classiquenews-clic-de-classiquenewsCRITIQUE, CD, coffret SAINT-SAËNS : transcriptions pour piano : Cto n°2, Symphonie pour orgue, l’Assassinat du Duc de Guise… (2 cd, 1 dvd PIANO 21 – 2021) – Cyprien Katsaris joue Saint-Saëns et surprend par sa justesse recréative, dans ce coffet monographique composé de 2 cd et d’un dvd, soit plus de 2 h de musique (avec images d’archives). Contre l’idée toujours tenace d’un Saint-Saëns académique, étriqué, ennuyeux, voilà une série de joyaux à la vitalité impérieuse, à l’élégance enivrée voire conquérante qui replace l’auteur de Samson, au centre d’un échiquier français audacieux, expérimental, libre. C’est toute la valeur et la formidable inspiration du pianiste Cyprien Katsaris qui apporte ses fruits exaltants : par sa digitalité fabuleuse et imaginative, suggestive et facétieuse. Le pianiste n’a pas seulement la technicité virtuose, il exprime ce grandiose tendre, cette élégance sensible et si juste d’un Saint-Saëns orfèvre et conteur inspiré. Ainsi en témoigne le programme du CD1 dédié surtout au Carnaval des animaux dans la transcription du pianiste franco-chypriote qui est aussi compositeur : s’y déploie une pensée libre, maîtresse de ses dons pianistiques, qui sert respectueusement la verve d’un Saint-Saëns aussi inventif que fantaisiste.
L’improvisateur qu’est Katsaris, sa culture pianistique permettent ce toucher libre et léger, puissant et oxygéné qui exalte les dons dramatiques du Romantique, lui-même pianiste célébré pour sa virtuosité.

L’édition prolonge ainsi et de superbe façon le centenaire Saint-Saëns 2021, en restituant nombre de pièces symphoniques et plusieurs perles méconnues, transcrites pour piano seul ; transcripteur aussi, Katsaris complète pour certaines pièces le travail préliminaires de Bizet (pour le Concerto pour piano et orchestre n°2), Liszt (Danse macabre).

 

 

A la source du Saint-Saëns conteur…
Cyprien Katsaris l’enchanteur,
libre et génial transcripteur

 

 

Du Concerto n°2, on ne serait guère rester insensible à l’élan romantique de (très) grande classe du I ; l’humour facétieux du II ; le charme de Mozart ; la carrure de Beethoven ; l’élégance recréative propre au romantisme impérial de Saint-Saëns. Sans omettre la course échevelée, aux crépitements fantastiques du III. Seul un piano somptueux et flamboyant et d’une exceptionnelle intelligence expressive peut relever les défis de la transcriptions pour piano seul. Beau cheminement de Cyprien Katsaris qui maîtrise … tout en plaisir et en joie.
Africa est un morceau de concert virtuose, d’une construction elle aussi spectaculaire alliant crépitements diaboliques et verve mélodique avec une recherche de contrastes rythmiques. La versatilité digitale, le toucher de velours qui font littéralement danser le clavier, affirment le tempérament du pianiste, heureux, très inspiré transcripteur. La souplesse enchantée du pianiste se déploie au service de morceaux moins connus : L’Allegro appasionato est grande pièce de concert elle aussi énoncée comme une fantaisie, d’une liberté échevelée quasi improvisée ; la Valse canariote emporte passionnée, enivrée, échevelée ; et la Valse nonchalante : pleine d’une nostalgie plus secrète…
Autre bel accomplissement, la Danse macabre, dans la transcription Liszt et Katsaris souligne le génie de Saint-Saëns digne, dans la veine fictionnelle, de son ami Liszt ; c’est un formidable poème épique, d’une puissance fantastique et surnaturel où brille lisibilité, liberté du contrepoint ; jeu sur les plans sonores ; la justesse de la construction dramatique et l’intelligence du flux narratif…
Dans ce jeu d’adaptation, la format symphonique ne perd rien en suggestivité ni expressivité : la fièvre éloquente de la texture expressive éclaire aussi les dons d’articulation et de lisibilité contrapuntique du pianiste prêt à relever tous les défis.
La diversité des morceaux, leur évidente ambition (et réussite) dramatique place Saint-Saëns aux côtés de Berlioz (pour les audaces harmoniques, formelles, instrumentales…) ; génie romantique aussi, Camille se dévoile somptueux maître du clavier, un égal de Liszt par sa virtuosité flamboyante matinée d’humour et de citations à d’autres compositeurs, en particulier germaniques. Le défi du pianiste tient à ses capacités à restituer toute l’étoffe des pages symphoniques sur l’étendue du clavier (Symphonie n° 3 dans la transcription méconnue de Goetschius) : Saint-Saëns explore les possibilités du piano, éprouve l’instrument en parfait connaisseur ; Cyprien Katsaris s’approprie tous les obstacles, en dépassent les points épineux pour exprimer a contrario de leur difficultés, la claire et heureuse combinaison contrapuntique, révélant souvent une vive compréhension à la fois de le verve et de la pensée de Camille.
Classique libre, inventeur sans limites, l’auteur de Samson, ici présent dans la superbe transcription de Camille lui-même dans l’extrait de la bacchanale du III (où à travers la digitalité scintillante du pianiste, se révèle la très riche palette de l’orchestre lyrique), le compositeur fut le premier à écrire la musique pour le cinéma encore débutant ; ainsi en témoigne la tableau de 1908, l’assassinat du Duc de Guise, épisode hautement dramatique, aussi en lien avec ce goût de Saint-Saëns pour la Renaissance, illustré par ses opéras – moins joués mais somptueux : Ascanio et Henry VIII. Katsaris joue la transcription de Léon Roques. C’est en évidence, un autre joyau de la collection ainsi constituée par le pianiste : l’interprète unit dramatisme et crépitements virtuoses, il prépare puis exprime la fameuse scène de l’assassinat du duc de Guise, construction parfaite, édifiée comme un tableau d’histoire, depuis la claire exposition des personnages jusqu’au meurtre proprement dit auquel Saint-Saëns associe un thème diabolique et comme définitif. L’auditeur peut compléter l’écoute par l’image telle que restituée dans le film historique de 1908, restauré pour l’occasion, proposé dans le DVD. Très opportun bonus.

 

 

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CLIC_macaron_2014CRITIQUE, CD, coffret SAINT-SAËNS : transcriptions pour piano : Cto n°2, Symphonie pour orgue, l’Assassinat du Duc de Guise… (2 cd, 1 dvd PIANO 21 – 2021) – Sortie annoncée le 20 février 2022, chez Piano 21 (le label discographique créé par le pianiste en 2001). CLIC de CLASSIQUENEWS Hiver 2021 / 22.

 

 

Tracklisting :

CD 1
Le Carnaval des Animaux – Grande fantaisie zoologique, Op. posth., R. 125 – Transcription : Lucien Garban / Cyprien Katsaris
Hymne à Victor Hugo, Op, 69 – Transcription : Camille Saint-Saëns
Bacchanale, Samson et Dalila, Op.47, R. 288 – Transcription : Camille Saint-Saëns
Symphonie n°3 en ut mineur, “Symphonie avec orgue » – Transcription : Percy Goetschius / Cyprien Katsaris

CD 2
Concert pour piano n°2 en sol mineur, Op. 22, R. 190
Transcription : Georges Bizet / Cyprien Katsaris
Africa, Op. 89, R. 204 – Version pour piano seul de Saint-Saëns
Allegro appassionato, Op. 70, R. 200
Version pour piano seul de Saint-Saëns
Valse canariote, Op. 88, R. 43 – Version pour piano seul de Saint-Saëns
Valse nonchalante, Op. 110, R. 48 – Version pour piano seul de Saint-Saëns
Danse macabre, Op. 40, R. 171 – Transcription : Franz Liszt / Cyprien Katsaris
L’assassinat du duc de Guise, Op. 128, R. 331 – Transcription : Léon Roques

DVD L’Assassinat du Duc de Guise, version restaurée de 1908, avec musique de Saint-Saëns.

 

 

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CRITIQUE. CD événement. DURÓN : Coronis (Le Poème Harmonique, 2 cd Alpha – PARIS, avril 2021)

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sebastian-duron-coronis-alpha788 poeme harmonique druet bunel opera critique review cd review critique classiquenews CLIC de classiquenewsCRITIQUE. CD événement. DURÓN : Coronis (Le Poème Harmonique, 2 cd Alpha – PARIS, avril 2021) – Formidable production pour sa vitalité rayonnante, ses contrastes opulents, ses situations truculentes qui mêlent grâce à la seule inspiration de Sebastian Durón (1660-1716), langueur extatique, rage guerrière, réalisme satirique. Le Poème Harmonique, chanteurs et instrumentistes relèvent tous les défis de cette action mythologique certes, surtout carnavalesque et bouffone, aux airs de tendresse grave, en particulier au II (Jornada Segunda) où s’imposent dans la fresque délirante, la prière et la plainte bouleversante de Protée (si peu respecté malgré ses alertes et prédictions) et Triton (soupirant démuni, colérique, éconduit par la voluptueuse Coronis). Les solistes concernés ici, Cyril Auvity et Isabelle Druet composent de superbes tempéraments vocaux, doués de puissance et de justesse humaine, de profondeur comme de sincérité émotionnelle. A leurs côtés, rien à dire aux épatantes Ana Quintans dans le rôle-titre : sa plasticité diamantine incarne à la perfection la beauté langoureuse et active qui finalement décide du sort de la Thrace et arbitre la guerre amorcée entre Neptune et son impérial époux, Apollon. Idem pour les deux Menandro et Sirene, couple secondaire (et plein de bon sens populaire) : Anthéa Pichanick et surtout Victoire Bunel, souple, articulée, expressive mais nuancée : remarquable duo de bout en bout.

 

 

Le Poème Harmonique ressuscite Coronis…
MADRID, 1705 : DURÓN invente l’opéra espagnol

 

 

CLIC_macaron_2014A travers la victoire du souverain solaire, ce sont les Bourbons qui annoncent leur victoire en pleine guerre de succession d’Espagne ; la zarzuela représentée en déc 1705 devant la Cour de Philippe V à Madrid, porte haut les espoirs et la certitude d’une nation prête à s’engager et à rire. Durón pour se faire, réussit une fusion saisissante entre truculence espagnole et beau chant italien, en une langue d’une volupté incandescente dont la continuité suave rappelle l’immense vénitien Cavalli. Toute la maîtrise de Sebastian Durón qui pourtant incompris, et malévalué alors, finira en exil quelques années après (1716), explose ici grâce au geste virtuose des interprètes. Aucun doute, le père de l’opéra espagnol, c’est lui. CLIC de CLASSIQUENEWS pour ce superbe opéra révélé. Dommage que la prise de son, acide et aigre dès le début, et qui lisse les plans, contredise constamment l’opulence voluptueuse de Durón, son écriture flamboyante et sensuelle.

 

 

 

 

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CRITIQUE. CD événement. DURÓN : Coronis (Le Poème Harmonique, 2 cd Alpha – PARIS, avril 2021). L’enregistrement en studio recueille les représentations de la recréation scénique en 2019. PLUS D’INFOS sur le site ALPHA : https://outhere-music.com/fr/albums/sebastian-duron-coronis

 
 

 

CRITIQUE SPECTACLE...  LIRE aussi notre critique complète de CORONIS, production présentée à CAEN, en novembre 2019 : CORONIS de DURON, la politique des muses... par Pedro Octavo DIAZ

 
 
 

FRANCE MUSIQUE : Journée Gustavo DUDAMEL (15 fév 2022)

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dudamel-gustavo-maestro-opea-de-paris-classiquenews-opera-concert-critique-review-classiquenewsFRANCE MUSIQUE, Journée Gustavo Dudamel, le 15 fév 2022. C’est un nouveau chapitre qui s’est ouvert dans la carrière du chef vénézuélien Gustavo Dudamel, enfant du Sistema, le programme social et culturel du Vénézuéla ; lorsqu’en avril 2021, l’Opéra de Paris annonce sa nomination comme directeur musical de l’institution lyrique : jeune quadra, le maestro y prenait la succession du chef Philippe Jordan (réputé depuis pour sa direction intérieure et subtile en particulier dans Mozart et Wagner). Révélé au début des années 2000, l’enfant terrible et fougueux du programme d’éducation musicale a ainsi pu exprimer dans la fosse parisienne des opéras Bastille et Garnier, son énergie, son sens du drame et aussi du détail.
Dudamel avait déjà à la tête de l’Orchestre symphonique des jeunes du Venezuela Simón Bolívar, affirmé un vif tempérament, une énergie fédératrice, au cours de tournées qui ont mené les jeunes instrumentistes vénézuéliensaux, de Salzbourg à Paris, des BBC Proms de Londres au Carnegie Hall de New York : partout, leur « Mambo » (extrait du West Side Story de Bernstein) a suscité l’enthousiasme. Depuis sa prise de fonction à Paris, Gustavo Dudamel assume ses deux mandats de part et d’autre de l’Atlantique, comme directeur musical – à l’Opéra de Paris, et depuis plus de 10 ans, au Philharmonique de Los Angeles.
Turandot, de Puccini (diffusée par France Musique), a inauguré sa première saison parisienne, suivie tout récemment des Noces de Figaro de Mozart (diffusion sur France Musique samedi 26 février). France Musique lui consacre toute une journée : interview exclusive dans Musique Matin dès 7h, et tout au long de ce 15 février.
Présentation de la discographie réalisée par Dudamel, du grand répertoire aux pièces sud-américaines, russes et françaises. Evocation des sources d’inspiration du musicien natif de Barquisimeto (Venezuela).

logo_francemusiqueTEMPS FORT : à 20h, en direct de la Philharmonie de Paris, Symphonie n°3 de Schubert et Symphonie n°4 de Brahms – Orchestre de l’Opéra national de Paris – Gustavo DUDAMEL, direction.

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Le programme de la journée GUSTAVO DUDAMEL sur FRANCE MUSIQUE :
Mardi 15 février de 7h à 22h30

 


7h-9h
Musique Matin


8h20
Maxxi Classique – 8h30 : interview de Gustavo Dudamel.


9h-11h
En pistes. Beethoven, Wagner, et quelques raretés de Gustavo Dudamel


11h-12h30 Allegretto
« En passant par le Venezuela » :
Abreu, Romero, Carreno, l’orchestre Simon Bolivar, El Sistema, Sojo.


13h-13h30 Musicopolis
Portrait de la compositrice vénézuélienne Modesta Bor.

13h30-15h Arabesques
Dudamel dirige la musique russe
Tchaïkovski, Borodine, Moussorgski, Stravinski & Rachmaninov.

15h-17h Relax !
Le Los Angeles Philharmonic avant Gustavo Dudamel.


17h-18h Le van Beethoven
Gustavo Dudamel dirige le Los Angeles Philharmonic.


20h-22h30 : Le concert de 20h – en direct

En direct de la Philharmonie de Paris.
Symphonie n°3 de Schubert
Symphonie n°4 de Brahms
Orchestre de l’Opéra national de Paris
Gustavo DUDAMEL, direction.

 
 

PLUS D’INFOS sur France MUSIQUE.FR : https://www.radiofrance.fr/francemusique

CRITIQUE CD, Bruckner : Symphonie n°7 (Haitink – Challenge classic, Live juin 2019)

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haitink bernard symphonie 7 bruckner critique cd reviews classiquenews challenge recordsCRITIQUE CD, Bruckner : Symphonie n°7 (Haitink – Challenge classic, Live juin 2019) – Aucun doute qu’aux côtés des hédonistes spirituels, creusant et la splendeur sonore et le continuum mystique tels Gustav Wand ou Karajan, Haitink professe une plénitude orchestrale de première valeur. Ce live couronne un compagnonnage en complicité inspirée, de plus de 20 ans entre le chef et la phalange néerlandaise : maestro Haitink alors au terme de sa carrière en juin 2019, et le Radio Philharmonic Orchestra apportent à Bruckner l’éloquence de la clarté mystique, de surcroît avec une saveur sonore, un travail de la texture instrumentale, idéalement équilibrés. L’ambition de Bruckner dans un opus à l’architecture ample qui vaut cathédrale : la majesté des proportions s’affiche clairement dans la durée des 2 premiers mouvements : plus de 21 mn pour chacun. Ce qui permet à Haitink d’élucider le classicisme naturel de l’œuvre créée à Leipzig en 1884 (par Arthur Nikisch), son évidence formelle (pas de versions postérieures alternatives), surtout sa nature wagnérienne qui oeuvre souterrainement dans une partition conçue alors que Bruckner écoute à Bayreuth, la création de Parsifal (1882), choc viscéral qui s’entend ici dans la conception des timbres associés, de la largeur sonore, pour une vision fédératrice qui associe et même fusionne les timbres, en particulier dans la résolution de la séquence finale où les cordes en lévitation sont littéralement portées par la fanfare aérienne et majestueuse. Les dernières marches ascensionnelles ne sont d’ailleurs pas sans rappeler le crescendo des origines, l’ouverture organique de l’Or du Rhin. L’Adagio (le plus développé de toutes les symphonies de Bruckner) échafaude un mausolée endeuillé pour… Wagner justement qui vient de mourir : l’in memoriam est un hommage bouleversant à la solennité lacrymale, grave, profonde qui dessine un inconsolable lamento orchestral (les somptueux tuben CLIC_macaron_2014wagnériens). Là encore Haitink étire la texture orchestrale en amples accoups, aux respirations profondes accordant douleur et dignité, tendresse et deuil, déchirement et consolation. Le Scherzo claque par son tempo vif, nerveux ; et le finale exalte ce « mouvementé », pas trop rapide dont Haitink saisit la mesure : le chef accomplit l’unité et la cohérence interne quasi cyclique de la symphonie, dans la réexposition finale du premier thème du mouvement I. Somptueuse conception sonore et architecturale de surcroit bonifiée par la prise de son, « super audio cd ».

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CD, Bruckner : Symphonie n°7 (Haitink – Challenge classic – live de juin 2019) – CLIC de CLASSIQUENEWS.
Plus d’infos sur le site de Challenge records / Page Bruckner, Haitink, symphonie n°7 de Bruckner :
https://www.challengerecords.com/products/16268803040781

CRITIQUE, opéra. SAINT-ETIENNE, le 26 janvier 2022. Ambroise Thomas : Hamlet. Boutillier / Croussaud ; Lacombe / Berloffa

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CRITIQUE, opéra. SAINT-ETIENNE, le 26 janvier 2022. Ambroise Thomas : Hamlet. Boutillier / Croussaud ; Lacombe / Berloffa. Le héros de Shakespeare inspire les scènes lyriques et l’Hamlet de Thomas a eu le vent en poupe jusqu’à la crise sanitaire ; remarquon sles production srécentes, dont celles de Moshe Leiser et Patrice Caurier (Barcelone, 2003), Olivier Py (Vienne, 2012), ), Cyril Teste (Paris, 2018, reprise à l’Opéra Comique, simultanément à celle qui nous occupe ici. À Saint-Étienne, Nicola Berloffa (Carmen il y a 2 ans) sert la lisibilité de l’œuvre tragique inspiré par le noir shakespearien : l’incommunicabilité des deux amants, Hamlet et Ophélie ; le premier habité, submergé par l’assassinat de son père (dont le fantôme l’exhorte à la vengeance), emmuré dans le crime à laver, étranger aux autres ; la seconde, dépassée et trop fragile face à l’apparente froideur du prince, tout occupé ici à scénariser la pantomime de Gonzague et de Genièvre, véritable pamphlet qui dénonce le crime commis…

Scènes de foules, réalisme du couple royal illégitime (et aussi des deux fossoyeurs au dernier acte, épatants et mordants), tout concourt à placer le spectateur aux côtés d’Hamlet, face à l’horreur dont il est le témoin et l’acteur rebelle.

 

 

 

Réussite lyrique à Saint-Étienne

Belle production d’Hamlet
portée par le couple Hamlet / Ophélie :
Jérôme Boutillier / Jeanne Croussaud

 

 

 

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Particulièrement crédible, Jérôme Boutillier fait un Hamlet, prince d’Elseneur, plein d’ardeur, de passion, de finesse rentrée… (« Ô vin, dissipe la tristesse » est entre autres, d’une riche amertume), quand Jeanne Croussaud aux coloratoures agiles, incarne une Ophélie, en ange damné, s’enfonçant progressivement dans la douleur la plus sombre jusque dans la scène de folie, d’une juste épure, d’une bouleversante finesse. Le Laërte de Jérémy Duffau est de la même trempe : juste, doué d’une vie intérieure comme l’Horatio de Gabriel Saint-Martin et le Marcellus du brillant Yoan Le Lan. Puis saluons surtout, la crédibilité du couple royal questionné par Hamlet : Emanuela Pascu (Gertrud, ample mais sobre), et Jiwon Song (Claudius, de belle prestance et parfois inintelligible mais toujours musical)

Le chœur (masqué) et l’Orchestre symphonique Saint-Etienne Loire, sous la direction de Jacques Lacombe puissants et précis, révèlent tout ce que le drame recèle de forces cachées et souterraines. Le travail entre les pupitres recherchent la clarté et la nuance, jamais le clinquant. Réservant aux solos instrumentaux, le relief intérieur qui sied… (cor – au début du fameux monologue d’Hamlet-, hautbois, clarinette, violoncelles… sans omettre la couleur spécifique des saxophones que Thomas use ici pour la première fois en orchestrateur captivant). La captation vidéo réalisée laisse espérer une prochaine édition déjà très attendue…

 

 

 

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CRITIQUE, opéra. SAINT-ETIENNE, Grand Théâtre Massenet, le 26 janvier 2022.

Hamlet: Jérôme Boutillier
Ophélie : Jeanne Crousaud
Claudius : Jiwon Song
Gertrude : Emanuela Pascu
Laërte : Jérémy Duffau
Le Spectre : Thomas Dear
Marcellus : Yoan Le Lan
Horatio : Jean-Gabriel Saint-Martin
Polonius : Thibault de Damas
1er fossoyeur : Antoine Foulon
2ème fossoyeur : Christophe Berry

Choeur lyrique Saint-Etienne Loire
Orchestre symphonique Saint-Etienne Loire

Direction musicale : Jacques Lacombe
Mise en scène et costumes : Nicola Berlotta
Photos : © Hubert Genouillac

 

 

 

 

 

 

CRITIQUE, CD événement. Molière / Lully : musiques pour la comédie-ballet LE BOURGEOIS GENTILHOMME. Le Poème Harmonique (1 cd Château de Versailles Spectacles – avril 2021)

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Le-Bourgeois-gentilhomme poeme harmonique lully 400 ans de moliere critique cd review clic de classiquenewsCRITIQUE, CD événement. Molière / Lully : musiques pour la comédie-ballet LE BOURGEOIS GENTILHOMME. Le Poème Harmonique (1 cd Château de Versailles Spectacles – avril 2021) – Intercalées dans la pièce de Molière, les musiques de scènes (ballets, divertissements, airs…) de Lully soulignent le génie facétieux du surintendant de la musique depuis 1661 ; sa verve n’a de limite que le génie de Molière ; chacun semble même rivaliser d’astuces expressives, de finesse parodique sur le thème d’un Bourgeois désireux d’être anobli… à l’heure où la Cour ne parle que des Turcs en audience près du Roi-Soleil. Les 2 Baptistes ont précédemment présenté (également à Chambord, devant la Roi) Monsieur de Pourceaugnac (1669). Pour cette restitution des parties intégrales que Lully a alors façonnées, le Poème Harmonique met en lumière l’articulation langoureuse des jeunes tempéraments du chant baroque actuel ; le Bourgeois Gentilhomme s’il moque l’exotisme des moeurs du Grand Turc à travers une charge contre son ambassade alors à Versailles pour une réception attendue, reportée auprès de Louis XIV, exprime d’abord au I, l’empire de l’amour sur des cœurs enivrés ; se distingue avant tout, l’essor poétique des premières scènes du drame de 1670, la flamme désirante de l’élève du Maître de musique, de la musicienne, du 2è musicien, trio vocal en extase que la musique sublime par ses élans nostalgiques et caressants. Déjà, Lully et Molière élaborent le futur opéra français à venir, 3 ans plus tard.

 

 

 

Délire poétique, verve satirique…
Molière & Lully : un génie théâtral à 4 mains

 

Mr Jourdain veut être gentilhomme certes : il devra d’abord passer par plusieurs rites / « apprentissages », dont celui de la musique amoureuse. Ce que nous fait entendre Le Poème Harmonique non sans un sens de l’ivresse la plus enchantée dans les accents et les inflexions du chant accompagné. Même les intermèdes (airs des « garçons tailleurs » puis « entrée des cuisiniers » qui suit), s’ils n’ont pas l’ampleur de l’orchestre de Lully qui fut plus nombreux et étoffé, dansent avec une belle vivacité ; caractérisent suffisamment les chansons à boire (véritable apologie du vin!).
 Le point d’orgue reste la cérémonie turque en 9 séquences (finale grandiose et farcesque de l’acte IV) que les musiciens inscrivent avec justesse entre parodie et sincérité, tension dramatique et recréation exotique, truculence et joie ironique, irrévérencieuse voire sacrilège… ; l’entrée accorde les gestes en une vaste supercherie collective où le Mufti, les 12 turcs, les 4 dervis exposent leur foi ; Molière explore toutes les nuances du délire d’une critique libre et déjantée des croyances orientales. Pas sûr aujourd’hui, que tel affront railleur ne passe inaperçu chez certains : la verve insolente de Molière annonce celle de Voltaire et la musique de Lully se montre d’une géniale énergie, prête à enflammer le jeu des mots, la gastronomie des allitérations en fête. De sorte que dans l’élan de la satire enjouée, ce rituel qui intronise le vaniteux Jourdain, pourtant heureux de se voir glorifié ici en vrai mahométan, se termine en belle bastonnade : l’orgueil de Jourdain est châtié. Et sa naïveté épinglée : dindon rhabillé, il donne finalement la main de sa fille au fils du grand turc !
Tout autre est le Ballet des nations où des gens d’origine (et de langues accentuées) diverse(s) : gascons, suisses, espagnols, italiens,… se disputent, s’énervent franchement, réclamant « le livre du ballet » dont il est question (comme si les acteurs fixaient alors la question que se pose le spectateur à ce moment du drame : de quoi est-il question ? Quel est l’enjeu de ce tableau ?) ; en maîtres des foules et des ensembles ciselés, Molière et Lully s’entendent à portraiturer une humanité contrastée, bariolée, là aussi déjantée ; bel effet de leurs talents accordés où musique et chant, danses et textes exacerbent toutes les possibilités et ressources poétiques sur les planches. Il n’est que la musique, divine, noble, élégantissime, versatile comme les séquences théâtrales (sublime chaconne des comédiens bouffes italiens, …), qui puisse unifier tout cela, au son d’un élan qui pointe le but CLIC_macaron_2014ultime (et l’un des derniers mot du livret) : l’Amour. A la cacophonie répond ainsi des stances subtilement langoureuses (lamento et plainte dans la 3è entrées des « Espagnols chantant », idéalement / douloureusement, amoureux…). Fin et engagé, Le Poème Harmonique exprime cette surenchère drôlatique et dramatique, ce grand chaos poétique et satirique, à la fois libre et délirant qui est à la source du Baroque français. Irrésistible. D’autant mieux apprécié et bienvenu pour les 400 ans de la naissance de Molière en janvier 2022.

 

 

 

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CLIC_macaron_2014CRITIQUE, CD événement. Molière / Lully : musiques pour la comédie-ballet LE BOURGEOIS GENTILHOMME (1670). Le Poème Harmonique (1 cd Château de Versailles Spectacles – avril 2021). Prise de son parfois confuse, dans les choeurs et les tutti.
CLIC de CLASSIQUENEWS de janvier 2022.

 

 

 

 

 

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Autre CD MOLIERE sur CLASSIQUENEWS :

 

 

 

cd-george-dandin-grotte-de-versailles-jarry-marguerite-louise-cd-critique-classiquenews-Versailles-cd-critiqueCD Georges Dandin par l’Ensemble Marguerite Louise / Gaétan Jarry (1 cd Château de Versailles Spectacles – fev 2020 – CLIC de CLASSIQUENEWS)  –  Les musiques des intermèdes et de la Pastorale pour la comédie Georges Dandin de Molière précise l’ambition de Lully sur le plan lyrique avant l’élaboration d’un modèle pour l’opéra français. Ici rayonnent déjà la puissance onirique des instruments, habiles à suggérer cet accord rêvé, harmonieux entre Nature et bergers ; a contrario de la peine de Dandin, les bergères disent par leur chant, l’empire de l’amour et ce flux tragique qu’il peut susciter (leurs amants semblent noyés)

 

 

 

 

 

 

 

CRITIQUE, CD événement. MONTIGNY : Grands Motets (Surge propera, Salvum me fac Deus (Antiphona, Rolandas Muleika – 2019)

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grands-motets-antiphona-montigny critique cd review clic de classiquenewsCRITIQUE, CD événement. MONTIGNY : Grands Motets (Surge propera, Salvum me fac Deus (Antiphona, Rolandas Muleika – 2019)   -   Rolandas Muleika et son ensemble Antiphona (qu’il a fondé en 1996) ressuscitent avec exaltation et éloquence la joie bienheureuse et aussi le souffle dramatique du méridional baroque Montigny dont la carrière s’achève quand Rameau suscite la fameux scandale de son premier opéra Hippolyte et Aricie (1733). Au sein des compositeurs flamboyants « de province », Montigny serait le maillon oublié aux côtés de l’aixois Campra et du narbonnais Mondonville. Mort en 1738, ce natif de Béziers (à quand un concert Montigny dans la cathédrale in loco ?) s’affirme à Toulouse à Saint-Sernin (où a été enregistré le programme édité par Paraty), non sans maîtriser diverses influences, captées en Angleterre, aux Pays-Bas… lors d’un tour d’Europe impressionnant qui fait de son écriture, la synthèse des styles à son époque. Les deux Motets ici recréés en première mondiale, ont été conçus pour Toulouse dans l’année 1730 par un Montigny sexagénaire d’une maturité impressionnante, alors maître de chapelle de Saint-Sernin.

Recréation mondiale

Le grand motet toulousain à son sommet (1730),
Montigny, précurseur de Mondonville et de Rameau

Le premier Motet Surge propera (propre aux années toulousaines de l’auteur, destiné à la procession des Pénitents bleus de juin 1730) impose une complexité de l’écriture chorale d’une rayonnante noblesse dont le raffinement et la beauté des textures harmoniques prolongent le meilleur Lully (faste des trompettes dans Tubæ sonitu), grand faiseur avec Delalande dans le genre du Motet versaillais, avant Montigny. La ductilité du chœur Antiphona impressionne dans ce jeu exalté et articulé ; auquel répond l’ivresse intelligemment nuancée des instrument de l’orchestre Antiphona. En somme une complicité savoureuse voire superlative qui ressuscite aussi sur le plan interprétatif, l’époque des grands enregistrements d’exploration et de découvertes (majeures, comme ici) ; de fait, Montigny est un très grand compositeur qui prolonge la ferveur encore recueillie et très dense d’un Lully Grand Siècle (solo de la taille « Qui sitit qui esurit »), et annonce directement les effectifs intensément dramatiques, des opératiques Mondonville et Rameau (tempête du Surge Propera). Comme chez Rameau, se distingue ici la saveur des timbres instrumentaux, en particulier les bassons constamment sollicités et parfaitement enregistrés car la prise de son est particulièrement réussie.
CLIC_macaron_2014La direction artistique de Rolandas Muleika relève les défis multiples de cette recréation, révélant définitivement le tempérament de Montigny grâce à un important travail de restitution des partitions autographes. Le brio contrasté du choeur, le relief caractérisé et très impliqué des solistes, le souffle de l’orchestre associé à la maîtrise contrapuntique du chœur restituent la splendeur dramatique, le sentiment d’exaltation des pièces qui place l’humain, la tendresse fervente de chaque épisode, au cœur de cette formidable réhabilitation. N’écoutez que les 4 premières séquences du motet « Salvum me fac Deus » … vous serez saisi par la puissance expressive du « Veni in altitudinem maris » ; le chant opératique de l’orchestre, la projection déclamée superlative du texte (ego sum pauper par le dessus Eva Tamisier, fragile, fervente), la transe chorale du chœur « Effunde super eos » puis le duo haute-contre / basse et choeur final d’une mordante exaltation … sont autant d’arguments solides qui inscrivent Montigny parmi les plus grands compositeurs du premier XVIIIè. Son écriture préfigure déjà les audaces et l’énergie de Rameau comme de Mondonville… c’est dire! Somptueuse révélation. CLIC de CLASSIQUENEWS / hiver 2002.

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CRITIQUE, CD événement. MONTIGNY : Grands Motets (Surge propera, Salvum me fac Deus (Antiphona, Rolandas Muleika – enregistré à Toulouse, Saint-Sernin, août 2019 – 1 cd PARATY records) – CLIC de CLASSIQUENEWS hiver 2022.

Joseph Valette de Montigny (1665 – 1738), 2 grands motets :
« Surge propera Sion Filia » / « Salvum me fac Deus »

Écoutez sur youtube le choeur flamboyant Effunde super eos :
https://www.youtube.com/watch?v=GXSpaUZW-1Q

VISITER le site de l’ensemble ANTIPHONA / Rolanas Muleika
https://ensemble-antiphona.org/rolandas-muleika/

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CRITIQUE, CD événement. KORNGOLD : Quatuors n°2, n°3 (Quatuor Alma – 1 cd Challenge records 2021)

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CRITIQUE, CD événement. KORNGOLD : Quatuors n°2, n°3 (Quatuor Alma – 1 cd Challenge records 2021) - L’approche a été pensé, conçue pour l’enregistrement studio : le résultat est plutôt convaincant. Les instrumentistes du Quatuor Alma / Alma Quartet, réhabilitent l’auteur parmi les très grands faiseurs chambristes post romantiques du XXè.

korngold alma quartet korngold critique cd review clic de classiquenews 1627975576Korngold porte bien ici son 2è prénom « Wolfgang », hommage et filiation toute artistique à l’auteur de Don Giovanni : la subtilité versatile qui se dégage de ses Quatuors, leur expressivité toute en finesse (… viennoise) indiquent clairement l’éloquente maturité d’EWK / Erich Wolfgang Korngold, compositeur précoce, surdoué, capable de jouer avec les références d’une culture et d’une mémoire musicale hors normes. Le Quatuor N°2 (1933) écrit au cœur des années folles, juste avant l’exil à Hollywwod (où il sera un auteur renommé, recherché, inspiré pour le cinéma), diffuse ce parfum éclectique qui tend à l’évanescence, entre hyperactivité, langueur, finale extatique. A l’époque où Schoenberg façonne et perfectionne son sérialisme à 12 tons, le classique néo mozartien Korngold démontre a conrario la permanence et l’acuité des vertus tonales. Le 2è mouvement »Intermezzo / Allegretto » réactive et l’humour de Haydn et la nonchalance éclairée de R Strauss, puis l’ample Larghetto / Lento creuse dans une gravité nocturne d’une infinie mélancolie, ce retour aux anciens ; quand la Valse du IV, rend hommage aux clans Strauss, les frères Johann, Josef, Eduard.

Composé au sortir de la guerre (1945), le N°3 déploie une tension inédite, une inquiétude viscérale qui recueillent l’expérience tragique, le déchirement de l’émigration, la dépression qui atteint Korngold au milieu des années 1940. Né en 1897, il est presque quinquagénaire et incarne une toute autre vérité. Les instrumentistes du Quatuor Alma en exprime la lassitude écœurée, les spasmes d’une noirceur active, approche d’autant plus juste que Korngold avoue l’avoir écrit « pour lui-même », partition miroir comme un autoportrait intime et direct. C’est le surgissement d’une maturité obligée, précipitée comme contrainte, intensifiée encore par la maladie puis la mort de son père (qui comme chez Mozart est une figure essentielle à sa vie).
CLIC_macaron_2014La fusion des Alma, leur écoute intérieure, la quête d’une sonorité qui semble surgir de l’au-delà et d’un passé perdu, inappréciable (« Sostenuto » aux phrases magnifiquement étirées chantantes), enrichissent la lecture d’une étonnante clairvoyance sur la sensibilité très juste de Korngold. Les 2 Quatuors fonctionnent ainsi comme un diptyque complémentaire, les deux faces d’une vie, celle d’une génie musical marqué par la guerre et la barbarie, enthousiaste et déprimé. Profondeur et tendresse, ombre et lumière. Et aussi vitalité mordante plus ambivalente (superbe cadence syncopée du dernier mouvement : Finale / Allegro aux saillies abruptes, énigmatiques). La prise de son remarquablement réalisée pour le studio en mars 2021 est magistrale. Comme l’interprétation. CLIC de CLASSIQUENEWS.

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CRITIQUE, CD événement. KORNGOLD : Quatuors n°2, n°3 (Quatuor Alma – 1 cd Challenge records – enregistré en mars 2021, Haarlem, Pays-Bas). PLUS d’INFOS sur le site du label Challenge records :
https://www.challengerecords.com/products/16288479592327

CRITIQUE, cd événement. GASPARD DEHAENE : CHOPIN, « A la mazur » (1 cd 1001 Notes)

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dehaene-gaspard-cd-piano-chopin-critique-cd-concert-classiquenewsCRITIQUE, cd événement. GASPARD DEHAENE : CHOPIN, « Á la mazur » (1 cd 1001 Notes) – Entre ombre et lumière, sur l’aile de phrasés pudiquement expressifs, Gaspard Dehaene livre son Chopin, à l’énoncé sobre et clair, d’une vivacité immédiatement touchante. Ce qu’apporte le pianiste, c’est une compréhension naturelle et libre de l’élégance passionnée du grand exilé, de sa pudeur secrète, de ses miroirs crépusculaires (Nocturne en do dièse mineur), de ses soupirs suspendus tels qu’ils se déploient avec toute la noblesse de l’intimité préservée dès la Ballade première (opus 52 n°4), celle qui a décidé le tennisman Dehaene à se dédier désormais au piano. La pièce saisit par son ampleur enivrée, sobrement déployée tel le manifeste personnel d’une passion indéfectible pour la musique.

 

 

 

Mazurkas mystérieuses

Quand Gaspard Dehaene exprime l’ineffable poésie de Chopin…
entre hypnose et danse

 

 

 

On retrouve cette retenue chantante, bellinienne, délicatement articulée dans les Mazurkas qui sont les chapitres d’un journal intime, dont le pianiste fait des miniatures vivantes inscrites dans la pudeur, conçues comme autant de questions qui convoquent et interrogent l’âme ; Gaspard Dehaene, fabuleusement onirique (la N°3 de l’opus 24, Prélude en la majeur…) souligne combien l’écriture de Chopin réussit à faire de la danse à 3 temps originaire de Mazurie, l’expression d’un temps suspendu, heureux, un baume effaçant toute blessure ; cristallisation et jubilation d’un temps sublimé (N°4 du même opus 24 ; N°1 de l’opus 30).

Chaque Mazurka égrène son ineffable insouciance et ses multiples vies intérieures déployées en perspectives bienheureuses et mélancoliques, d’une verve parfois vertigineuse (N°4 de l’opus 30).

Quel contrastes avec la Grande Polonaise au panache enflammé, d’une majesté furieusement assumée ; sans omettre le grand souffle rayonnant de la Barcarolle opus 60, au rubato superbement architecturé qui exprime la jubilation scintillante d’un bonheur direct, épanoui, que le pianiste restitue dans sa respiration éperdue, sa grande finesse suggestive. La Barcarolle vogue son destin de rêve, tant le jeu exprime une intelligence retenue, mesurée, étoilée.

L’eau de la Berceuse opus 57 captive par sa danse hypnotique et une digitalité enchantée, avant que les 3 Mazurkas de l’opus 63, plus crépitantes encore que les précédentes, et subtilement narratives, n’affirment le même naturel expressif : un brio sans clinquant, une sincérité qui rayonne tout autant, entre inquiétude et jubilation intérieure.

CLIC_macaron_2014Épurée, sans attache, la Valse « L’Adieu » qui conclut le programme déploie ses arabesques filigranées en guise de révérence (sujet d’un clip vidéo tout autant poétique, ci dessous). Gaspard Dehaene renoue ici avec la réussite de son précédent cd dédié à Schubert (« Vers l’Ailleurs », lequel était déjà tout un programme). Superbe cheminement.

 

 

 

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CRITIQUE, cd. GASPARD DEHAENE : CHOPIN, « Á la mazur » (1 cd 1001 Notes) – Enregistré à Villefavard nov 2020 – durée : 1h 09mn. Parution : le 28 janvier 2022. CLIC de CLASSIQUENEWS janvier 2022.

Á la Mazur
Frédéric Chopin (1810-1849)

Ballade No. 4 en fa mineur, opus 52

4 Mazurkas, Op. 24

Polonaise No. 5 en fa dièse mineur, Op. 44

Prélude en la majeur, Op. 28 No. 7

4 Mazurkas, Op. 30

Barcarolle en fa dièse majeur, Op. 60

Berceuse en ré bémol majeur, Op. 57

3 Mazurkas op. 63

Nocturne en ut dièse mineur, Op. posth.

Valse en la bémol majeur, Op. 69 No. 1

Gaspard Dehaene, piano

Un album du label 1001 Notes / Référence 1001 NOTES 16 :
Acheter l’album sur le site du label 1001 Notes :
https://festival1001notes.com/collection/projet/a-la-mazur

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CONCERT : Gaspard Dehaene joue les pièces de son nouvel album « A la mazur » salle GAVEAU à PARIS, le 9 février 2022.

Lire notre présentation ici :

http://www.classiquenews.com/recital-de-gaspard-dehaene-piano-a-gaveau/

Réservez vos places ici : https://festival1001notes.com/collection/projet/a-la-mazur

 

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VOIR LE CLIP VIDEO La Valse de l’ADIEU / Gaspard Dehaene joue Frédéric Chopin :
https://www.youtube.com/watch?v=ynpmWrFxBqs

 

En traversant un champs d’oliviers, tout en écoutant Chopin, Gaspard Dehaene retrouve la joie de jouer au tennis. La musique hypnotique de Chopin questionne la passion du tennisman pour la musique… En écho, comme un miroir, se répondent le geste du sportif, la puissance canalisée du pianiste… réunis sur le terrain de tennis. Communication secrète et complémentarité féconde plutôt que confrontation. L’un est double, et vice versa.

 

 

 

 

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LIRE aussi la critique du cd SCHUBERT : Vers l’Ailleurs (fev 2019) par Gaspard Dehaene / CLIC de CLASSIQUENEWS :

Vers-lailleurs-Gaspard-Dehaene-Collection-1001-NotesCD, critique. VERS L’AILLEURS. GASPARD DEHAENE, piano. Schubert, Liszt, Bruneau-Boulmier (1 cd Collection 1001 Notes – nov 2018). ITINERANCES POETIQUES… Le pianiste Gaspard Dehaene confirme une sensibilité à part ; riche de filiations intimes. C’est un geste explorateur, qui ose des passerelles enivrantes entre Schubert, Liszt et la pièce contemporaine de Rodolphe Bruneau-Boulmier. Ce 2è cd est une belle réussite. Après son premier (Fantaisie – également édité par 1001 Notes), le pianiste français récidive dans la poésie et l’originalité. Il aime prendre son temps ; un temps intérieur pour concevoir chaque programme ; pour mesurer aussi dans quelle mesure chaque pièce choisie signifie autant que les autres, dans une continuité qui fait sens. La cohérence poétique de ce second cd éblouit immédiatement par sa justesse, sa sobre profondeur et dans l’éloquence du clavier maîtrisé, sa souple élégance. Les filiations inspirent son jeu allusif : la première relie ainsi Schubert célébré par Liszt. La seconde engage le pianiste lui-CLIC_macaron_2014même dans le sillon qui le mène à son grand père, Henri Queffélec, écrivain de la mer, et figure inspirant ce cheminement entre terre et mer, « vers l’Ailleurs ». En somme, c’est le songe mobile de Schubert, – le wanderer / voyageur, dont l’errance est comme régénérée et superbement réinvestis, sous des doigts complices et fraternels.

 

 

 

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CRITIQUE, concert du NOUVEL AN 2022. VIENNE, Musikverein, le 1er janvier 2022. Wiener Philharmoniker, Daniel Barenboim : Strauss (Johann I, II, Josef, Eduard), Josef Hellmesberger fils…

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new-year-concert-concert-nouvel-an-2022-daniel-Barenboim-wiener-philharmoniker-philhar-vienne-critique-annonce-classiquenewsCRITIQUE, concert. WIEN, VIENNE (Autriche), le 1er janvier 2022. CONCERT DU NOUVEL AN 2022 – Wiener Philharmoniker, Daniel Barenboim, direction  -  Sous les ors néoclassiques de la Salle dorée du Musikverein à Vienne, et devant le public (après son absence en 2021 en raison du confinement), les instrumentistes viennois retrouvent pour la 3ème fois, le chef Daniel Barenboim, comme précédemment en 2009, 2014, et donc en ce jour inaugural de l’année 2022… Au programme, les Wiener Philharmoniker dont les instrumentistes élaborent la sélection des partitions jouées, un retour au fondamentaux de ce rituel de début d’année, que des Viennois pas de compositeurs européens invités comme ce fut le cas des éditions précédentes. Avec une référence au milieu de la presse du XIXème à l’époque des Strauss : « premières feuilles », « petites chroniques », … autant de citations propres aux medias d’alors que les Strauss évoquent avec un entrain proche de la frénésie. A croire que déjà, l’actualité bouillonnante n’attendait pas l’analyse et le recul, mais le spectaculaire et le sensationnel.

Le début évoque la figure du Phénix, oiseau fantastique capable de renaître de ses cendres, beau symbole de résilience, plutôt opportun dans le contexte de pression sanitaire actuel. L’Autriche quelques jours avant Noël a du se reconfiner…

 

 

Le génie straussien : Johann II et Josef

 

 

Barenboim a joué avec les Viennois en tant que pianiste ; il les a en de nombreuses fois dirigés comme chef… cette entente naturelle, et l’expérience partagée qui suscite la complicité, s’entendent immédiatement dès la première œuvre (Marche du Phoenix de Josef Strauss) ; avec un sens de l’architecture dramatique, du détail dans l’équilibre des timbres qui soulignent combien les Strauss ont su ciseler la parure orchestrale de chacune de leurs valses.

strauss josef portrait classiquenewsLe Concert 2022 met l’accent sur l’écriture de Josef, aussi élégante et raffinée que celle de son frère ainé, Johann II. Après le déclin physique de ce dernier, Josef pourtant doué comme ingénieur, dut prendre la direction de l’orchestre familial et diriger à son tour les musiciens de tournée en tournée. C’est exténué et lui aussi usé, qu’il meurt entre deux concerts en Pologne… triste existence mais œuvre incomparable. La Phönix-Marsch, op. 105 est une marche enchantée, pleine de joie pétillante, lever de rideau idéal où brillent flûtes, cors, l’excitation aussi de la caisse claire – c’est une introduction courte, pleine d’astuces et de facétie propre à l’inspiration d’un Josef qui n’a rien à envier à son ainé…

Ce dernier dans « Phönix-Schwingen » op. 125 – les ailes du Phénix écrit une grande valse : poésie ciselée instrumentale, parcourue d’éclairs, en un flux dramatique qui invite immédiatement la valse orchestrale et symphonique d’une noblesse irrésistible. Johann II exploite à dessein les contrastes flûtes / violoncelles ; tandis que spécifique, la disposition du « mur des contrebasses » en fond de scène, s’impose par son agilité magicienne (encore une spécificité viennoise) ; on savoure le piccolo mordant et la noblesse des cors… la verve du compositeur-narrateur chante la féerie de cette matière orchestrale conçue comme un formidable livre de contes et légendes ; Strauss enchante littéralement par l’intelligence de l’orchestration (scintillement du triangle et du piccolo, ajouts de la harpe et de la traversière) ; on remarque beaucoup de nouveaux visages dans les rangs du philharmonique, et toujours préservé cette élégance et cette finesse de la sonorité, y compris dans les tutti, jamais épais.

La Sirène (Polka mazur opus 248) de Josef, montre combien l’ingénieur, était doué pour les polkas mazurkas (lentes) : cor nobles et majestueux, mélodies tziganes éthérées et évanescentes ; nostalgie d’une délicatesse ciselée (harpe omniprésente), recherche de texture, de sensualité graduelle vers le tutti final des plus magiciens… rien à dire à cette maîtrise qui égale celle de son frère ainé, Johann II. Barenboim a bien raison de mettre ainsi l’accent sur le talent de Josef.

Le programme évoque l’activité de la presse de l’époque. C’est d’abord « Kleiner Anzeiger », Galop op. 4 (petites annonces) de Josef Hellmesberger (fils), premières références à la presse, galopante partition d’une frénésie … médiatique ; puis « Feuilles du matin » / Morgenblätter op. 279 de Johann Strauß II est une valse développée qui évoque les journaux partenaires du fameux bal Concordia (1864) organisé par les journalistes : valse classique, ample et poétique, d’un raffinement emblématique du clan des frères Strauss (triangle cristallin du matin, nostalgie et fanfaronnade du le tuba très en verve…). Enfin, pour conclure cette première partie, « Petite Chronique » / Kleine Chronik opus 128 d’Eduard Strauß déroule sur un train d’enfer, une polka rapide et enjouée qui touche autant par sa motricité électrisée que par la poésie des options instrumentales.

barenboim-daniel-maestro-classiquenews-compte-rendu-critique-concertsAprès la pause (le temps du journal de la mi journée sur France 2), reprise avec plusieurs pépites dont la séduction va crescendo. Pianiste mozartien, mais aussi chef lyrique familier du dramatisme et de la suggestion, Daniel Barenboim dirige d’abord l’ouverture de La Chauve souris / « Die Fledermaus », sommet de l’élégance viennoise pour les planches, qui révèle toute la science géniale de Johann Strauss II. Se distinguent surtout la frénésie et la nervosité claire et détaillée d’une direction pleine de vivacité, plutôt enjouée qui exprime l’esprit de fête et la pétillance d’un sublime lever de rideau. La direction est affûtée, vive, surtout économe dans sa gestuelle millimétrée. L’unisson souple et aérien des cordes frétille comme l’ébullition avant le saut du champagne ; c’est d’ailleurs toute l’énergie des bulles que fait surgir avec à propos maestro Barenboim. Ainsi la polka qui suit « Champagner-Polka. Musikalischer Scherz », op. 211 du même Johann II, fait directement référence à l’hyperactivité des bulles. Ainsi en plus de son élégance et de son raffinement, la légèreté liquide est une autre vertu des Wiener Philharmoniker.

Puis après une valse enjouée pareillement de Carl Michael Zieren, « Nachtschwärmer. Walzer », op. 466, au bel aplomb militaire, à l’élégance instrumentale toute … « impériale » (et qui célèbre aussi l’ivresse hédoniste des oiseaux de nuits ou fêtards en diable), le programme aborde l’autre thématique phare de cette année, l’orient ou plutôt l’orientalisme, celui rêvé, fantasmé par les compositeurs fin de siècle comme Gérôme entre autres.

STRAUSS johann II portrait 2 Johann_Strauss_Jr._1880'sL’orient, après la marche turc de Mozart… et son opéra L’Enlèvement au sérail, inspire nos Viennois. De Johann Strauss II, la « Persischer Marsch », op. 289 (Marche persane) libère le potentiel expressif et nuancé des instruments, très en verve sur le thème oriental : flûtes et piccolos endiablés, cuivres racés, frénésie qui a du chien et du style sur le rythme enjoué pointé par la caisse claire. Puis du même Johann Strauss fils, « Tausend und eine Nacht » / valse / walzer, op. 346, permet aux instruments rois, chacun finement caractérisés de faire valoir leur personnalité : solo nostalgique du violoncelle ; chef et orchestre se font danseurs dans une musique de fête, littéralement magicienne ; leur répond la chorégraphie du Ballet de l’Opéra de Vienne dans une séquence désormais incontournable filmée au soleil dans le parc de Schönbrunn, ce Versailles viennois… Barenboim articule, chante ce rêve éveillé qui rappelle l’énergie printanière de la valse du printemps que Karajan savait faire jubiler (mais sans la voix de Kathleen Battle) ; là encore, on note la splendide caractérisation par l’orchestre.

Très bien conçu, le programme de cette seconde partie enchaîne deux révélations, orchestralement passionnantes, de deux compositeurs méconnus, mais dont l’orchestration n’a rien à envier de leurs confrères plus célèbres. D’abord, le dernier du clan Strauss, Eduard et sa « Gruß an Prag » / hommage à Prague : Polka française, op. 144 pleine de saveur, délicatesse, élégance et aussi de facétie (flûte traversière et piccolo, formant un gazouillis magistral) ; la direction de Barenboim est économe et très aérée, légère, précise qui ne rate jamais ses ralentis amoureux ni les attaques précises ni la tendresse des reprises. Les instrumentistes quant à eux, outre le sujet, rendent un bel hommage à Eduard, le cadet (trop) oublié de la fratrie Strauss, mort en 1916 après avoir tenté de poursuivre l’orchestre familial après la mort de ses ainés …

 

 

Raffinement oriental selon Josef Hellmesberger II

 

 

Le clou de cette partie demeure « Heinzelmännchen » / Les elfes de Josef Hellmesberger fils, étonnante première fois dans un concert du Nouvel An, alors que le compositeur né en 1855 mort en 1907, rejeton d’un clan de musiciens, devint le chef du Philharmonique de Vienne de 1901 à 1903 ! Il était temps de le réestimer d’autant que cette danse de caractère diffuse un charme orientalisant enivrant ; plein d’humour et de panache, entre facétie et grotesque ; le chef dirige à peine, tant l’écoute mutuelle, le plaisir collectif, la complicité et l’entente des instrumentistes rayonnent dans cette pièce cinématographique qui ferait un excellent épisode musical pour Agatha Christie ; fidèle héritier de la tradition Strauss, Hellmesberger fils réalise ainsi un formidable condensé des meilleurs Strauss, Johann II et Josef. Aux accents pucciniens aussi, colorée de fanfares dansantes qui cite l’extrême fin de siècle. A mettre entre toutes les mains de 2022 pour vivre une éternelle vie optimiste et solaire.

Comme un hommage spécifique, Barenboim et les Viennois choisissent de terminer le programme 2022 par 2 partitions (sublimes) du frère de Johann II, Josef, qui dut abandonner sa carrière d’ingénieur pour reprendre la direction de l’orchestre familial, sacrifice et implication de « Pépi », mort d’épuisement en 1870 après une tournée exténuante en Pologne. Josef aussi raffiné et inspiré que Johann, la démonstration est faite si l’on en doutait encore. C’est d’abord la suprême élégance de « Nymphen-Polka », op. 50, un instant suspendu où les musiciens s’accordent aux chevaux du ballet équestre des étalons blancs, séquence mémorable de (très) haute technicité qui accorde animaux et hommes. La grâce à l’état pur. Puis, la valse « Sphärenklänge » walzer, op. 235 / Musique des Sphères, montre combien Josef maîtrise le genre : sublime éveil à la volupté – aux cordes seules… dont le chant d’une pudeur éthérée sous la réserve du chef connaisseur et presque malicieux (délicatesse des fins de phrases, avec flûtes en gazouillis) ; la verve facétieuse de Josef signe là l’une de ses meilleures pages.

Puis, « à la chasse » ( lancé par un claquement prodigieux) de Johann Strauss II galope comme un cheval fougueux mais contrôlé ; l’orchestre jubile sur une foulée sidérante de souplesse et d’éloquence, en une énergie dansante, domestiquée ; la sonorité brillante et raffinée est d’une folle élégance, au faux débridé, d’une très savante liberté fantaisiste.

Daniel Barenboim sublime ElgarRespectueux de la tradition et d’un rituel à présent bien rôdé avec le public, enfin de retour dans la salle dorée, le Beau Danube Bleu amorcé puis interrompu comme il se doit, permet la proclamation des voeux de nouvel an. Maestro engagé, Daniel Barenboim nous rappelle dans un court discours combien l’image d’un orchestre enchanteur peut inspirer encore et toujours: « … c’est la 3è fois pour moi que je dirige l’Orchestre ; les musiciens forment une communauté unique, exemplaire ; la crise sanitaire que nous vivons est une catastrophe humaine car elle met la distance entre chacun de nous ; ici nous formons une assemblée de frères réunis : bel exemple d’une humanité fraternelle, resserrée, formant communauté ; la musique permet de rapprocher les cultures et de réconcilier les peuples ; ce concert souhaite être un hymne pour la paix universelle », précise Daniel Barenboim. « Mais c’est une utopie difficile à penser quand on constate la dissonance des états à trouver une solution commune face à l’urgence climatique », ajoute le maestro très pertinent.

Le chef enchaîne ensuite l’intégrale du Beau Danube Bleu dont l’élégance approche le sublime, entre onirisme et vérité (profondeur viscérale des cordes, et chant des violoncelles déchirant). La pièce initialement composé pour voix d’hommes, dévoile toujours à l’orchestre son fort pouvoir attractif, c’est l’une des plus magiciennes qui soit. CD, DVD, Blu ray sont annoncés d’ici la fin janvier 2022, édités par Sony classical. Prochaines critiques à suivre dans le mag cd dvd livres de classiquenews.

 

 

 

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CRITIQUE, concert du NOUVEL AN 2022. VIENNE, Musikverein, le 1er janvier 2022. Wiener Philharmoniker, Daniel Barenboim : Strauss (Johann I, II, Josef, Eduard), Josef Hellmesberger fils…

 

 

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CD événement critique. SCHUBERT : Sonate D664 – Impromptus D 935. Ferenc Vizi, piano (1 cd PARATY).

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schubert-ferenc-vizi-3 CLIC de CLASSIQUENEWS critique cd review piano SCHUBERTCD événement critique. SCHUBERT : Sonate D664 – Impromptus D 935. Ferenc Vizi, piano (1 cd PARATY). Ferenc Vizi sait chanter et danser son Schubert avec un évidente fluidité bienheureuse, dès le premier mouvement de la Sonate D 664 opus posthume 120, à la fois insouciant et grave, présent et mélancolique. Le balancement entre les deux caractères se réalise grâce à un rubato naturel qui sait être puissant, voire âpre mais aussi d’une tendresse enchantée. Ces 11 mn premières, primitives installent un monde viscéralement onirique, très juste. L’Andante qui suit est pure interrogation suspendue, inscrite dans l’évocation d’un rêve presque conscient qui peut n’avoir jamais existé mais qui persiste dans la matière même du clavier interrogatif. Le toucher naturel, mesuré, sobre du pianiste captive tout autant. L’allegro fait couler une eau claire, vive, nettoyée de toute connotation (et de tout effet de manche comme de maniérisme stylistique), soit une valse jouée « droite », « objective », d’une intensité lumineuse qui roule, coule et murmure, en son irrésistible candeur chorégraphique.

 

 

 

Du ruisseau et de l’abîme schubertiens…
Ferenz VIZI révèle un Schubert incandescent, fulgurant

 

 

 

CLIC_macaron_2014Les 4 Impromptus D935 saisissent autant par leur naturel expressif sans aucun effet outrancier ; le clavier de Ferenc Vizi reste simple et clair, d’une articulation naturelle, rayonnant par cette sobriété, à la fois puissante et heureuse ; plus dramatique, l’alternance des épisodes enivrés, langoureux, et ceux plus inquiets, se réalise en un flux continu jamais heurté, d’une intonation fluide (N°1). Il fait jaillir la gravité à peine douloureuse et sur un tempo résolument allegretto, légitime, la mélancolie filigranée du N°2. Le chant enchanté du N°3 « Rosamunde Andante » diffuse un rêve d’une idéale insouciance où les qualités d’articulation, et la digitalité aérienne du pianiste déploient leurs arguments enivrés. Le tact et l’intelligence de l’interprète, suggestif et tendre, se révèlent particulièrement dans les reprises de l’Impromptu aussi long que le N°1 (soit plus de 11mn) : les variations sont jouées avec un génie évident de la caractérisation, y compris dans le versant plus grave du cycle. Dans sa quête de réconciliation, par son sens du mystère, ce cheminement entre ombre et lumière, foudroie. Enfin le N°4, conclusif, convainc par son tempo vif, précis ; le toucher tendre et mesuré qui fait surgir le chant intérieur du « ruisseau schubertien », enchâssé dans un scherzo à l’indomptable énergie, à la fougue qui foudroie et exalte permet un rapprochement avec… Mozart (Symphonie en sol n°40), qui s’élève et danse, avant de sombrer, net dans l’abîme. Magistrale conception de l’interprète. CLIC de CLASSIQUENEWS de ce début 2022.

 

 

 

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CD événement critique. SCHUBERT : Sonate D664 – Impromptus D 935. Ferenc Vizi, piano (1 cd PARATY). Enregistré Salle Colonne à Paris, mai 2020. CLIC de CLASSIQUENEWS janvier 2022.