CD, critique. SALIERI : TARARE (Talens Lyriques, 3cd Aparté / 2018). Hier, Les Danaïdes (1784), Les Horaces (1786), l’ensemble français sur instruments d’époque, Les talens lyriques abordent en novembre 2018 (le triple coffret prolonge les soirées en version de concert), Tarare (1787), une partition qui n’est pas une première mondiale, puisque dès 1988 (Festival de Schwetzingen), le chef visionnaire Jean-Claude Malgoire retrouvait et comprenait les enjeux esthétiques d’un opéra manifeste.
Tarare sur un livret de Beaumarchais porte les idéaux des Lumières : le héros positif et humaniste est jalousé par un roi envieux et retors ; mais grâce à l’intervention d’un travesti, le castrat Calpigi, Tarare retrouve son aimée qu’avait fait enlever le suzerain indigne… L’opéra est même l’aboutissement des travaux et réflexions de Beaumarchais sur le genre lyrique et sur la place de la musique aux côtés du texte. AInsi, l’ouvrage connaît un succès immédiat, étant joué et repris régulièrement 15 ans après sa création. L’écrivain libertaire et polémiste, admirateur comme Rousseau, de Gluck, outrepasse encore les idées de son Barbier de Séville, conçu à l’origine comme un opéra-comique. C’est finalement Salieri, – rencontré à la création des Danaïdes (créé 3 ans auparavant), qui met en musique son livret Tarare. Il y épingle en règle l’église et la monarchie. Atar est un sultan aigri et corrompu jusqu’à l’os ; quand Arthénée est le grand-prêtre maffieux, irrespectueux et manipulateur à l’endroit des croyants.
Tout en ciselant un texte mordant, à idées, Beaumarchais sait ménager des temps narratifs, hors drame, pour que s’épanouisse aussi la pure musique (cf ici le ballet confrontant bergères courtisanes – claire référence à Marie-Antoinette, et rustauds rustiques). Il installe donc son action en Orient (Ormuz) à des fins de merveilleux et de poésie, écrin à un drame très contrasté, aux déductions philosophiques.

TARARE : l’ambition de Beaumarchais à l’opéra…
musique mécanique de Salieri

Inspiré par un dieu asiatique (Brama), le ténor Cyrille Dubois incarne le général Tarare non sans relief, soulignant les vertus et l’éclat d’un être de lumière qui aime et est aimé en retour (tout l’inverse de son souverain Atar) ; en comparaison, l’odieux tyran cynique (Jean-Sébastien Bou) se relève tout autant impeccable dans la hargne dévorante; la jalousie rongée, vis à vis de son soldat plutôt populaire et qu’aime sa femme trop loyale. Justement la belle Astasie (Karine Deshayes), au profil gluckiste (moral et lumineux) impose une dignité amoureuse (pour Tarare) admirable. En deça, moins délirant et un peu lisse (barcarolle), Enguerrand de Hys fait un Calpigi, suffisamment varié cependant pour se distinguer. Cependant que Tassis Christoyannis impose son tempérament jupitérien en Arthénée. Les seconds rôles sont bien servis grâce à l’éloquence vocale des chanteurs Jérôme Boutillier (Urson) et Philippe Nicolas-Martin (Altamort, entité fourbe, menaçant la vie de Tarare).

Comme à son habitude, l’ensemble Les talens lyriques ne manque pas de mordant ni de relief, il est articulé et flexible mais la tension et la raideur qu’imprime le chef, assèchent une partition déséquilibrée musicalement, qui manque de poésie (raméllienne) comme de rondeur dramatique (Gluck). Salieri reste un bon faiseur mais dans le registre tragique, accuse une affection pour la dureté, le tranchant que vivifie la nervosité raide de la direction (laquelle s’interdit toute échappée lyrique voire voluptueuse. d’une partition qui cède parfois cependant à la tentation de la couleur)… Même si l’on remarque et distingue la vitalité d’une écriture vivante, où le récitatif continu accompagné par l’orchestre semble détrôner la coupe air / récitatif, on reste bien peu impliqué par l’ouvrage ; on préfère globalement le Salieri volage et badin dans l’opéra buffa, immersion méconnue jusque là, et définitivement plus convaincante (La Scuola degli Gelosi, perle de 1778, révélée par L’arte del mondo / 
Werner Ehrhardt / CLIC de CLASSIQUENEWS de février 2017) . Même le Prologue qui évoque après un chaos universel, l’avènement des hommes parfaits parce qu’indifférents aux privilèges et à la gloire (tout l’inverse des manants du XVIIIè épinglés par l’auteur), l’orchestre comme les chanteurs ont peine à défendre un texte et un tableau trop déclamatoire : de fait, le prologue propre à la tragédie en musique spécifiquement française, souffre d’une aridité mécanique. Peu de compositeurs (comme Rameau) ont su renouveler le genre en la matière.

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CD, critique. SALIERI : TARARE (Talens lyriques, 2018, 3cd Aparté) - livret de Beaumarchais. Cyrille Dubois (Tarare), Karine Deshayes (Astasie), Jean-Sébastien Bou (Atar), Judith Van Wanroij (la Nature, Spinette), Enguerrand de Hys (Calpigi), Tassis Christoyannis (Arthénée, le Génie du feu), Jérôme Boutillier (Urson, un Esclave, un Prêtre), Philippe Nicolas-Martin (Altamort, un Paysan, un Eunuque) ; les Chantres du Centre de musique baroque de Versailles ; les Talens lyriques, dir. Christophe Rousset. 3 cd – enregistrement live nov 2018.

LIRE aussi notre présentation de TARARE de SALIERI en 2018

COMPTE-RENDU, opéra. TOURS, Opéra, le 26 mai 2019. GIORDANO : Andrea Chénier. B. Pionnier, PF Maestrini. Avant Puccini, Giordano fixe un modèle de drame lyrique, qui sous l’intitulé « vériste », trouve un point idéal d’équilibre entre action et chant, temps dramatique et temps musical, réactivant même ce qui a fait auparavant l’efficacité du drame verdien (ou gluckiste) : la fusion du verbe et du geste. En prose (et non en vers comme dans Tosca, quelques années plus tard), Umberto Giordano (et son librettiste Illica, le même auteur pour Tosca, créé à Rome en 1900), fusionne texte et musique, en un théâtre qui frappe et saisit par son allant irrépressible ; les chanteurs ici ont à peine le temps de se chauffer : ils doivent immédiatement épouser et embraser la scène, en exprimant directement tous les enjeux de chaque situation.
L’orchestre et le chœur très sollicités apportent leur contribution spécifique dans ce drame musical total où chaque phrase pèse et imprime à l’action continue, son accent propre à enchaîner ce qui suit tout en soulignant la pertinence de ce qui a précédé.
Ainsi Giordano avec ce Chénier (créé à la Scala de Milan en mars 1896), marque la scène lyrique et inspire à l’Opéra de Tours, l’un de ses meilleurs spectacles. La nouvelle production portée par son directeur général Benjamin Pionnier qui assure aussi la direction musicale, souligne cet accomplissement visionnaire de Giordano, avant Puccini.

A Tours, on se délecte aussi côté chanteurs de la prise de rôle de la soprano, féline, presque torturée de Béatrice Uria-Monzon qui éclaire le personnage de Madeleine de Coigny, d’une couleur fauve et passionnelle (de fait son air, sublime La Mamma morta au III est viscéral et âpre… comme le fut sa Gioconda à Bruxelles en début d’année) ; à ses côtés, dans le rôle-titre, Renzo Zulian a la vaillance bien accrochée pour exprimer l’idéalisme moral du poète dont l’éclat foudroie l’une des périodes les plus barbares et sombres de la Révolution française : chacun de ses airs, un pour chacun des 4 actes, veut coûte que coûte soutenir une espérance fraternelle et amoureuse malgré la terreur environnante et sourde; parmi les comprimari, se détache le chant habile de l’excellent ténor Raphaël Jardin qui incarne un « Incroyable » aussi léger, funambule qu’intriguant et sournois. C’est lui qui mine de rien, inspire à Gérard devenu membre du Tribunal révolutionnaire, l’acte qui signe l’arrêt de mort de Chénier… Justement dans le rôle de Gérard, notons aussi le poids et la cohérence du chant du baryton Marco Caria dans le rôle du serviteur devenu juge et malgré son amour pour Coigny, décide cependant d’aider (mais vainement) les deux amants maudits.

Sur les traces du peintre Suvée (portrait au musée de Tours), le metteur en scène (dont c’est la 3è coopération à Tours), Pier Francesco Maestrini évoque Chénier dans la prison de Saint-Lazare (avec Roucher) ; Robespierre paraît aussi … en idôle précieuse autant que vivante. La vision est fidèle à l’esprit de la Révolution, dans ses excès, ses vices, ses espoirs… déçus. Illica invente l’idylle entre la jeune aristocrate Madeleine (de Coigny) et le poète libertaire et séditieux André : c’est que la petite histoire (amoureuse) rééclaire les milles bassesses de la grande. Mais le chœur (brillamment préparé par sa nouvelle cheffe, Sandrine Abello) et l’orchestre lui aussi crépitant et très présent, assurent le souffle et la puissance, la tension continue d’un opéra qui comme bientôt dans Tosca, possède un arrière plan historique particulièrement fouillé. Le spectateur est selon la coupe originelle de Giordano, comme happé et entraîné dans une course à l’abime : la machine révolutionnaire hache menu ses enfants trop idéalistes : fussent-ils aussi sublimes que Madeleine et André, deux martyrs de la guillotine.

La fresque historique est présente, son souffle et ses espérances de fraternité aussi ; les profils des amants, Madeleine et André, bien dessinés, auxquels répond la présence plus trouble et modulable de Gérard, jaloux qui compatit. Belle production, cohérente et « cinématographique », prenante et claire à l’affiche ce mardi 28 mai 2019 à l’Opéra de Tours, puis bientôt en second souffle à l’Opéra de Nice. Incontournable. / Illustrations : © Sandra Daveau / Opéra de Tours 2019

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COMPTE-RENDU, opéra. TOURS, Opéra, samedi 26 mai 2019. GIORDANO : Andrea Chénier. B. Pionnier, PF Maestrini.

Direction musicale : Benjamin Pionnier
Mise en scène : Pier Francesco Maestrini
Décors : Nicola Boni
Costumes : Luca dall’Alpi
Lumières : Bruno Ciulli

André Chénier : Renzo Zulian
Madeleine de Coigny: Béatrice Uria Monzon
Charles Gérard : Marco Caria
Bersi : Ahlima Mhamdi
Madelon: Christine Tocci
Roucher : Marc Scoffoni
Mathieu : Pierre Doyen
L’incroyable : Raphaël Jardin
Fléville / Fouquier Tinville : Virgile Frannais
L’abbé : Mickaël Chapeau

Choeur de l’Opéra de Tours
Orchestre Symphonique Région Centre-Val de Loire/Tours

Chorégraphie : Elodie Vella

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LIRE aussi notre annonce d’Andrea Chénier à l’Opéra de TOURS

VOIR aussi notre reportage vidéo Andrea Chénier à l’Opéra de TOURS

COMPTE RENDU, Festival. Lisbonne, août 2018. Festival et Académie Verão Clássico 2018. La grande fête de la Musique de Lisbonne. Du 29 juillet au 7 aout 2018, Centre Culturel de Belém. Talent, enthousiasme, rigueur, dépassement de soit, partage, … telles sont les devises d’un haut lieu culturel du Portugal devenu depuis quelques années grâce à l’initiative du pianiste Filipe Pinto Ribeiro, le cœur de la vie musicale chambriste. Plus qu’un cycle de concerts, l’événement estival assure aussi l’expérience essentielle de la transmission car ici, les musiciens professionnels invités, – concertistes de renom, enseignent leur métier, partagent leur expérience aux élèves venus du monde entier pianistes, violoncellistes, altistes, contrebassistes, clarinettistes, cornistes, ou hautboistes.… Le Festival et Académie Verão Clássico se déploie au sein du prestigieux Centre Culturel de Belém, au cœur de Lisbonne.

Festival Académie VERAO CLASSICO à Lisbonne,
Voyage au centre du chambrisme le plus intense

Tout au long de cette semaine intense en apprentissage comme en concerts, dirigée par le pianiste Filipe Pinto-Ribeiro, plusieurs master-classes de piano, cordes, vents et musique sont données par les professeurs les plus prestigieux du monde de la musique.

Chambrisme éloquent, ciselé à Lisbonne, par Pascal Moragues (clarinette), Gary Hoffmann (violoncelle), et Filipe PINTO-RIBEIRO (VERAO CLASSICO 2018 / DR)

Les cours sont assurés par de grandes personnalités du monde musical ; des pointures certes, surtout des solistes qui possèdent l’art du dialogue collectif car ils aiment aussi jouer en complicité, dans le cadre de la musique de chambre ; c’est aussi cela que le sjeuens apprentis viennent maîtriser : le jeu technique évidement, mais aussi l’apprentissage de l’écoute ; tous ont participé à cette 4ème édition du Festival ; chacun parmi les professeurs ont à coeur de transmettre et encourager les vocations, à commencer par son mentor Filipe Pinto-Ribeiro, directeur artistique et pédagogique.

Nous avons pu écouter en grande première au Festival le corniste Radek Baborák ainsi que le violoncelliste Adrian Brendel, les pianistes Imogen Cooper et Aleksander Madžar, le contrebassiste Janne Saksala, contre-basse solo de l’Orchestre Philharmonique de Berlin, et la flûtiste Adriana Ferreira, récemment nommées première flûte solo de l’Orchestre de l’Académie de Santa Cecilia à Rome. Ceux qui ont l’habitude des concerts et masterclasses du Festival à Lisbonne, ont retrouver la présence charismatique de vrais tempéraments tels le violoniste Corey Cerovsek et Jack Liebeck, l’altiste Isabel Charisius, le clarinettiste Pascal Moraguès, entre autres.

Pour cette 4ème édition du Festival et de l’Academia Verão Clássico, 170 jeunes musiciens ont été sélectionnés, 107 portugais et 63 venant d’autres 27 pays. Voilà qui atteste de l’ampleur internationale d’un événement devenu incontournable dans l’agenda musical européen et estival : pour goûter et comprendre la musique de chambre, rien n’égale l’expérience vécue au Centre culturel Bélem à Liobsnne, le temps de l’Académie et du festival Verao Classico… Les prochaines dates sont déjà annoncées, à Lisbonne du 28 juillet au 6 aout 2019.

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VOIR notre reportage vidéo exclusif réalisé lors du Festival Académie VERAO CLASSICO, en août 2017. Présentation, fonctionnement, enjeux des masterclasses et des concerts (des professeurs et des élèves) par Filipe Pinto-Ribeiro, avec Gary Hoffmann, Pascal Moragues, … VOIR le film

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ACTUALITES. Filipe Pinto-Ribeiro, Corey Cerovsek, Isabel Charisius, Adrian Brendel entre autres, publient à l’automne 2018, l’intégrale de la musique de chambre pour cordes et piano de CHOSTAKOVITCH / SHOSTAKOVISH, coffret événement édité par PARATY. Corpus éblouissant dans une interprétation ciselée, nerveuse, collectivement très affûtée… Prochaine grande critique à venir sur CLASSIQUENEWS, dans la mg cd dvd livres… LIRE notre dépêche annonce du coffret SHOSTAKOVICH / VOIR notre teaser vidéo Intégrale de la musique de chambre pour cordes et piano (Paraty)

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BICENTENAIRE GOUNOD 2018. FOCUS sur FAUST… Faust de Gounod est e second succès du compositeur, et en 1959, une manière de retour en grâce auprès du public qui depuis Le Médecin malgré lui d’après Molière l’avait quelque peu boudé. Fait marquant pour ce Prix de Rome 1839, il s’agissait de reconquérir la place lyrique, lui qui se destinant aux ordres, avait finalement suivi le conseil de Pauline Viardot, cantatrice magnétique et tutélaire pour laquelle il avait débuté une fulgurante carrière avec Sapho, sublime, immortelle par sa lyre chantante (l’équivalent féminin d’Orphée, remarquable ouvrage au génie mélodique créé en 1851). Avant que n’arrive Roméo et Juliette de 1867, ensorcelante ivresse amoureuse par ses 3 duos extatiques (vraie alternative à Wagner), Faust est l’opéra le plus joué en France et dans le monde. L’ouvrage est en 5 actes et est conçu de 1839 à 1859 : 20 années d’une création difficile car Gounod sait l’ampleur de la tâche qui doit être digne de la source poétique allemande : Goethe. Schumann vient de terminer sa version en 1853, mi oratorio mi opéra. Mais la version première comporte des dialogues parlés qu’il remodèle en récitatif ajoutant le ballet du début du Vè acte (la fameuse Nuit de Walpurgis) pour la reprise de 1869 à l’Opéra de Paris. Héritier de Meyerbeer et de Halévy dans le genre du grand opéra à effets (spectaculaires et … fantastique, sujet oblige), Faust est le plus grand succès français (2358 représentations cumulées à Paris en 1975).
A travers le mythe de Faust, se précise le défi de toute une vie : la vanité du savoir face à l’inexorable déchéance physique : que sert de comprendre le monde, s’il n’offre que frustrations et souffrance ? Le docteur Faust âgé désespère du monde et de la vie, mais rencontre Méphistophélès qui en échange de son âme, lui promet délices et merveilles. Or l’illusion et la dépression ronge le cœur de Faust qui se lasse des plaisirs suscités par le Malin : il reprend cependant espoir par l’amour que lui apporte la pure et croyante Marguerite. Pourtant favorisé et protégé par Méphistophélès, Faust provoque la mort de la mère et du frère (Valentin) de la jeune femme. Celle ci noie l’enfant né de leur union maudite…

Faust à l’épreuve des plaisirs
Opéra du salut, entre amour et repentir

A la différence de Goethe qui dans le 2è volet de son Faust, s’intéresse au salut de l’âme du docteur que sa quête indicible du bonheur a conduit au bord du gouffre infernal, Gounod exploite la veine dramatique du sujet, et se concentre surtout sur le thème amoureux qui unit et détruit aussi le couple illégitime. La culpabilité et le tragique s’emparent de l’action jusqu’à son terme fatal. Le plus beau tableau reste le IIIè, celui de la rencontre avec Marguerite (après son air célèbre, air des bijoux parodié par Hergé dans Tintin, dans le personnage caricatural de la Castafiore : Ah je ris de me voir si belle en ce miroir…). Le IVè acte scelle le destin de Marguerite qui devenu mère est accablée par la culpabilité tandis que son frère Valentin, souhaitant venger l’honneur de sa sœur, meurt en duel contre Faust. Le début du dernier acte synthétise toutes les ivresses orgiaques auxquelles pourrait prétendre Faust (la Nuit de Walpurgis : sorte de réponse française au ballet orgiaque lui aussi qui ouvre l’opéra Tannhaüser de Wagner) : d’ailleurs tout en lascive séduction, le ballet de Walpurgis emprunte à la valse alors dominante à Vienne, le rythme entêtant des 3 temps, en particulier dans la danse des Nubiennes… mais Faust séduit d’abord par le Malin, mesure l’étendue de la vanité des plaisirs. Croyant, Gounod imagine à la fin du Vè, une Marguerite repentante (après avoir tué son enfant) et face à ce terrible crime, un Faust lui aussi pétri de remords. Séduisant et raffinée, l’écriture de Gounod dès 1859 remodèle le format et la forme du grand opéra français, en assouplissant les angles tragico spectaculaires, issus de Meyerbeer, par une tendresse nouvelle, une langueur qui porte à l’amour.

Illustration : Faust au Sabbath, 1842 / Ary Scheffer

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FAUST, actualités
L’éditeur WARNER pour le bicentenaire GOUNOD 2018 réédite la version complète en 5 actes enregistrée par Michel Plasson et l’orchestre du Capitole avec une somptueuse distribution : Freni, Domingo… LIRE notre présentation de ce coffret majeur : THE GOUNOD EDITION, qui remporte le CLIC de CLASSIQUENEWS de juin 2018

CURIOSITÉ… Paris affiche en juin 2018 une production de la version « originale » en 4 actes de 1859, l’originelle, avec dialogues parlés, et sans le joyau symphonique ajouté en 1869, le fameux ballet qui ouvre le 5è acte, la nuit de Walpurgis… En revenant au premier état, ce Faust 1 présente plusieurs airs tronqués, des tableaux déplacés, offrant un enchaînement épars et déconstruit, dépouillé de l’éclat fantastique qu’apporte le 5è acte. A suivre. PARIS, TCE, 14 juin, 19h30

CD, critique. PEDRO RUIMONTE EN BRUSELAS (2 cd Lauda Musica / La Grande Chapelle / Albert Recasens 2017). Voici un double cd qui souligne combien l’avènement de nouveaux souverains (Habsbourg espagnols) à la tête des provinces néerlandaises : l’infante Isabelle Claire Eugènie et son futur époux, l’archiduc Albert VII d’Autriche en 1599, – à l’initiative de Felipe II d’Espagne (père de l’Infante), modifia la vie de cour, en particulier, favorisa enfin l’essor d’une intense activité musicale (inédite in loco). Le couple venu pacifier les états néerlandais en guerre ouverte contre leurs suzerains ibériques, sut affirmer un prestige politique auquel le maestro de musica, Pedro Ruimonte associa une somptueuse parure musicale, – spécifiquement espagnole, comme en témoigne le faste artistique développé pour l’entrée solennelle du couple à Bruxelles. La politique de l’Infante porta ses fruits et en signant la trêve de Douze ans (1609-1621), la paix put se renforcer pendant plus d’une décade, permettant à l’art de reprendre des couleurs. Les Flandres purent en particulier développer une nouvelle industrie du luxe. Mais la reconquête s’appuie surtout sur l’exaltation de la foi de souverains étrangers, ultra-catholiques.
En place au sein de la chapelle archiducale jusqu’en 1614, Ruimonte (aux côtés de Peter Philips, John Bull avec le maître de chapelle Géry de Ghersem) livre l’ordinaire liturgique et la parure des événements spectaculaires destinés à assoir l’éclat du décorum de la contre-réforme. Bruxelles peut donc se targuer de connaître sous les Habsbourg, un âge d’or auquel en accord avec la musique, la peinture permit aussi un regain de splendeur, grâce à Rubens, maître souverain de la séquence (avec Otto Venius, Frans Francken, Brueghel l’Ancien, sans omettre le portraitiste Pourbus, qui passera ensuite en France…). La période dorée prit fin avec le décès d’Isabelle en 1633. Le premier tiers du XVIIè marque donc à Bruxelles, un développement exceptionnel des arts. Albert Recasens, directeur artistique de La Grande Chapelle, nous livre ici un éclairage inédit sur une période pourtant passionnante de l’histoire bruxelloise, à l’époque du premier baroque européen.

ESSOR DU VILLANCICO à BRUXELLES

Bruxelles à l’heure d’Isabelle entretient un style éclectique et international comme en témoigne la Fantaisie du Bruxellois Pieter Cornet qui outre sa virtuosité toute italienne, affirme une parfaite assimilation de l’art des virginalistes anglais, dont celui de John Bull, présent à Bruxelles justement autour de 1613 (cd 1, plage 5). Le programme conçu par Albert Recasens poursuit une approche extrêmement pertinente et documentée sur la période : l’intérêt de ce nouveau disque est d’éclairer le style de Pedro Ruimonte en l’inscrivant dans le contexte artistique de son temps : y figurent ainsi les pièces contemporaines de Philips (oeuvres sacrées), du déjà cité Cornet (pièces pour clavecin) ; mais aussi Romero, Dering (anglais devenu catholique, auteur pour la consort music), jusqu’à Frescobaldi (Canzon, plage 6)… dans le cd 2 : l’Italien publie son Livre I de madrigaux à Anvers avant de rejoindre Rome où il sera maestro de capella (Capella Giulia).

Dans ce creuset européen, Ruimonte accompagne l’évolution du choix général de textes français pour l’italien (essor du madrigal), mais affirme de son côté, l’espagnol comme langue poétique mise en musique : ainsi son Parnasso espanol (1614, dédié au Duc de Lerma) dont sont extraits les Villancicos abordés ici ; cependant il ne sera pas suivi par ses confrères. Ainsi et c’est le sujet principal de ce programme, Ruimonte défend le madrigal espagnol (et aussi le villancico) pour 4, 5 et 6 voix ; La Grande Chapelle développe un soin particulier pour chaque pièce, afin de favoriser l’articulation donc l’intelligibilité de chaque texte dont on peut raisonnablement penser qu’ils firent la délectation particulière des nobles d’Espagne, sans omettre les Souverains Habsbourg eux-même en terres flamandes et Bruxelloises.
Ainsi dans chacun des 5 Villancicos retenus (en première mondiale, tous dédiés soit à la Vierge soit à la Passion), La Grande Chapelle insuffle la souplesse nécessaire pour bien distinguer dans la tenue des effectifs requis, l’enchaînement de ses 3 composantes (estrebillo pour 1, 2 ou 3 voix) ; responsion, développement de la première strophe du 1, par le groupe vocal complet ; enfin, copla finale (même effectif que le 1).
Distinguons aussi un travail exemplaire porté par les deux groupes de chanteurs, dans le rare motet (en latin) : Sancta Maria (8 voix), où l’expressivité chorale proche du texte enflamme cette prière descendante (pleine d’humilité recueillie) et pourtant aussi très incarnée, palpitante.

Le geste respecte l’énoncé surtout syllabique (moins madrigalesque) d’oeuvres qui frappent par leur caractère suspendu, intérieur, comme distancié… emblèmes parfois énigmatiques d’un pouvoir qui s’est rêvé, universel et omnipotent aux Pays-Bas Espagnols. Ce qu’il fut concrètement jusqu’en 1633. La qualité des textes et des manières ainsi révélés méritait bien ce double témoignage absolument nécessaire. Fidèle à sa réputation, Albert Recasens sait nuancer et habiter chaque séquence avec un feu mesuré et très homogène. On ne peut guère attendre dans un tel répertoire, à la fois solennel et recueilli, meilleure compréhension des pièces choisies.

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CD, critique. PEDRO RUIMONTE EN BRUSELAS, musica en la corte de los archiduques Alberto e Isabel Clara Eugenia (2 cd Lauda Musica LAU 017 / La Grande Chapelle / Albert Recasens, direction – enregistrement réalisé à Anvers en janvier 2017). Saluons la notice extrêmement bien documentée, illustrée avec discernement, qui souligne le travail scientifique d’envergure dont le coffret de 2 cd est le prolongement éloquent. Rare aujourd’hui, crise du cd oblige et frilosité des directeurs de salles et de festivals, les programmes d’une telle ampleur, ambition, valeur. Bravo à Albert Recasens et ses équipes. Pour un témoignage vidéo et plus d’informations : visiter le site du label LAUDA MUSICA

http://www.laudamusica.com/index.php

et

http://www.atlas-news.com/agencia-internet/cultura/Ruimonte_en_Bruselas-pedro_Ruimonte-Siglo_de_Oro-Albert_Recasens-La_Grande_Chapelle-Fundacion_BBVA_3_1116518346.html

NOS 6 FESTIVALS DE L’ÉTÉ 2017 : la sélection de classiquenews. Avec le soleil qui s’installe, la route des festivals se précise et les jalons d’un parcours enchanté se concrétisent telles les balises d’une sublime et nouvelle exploration. Voici nos 6 coups de coeur de cet été, en France et en Suisse, cycles de concerts divers et singuliers, pertinents ou inédits, qu’il s’agisse d’interprètes que l’on suit depuis plusieurs années au sein de classiquenews, comme lieux dépaysant et destinations enchanteresses. Suivez le guide : pour chacun des festivals et cycles de concerts ainsi identifiés et distingués, classiquenews précise aussi la nature des lieux investis et la valeur des paysages environnants. Parce que la route des Festivals est aussi une formidable promesse touristique.

ACADEMIE DE MUSIQUE ANCIENNE DE VANNES
Du 4 au 12 juillet 2017

7è édition à VANNES du 4 au 12 juillet 2017. La Bretagne a toujours su explorer de nouveaux territoires, patrie des corsaires et des marins explorateurs d’envergure, le territoire sait aussi cultiver le défrichement et l’innovation musicale. Ainsi l’Académie estivale que propose le VEMI (Vannes Early Music Institute) à Vannes, porte-t-il logiquement le titre générique de « Festival des Musiciens Voyageurs »… L’Institut a su se distinguer depuis sa création parce que son projet artistique tout en impliquant comme nul par ailleurs la population et les visiteurs à Vannes, sait aussi, simultanément cultiver la transmission et l’approfondissement du travail musical. A la fois, festival (pour les spectateurs) et Académie (pour les jeunes instrumentistes sur instruments anciens et les jeunes chanteurs), chaque nouveau cycle estival organisé par le Vannes Early Music Institute est un événement en soi : la promesse de découvertes musicales et artistiques envoûtantes. Depuis sa création par le violoncelliste Bruno Cocset en 2011, le Vannes Early Music Institute ne cesse de diffuser dans la cité et sur le territoire, une offre particulièrement riche en matière de musique ancienne : défrichement de répertoires, pratiques instrumentales… fruit de son expérience au long cours, prolongement d’une activité incessante tout au long de l’année, la semaine où a lieu l’Académie, offre plusieurs concerts et conférences dans le somptueux écrin patrimonial qui les abrite à Vannes, l’Hôtel baroque de LIMUR, un lieu qui a conservé tout le charme de son architecture XVIIè… mais aussi dans plusieurs lieux emblématique de la richesse patrimoniale de la cité bretonne (Auditorium des Carmes, Basilique ND de Joie, Parc de Branfere, Cathédrale Saint-Pierre, …) / entrée gratuite dans la limite des places disponibles (réservations préalables conseillées / libre participation pour les concerts. EN LIRE + :

http://www.classiquenews.com/academie-de-musique-ancienne-de-vannes-2017/

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YEHUDI MENUHIN Festival & Academy
Du 13 juillet au 2 septembre 2017

Au regard de la programmation festive, éclectique, pléthorique du prochain festival de GSTAAD, la rédaction de CLASSIQUENEWS met en avant certains programmes et cycles musicaux, dévoilant par épisodes, la richesse d’un festival prometteur, particulièrement complet… Aux côtés de son souci de pédagogie et de transmission, – qualité qui est l’âme du festival suisse depuis le travail pionnier de son fondateur le violoniste Yehudi Menuhin, l’événement musical qui a lieu pendant tout l’été 2017 (70 concerts du 13 juillet au 2 septembre 2017), sait aussi cultiver l’inédit, la création comme des exploration de répertoires méconnus. Suivez le programme ; voici 3 volets « coups de cour de CLASSIQUENEWS » :

EN LIRE + :
http://www.classiquenews.com/festival-de-gstaad-2017-13-juillet-2-septembre-2017-temps-forts-i/

VOIR notre reportage vidéo découverte / GSTAAD Yehudi Menuhin Festival & Academy 2016 :
http://www.classiquenews.com/reportage-gstaad-menuhin-festival-academy-presentation/

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FESTIVAL DE SAINTES
Du 14 au 22 juillet 2017

SAINTES, 46ème Festival estival : 14-22 juillet 2017. Fleuron des festivals estivaux en France, ici en Poitou-Charentes, le 46è festival de Saintes étend sa voile du 14 au 22 juillet 2017, investissant tous les lieux désormais emblématiques de l’Abbaye aux dames. Rebaptisée Cité musicale, l’ensemble patrimonial accueille plusieurs générations d’interprètes en une palette élargie de répertoires ; aujourd’hui le lieu est fort d’une saison musicale annuelle, qui avant et après le festival estival prépare et poursuit l’aventure musicale. Cette activité permanente in loco a enraciné la musique comme une respiration naturelle (d’autant que le bâtiment abrite aussi le Conservatoire de musique de la ville : des passerelles n’ont pas manqué de se développer entre présences des artistes pro, du public et des jeunes élèves…). Le Festival estival profite évidemment de cette culture évidente, manifeste qui appartient désormais totalement à la vie des Saintais.
Au cours de lla saison annuelle comme pour l’été, jeunes tempéraments en devenir (actuellement Nevermind et Jean Rondeau), ensembles envoûtants et pour certains partenaires familiers (Vox Luminis, Orchestre des Champs-Elysées et Philippe Herreweghe, …) poursuivent leur travail de défrichement comme d’approfondissement. Le seul exemple de l’orchestre de jeunes instrumentistes sur instruments d’époque, le JOA, Jeune Orchestre de l’Abbaye, illustre cette activité exemplaire qui se soucie de former et perfectionner les jeunes musiciens. En plus de réaliser plusieurs sessions pendant l’année à Saintes, le JOA participe aussi à la programmation du festival estival (Tchaikovski : Suite de Casse Noisette et Symphonie n°2 « Petite Russie », sous la direction de Philippe Herreweghe, le 15 juillet à 16h30, un événement à suivre particulièrement).

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http://www.classiquenews.com/festival-de-saintes-2017-presentation-et-temps-forts/

VOIR la présentation vidéo du Festival de Saintes 2017 par son directeur artistique Stephan Maciejewski
http://www.classiquenews.com/festival-de-saintes-2017-presentation-des-temps-forts/

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FESTIVAL MUSIQUE & MEMOIRE
Du 15 au 30 juillet 2017

Dans les Vosges du Sud, un festival passionnant vous attend, du 15 au 30 juillet 2017 soit la deuxième quinzaine de juillet : une offre unique en Europe pour s’immerger au cœur des Vosges saônoises (en particulier dans la territoire des Vosges du Sud), bercés, étonnés, surpris, par une programmation riche et singulière, en nouvelles expériences baroques. Musique et Mémoire est une scène résolument baroque à nulle autre pareille qui ne cesse d’explorer les esthétiques des XVIIè et XVIIIè, entre France, Italie, pays germaniques. Grâce à l’intuition sûre de Fabrice Creux, directeur du Festival (et aussi son créateur), Musique et Mémoire sait cultiver le risque voire l’audace en commandant aux artistes en résidence de nouveaux programmes. C’est à chaque édition, une traversée unique et féconde, qui n’est pas liée à un site unique comme beaucoup d’autres festivals en France, mais une offre qui rayonne sur le territoire saônois, entre étangs et églises patrimoniales, une occasion de vivre et revivre l’enchantement et la vitalité des écritures baroques selon un rythme désormais bien identifié : 3 week ends ouvragés avec intelligence et gradation, 3 ensembles en résidence portés par l’exigence de l’expérimentation et de l’accomplissement. Du dialogue, du partage. Cet été, inaugurant le nouveau cycle de concerts et de rencontres, les festivaliers retrouvent pour les 5 premiers jours (les 15, 16 puis 19, 20 et 21 juillet), le trio emblématique Les Timbres, capables de stimuler et produire la complicité recréatrice en s’associant de nombreux complices (et aussi de nouveaux timbres comme le baryton vocal de Marc Mauillon…); Puis les 22 et 23 juillet, Musique et Mémoire accompagne le fabuleux ensemble de Lionel Meunier, Vox Luminis dans Haendel, et les cordes de La Rêveuse qui fête non sans raison le génie de Telemann, mis à l’honneur en 2017 ; c’est la poursuite également du geste d’Alia Mens dans la constellation Bach (cantates et pièces instrumentales dont les Brandebourgeois… Festival itinérant sur le territoire vosgeois, Musique & Mémoire a su aussi s’enraciner dans communes et sites uniques ; là encore, c’est la promesse d’écouter les meilleurs interprètes sélectionnés par Fabrice Creux, de suivre leurs avancées, jalons d’une longue et passionnante maturation locale, dans plusieurs églises et lieux surprenants… EN LIRE +

http://www.classiquenews.com/vosges-du-sud-70-24eme-festival-musique-et-memoire-du-15-au-30-juillet-2017/

VOIR la vidéo 2016 du Festival Musique & Mémoire : les 400 ans de Johann Jacob Froberger

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MUSIQUE EN BOURBONNAIS
Du 16 juillet au 15 août 2017

Dans l’ALLIER, voilà 51 ans, que le festival Musique en Bourbonnais offrait son premier cycle musical dans les églises les plus remarquables du Bourbonnais dans le département de l’ALLIER. Les 5 concerts proposés cette année, poursuivent une exploration concertée entre grands interprètes de musique de chambre et sites à haute valeur patrimoniale : souvent des églises médiévales dont celle de Châtelay à Hérisson) et ses fresques des XIIIè et XIVè sur la vie de l’ermite Saint Principin, est la plus emblématique. C’est d’ailleurs autour de la restauration de l’église de Châtelay, bâtiment remarquable perché dans un site préservé, que le premier festival s’est constitué. Aujourd’hui, le festival rayonne pendant l’été sur le territoire offrant aux habitants, l’occasion d’entendre les musiciens les plus chevronnés de leur génération, confirmés ou jeunes tempéraments prometteurs. Chaque concert est programmé le dimanche le plus souvent, en fin d’après midi à 16h ou 17h, jalon enchanteur qui rythme une journée de découverte ou d’exploration dans le bocage Bourbonnais.

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FESTIVAL MESSIAEN AU PAYS DE LA MEIJE
Du 22 au 30 juillet 2017

Dans les Hautes-Alpes (Briançonnais), le 20è festival Messiaen au Pays de la Meije offre un somptueux « voyage à travers le son », Olivier Messiaen qui avait élu résidence sur le territoire, ayant depuis toujours cultiver un regard critique sur le son. Grâce au directeur artistique, Gaëtan Puaud, fier gardien des lieux et de l’événement depuis les débuts du Festival dans le Briançonnais, les spectateurs au Pays de la Meije, de La Grave à Briançon, ont toujours pu mesurer l’esprit défricheur et le perfectionnisme sonore du compositeur : c’est aussi l’occasion, chaque été de considérer l’autre composante majeure de son écriture : sa spiritualité. Non pas l’expression d’une bondieuserie réductrice, mais l’affirmation d’un idéal transcendant qui porte toujours plus haut chacune de ses partitions. En juillet 2017, les auditeurs pourront écouter “Des Canyons aux étoiles”, le “Quatuor pour la fin du Temps”, “Harawi”, les “Visions de l’Amen”, “Saint François d’Assise” (version Loriod pour chant et piano), les “Cinq Rechants »… Soit un cocktail de joyaux incontournables d’autant plus opportuns en 2017 qu’il s’agit aussi de commémorer les 25 ans de la disparition d’Olivier Messiaen, en 1992. Temps forts, randonnées, concerts événements de la 20è édition du Festival Messiaen au Pays de la Meije :

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