COMPTE-RENDU, concert. ORANGE, Chorégies, le 29 juillet 2019. MAHLER : Symphonie n° 8. Orch National de France ; Orchestre philharmonique de Radio France / J.P. SARASTE. Les Chorégies d’Orange fêtent leurs 150 ans. Ainsi le plus vieux festival de France (et du monde?) tel Phénix a retrouvé toute sa vitalité une fois les difficultés financières dépassées. Il faut dire que le public est toujours au rendez-vous et que les diffusions radiophoniques et télévisuelles ouvrent toujours plus largement la beauté sublime à un public élargi. Emblème de cette sublime beauté offerte au grand nombre, ce concert en l’honneur des 150 ans des Chorégies, est à marquer d’une pierre blanche. La Symphonie n° 8 de Mahler choisie est une œuvre rare, exigeante, difficile à monter. Loin des mille exécutants de la création, le plateau étendu devant le mur d’Auguste avait néanmoins ce soir fière allure. L’orchestre afin d’être conforme à celui de la création à Munich en 1910 dirigé par Mahler, réunit les musiciens des deux orchestres de Radio France : le National de France dont la création remonte à 1934 et le Philharmonique de Radio France né en 1937. Souvent appariés, les musiciens en une alchimie de fraternité perceptible ont fait preuve d’un engagement permanent dans une splendeur instrumentale parfaite.

La 8 ème symphonie de MAHLER à Orange…
un idéal du partage de la musique dans la paix et l’amour

La pureté des timbres, la subtilité des nuances et la profondeur des phrasés ont été un véritable enchantement. Il faut dire que la direction à la fois claire et enthousiasmante de Jukka-Pekka Saraste aurait fait mouvoir les antiques pierres du théâtre. Ce chef admirable, au geste noble, à la maîtrise souveraine de toutes les subtilités de la partition, est l’homme de la situation. Fédérant l’orchestre avec une allure envoutante, il a su également obtenir des chœurs une beauté à couper le souffle, dans des nuances incroyables, dosant admirablement malgré le nombre des effectifs, les couleurs.
Les deux chœurs professionnels, le Choeur de Radio France et le Chœur Philharmonique de Munich (celui-là même qui a participé à la création en 1910)  ont été parfaitement équilibrés avec une extraordinaire clarté permettant de déguster la subtile spatialisation écrite, par Mahler. Le Chœur d’enfants, la Maîtrise de Radio France, placé au centre, a su dès sa première intervention développer une magnifique pureté vocale planant dans le ciel étoilé d’Orange. Proches du mur du fond de scène, les voix des choeurs étaient parfaitement projetées et l’orchestre pouvait ainsi moduler chaque nuance grâce à la subtile direction de Jukka-Pekka Saraste. Les solistes placés au devant du chef pouvaient projeter leurs voix sur l’écrin choral et orchestral.

Chaque soliste possédait une voix chevronnée, de format wagnérien ou straussien. La palme de la vaillance et de l’élégance revient à Nikolai Schukoff, heldenténor qui connaît parfaitement la partie de cette symphonie. Il semblait d’ailleurs déguster les parties chorales, musicales et celles des autres solistes, affichant son plaisir d’être là. Mais bien des musiciens semblaient aussi dans un état assez particulier ; ainsi l’organiste qui chantait les parties de chœur et également un timbalier.
Il est certain que l’idéal d’un partage musical total a semblé exister ce soir comme rarement. Ainsi la première partie a aboli le temps; la gageure de renouveler en permanence la naïveté de la joie contenue dans le texte latin millénaire du Veni creator (partie I) a été gagnée haut la main. Jukka-Pekka Saraste en dirigeant relançait régulièrement l’énergie du demi-millier d’interprètes : beauté, puissance, énergie se donnant la main. Le Gloria final a galvanisé le public qui exulte en applaudissements fervents.

C’est la deuxième partie qui a été le sommet de la soirée. En une construction théâtrale subtilement dosée, la montée progressive de l’émotion a été menée de mains de maître par Jukka-Pekka Saraste. D’abord la splendeur orchestrale permettant de déguster la richesse d’orchestrateur de Mahler avec des nuances subtiles et ses associations de timbres si émouvantes par leur originalité. Puis le tableau merveilleux du final de Faust, avec des mouvements discrets des solistes rentrant et sortant élégamment de scène, ont permis de participer à ce rituel sublime du sacrement de l’amour comme force de vie absolue.
Forêts, ravins, montagnes, sainteté des lieux élevant l’homme, tout cet univers romantique a été suggéré avec beaucoup de puissance d’évocation par l’orchestre idéalement engagé. Un exemple hallucinant est le frôlement des cymbales, donnant presque à percevoir un aspect de lumière céleste. De même quelle splendeur des flûtes, des cuivres subtiles et des cordes dans des pizzicati élastiques ! Et dans une variété de nuances incroyable !

Après ce superbe mouvement symphonique, l’entrée du chœur en écho est porteur d’une émotion troublante. C’est à ce moment que l’évidence du lieux du concert est aveuglante : offert par plus de 400 musiciens en plein air, sous le ciel pur étoilé de Provence, devant un mur à l’acoustique parfaite pour 9000 spectateurs ! L’entrée de Pater Ecstaticus permet d’écouter avec ravissement l’art de diseur du baryton Boaz Daniel avec une voix conduite à la perfection. En Pater profondus, Albert Dohmen, a su rapporter les drames de ceux qui sont au bord du gouffre et appellent la lumière, avec une sombre voix de basse aux modulations admirables. La longue partie chorale dédiée aux anges avec la participation si lumineuse de la Maîtrise a été visionnaire, permettant de rêver à toute cette évocation d’ailes sacrées. Nicolai Shukoff a été un Doctor Marianus très émouvant, alternant puissance et tendresse extatique dans une plénitude vocale éclatante.

Quand le thème de l’amour se déploie après les arpèges du piano sur un tapis de violon soutenu par les harpes, c’est comme si la lumière descendait sur nous tous. Le violon solo sublime, les chœurs pianissimo, tout concourt à la rencontre du sublime. Meagan Miler en Magna peccatrix, Claudia Mahnke en Mulier Samaritana et Gerhild Romberger en Maria Aegyptica, tour à tour puis à trois, font revivre les trois pécheresses avec émotions et introduire la supplique qui accueille l’âme de Marguerite, que Ricarda Merbeth incarne à merveille avec sa voix riche et noble. La construction du final en une très belle progression dramatique, conduit à l’apothéose mystique, véritable exultation universelle.

Voila un CONCERT ÉVÉNEMENT qui restera dans bien des mémoires : 9000 personnes sur place et les retransmissions radio et télévisuelles innombrables en plus. Nous nous rappellerons y avoir été pour participer à ce dernier idéal encore debout, celui du partage de la musique dans la paix et l’amour. Idéal porté par Mahler jusqu’à l’absolu lui qui est mort juste un an après le concert triomphal de son chef d’ œuvre ce qui lui a évité de découvrir la destruction de la culture humaniste européenne en 1914 … que toutes ses autres symphonies pressentaient. Transporté, le public a exulté après un tel moment ! Ce fut une véritable standing ovation bien méritée !!!

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COMPTE-RENDU, concert. ORANGE, Chorégies 2019. Théâtre Antique, le 29 juillet 2019. Gustave MAHLER ( 1860-1911) : Symphonie n°8 en mi bémol majeur dite « des mille ». Meagan Miler, soprano 1 : Magna peccatrix ; Ricarda Merbeth, soprano 2 : Una poenitentium ; Eleonore Marguerr soprano 3 : Mater gloriosa ; Claudia Mahnke, mezzo soprano : Mulier Samaritana ; Gerhild Romberger, alto : Maria Aegyptica ; Nikolai Schukoff, ténor: Doctor Marianus ; Boaz Daniel, baryton: Pater ecstaticus ; Albert Dohmen, basse : Pater profundus ; Orchestre philharmonique de Radio France. Chœur de  Radio France, direction : Martina Batic ; Maitrise de Radio France, direction : Soji Jennin ; Chœur philharmonique de Munich, direction : Andreas Herman ; Jukka- Pekka Saraste, direction. Illustration : ©  Ph. Grommelle

COMPTE-RENDU, Opéra. TOULOUSE, Théâtre du Capitole, le 20 juin 2019. J. MASSENET. Werther. N. Joel. J.F. Borras. K. Deshayes. A. Heyboer. F. Valiquette . Orchestre et Choeur du Théâtre du Capitole. J.F. VERDIER, direction. Revoir cette belle production de Werther mêle attentes et nostalgie. Je garde en effet un souvenir ému et ébloui du printemps 1997 quand je découvrais Roberto Alagna dans ce rôle. Rappelons que la production était montée pour lui et que le monde entier nous enviait cette prise de rôle. Tout avait été magique avec une distribution de rêve et la découverte d’une scénographie parfaite, de décors simples et beaux, et de costumes sublimes. Tout cet aspect scénique se retrouve et la mise en scène de Nicolas Joel n’a pas pris une ride, la beauté plastique reste idéale. L’ action est située fin XVIIIè, tout étant de bon goût, personne ne se lasse de la retrouver. Les lumières étant peut être encore plus réussies.
La distribution est exemplaire et tout à fait enviable, digne des scènes internationales.

Bon goût, dictions idiomatiques…

WERTHER DE GRAND STYLE AU CAPITOLE

Si les voix sont superbes, nous y reviendrons, c’est le texte qui avec des dictions si idiomatiques, explose de vie et d’efficacité dramatique. Jean-Francois Borras qui a déjà chanté le rôle sur scène est très à l’aise vocalement. Il distille un chant policé et toujours élégant. Le timbre claire et lumineux rend à Werther sa jeunesse quand des voix barytonantes exagèrent trop souvent le drame. Son Werther est jeune, capable de sourires et la noirceur est amenée par petites touches. La technique de la voix mixte lui permet de phraser et nuancer à l’envie un rôle qu’il fait sien sans efforts. L’émotion vient tard certes, mais la mort en devient absolument bouleversante. C’est probablement le jeu de l’acteur qui est encore trop maladroit. Mais qu’importe…
Pour Charlotte, Karine Deshayes a elle aussi un timbre magnifique. La longueur de la voix lui permet de maîtriser tous les aspects vocaux du rôle. La richesse des harmoniques est un véritable enchantement, les couleurs sont infinies et de fines nuances dans des phrasés subtiles nous rappellent quelle belcantiste elle est ! Elle aussi dans le duo final atteint des sommets d’émotion. La Sophie de Florie Valiquette est toute de charme et de gaité comme il convient. André Heyboer est un Albert déjà très embourgeoisé. La voix a une nasalisation qui surprend mais de laquelle on ne fait rapidement plus cas.
Les autres rôles sont au diapason, tous exacts de texte et bien en voix. Il est rare d’entendre à ce niveau idiomatique un opéra français. La relève est là. Bravo !

L’Orchestre du Capitole est somptueux, juste un peu trop uniformément sonore. La direction de Jean-François Verdier se souvient trop de l’admiration de Massenet pour Wagner. Orchestralement, nous aimons un Werther plus subtilement nuancé. Mais quelle splendeur sonore et qui heureusement ne met pas les voix en danger. En tout cas le drame avance inexorablement avec l’orchestre ainsi dirigé ! Voici une très belle production de Nicolas Joel qui devient un classique et que Christophe Ghristi a eu bien raison de nous proposer car il a su réunir une distribution francophone proche de la perfection vocale. Le fin de saison capitoline est enthousiasmante. Quelle magnifique saison elle couronne ! Et à la rentrée … quelle nouvelle saison nous attend !

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Compte-rendu Opéra. Toulouse. Théâtre du Capitole. Le 20 Juin 2019. Jules Massenet (1842-1912) : Werther Drame lyrique en quatre actes d’après Les Souffrances du jeune Werther de Goethe. Production de 1997. Nicolas Joel : Mise en scène reprise par Frédérique Lombart ; Hubert Monloup : Décors et costumes ; Vinicio Cheli et Bertrand Killy : Lumières ; Jean-François Borras : Werther ; Karine Deshayes : Charlotte ; André Heyboer, : Albert ; Florie Valiquette : Sophie ; Christian Tréguier : Le Bailli ; Luca Lombardo : Schmidt ; Francis Dudziack : Johann ; Céline Laborie : Kätchen ; Matthieu Toulouse : Brühlman ; Maitrise du Capitole, Direction Alfonso Caiani ; Orchestre National du Capitole de Toulouse ; Jean-François Verdier : direction musicale. Photos © P. NIN

Jean-François chante Werther ( © P NIN / Capitole de Toulouse 2019)

COMPTE-RENDU, théâtre musical. TOULOUSE, Théâtre Jules Julien, le 15 Juin 2019. DARIO FO. Mistero Buffo. BACH. PERGOLESE. VIVALDI. MONTEVERDI. VERDI. ABEDJEAN. DALTIN. Choeur à bout de souffle. DELINCAK. Le nouveau spectacle de la compagnie A bout de Souffle est hypervitaminé. L’engagement des comédiens dans le texte de Dario Fo est total. Ils y croient et le montrent à voir. Comme les choristes et les chanteurs qui semblent vivre chaque mot du Crédo ou du Stabat Mater à la lettre. Le parti pris du metteur en scène, Patrick Abédjean, est de rendre hommage à Dario Fo.

A Bout de souffle
offre un deuxième souffle à Mistero Buffo

Le passage du monologue originel de Dario Fo à plusieurs voix est comme diffracté avec un fou et une mort doubles. C’est à la fois habile et terriblement efficace. Les extraits sont souvent percutants mais le style a déjà pris de l’ âge. Certains emportements iconoclastes tombent à plat et la grossièreté montre trop le bout de son nez. Les musiques choisies par Stéphane Delincak, très anciennes, ne sont pas démodées, elles. Et leurs émotions sont vraies ainsi offertes au public. C’est peut être ces musiques si connues et aimées qui donnent aux mots de Fo, leur puissance expressive. Et ce chant extrêmement extraverti, que ce soit les solistes comme les chœurs, est impressionnant. Claire Lise Bouton au très beau timbre excelle surtout dans le médium et le grave de son jeune mezzo. Le baryton Martin Queval a déjà une belle autorité vocale mais surtout une grande sensibilité musicale. L’accordéoniste Grégory Daltin est magique. Capable d’une très grande amplitude de nuances, il conduit sa ligne avec une belle musicalité. La direction de Stéphane Delincak est enthousiasmante et encourageante. En un mot irrésistible et tout le monde le suit.
Coté mise en scène, Patrick Abédjean fait débuter la pièce sans solution de continuité avec la ville. Les choristes et les comédiens sont dans la salle, parlent, mangent, boivent, rient, se disputent. Les comédiens sont très engagés dans la défense du texte, nous l’avons dit. Lorsque le texte est fort, c’est enthousiasmant, quand il va vers la vulgarité c’est désagréable. Il manque une dimension de distanciation avec certains propos qui pris au pied de la lettre tombent à plat. La dimension grandiose du peuple cède trop souvent la place à une sorte de facilité grossière. C’est le Chœur qui rééquilibre tout. L’émotion la plus forte tombe sur nous dans le Stabat Mater et le chœur d’ouverture de la Passion selon Saint Jean, avec cet appel à Dieu répété inlassablement qui devient terrible.
Toute chose ayant été accomplie, il clôt la représentation dans la fascination. Les cinquante choristes sont magnifiques de tension intérieure véritablement vécue et d’une belle puissance vocale. Pourtant la forte présence des voix fragilise un peu l’accordéon qui ne peut être véritablement le grandiose orchestre de Bach. Ce spectacle hybride est néanmoins une vraie réussite, la musique permettant de recevoir un texte fascinant mais qui commence à dater. La musique elle, semble intemporelle comme véhicule d’émotions éternelles. Elle amplifie le propos de Dario Fo : Son Mistero Buffo devient giocoso-drama.

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Compte rendu Théâtre Musical. Toulouse, Théâtre Jules Julien, le 15 Juin 2019. Dario Fo ( 1926-2016) : Mistero Buffo. Traduction-adaptation de Toni Cecchinato et Nicole Colchat. Mise en scène : Patrick Abédjean ; Lumières : Etienne Delort ; Domi Giroud, comédienne ; Comédiens du conservatoire régional : Julin Benet, Emilie Diaz, Aude Evellier, Emile Faure, Bastien Gagnaire, Isabelle Gaspar, Ondine Nimal, Tahar-Chaouch ; Claire Lise Bouton, mezzo-soprano ; Martin Queval, baryton. Musiques de : Jean Sébastien Bach ; Giovanni Baptista Pergolese ; Claudio Monteverdi ; Giuseppe Verdi ; Antonio Vivaldi. Chœur A bout de souffle. Stéphane Delincak, direction. Photo est de © Sylvain Arki.

COMPTE-RENDU, opéra. TOULOUSE, Halle-aux-Grains, le 15 Mars 2019. N. RIMSKI-KORSAKOV. Ivan le terrible (version de concert). Trofimov. Alienov. Makarov. Selivanov. Maximeiko. Manistina. Orchestre et Choeur du Théâtre du Bolchoï.  T. SOKHIEV, direction. Tugan Sokhiev aime faire découvrir les opéras russes rares. Déjà l’an dernier, il avait offert avec les forces du Bolchoï,  La pucelle d’ Orleans de Tchaikovski à l’invitation des Grands Interprètes. Le succès colossal explique cette nouvelle audace. On dit le public, surtout celui d’opéra, peu curieux, exigeant sempiternellement les même titres. Ce n’est pas exact car l’excellence amène le public à sortir de ses zones de confort. Ainsi pour ce troisième concert russe, le public a été au rendez vous. Cet Ivan le terrible porte plusieurs noms, dont plus adapté « Pskovitaine », ou la fille du Tsar. C’est en hommage à Diaghilev qui en 1909 le donne à Paris sous ce titre que Tugan Sokhiev a conservé ce nom à l’opéra. Il me semble également qu’il met en valeur la capacité destructrice des puissants, entraînant le peuple et toute forme humaine, et même leurs proches,  dans leur folie pour assoir puis maintenir leur pouvoir à tout prix. Ainsi l’histoire alambiquée peut se réduire à peu de choses : un Tsar avance vers toujours plus de pouvoir sans ce soucier ni du peuple (meurtre de 60000 citoyens de la ville de Novgorod) ni de ceux qu’il prétend aimer, comme sa fille à peine l’a t il retrouvée. La mort et le pouvoir sont irrémédiablement mêlés. Le grand mérite de cette extraordinaire partition est de mettre en valeur le peuple avec des chœurs magnifiques.

Musicales Franco-Russes 2019 à Toulouse

Ivan le terrible : quelle partition !

Composé quand Moussorgski composait Boris Godounov, Ivan de Rimski expose la même thématique, faisant de ces deux opéras, des frères. Ivan le terrible est plus une fresque symphonique qu’un opéra car la dramaturgie est maigre. Mais quelle orchestre ! Quelles couleurs, quelles explosions ! Tugan Sokhiev dirige avec une facilité déconcertante cette partition complexe, orchestrée avec épaisseur par moments. Toute la saveur orchestrale de Rimski-Korsakov est déjà présente dans ce premier opéra ! Les moments plus lyriques sont des oasis dans un monde de violence. L’intrigue amoureuse entre Olga et Mikäel Toutcha  offre de très beaux moments aussi lyriques que dramatiques, au ténor et à la soprano. Ilya Selivanov a une voix claire et puissante qui fait merveille pour un héros rebelle et amoureux. Olga, la fille du Tsar, amoureuse du rebelle trouve en Dinara Alieva une interprète de grande classe. Voix somptueuse, timbre riche et ombré, elle donne beaucoup d’intensité à son chant.
Ce sont ensuite deux basses qui dominent la scène. Stanislas Trofimov a la stature vocale idéale pour Ivan. Longue voix de basse puissante et souple, il domine sa partie de bout en bout. Le prince Tokmakov de Denis Makarov est  parfait, porteur d’une belle émotion. Tous les autres chanteurs sont excellents avec une mention particulière pour le timbre si émouvant d‘Elena Manistina en nourrice que nous avions tant aimé en Comtesse la veille (La Dame de Pique de Tchaikovski).
Les chœurs sont absolument fantastiques de puissance et de vie. A eux seuls, ils incarnent la Russie, force vive. L’orchestre donne tout ce que le chef demande avec une efficacité de chaque instant.  La direction de Tugan Sokhiev est impériale. Il domine toutes les facettes d’une partition fleuve, d’eaux sombres, donnant beaucoup de lumière aux moments moins dramatiques.

Partition riche et difficile que le public a semblé aimer à la folie. Car le public suit les programmations audacieuses quand tout est réuni pour atteindre la perfection. Qu’on y pense trois concerts , trois soirs de suite et des salles combles et ravies. Bravo aux Grands Interprètes et sa directrice artistique Catherine d’Argoubet d’avoir invité les forces du Bolchoï à Toulouse. Les Musicales Franco-Russes sont un vrai succès.  Merci à Tugan Sokhiev, chantre de l’union artistique Franco-Russe, pour avoir imposé son projet. France Musique a participé à l’événement. Il est possible de réécouter Ivan transmis en direct et à présent en podcast et le 7 avril, il sera possible d’écouter la Dame de Pique retransmise dans une soirée d’opéra et de la réécouter ensuite cette version de référence.  La ville rose n’en revient pas d’avoir vécu à l’ heure russe et n’attend qu’une suite pour les musicales Franco-Russes de l’an prochain. RV est pris. A suivre.

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Compte rendu concert. Toulouse. halle-aux-Grains le 15 mars 2019. Nikolaï Rimski-Korsakov (1844-1908) : Ivan le Terrible ou la Pskovitaine, Opéra en trois actes en version concert. Avec : Stanislas Trofimov, Ivan le Terrible ; Denis Makarov, Prince Youri Ivanovitch Tokmakov  ;  Ilya Selivanov, Mikhaïl Andreïevitch Toutcha ; Dinara Alieva, Olga Yourievna Tokmakova ; Ivan Maximeyko, Boyard Nikita Matouta ; Nikolai Kazansky, Prince Afanasy Vyazemsky ; Aleksander Borodin, Bomelius ; Nikolai Kazansky, Yousko Velebine ; Anna Bondarevskaya, Stepanida Matouta ; 
Elena Manistina, Vlassievna ; Svetlana Shilova, Perfilievna ; Ivan Maximeyko, voix de garde ; Orchestre et Choeur du Théâtre du Bolchoï de Russie , chef de choeur Valery Borisov ;  Tugan Sokhiev, direction .

Photo  : Tugan Sokhiev (DR)

Compte rendu concert. Toulouse. La Halle-aux-Grains, le 12 janvier 2019. Mozart. Mahler  Adam Laloum. Orchestre National du Capitole de Toulouse. Wong. Nous avons eu le bonheur de suivre l’activité intense du jeune pianiste toulousain cet été au Festival de Salon-de-Provence, La Roque d’Anthéron et Les Pages Musicales de Lagrasse. Le retour à Toulouse d’Adam Laloum avec l’orchestre du Capitole devait être une fête et la salle de la Halle-aux-Grains comble, dans une ambiance fébrile, a eu une écoute des plus attentives, malgré les fâcheux tousseurs impudents. Adam Laloum comprend le génie mozartien de manière instinctive. Il semble être chez lui dans sa musique. Finesse des traits, justesse du toucher à l’exact poids, beauté des nuances, inventivité dans les phrasés, douceur dans l’andante  et esprit espiègle dans le final. C’est un régal de chaque instant avec une écoute attentive des instruments solistes dans les moments chambristes.

Adam Laloum et Mozart : une belle rencontre !

On ne peut dans la jeune génération trouver interprète plus sensible et épris de beauté, dans une simplicité aussi  déconcertante. Son Mozart est envoûtant. Et ce concerto, l’un des plus aimés, avec son andante hypnotique, lui convient à merveille. Si je disais qu’il joue Mozart d’instinct c’est parce qu’il m’a dit qu’il avait joué son premier concerto de Mozart juste après son prix Clara Haskil en 2009 sans préparation particulière, faisant le bonheur du public et le sien. Mais il sait aussi s’entourer des mânes de grands mozartiens, il a en effet joué les cadences et variations du regretté Dinu Lipatti. Les musiciens de l’orchestre ont répondu aux propositions du soliste avec beaucoup d’esprit dans le final. La direction du chef n’a pas nui aux échanges entre les musiciens mais assez métronomique et lourde, l’esprit mozartien n’a pas gagné l’orchestre ce soir. Manque de rebondi des pizzicati, peu de nuances, à-coups, notes finales qui retombent et surtout absence de phrasé. Le succès du pianiste a été considérable et le public a bien su le lui faire savoir. Les deux bis choisis ont été dans la même fine musicalité Schubert et Brahms dans des couleurs magnifiques, des nuances infinitésimales et des phrasés sublimes. Le deuxième Impromptu digne des plus grands poètes et un intermezzo de Brahms en clair obscur baigné par une lumière intérieure inhabituelle, Adam Laloum est un très grand musicien qui communique avec émotion un engagement musical exceptionnel.

L’orchestre s’est étoffé comme il convient pour la première symphonie de Mahler dont le chef originaire de Singapour, un certain Kahchun Wong, a donné une lecture de… premier de classe. Dirigeant par cœur, il fait très bien sonner l’orchestre, donnant les entrées, mais semblant étranger aux particularités stylistiques de la musique de Mahler. Tout est bien appris mais non ressenti. Et que dire de certains de ses mouvements et gestes incongrus car sans aucun effet sur l’orchestre. Nous sommes habitués à autre chose qu’une simple lecture des symphonies de Mahler à Toulouse ! Et je garde encore clairement en mémoire l’interprétation de Tugan Sokhiev en 2009 couplée également avec un concerto de Mozart en première partie. Et cette fois  la rencontre mozartienne avait eu lieu entre Tugan Sokhiev et David Minetti dans un sublime concerto pour clarinette.
Ce soir le plaisir d’entendre la belle partition de Mahler a gagné les applaudissements du public. Mais cette simple mise en place n’a pas conduit les musiciens vers leurs sourires épanouis habituels en fin de concert. Ni le chroniqueur vers le Mahler complexe et attachant de cette symphonie, si sensationnelle sous d’autres baguettes.

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Compte rendu concert. Toulouse. La Halle-aux-Grains, le 12 janvier 2019. Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) : Concerto pour piano et orchestre n° 21 en do majeur K.467 ; Gustav Mahler (1860-1911) : Symphonie n° 1 “Titan”. Adam Laloum, piano; OrchestreNational du Capitole de Toulouse; Kahchun Wong, direction. / Illustration : Adam Laloum (DR) – Adam Laloum © H Stoecklin 2017