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CRITIQUE, opéra. Helsinki, le 7 avril 2022. R STRAUSS : Salomé. Hannu Lintu / Christof Loy

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CRITIQUE, opéra. Helsinki, le 7 avril 2022. R STRAUSS : Salomé. Hannu Lintu / Christof Loy – Heureux internautes qui peuvent suivre l’actualité lyrique via internet et mesurer l’invention voire la pertinence des metteurs en scène actuels dont cette vision plutôt juste et défendable (c’est à dire cohérente et respectueuse) de la partition straussienne, signée à Helsinki, Christof Loy.

 

 

 

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En costumes de soirées, les hommes n’hésitent pas arborer la tenue d’Adam… ainsi Jochanaan (ou Iokanaan), acheminé sur scène à la demande de la princesse de Judée, Salomé ; le Prophète proclame la perversion des parents de la jeune femme : l’impudicité d’Hérodiade, le diabolisme d’Hérode ; se dresse dans sa nudité assumée (Andrew Foster-Williams, voix timbrée mais dépassé par l’ampleur visionnaire du rôle). Christof Loy représente sur scène la vision de Salomé. La jeune femme idéalise le Prophète.
Ses yeux , ses paroles « musicales » pénètrent l’âme de Salomé qui vibre à l’écoute des vérités proférées par l’homme de Dieu, emprisonné. « Fille de Sodome, ne m’approche pas! » ; piquée, l’adolescente fait l’inverse et reste saisie par la beauté de Iokanaan, amoureuse des grappes de ses cheveux plutôt que de son corps blanc (!)… « Je veux baiser ta bouche Iokaanan, laisse moi baiser ta bouche… », s’exclame la fille d’Herodiade, dévorée par un désir monstrueux qui va grandissant, entraînant sa fin misérable sous les boucliers des gardes d’Hérode. La soprano tire son épingle du jeu, fille-femme, ado mûre ayant des airs d’ange diabolique, Lulu et Lilith à la fois, silhouette et posture de poupée démoniaque et lascive, déjà usée… (Vida Miknevičiūtė, percutante, sincère, nuancée). La chanteuse sait construire son personnage avec beaucoup de justesse.

 

 

 

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La mise en scène (Christof Loy) souligne le jeu des regards lubriques et concupiscents, plein de ce désir qui enfle et submerge la scène : portés par une assemblée de jeunes hommes libidineux et testéronés en costumes noirs, style hommes de main et serviteurs, prêts à se dévêtir pour posséder le corps convoité : mêlée de mouches obscènes sur le corps de Salomé en vraie fausse ingénue. L’approche est juste.

Le couple de régnants, Hérode et Hérodias, empêtré dans les tensions d’un petit couple bourgeois, est honnête sans plus : Hérode tétrarque délirant (Nikolai Schukoff qui cependant se bonifie en cours de représentation), à la limite de la névrose, décrétant la fête, exigeant le vin, sur le corps ensanglanté du jeune syrien suicidaire… désirant Salomé lui aussi comme un pervers insatisfait. Surgissent les 5 juifs qui pérorent hystériques ; ils cassent la tête des invités (« Faîtes les taire! » hurle Herodiade). Laquelle de même, en pleine crise hystérique ne peut supporter la voix de Iokanaan.

 

 

 

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Puis c’est la page orchestrale la plus sulfureuse et la plus vénéneuse, c’est à dire la plus géniale d’une partition captivante : la danse de Salomé, 7 voiles contre la tête du Prophète…(à 1h03’30 – cf ci après le lien de visionnage sur le site ARTEconcert – replay jusqu’en mai 2023) ; le tableau est à nouveau un jeu de domination perverse, qui permet à Hérode de baiser la bouche du Prophète en un acte lubrique parfaitement déplacé mais totalement assumé… avant de s’enfermer dans une pièce avec sa belle-fille… dont le retour sur scène fait paraître la tueuse du Prophète en robe de chambre rose saumon.

La dernière scène où la jeune fille paraît en jeune mariée toute à son désir pour le fringant Iokanaan, devenu sujet séduisant du désir féminin, est d’une rare justesse. Salomé ardente et monstrueuse, incarnation du désir le plus impérieux, amoureuse et castratrice. La diva convainc par son intensité dramatique, son chant à blanc, jusqu’à l’accomplissement cynique (« j’ai baisé ta bouche Iokanaan / est-ce la saveur du sang ? Non la saveur de l’amour »). Si le jeu de la soprano Vida Miknevičiūtė convainc, dommage que dans la fosse, le chef assure une direction rien que routinière, sans les éclats et mille nuances de timbres qu’a ciselé pourtant le génial Strauss. La production doit être vue pour la mise en scène de Christof Loy, la Salomé expressive et juste de Vida Miknevičiūtė.

 

 

 

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CRITIQUE, opéra. Helsinki, le 7 avril 2022. R STRAUSS : Salomé. Hannu Lintu / Christof Loy

REPLAY 

-  A VOIR et revoir sur ARTEconcert jusqu’au 12 mai 2023
https://www.arte.tv/fr/videos/104849-000-A/richard-strauss-salome/
Durée : 1h46mn

 

 

 

Distribution
Vida Miknevičiūtė (Salomé)
Mihails Culpajevs (Narraboth)
Nikolai Schukoff (Herodes)
Karin Lovelius (Herodias)
Andrew Foster-Williams (Jochanaan / Iokanaan)
Elli Vallinoja (Herodia’s Page)
Orchestre de l’Opéra National de Finlande
Hannu Lintu, direction

 

 

 

CRITIQUE CD, coffret événement, critique. R. STRAUSS / NELSONS (7 cd DG Deutsche Grammophon)

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Andris-Nelsons--Strauss-leipzig-boston-critique cd review classiquenews deutsche grammophonjpgCRITIQUE CD, coffret événement, critique. R. STRAUSS / NELSONS (7 cd DG Deutsche Grammophon) – 2 orchestres : Boston Symphony Orchestra, Gewandhausorchester Leipzig ; 1 chef :  Andris Nelsons font ici la valeur de ce coffret  «  Alliance », dédié aux oeuvres symphoniques majeures de Richard Strauss. Outre la vivacité énergique du maestro, c’est aussi l’opportunité de comparer les qualités de chacune des deux phalanges dont il est directeur musical.
Chaque orchestre réalise 3 programmes Straussiens – puis ce « retrouve en cd 7, dans la première de « Festliches Präludium » (Festive Prelude, pour orgue et orchestre : soliste, Olivier Latry), – ample fresque orchestrale jouée par les 2 formations réunies en nov 2019 (Boston), point fort de ce projet interorchestral et aussi, point de départ du cycle Straussien entre Boston et Leipzig.
« L’alliance » ainsi défendue s’appuie en vérité sur l’histoire croisée des 2 institutions musicales des deux côtés de l’Atlantique ; en mêlant les instrumentistes des deux formations à jouer ensemble à l’occasion de Journées d’échanges (Leipzig Week in Boston ; Boston Week in Leipzig), Nelsons ne fait que renouveler des liens historiquement avérés dès la fin du XIXè, après la création du Boston Symphony Orchestra en 1881 : le siège de l’Orchestre américain (Boston Symphony Hall) s’inspire du Gewandhauss II ; de même nombre de directeurs du Boston ont étudié au Conservatoire de Leipzig. Andris Nelsons lui-même, est directeur musical des 2 orchestres, comme… Arthur Nikisch auparavant. La coopération des deux orchestres n’a donc rien de surprenant.

A travers ce programme, composé de poèmes symphoniques, de cycles symphoniques, de suites conçues à partir d’opéras, de pièces pour cordes seules (Metamorphosen)… , Nelsons joue avec le brio, l’élégance, le raffinement voire le délire de l’orchestration et l’humour de Strauss (son grand lyrisme coloré par un goût parfois immodéré pour le pastiche et la surenchère de timbres).
L’écoute des deux phalanges met en lumière la grande cohérence sonore des cordes et la clarté naturelle de Leipzig ; l’éclat, la vivacité, voire l’exubérance ivre des cuivres de Boston qui rappelle les « divines » années sous l’ère Monteux, Leinsdorf, Ozawa ; Nelsons nourrit les affinités entre les Bostoniens et Strauss, lequel comme chef put les diriger dans sa propre musique (Don Juan, Feursnot, Don Quichotte, en … 1904).

L’ampleur du projet, la réalisation plus qu’honnête, engagée, riche en panache et rebonds dramatiques (avec le scintillement précis, aiguisé des solistes invités : Yuja Wang dans Burleske / Leipzig, Yo-Yo Ma pour Don Quixote avec les Bostoniens) justifient la présente gravure : le corpus Strauss ainsi réalisé par Nelsons ressuscite une tradition coopérative interorchestre assez passionnante, qui rompt avec les habitudes du milieu. La grandeur du colossal (Festliches Präludium, avec orgue ! qui accrédite la vertu des grands rassemblements), la sublimation chambriste (Metemorphosen), la verve hautement dramaturgique des poèmes symphoniques dont Strauss jeune est passé spécialiste inégalé (Don Juan , Macbeth, Till,…), les cycles épiques (Ein Heldenleben et Aus Italien par le Gewandhaus, somptueux et rond, intérieur et comme enivré ; Symphonia Domestica et Eine Alpen Alpensinfonia par le Boston…), sans omettre la rutilance des scènes / extraits (Fauersnot, Salomé…) et Suites tirés des opéras (Der Rosenkavalier, Die Frau ohne schatten en tête…) suscitent l’enthousiasme. Le programme généreux de ce coffret à l’entente fraternellement orchestrale souligne combien Richard Strauss est l’un des grands conteurs parmi les plus inspirés du premier XXè (avec Ravel, Mahler, Sibelius…). CLIC de CLASSIQUENEWS printemps 2022.

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CLIC_macaron_2014CRITIQUE, CD. Coffret Deutsche Grammophon – 7 cd – Parution : 6 mai 2022 – 8h31mn – DG 4862040 avec  les solistes Yuja Wang (Burlesque) et Yo-Yo Ma (Don Quichotte). Boston Symphony Orchestra, Gewandhausorchester Leipzig - Andris Nelsons, direction – enregistrements : 2017 à 2021 – Deutsche Grammophon.

CRITIQUE, LIVRE événement. Richard Strauss : Moi, je fais l’Histoire de la musique (Fayard, mars 2022)

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RICHARD STRAUSS LOOTEN fayard je fais l histoire de la musique ecrits classiquenews critique livre review book 9782213712215-001-TCRITIQUE, LIVRE événement. Richard Strauss : Moi, je fais l’Histoire de la musique (Fayard, mars 2022)  –  Dans le cas de Strauss, l’auteur scandaleux de Salomé ou d’Elektra, la volonté d’éblouir comme de convaincre ne se réduit pas à l’écriture musicale ; cette volonté d’absorber la vie, d’expliquer aussi ses choix et la voie empruntée ne concerne pas uniquement ses partitions dont beaucoup sont autobiographiques (Sinfonia domestica, Une vie de héros, Intermezzo…) ; elle s’étend aussi à l’écriture stricto sensu : en cela Richard suit son aîné et mentor, l’autre Richard : Wagner.  Strauss admire (comme Bruckner) l’auteur de Tristan ; ses écrits n’ont pas de secret pour lui, dont en particulier « Opéra et Drame » dont le texte devrait « être lu et étudié dans toutes les universités et dans chaque conservatoire » : on ne saurait mieux exprimer sa vénération.

Les textes réunis par Christophe Looten reprennent l’édition « brute » des 16 cahiers de Richard Strauss, les fameux « Gesammelte Schriften » / « écrits réunis » (réalisée en 2016 par la Sté R Strauss de Munich) dont une partie avait déjà été imprimée, sans contextualisation ni présentation raisonnée, dès 1949 (sous le titre assez imprécis « Betrachtungen und erinnerungen / considérations et souvenirs ») par le suisse Willi Schuch, musicologue proche de Strauss, lequel n’en fut jamais réellement satisfait. Ch. Looten propose pour Fayard une publication intégrale mais avec une présentation et une mise en contexte, soit tous les écrits de R. Strauss dans un agencement rationnel en 5 parties, lesquelles suivent la chronologie d’une vie riche à plus d’un titre. La couverture choisie évoque évidemment la danse de Salomé (esquisse du peintre Gustave Moreau), page orchestrale d’une furieuse sensualité qui fait objectivement de Strauss, le plus grand symphoniste et créateur lyrique du XXè.

 

 

RICHARD STRAUSS DANS LE TEXTE

strauss richardLa mise en ordre n’empêche ni la sincérité des écrits ni leur pertinence artistique, esthétique voire politique ; si l’on parle souvent de sa « naïveté » vis à vis de Mussolini ou du régime hitlérien, le discernement et la stratégie du compositeur se manifestent pleinement dans ces pages de première valeur. Ainsi, d’une matière littéraire qui était d’abord destinée aux biographes de Strauss, le lecteur parcourt de la plume même de l’auteur, le cheminement d’une carrière admirable qui de fait, au regard de son génie compositionnel, aura « fait l’Histoire de la musique », celle de la première moitié du XXè. Chaque chapitre est précédé par un rappel des « principaux événements » de la vie de Strauss, de la vie artistique en général : « Enfance », « Jeunesse », « Années glorieuses » / celles d’Elektra, du Strauss, chef à Bayreuth, … ; « Dernières années » : où se précisent des indications personnelles sur l’inspiration, les méthodes de travail, la mélodie, l’admiration pour les écrits de Wagner, modèle permanent… ; enfin « Année sombres », dernier chapitre qui concentre les ultimes réflexions sur le sens d’une œuvre (Strauss y mêle des remarques très personnelles et souvent surprenantes mais justes sur … Schubert, « l’éducation humaniste », l’atonalité, l’effondrement total de l’Allemagne, …). Le compositeur célébré voire vénéré fut aussi un témoin de la guerre et de la chute de l’Allemagne emportée par l’effondrement de l’empire nazi.
CLIC_macaron_2014Auparavant, d’innombrables anecdotes éclairent l’ambiance et la vie de Strauss, lequel a toujours baigné dans une intense activité artistique, comme en témoignent les personnalités évoquées : les chefs Hans von Bülow, Herman Levi, Schuch, Mottl…, Wagner lui-même en prise de bec avec Strauss père, corniste de génie au tempérament bien trempé ; la veuve Wagner, Cosima, et son fils, Siegfried ; mais aussi Bruckner et Brahms (peu estimés), Mahler, Johann Strauss, Schoenberg… sans omettre son entrevue avec Mussolini ; mais aussi, pilier de l’œuvre musicale, l’écrivain et poète Hofmmansthal, son librettiste de prédilection avec lequel Strauss aura conçu ses plus grandes oeuvres (Looten a précédemment publié leur correspondance chez Fayard). L’humour et l’acuité de la pensée donnent vie et relief à ce qui n’aurait pu être qu’un catalogue d’épisodes personnels. Saisissant.

 

 

 

 

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CRITIQUE, LIVRE événement. Richard Strauss : Moi, je fais l’Histoire de la musique (Fayard, mars 2022) – 320 pages, EAN : 9782213712215 – Prix indicatif : 24 euros. CLIC de CLASSIQUENEWS printemps 2022.
PLUS D’INFOS directement sur le site de FAYARD :
https://www.fayard.fr/musique/moi-je-fais-lhistoire-de-la-musique-9782213712215

 

 

 

 

ENTRETIEN avec BRIEUC VOURCH. Jouer Richard STRAUSS et César FRANCK

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Le violon enchanteur de Brieuc VourchENTRETIEN avec BRIEUC VOURCH. Jouer Richard STRAUSS et César FRANCK. Elève de Perlman à la Juilliard School of New York, le violoniste français (qui vit à Hamburg), Brieuc Vourch marque les esprits dans son dernier album discographique, paru en juillet 2021, associant deux pointures romantiques : R. Strauss et César Franck. Leur Sonates pour violon et piano révèlent le fort tempérament de chaque compositeur ; c’est une confrontation riche en enseignements et qui conduit l’interprète à un engagement superlatif, doué d’un son comme d’une articulation, d’une rare poésie suggestive. Avec le pianiste Guillaume Vincent, Brieuc Vourch joue en architecte, caractérisant chaque partition en en proposant une cohérence organique, une progression rythmique très convaincantes. Entretien exclusif avec Brieuc Vourch pour classiquenews.com / Photos : © Andrej Grilc.

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CLASSIQUENEWS : Pourquoi avoir choisi d’associer dans ce programme R Strauss et C Franck ? Qu’apporte la confrontation des deux écritures ? Quels en sont les défis majeurs pour l’interprète ?

BRIEUC VOURCH : Nous avons choisi ces deux sonates parce qu’elles représentent ce au service de quoi nous pensons être appelés à nous mettre à ce moment de notre vie artistique : des défis techniques, une vitalité musicale, une passion et une énergie infinies.
Ces deux compositeurs comptent parmi les esprits créatifs, les plus forts, les plus courageux et les plus libres que la musique romantique ait connus. Ces deux sonates pour piano et violon sont des jalons musicaux dans la vie de chacun d’entre eux. Les mettre en perspective a été, pour nous, un voyage musical passionnant.
Nous voulons être oubliés, être les simples vecteurs d’une immersion absolue dans l’âme de ces œuvres d’art. Si un auditeur sort de l’écoute du CD avec le sentiment d’avoir entendu une musique incroyable, nous serons satisfaits.
Avec Guillaume Vincent, nous avons travaillé de manière méticuleuse, approchant chaque phrase avec beaucoup de soin et de savoir-faire. Il était extrêmement important pour nous de faire ressortir, de ces textes musicaux incroyablement profonds, le plus de couleurs, de textures, de reliefs possible. Nous avons aussi beaucoup aimé nous concentrer sur les architectures rythmiques des œuvres et sur la façon dont, en les combinant à des dynamiques subtiles, nous pouvions structurer notre discours musical.

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CLASSIQUENEWS : Pourriez-vous caractériser chaque Sonate et dire ce que cela éclaire de chaque compositeur ? (Séduction mélodique de Strauss / Forme cyclique et spiritualité ardente de Franck ? …)

BRIEUC VOURCH : Je ne suis pas musicologue, aussi je ne peux répondre qu‘avec mon opinion de violoniste. Pour une réponse musicologique à votre question, je recommande vivement la lecture des travaux de Walter Werbeck, ainsi que ceux de Hartmut Schick de la Ludwig-Maximilians-Universität de Munich, pour Strauss. Pour Franck, les archives de bibliothèques française et belges regorgent de documentations.
À mes yeux, la plus grande différence entre ces deux compositeurs réside dans le rôle assigné à chaque instrument. Franck écrit avant tout une sonate pour Piano avec un soutien violonistique alors que la partition de Strauss est presque de l‘ordre du duo concertant.
La différence que vous relevez dans votre question quant aux approches esthétiques des compositeurs est très exacte. Nous sommes face à deux cultures, deux mondes tout à fait distincts.

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CLASSIQUENEWS : Sur quels points particuliers avez vous travaillé avec Guillaume Vincent pendant les sessions de travail pendant l’enregistrement ? Une anecdote qui exprime l’esprit et l’ambiance dans lesquels vous avez enregistré ?

BRIEUC VOURCH : « La sécurité et la beauté ne sont pas compatibles » écrit le grand chef d’orchestre Nikolaus Harnoncourt. « Lorsque vous recherchez la beauté, vous devez oublier la sécurité et vous rendre au bord de la catastrophe. C’est là que l’on trouve la beauté. Si un musicien fait une erreur, un craquement, parce qu’il risque tout pour obtenir la plus belle chose et qu’il échoue, je le remercie pour cet échec parce que c’est seulement avec ce risque que vous pouvez obtenir la beauté, la vraie beauté. La vraie beauté n’est pas disponible du tout. Si vous cherchez la sécurité, vous devriez faire un autre métier. »
Enregistrer ces sonates, dont plusieurs interprétations légendaires ont été gravées dans l’histoire, a relevé pour nous du défi. Que pouvions-nous offrir de plus ?
Nous avons poussé les limites, jusqu’au bout de nous-mêmes, dans une quête radicale de liberté et d’authenticité. Extraire la substance de l’écriture du compositeur, faire jaillir de chaque harmonie sa signification originelle la plus intense, approcher les dimensions sensibles les plus éloignées, s’autoriser à quitter le monde concret pour pénétrer dans l’univers sonore infini de Strauss et Franck – tel était notre objectif.

Propos recueillis en juillet 2021

 

 

 

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LIRE aussi notre critique du cd R STRAUSS / C FRANCK par Brieuc Vourch et Guillaume Vincent (1 cd Farao – CLIC de CLASSIQUENEWS été 2021) :

richard strauss cesar franck brieuc vourch sonates cd farao critique review cd classiquenews clic de classiquenewsCD critique. STRAUSS, FRANCK : Sonates. Brieuc Vourch (violon), Guillaume Vincent (piano) – 1 cd Farao (Wuppertal, nov 2020). Fruit d’une évidente complicité artistique, le programme met en parallèle deux génies romantiques des plus passionnants, du XIXè (Franck) du XXè (Richard Strauss). La Sonate moins connue de Strauss s’inscrit dans la tradition la plus exaltante après Schumann et surtout Brahms. Le compositeur d’opéra, qui a su foudroyer l’audience autant par ses éclats orchestraux que sa splendeur chambriste (sextuor d’ouverture de Capriccio ; métamorphoses pour cordes seules…), éblouit ici par son sens des contrastes et de la tension. D’autant que le violon de Brieuc Vourch subjugue littéralement par son éloquence et son intériorité, son sens de la ligne et de l’atténuation suggestive. Le travail de l’instrumentiste s’inscrit dans un réalisme psychologique ciselé, dont la brillance recherche toujours l’intimité poétique, le scintillement intime d’une sensibilité souveraine, à la fois extravertie et subtilement caractérisée. La virtuosité se situe dans la finesse et l’intelligence agogique. Le pianiste suit son partenaire sur le plan du dialogue, d’une conversation à la fois raffinée et ardente.

 

 

 

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CD critique. STRAUSS, FRANCK : Sonates. Brieuc Vourch (violon), Guillaume Vincent (piano) – 1 cd Farao (Wuppertal, nov 2020)

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richard strauss cesar franck brieuc vourch sonates cd farao critique review cd classiquenews clic de classiquenewsCD critique. STRAUSS, FRANCK : Sonates. Brieuc Vourch (violon), Guillaume Vincent (piano) – 1 cd Farao (Wuppertal, nov 2020). Fruit d’une évidente complicité artistique, le programme met en parallèle deux génies romantiques des plus passionnants, du XIXè (Franck) du XXè (Richard Strauss). La Sonate moins connue de Strauss s’inscrit dans la tradition la plus exaltante après Schumann et surtout Brahms. Le compositeur d’opéra, qui a su foudroyer l’audience autant par ses éclats orchestraux que sa splendeur chambriste (sextuor d’ouverture de Capriccio ; métamorphoses pour cordes seules…), éblouit ici par son sens des contrastes et de la tension. D’autant que le violon de Brieuc Vourch subjugue littéralement par son éloquence et son intériorité, son sens de la ligne et de l’atténuation suggestive. Le travail de l’instrumentiste s’inscrit dans un réalisme psychologique ciselé, dont la brillance recherche toujours l’intimité poétique, le scintillement intime d’une sensibilité souveraine, à la fois extravertie et subtilement caractérisée. La virtuosité se situe dans la finesse et l’intelligence agogique. Le pianiste suit son partenaire sur le plan du dialogue, d’une conversation à la fois raffinée et ardente.

La Sonate de Strauss opus 18 (1888) marque la maturité du symphoniste de 24 ans, capable de produire ses premiers accomplissements personnels (Aus Italien, Macbeth). La grande culture du compositeur est déjà celle d’un maître qui analyse, interroge la forme dans le sens du drame, de la concision expressive. Les 3 mouvements se ressentent du contexte orchestral évoqué ; on relève ici l’ampleur des respirations, la souplesse et l’étendue comme la profondeur du geste violonistique capable d’irisations psychologiques qui regardent certes vers Brahms (premier Allegro) ; mais aussi le Schubert d’Erlköning associé au Beethoven de la Pathétique (Andante Cantabile) ; Brieuc Vourch sait exprimer tout ce qu’a de sombre et de passionné le dernier Allegro, chant de l’âme la plus sensible, auquel le piano apporte l’enveloppe épique d’un souffle orchestral, y compris dans le finale inondé de joie conquérante.
Deux ans avant Strauss, Franck (44 ans) achève la composition de sa propre Sonate (1886) ; après celle de Saint-Saëns (1872), la Sonate en la majeur marque un point d’accomplissement inégalé par la sincérité de son inspiration et l’exigence de sa forme, d’une unité absolue grâce au principe cyclique : le thème principal se retrouvant dans chaque mouvement, ainsi relié chacun aux autres : les interprètes en restituent l’allusive cohérence interne, ciselant chaque mesure comme les termes d’une conversation décisive pour chaque membre conversant. Ils en soulignent subtilement le sens psychologique, selon des humeurs d’une permanente versatilité : l’activité du premier Allegro (ben moderato) qui berce et enchante progressivement à mesure qu’il se développe jusqu’à sa fin ; l’inquiétude sourde énoncée à demi mots de l’Allegro qui suit ; l’absolue poésie, en réalité inqualifiable, du 3è mouvement noté « recitative fantasia » où ni le violon ni le piano, pourtant fusionnels, ne résolvent le climat interrogatif qui les porte tous deux ; l’équilibre du rondeau final (Allegro poco mosso) qui, tout en récapitulant tout ce qui a précédé, ouvre de nouveaux champs expressifs laissant au violon, un tremplin particulièrement brillant.
CLIC D'OR macaron 200Jamais uniforme ni démonstratif, le violon somptueux de Brieuc Vourch (argument baroque de premier plan : Francesco Ruggeri, 1690), séduit, enchante, et captive même par sa vibration sincère et viscéralement intime. L’élève de Perlman à New York, se montre fidèle à son maître : sur le souffle, d’une profonde élégance, jamais creuse, toujours juste, d’une vitalité arachnénenne. Remarquable récital.

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CD événement, critique. Richard Strauss (1864–1949), César Franck (1822–1890) : Sonates pour violon et piano (Brieuc Vourch, Vincent Guillaume) – 1 cd Farao – Wuppertal, nov 2020 – CLIC de classiquenews été 2021.

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TEASER VIDEO :

 

 

 

 

LIRE aussi notre entretien avec Brieuc Vourch à propos du cd R STRAUSS / C Franck (1 cd Farao)  – Propos recueillis en juillet 2021.

Le violon enchanteur de Brieuc VourchENTRETIEN avec BRIEUC VOURCH. Jouer Richard STRAUSS et César FRANCK. Elève de Perlman à la Juilliard School of New York, le violoniste français (qui vit à Hamburg), Brieuc Vourch marque les esprits dans son dernier album discographique, paru en juillet 2021, associant deux pointures romantiques : R. Strauss et César Franck. Leur Sonates pour violon et piano révèlent le fort tempérament de chaque compositeur ; c’est une confrontation riche en enseignements et qui conduit l’interprète à un engagement superlatif, doué d’un son comme d’une articulation, d’une rare poésie suggestive. Avec le pianiste Guillaume Vincent, Brieuc Vourch joue en architecte, caractérisant chaque partition en en proposant une cohérence organique, une progression rythmique très convaincantes. Entretien exclusif avec Brieuc Vourch pour classiquenews.com / Photos : © Andrej Grilc.

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STREAMING opéra. R. STRAUSS : Ariadne auf Naxos en direct d’ANVERS

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Richard Strauss, un "génie contesté"STREAMING, opéra chez soi. STRAUSS : Ariadne auf Naxos, Opéra des Flandres, dim 14 fév 2021, 20h. Mais pourquoi Ariane se désespère sur son rocher de l’île de Naxos ?Celle qui fut aimée par Thésée, lequel lui doit d’avoir pu s’échapper du labyrinthe et de son monstre, le minautore, est comme Armide et Alcina, une amoureuse loyale, trahie et abandonnée. L’Opéra d’Anvers diffuse en live streaming, l’opéra néo baroque de Richard Strauss, Ariane à Naxos, inspiré de la mythologie, mais dans sa première partie, le prologue (avant le drame antique proprement dit) présente sur la scène la troupe des artistes en répétition et en divagation : troupe mêlée de comédiens buffons italiens et solistes très sérieux choisis pour tenir les rôles d’Ariane, l’amante délaissée par Thésée et qui se morfond, suicidaire, désespérée sur l’île de Naxos, jusqu’à ce qu’elle rencontre le pétillant Bacchus / Dyonisos, dieu du vin et des plaisirs qui par son ivresse irrésistible permet la métamorphose qui sauvera Ariane…
Dans le prologue, Strauss et son librettiste Hugo von Hoffmansthal imaginent le compositeur en proie aux doutes de la création, qui revêt ici les habits d’un Mozart juvénile, d’une ardente énergie comme un jeune démiurge, conquérant, enthousiaste mais trop inexpérimenté, à l’énergie irrationnelle voire trop naïve… (superbe rôle pour une mezzo hofmannsthal Hugo_von_Hofmannsthal richard strausstravesti). De surcroît, la partition imaginée par Richard Strauss et son librettiste le poète Hugo von Hofmmansthal, abordent le défi de l’opéra, à la fois théâtre et chant, où les disciplines convoquées ballet, orchestre, chanteurs et comédiens, entre comédie et tragédie, sont repensées, réévaluées. Musique ou paroles, orchestre ou texte, chant ou théâtre ? Qu’est ce qui prime réellement ? L’équilibre est fragile et les deux créateurs, dans l’esprit préservé des baroques français, surtout de Molière, renouvellent l’approche de l’opéra au début du XXè siècle.

La production aversoire, annulée sur les planches, revit ici grâce à sa proposition en streaming, diffusée dès 20h

 

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ARIANE A NAXOS / Ariadne auf Naxos
STRAUSS / HOFMANNSTHAL
Opéra en un acte avec prologue, 1916

LIVE STREAMINGstrauss richard
Dimanche 14 février 2021
Opera Ballet Vlaanderen / Anwerpt
Opéra des Flandres à Anvers
En version de concert
Alejo Pérez, direction
Orchestre Symphonique de l’Opéra des Flandres
Opera Ballet Vlaanderen Symphony Orchestra
A VOIR sur le site de l’Opéra de Flandres
www.operaballet.be

 

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PRIMADONNA, ARIADNE : Carla Filipcic-Holm
DER TENOR, BACCHUS : Michael Weinius
ZERBINETTA : Lisa Mostin
HARLEKIN : Leon Košavić
SCARAMUCCIO : Stefan Adriaens*
TRUFFALDIN : Goran Jurić
BRIGHELLA : Daniel Arnaldos°
DER KOMPONIST : Raehann Bryce-Davis
EIN MUSIKLEHRER : Werner Van Mechelen
DER TANZMEISTER/BRIGHELLA : Denzil Delaere
DER HAUSHOFMEISTER : Freek De Craecker
DER PERRÜCKENMACHER : Thierry Vallier*
LAKAI : Onno Pels*
DER OFFIZIER : Davy Smets*
NAJADE : Elisa Soster° / DRYADE : Raphaële Green / ECHO : Chia Fen Wu*

°Member young ensemble Opera Ballet Vlaanderen
*Chorus member Opera Ballet Vlaanderen

Opera Ballet Vlaanderen Symphony Orchestra

Live online from Opera Antwerp
Sun 14 feb 8 pm
and available until 28 february

Tickets : €10 | www.operaballet.be

BICENTENAIRE FLAUBERT 1821 – 2021 : Flaubert à l’opéra

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BICENTENAIRE FLAUBERT : 1821 – 2021. Le 12 décembre 2021 marquera le bicentenaire de la naissance de Gustave Flaubert. Une année souhaitons le riche en initiatives, événements et célébrations. CLASSIQUENEWS s’interroge sur les œuvres de l’écrivain portées sur la scène lyrique.

FLAUBERT 2021 : l'opéra, le goût musical de GustaveLe solitaire de Croisset, Gustave Flaubert (1821 – 1880), dans sa Normandie préservée sut se retirer au vert pour ne s’adonner qu’à sa seule passion terrestre : l’écriture. Pour lui seul importe la vérité servie par une forme esthétique qui se révèle dans la beauté du style. La haine de la platitude, il la doit à son admiration pour Chateaubriand dont il admire les élans de l’extravagance et les vertiges lyriques de la pensée critique. Bien que de contexture fragile – il n’a que 22 ans, en octobre 1843, lorsque la maladie nerveuse le terrasse, Gustave sait néanmoins se conserver et même voyager. Au retour d’un séjour en Egypte, il se consacre corps et âme pendant 53 mois, à la conception d’un roman réaliste, Madame Bovary, inspiré d’un fait réel – comme Berg et son Wozzek ; le texte publié en 1857, après un procès retentissant dont il sort vainqueur, le rend brusquement célèbre. Le bal chez le marquis de la Vaubyessard concentre alors tous les égarements fantasques d’une petite provinciale, élevée à la ferme, qui se rêve princesse et vit comme une élue méconnue qui attend son chevalier servant… Le bovarysme est né : dénonçant les ravages des illusions inconscientes dans l’esprit des êtres trop fantasques.

EMMA à l’opéra… Flaubert aime l’opéra, du moins en a t-il mesuré tous les enjeux sociaux et littéraires, puisant dans ce spectacle humain, salle et scène, – comme avant lui Balzac, les ressources utiles pour évoquer ce théâtre des passions réaliste qui l’intéresse. Ainsi, pour approfondir encore le portrait de son héroïne romantique et fantasque, Flaubert décrit Emma Bovary à l’Opéra de Rouen pour une représentation de Lucia di Lammermoor. Deux figures féminines romantiques et tragiques… qui finissent par mourir : le parallèle est évidemment éloquent et la frontière illusion théâtrale et vie réelle, ténue.

Puis le voyage en Tunisie (1858) prépare à la composition de Salammbô, fresque colorée voire saturée, au réalisme archéologique; dédiée à un épisode guerrier et mystique de l’Antiquité carthaginoise. Dans les jardins d’Hamilcar Barca, les mercenaires qui attendent leur solde, voit, sidérés, la belle prêtresse Salammbô, corps érotique pourtant dévolue au culte de Tanit / Astarté, l’Aphrodite orientale… C’est l’un d’entre eux qui séduira la belle vierge dont l’esprit ainsi révélé ne se remettra pas après l’éxécution de son aimé : elle meurt évanouie à la fin du drame. Le roman édité en 1862 n’a pas le succès escompté, certes somptueusement écrit, fouillé dans ses évocations antiques mais trop lourd et statique.
A l’inverse, un autre sommet de la littérature française Trois contes (1877) dont fait partie Un cœur simple et surtout Herodias, nouvelle évocation d’un Orient saturée de couleurs érotiques, marque les esprits et la critique pour la beauté et le travail du style. Dans la lignée d’un Balzac, analyste de la nature humaine, avant Zola et les naturalistes qui le considèrent comme un modèle, Flaubert a cette obsession de l’exactitude documentaire, scintillement de détails saisissants d’acuité poétique, qui émaillent son récit et lui apportent le relief et le mordant de la vie elle-même. Mais nature sceptique voire fataliste sur la nature humaine et sa vanité essentielle, Flaubert aime à décrire les illusions et fantasmes de ses héros pour mieux les railler. Tel est le pessimisme fondamental de l’ermite de Croisset. Pour autant, son écriture a ouvert les portes d’un imaginaire littéraire inédit dont la puissance évocatrice, jusqu’à la musicalité propre, suscite l’admiration.

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Les textes de Flaubert mis en musique à l’opéra. Deux figures orientales traitées par l’écrivain (Hérodias, Salammbô) ont inspiré les compositeurs à l’opéra : Massenet, Reyer, Strauss…

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

HERODIAS

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salome_titien_tiziano_salome_5-Salome-1512-Tiziano-TitianHérodias : devenue Hérodiade chez Jules Massenet (1881). Le compositeur brosse le portrait d’Hérodiade, épouse ambitieuse du Tétrarque Hérode qu’elle manipule en sacrifiant sa propre fille Salomé ; la danse érotique de la jeune fille envoûte le pervers qui consent à exécuter celui que Salomé a dénoncé : le prophète Jokanaan. Ainsi se venge la mère Hérodiade, furieuse que ce même Jokanaan l’ait critiqué ouvertement, invectivant ses turpitudes et son esprit maléfique… (Jean la traite de « Jezabel » , l’étrangère vicieuse et malfaisante). Contrairement à la Salomé de Strauss / Wilde qui s’intéressent surtout au profil sensuel de la jeune femme, à son corps provoquant, l’ouvrage de Massenet préfère le profil plus mûr et réfléchi d’une amoureuse, éprise de Jean / Jokanaan : pour le prophète, elle donne sa vie, implore sa mère de gracier son aimé ; puis déjouant les manipulations d’Hérodiade, Salomé est prête à tuer sa propre mère. En réalité elle se suicide en fin d’ouvrage, pour rejoindre Jokanaan.

Du même texte de Flaubert, Oscar Wilde fait une pièce de théâtre (1891), intitulée Salomé que Richard Strauss en 1905 adapte pour la scène lyrique avec l’immense réussite que l’on sait. La danse des 7 voiles, point d’orgue symphonique du drame (où se concentre le désir du tétrarque et la lascivité innocente du corps pubère et dansant), de même que la scène finale où Salomé baise la bouche de Jokanaan décapité avant d’être elle-même étouffée par les boucliers des soldats horrifiés… restent deux épisodes parmi les plus marquants de toute expérience lyrique.

Production de l’Opéra de Saint-Etienne, 2018 : Pichon / Ossonce
https://www.classiquenews.com/compte-rendu-opera-saint-etienne-le-18-nov-2018-massenet-herodiade-elodie-hache-ossonce-pichon/

Production de l’Opéra de Marseille, mars 2018 : Pichon / Vanoosten
https://www.classiquenews.com/compte-rendu-opera-marseille-opera-le-23-mars-2018-massenet-herodiade-1881-v-vanoosten-j-l-pichon/

LIRE aussi Hérodiade de Massenet
https://www.classiquenews.com/confinement-opera-chez-soi-ballets-a-la-maison-concerts-en-direct/

 

 

 

 

 

SALAMMBÔ

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rosa-caron-salambo-bonnat-1896-dossier-opera-classiquenews-opera-concert-classiquenewsErnest Reyer (marseillais né en 1823) adapte en 1890, Salammbô de Flaubert. L’opéra est un ouvrage riche et spectaculaire, proche de sa Sigurd (1885), autre évocation légendaire, elle néowagnérienne, mais inspirée des légendes scandinaves que vénérera dès sa création le peintre Degas, familier du Palais Garnier à Paris. C’est Camille du Locle, librettiste chevronné de Don carlos puis d’Aida de Verdi, qui adapte Flaubert pour Reyer. Salammbô est ainsi créé à Bruxelles en 1890. Le musicien formé entre autres par sa tante, -l’excellente pianiste et compositrice, Louise Farrenc-, s’illustre d’abord en mettant en musique plusieurs textes de Théophile Gautier (dont la Symphonie Le Sélam ou le ballet Sacountalâ de 1858…). Avec Salammbô, Reyer retrouve et réalise ses aspirations musicales pour le rêve et l’exotisme: un orientalisme de plus en plus prononcé (Sacountala est d’inspiration hindoue, et son premier succès lyrique, La statue de 1861, prend prétexte des Mille et une nuits) qui porte son inspiration la plus réussie. Illustration : Rose Caron dans le rôle de Salammbô de Reyer, portrait de Bonnat, 1896 (DR).

Le chantier
Du reste, tous les commentaires louent la science des mélodies originales, un refus de toute complaisance et lieux communs, des harmonies “fraîches”, l’orchestration à la fois savante et personnelle. A l’origine de Salammbô, auquel Reyer pense dès 1864, Flaubert accepte une mise en musique, mais il songe d’abord à Verdi, dans une adaptation de Théophile Gautier… Ce dernier meurt en 1872,… sans avoir rien écrit. Flaubert se tourne alors vers Catulle Mendès. Heureusement, Reyer reprend la main et suggère à Flaubert, Camille du Locle : l’auteur de Salammbô accepte. Le chantier peut donc commencer. Il sera encore interrompu quand meurt Flaubert en 1880, laissant un temps, Reyer, comme démuni. Mais les éléments du drame lyrique se précisent. Ils modifient par exemple la mort de Salammbô, laquelle se poignarde (alors que dans l’ouvrage originel, la jeune femme meurt évanouie, à la vue du coeur arraché de son amant, Mathô).
Au final la partition laisse toute la place à l’héroïne, offrant à la créatrice du rôle, à Bruxelles, Rose Caron, une incarnation spectaculaire, même si Reyer fusionne solos et récitatifs en un flux continu: pas d’airs isolés, ni de scène fermées. Grand admirateur de Berlioz et aussi de Gluck, Reyer soigne la lisibilité du chant déclamé auquel il associe un orchestre somptueux, d’un dramatisme efficace. C’est un tissu à la couleur permanente qui produit ce que les critiques de l’époque n’ont pas manqué de relever: mysticisme, rêverie, climat d’extase et de ravissement… Au centre de la partition, point culminant de l’orientalisme rêvé par Reyer, les rituels lunaires de l’acte II, où la prêtresse plus langoureuse que jamais, célèbre Tanit, où paraît Mathô (venu dérobé le Zaïmph, voile sacré de la déesse) que Salammbô, saisie, comme envoûtée, prend pour un dieu soudainement révélé… En lire plus : dossier Salammbô de Reyer
https://www.classiquenews.com/ernest-reyer-1823-1909-salammb-1890marseille-opra-du-27-septembre-au-5-octobre-2008/

LIRE aussi notre compte rendu de Salammbô de Reyer à l’Opéra de Marseille, octobre 2008 :
https://www.classiquenews.com/marseille-opra-le-5-octobre-2008-ernest-reyer-salammb/

Salzbourg 2020 : la nouvelle ELEKTRA de TA Baumgartner

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richard-strauss-102~_v-image360h_-ec2d8b4e42b653689c14a85ba776647dd3c70c56FRANCE MUSIQUE, 12 août 2020, 20h. STRAUSS : ELEKTRA. Pour son édition des 100 ans, le Festival de Salzbourg maintient ses productions cet été malgré la pandémie de la civid 19. Le Festival autrichien affiche l’un des sommets lyriques du début du siècle, porté par le génie orchestral de Richard Strauss. Elektra (1909) incarne la manière expressionniste néoclassique d’un Strauss maître de l’écriture lyrique et orchestrale. Rôle incandescent, voix hurlante embrasée proche de la rupture et du cri primal, Electre est animée par une fureur vengeresse … la fille ne peut accepter que sa mère ait assassiner le géniteur pour accueillir dans sa couche son nouvel amant. A quel titre Electre s’érige en juge de sa propre mère ? Certes le meurtre du père doit être vengé. Seul son frère Oreste saura apaiser son insondable douleur (en prenant sa défense et en l’aidant à réaliser son projet).
Elektra est l’un des rôles pour soprano les plus ambitieux, du fait de l’écriture du chant, du fait surtout de la présence scénique du personnage quasiment toujours en scène. Il n’y a guère que lorsque sa mère paraît, criminelle irresponsable, Klytemnestre, que sa fille éreintée, possédée, rentre dans le silence (pour mieux rugir ensuite).
Pas d’équivalent à ce profil de jeune femme détruite et impuissante dont la fureur humiliée se déverse dans un chant éruptif et animal jamais écouté, écrit, déployé auparavant… dans le rôle titre, la soprano doit s’emparer du personnage avec une intensité féline, organique, animale, faire face à l’horreur : voir sa mère triomphante avec son amant meurtrier ; hurler son désespoir solitaire ; puis exulter quand elle retrouve Oreste, le seul qui pourra l’aider à vaincre son impuissance, venger le père et retrouver un semblant d’équilibre psychique… Car Electre exprime les tourments d’une âme entière, incandescente et intranquille qui contraste de fait avec l’insouciance désimpliquée de sa soeur, la légère Chrysotemis…
On se souvient de la production aixoise miraculeuse dans la mise en scène de Patrice Chéreau, où aux côtés de la wagnérienne Nina Stemme, l’immense Waltraud Meier reprend le rôle de la mère fauve, hallucinée (Klytemnestre), cependant que Adrianne Pieczonka et le baryton basse Eric Owen, incarnent les personnages non sans profondeur et d’une humanité bouleversante, de Crysotémis et d’Oreste).

« …Ainsi la terrible légende des Atrides peut se déployer en un théâtre de sang et de terreur sublime sur la scène du Metropolitan. La vision essentiellement théâtrale de Chéreau, son travail sur le profil de chaque silhouette, en restituant la place du théâtre sur la scène lyrique, bascule l’opéra de Strauss vers une arène haletante, à la tension irrésistible. Au centre de cette furieuse imprécation féminine, les retrouvailles de la soeur et du frère : Elektra / Oreste, sont un sommet de vérité, un rencontre bouleversante…. » LIRE aussi notre focus sur l’ELEKTRA mémorable version Chéreau : http://www.classiquenews.com/cinema-lelektra-de-chereau-en-direct-du-met/

 
 

FRANCE MUSIQUE, 12 août 2020, 20h. STRAUSS : ELEKTRA, Festival de Salzbourg 2020, captation du 1er août 2020 – Felsenreitschule.
Orchestre philharmonique de Vienne, dir. Franz Welser-Möst
Richard STRAUSS : Elektra
Tragedy in one act, Op. 58 (1909)
Libretto by Hugo von Hofmannsthal after Sophocles’ tragedy

Conductor / direction musicale : Franz Welser-Möst
Director / Mise en scène : Krzysztof Warlikowski

Avec / Cast: Tanja Ariane Baumgartner, Ausrine Stundyte, Asmik Grigorian, Michael Laurenz, Derek Welton, Tilmann Rönnebeck, Verity Wingate, Valeriia Savinskaia, Matthäus Schmidlechner, Jens Larsen, Sonja Šarić, Bonita Hyman, Katie Coventry, Deniz Uzun, Sinéad Campbell-Wallace, Natalia Tanasii – Opera Chorus, Vienna Philharmonic – + d’infos sur le site du Festival de Salzbourg 2020 :
https://www.salzburgerfestspiele.at/en/tickets/programme?season=134

 
 

VISIONNER ELEKTRA Salzbourg 2020 en REPLAY sur ARTE concert, jusqu’au 30 octobre 2020. A suivre notre avis critique ici : …

 

 

Yannick Nézet-Séguin dirige la Femme sans ombre de R STRAUSS

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Le STRAUSS de Yannick Nézet-SéguinPARIS, TCE, Lun 17 fév 2020, 18h30. STRAUSS: Die Frau ohne Schatten. Yannick Nézet-Séguin dirige à Paris : cela ne se manque pas. Même malgré la toux particulièrement présente au TCE… A la tête du Philharmonique de Rotterdam, le chef quadra québécois, Yannick Nézet-Séguin dirige une version de concert de la sublime Femme sans ombre de Richard Strauss… Grande première au Théâtre des Champs-Elysées : La Femme sans ombre de Richard Strauss, qui n’avait jamais été donnée auparavant Avenue Montaigne, permet d’écouter le maestro Yannick Nézet-Séguin pour lequel l’œuvre est aussi une première fois. Il ne posera sa baguette que pour remonter sur scène dès le lendemain et diriger la 5e de Mahler (mar 18 fév 2020, même lieu, 19h30).
Le clou de cette présence à Paris reste l’opéra que Strauss écrit avec son librettiste familier, l’écrivain Hugo von Hofmannsthal avec lequel il conçoit aussi Ariadne auf Naxos et Le Chevalier à La Rose : un duo exceptionnel comme celui qui formèrent Mozart et da Ponte, et avant eux encore Monteverdi et Busenello.

PARIS, TCE
Lundi 17 février 18h30

La Femme sans ombre / Richard Strauss
Die Frau ohne Schatten

Avec Lise Lindstrom, Michaela Schuster, Elza van den Heever, Stephen Gould, Michael Volle, Katrien Baerts, Bror Magnus Tødenes, Andreas Conrad, Michael Wilmerin, Thomas Oliemans, Nathan Berg.

Rotterdams Philharmonisch Orkest
Rotterdam Symphony Chorus
Maîtrise de Radio France (direction : Sofi Jeannin)

Richard Strauss, un "génie contesté"Après Elektra, Le Chevalier à la rose et Ariane à Naxos, Hugo von Hofmannsthal écrit en 1919 un quatrième livret pour Richard Strauss. La Femme sans ombre, prend la forme d’un conte initiatique, dans l’esprit de la Flûte enchantée de Mozart, – comme Le Chevalier à la rose ressuscitait l’esprit des Noces de Figaro…. Ce conte n’oppose pas comme on peut le lire souvent, mais relie plutôt le couple formé par l’empereur et l’impératrice au modeste ménage du teinturier et de la teinturière.
Sésame indispensable à une future maternité, car l’empereur pétrifié souhaite une descendance, l’Impératrice infertile se met en quête de l’ombre qui lui fait défaut. La nourrice la mène dans le monde barbare des hommes : les déflagrations et le bruit de l’humanité imparfaite s’entendent alors ; c’est le vacarme des combats et de la guerre qui déchire l’Europe de la première guerre. La partition est dans ce sens inouïe. Bouleversante même.
L’impératrice se rapproche du teinturier (Barak) et de sa femme ; elle convainc la pauvre mortelle d’échanger son ombre contre richesses et amour.
Mais la faute morale, et la culpabilité rongent l’impératrice ; elle juge que la femme du teinturier a été trompée ; prise de remords, elle refuse de boire le breuvage qui résoudrait son problème (de couple), et c’est ce sacrifice compassionnel – au centre d’une scène orchestrale et dramatique parmi les plus déchirantes du théâtre straussien, qui lui confère finalement une ombre humaine. Le rite et le passage ont été bénéfique pour l’impératrice qui a su se montrer à la hauteur de l’épreuve : d’ombre flottante et évanescente au début, elle a gagné une âme, une conscience humaine, car elle a souffert avec la femme du teinturier, a éprouvé l’indigence de sa condition. Elle a vu l’autre. Et l’a considéré. Voilà qui fait de La Femme sans ombre un ouvrage clé dans la quête théâtral, poétique et spirituelle de Strauss : l’opéra n’est pas une apologie de la conjugualité et de la maternité ; c’est davantage en réalité : l’accomplissement d’un rite de fraternité où l’on comprend, l’impératrice en premier lieu, que le sort de chacun est lié aux autres.

hofmannsthal Hugo_von_Hofmannsthal richard straussL’Orient convoqué, l’incertitude où flotte l’impératrice, hors du monde des hommes ; les apparitions de l’empereur (avec superbe solo de violoncelle) ; l’irréalité du faucun qui paraît comme un guide constant pour l’initiée… orchestre une partition flamboyante, féerique, fantastique, énigmatique mais aussi terrible et terrifiante même dans sa représentation de l’humanité (chez le couple de Barak et de sa femme). Il faut beaucoup de contrôle, un sens des équilibres, pour manier l’orchestre démesuré de Strauss, pourtant aux accents mozartiens, conjugué au choeur et aux solistes. Un vrai défi pour tout maestro. Qu’en sera-t-il le 17 fev au TCE à Paris ?
Prochaine critique à venir sur CLASSIQUENEWS
Diffusion sur France Musique le 21 mars 2020 à 20h

CD, critique. STRAUSS : lieder / DIANA DAMRAU / MARISS JANSONS (1 cd ERATO, janv 2019)

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diana-damrau-strauss-lieder-cd-critique-opera-critique-classiquenews-richard-strauss-vier-letzte-liederCD, critique. STRAUSS : lieder / DIANA DAMRAU / MARISS JANSONS (1 cd ERATO, janv 2019). D’abord, analysons la lecture des lieder avec orchestre : Diana Damrau, soprano allemande, mozartienne et verdienne, au sommet de son chant charnel et clair, parfois angélique, se saisit du testament spirituel et musical du Strauss octogénaire, le plus inspiré, qui aspire alors à cette fusion heureuse, poétique, du verbe et de la musique en un parlé chanté, « sprechgesang » d’une absolue plasticité. Une lecture extrêmement tendre à laquelle le chef Mariss Jansons (l’une de ses dernières gravures réalisées en janvier 2019 avant sa disparition survenue en nov 2019) sait apporter des couleurs fines et détaillées ; une profondeur toute en pudeur.

Née en Bavière comme Strauss, Diana Damrau réalise et concrétise une sorte de rêve, d’évidence même en chantant le poète compositeur de sa propre terre. Strauss était marié à une soprano, écrivant pour elle, ses meilleures partitions. Celle qui a chanté Zerbinette, figure féminine aussi insouciante que sage, Sophie, autre visage d’un angélisme loyal, Aithra du moins connu de ses ouvrages Hélène d’Egypte / Die Ägyptische Helena, se donne totalement à une sorte d’enivrement vocal qui bouleverse par sa sincérité et son intensité tendre comme on a dit.

Des Quatre derniers lieders / Ver Letzte Lieder, examinons premièrement « Frühling » : éperdu, rayonnant voire incandescent grâce à l’intensité ardente et pourtant très claire des aigus, portés par un souffle ivre. Cependant, la ligne manque parfois d’assise, comme si la chanteuse manquait justement de soutien. Puis, « September » s’enivre dans un autre extase, celle d’une tendresse infinie dont le caractère contemplatif se fond avec son sujet, un crépuscule chaud, celui enveloppant d’une fin d’été ; la caresse symphonique y atteint, en ses vagues océanes gorgées de volupté, des sommets de chatoyance melliflue, – cor rayonnant obligé, pour conclure, où chez la chanteuse s’affirme cette fois, la beauté du timbre au legato souverain.

« Beim Schlafengehen » d’après Hermann Hesse, plonge dans le lugubre profond d’une immense lassitude, celle du poète éprouvé par le choc de la première guerre et le déclin de son épouse : impuissance et douleur ; la sincérité et cet angélisme engagé qu’exprime sans affect la diva, bouleversent totalement. En particulier dans sa réponse au solo de violon qui est l’appel à l’insouciance dans la candeur magique de la nuit. Cette implication totale rappelle l’investissement que nous avons pu constater dans certains de ses rôles à l’opéra : sa Gilda, sa Traviata… consumées, ardentes, brûlantes. Presque wagnérienne, mais précise et mesurée, la soprano au timbre ample et charnel reste, -intelligence suprême, très proche du texte, faisant de cette fin, un déchirement troublant.

« Im Abendrot » : malgré l’émission première de l’orchestre, trop brutale, épaisse et dure, le soprano de Damru sait s’élever au dessus de la cime des cors et des cordes. La qualité majeure de Diana Damrau reste la couleur spécifique, mozartienne que son timbre apporte à l’articulation et l’harmonisation des Lieder orchestraux : irradié, embrasé, et pourtant sincère et tendre, transcendé et humain, le chant de Diana Damrau convainc totalement : il s’inscrit parmi les lectures les plus personnelles et abouties du cycle lyrique et symphonique.

La flexibilité des registres aigus, l’accroche directe des aigus, la présence du texte, rendent justice à l’écriture de Richard Strauss qui signe ici son testament musical et spirituel, un accomplissement musical autant qu’un adieu à toute vie.
Le reste du programme enchaîne les lieder avec la complicité toute en fluidité et délicatesse du pianiste Helmut Deutsch, à partir de Malven… qui serait donc le 5è dernier lieder d’un Strauss saisi par l’inspiration et d’un sublime remontant à nov 1948, « dernière rose » pour sa chère diva Maria Jeritza… laquelle, comme soucieuse et trop personnelle, révéla l’air en 1982 ! Le soprano de Damrau articule, vivifie les 4 Mädchenblumen dont la coupe et le verbe malicieux, enjoué rappelle constamment le caractère de Zerbinette. Ce caractère de tendresse voluptueuse quasi extatique appelant à un monde pacifié, idyllique qui n’existera jamais, semble dans le pénultième Befreit, chef d’oeuvre à l’énoncé schubertien, traversé par la mort et la perte, le deuil d’une ineffable souffrance bientôt changée en bonheur final, que la diva incarne embrasée dans le moelleux d’aigus irrisés et calibrés, son timbre éprouvé, attendri.

CLIC D'OR macaron 200Morgen l’ultime lied orchestré, d’après le poème de Mackay, se cristalise en une ivresse éperdue qui aspire au renoncement immatériel, à l’évanouissement, à la perte de toute chose : legato, flexibilité, beauté du timbre, associé à l’élégie du violon solo font un miracle musical pour ce programme d’une évidente musicalité. Splendide récital, élégant, tendre, musical. Bravo Diana.

 

 

 

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CD, critique. STRAUSS : lieder / DIANA DAMRAU / MARISS JANSONS (1 cd ERATO, janv 2019). Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks / Mariss Jansons. L’heure n’est pas aux comparaisons déraisonnables tant leurs timbres et moyens respectifs sont très différents mais le hasard des parutions fait que ERATO publie en janvier le même programme des Quatre derniers lieder, par Diana Damrau donc (orchestre) et par la franco-danoise Elsa Dreisig (piano), cette dernière interprète hélas moins convaincante et naturelle que sa consœur allemande… d’autant que la chanteuse française intercale diverses mélodies françaises et russes entre chaque lied de Strauss, au risque d’opérer une césure dommageable…

 

 

 

VIDEO : Diama DAMRAU chante September de Richard Strauss

 

 

 

 LIRE aussi notre dépêche MORT DU CHEF MARISS JANSONS, nov 2019

CD, critique. ELSA DREISIG, sop. MORGEN. STRAUSS (1 cd ERATO, 2019)

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DREISIG elsa cd morgen strauss critique cd classiquenewsCD, critique. ELSA DREISIG, sop. STRAUSS (1 cd ERATO, 2019). Le cheminement de ce récital est contrarié ; il débute pour le dire simplement, instable et timide ; puis à partir du second Rachmaninov, pose plus franchement les options de l’interprète, et dans les Strauss, une maîtrise texte et legato, plus affirmée dans le 4è lied. Ainsi la voix sonne petite, serrée, aigus tendus, sans cette chair onctueuse qui doit faire les délices des Rachmaninov ; son Duparc (L’invitation au voyage) reste étriqué aussi, avec une articulation parfois inintelligible ; même constat pour Phidylé bien que l’intonation et la ligne soient mieux maîtrisées.
Les Strauss sont les plus attendus dont les quatre (faux) derniers lieder ; ici on préfère l’entente intimiste, personnelle, diaphane et filigranée chant / piano, aux équilibres ténus qui expose tout autant la voix : Frühling manque de respiration éperdue, de souffle, de grandeur dans ses évocations climatiques ; voilà qui nous rappelle une autre diva, Anna Netrebko qui se risquait elle aussi dans les Quatre derniers lieder sous la direction de Barenboim, récital et cd vite oubliés qui montraient cependant une force dramatique correspondant exactement aux ressources réelles de la diva austro-russe. Concernant Elsa Dreisig, il est évident que le choix vient d’une affection personnelle pour le répertoire, mais la tessiture de la soprano française est-elle réellement celle pour les lieder straussiens ?

Duparc, Rachmaninov, Strauss…
ELSA DREISIG, le goût du risque…

Par contre saluons la tendresse allusive du piano de Jonathan Ware (Phidylé). Quelque chose se produit, articulation plus percutante, plus de texte et d’accents, de précision et d’éclat dans le second Rachmaninov, vraie petite scène opératique par ses humeurs contrastés, volubiles (Krysolov)… on espère que la soliste poursuive ainsi sur cette lancée, dans cette justesse expressive.
September et ses harmonies miroitantes doit enivrer, mais ici reste terre à terre en lignes frêles et fragiles presqu’incertaines. Les tempos sont adaptés, ralentis pour mieux enchâsser la voix dans les notes du piano. Et justement, la partie pour piano, à défaut des ors orchestraux, captive elle véritablement (confirmation dans le piano solo : « Aux étoiles » où le pianiste fait chanter son instrument en se souciant de tous les plans sonores, distinguant la ligne mélodique principale, des colorations sonores qui l’enveloppent).
On se demande s’il était bien justifié de morceler ainsi les Quatre Vier lieder, au risque d’en disperser l’unité organique.

Les Rachmaninov qui exigent moins de legato et de souffle infini, jouant plus sur les couleurs et la rupture de la ligne, vont mieux à la voix, curieusement plus à son aise (très textuelle Romance n°1, opus 38 : fugace, mieux réussie).
Meilleure houle maîtrisée (et crépusculaire) dans Chanson triste, mais les aigus sont courts et durs, à peine tenus ; Extase est un pur instant poétique et mordoré, fusion indiscutable entre le clavier souverain et le chant comme enseveli (mais qui perd l’acuité du texte).

On reste surpris par le tempo étiré, dilué, – suspendu extatique de « Beim Schlafengehen » / En s’endormant – nouveau jalon des Strauss, de loin celui qui affirme le parti de lenteur des interprètes : le renoncement, la volonté d’anéantissement et de disparition, dans la mort et aussi le rêve justifient des séries de séquences ralenties, morcelées au risque de la perte de l’unité : la palette des couleurs, et les intervalles requis par la partition forcent la diva à sortir du bois et affirmer cette fois une caractérisation vocale déterminée, tranchante, indiscutable. Dans la mort et l’oubli, le chant s’affine : affûté, percutant, il frappe directement. Bravo Elsa.

Le récital se referme avec le dernier des Quatre Lieder de Strauss : « Im Abdendrot » ; puis « Morgen » (qui donne aussi son titre au cd). Pâle et lugubre, aux couleurs d’une tendresse triste, le chant rayonne dans le premier, posé comme une interrogation sans réponse et dans un tempi très étiré (trop ?) ; mais les couleurs du piano sont superbes. Il est emblématique de terminer le récital avec « Morgen » / Demain (Et demain le soleil brillera encore) : hymne éperdu lui aussi au miracle d’une Nature toujours sublimée, renouvelée grâce à la caresse du soleil : chant de langueur, legato maîtrisé, aux nuances épanouies, Elsa Dreisig finit ce récital dans l’extase suave la plus convaincante. Voilà qui se termine mieux qu’au début. Ouf. Quoiqu’il en soit, et malgré les petites réserves émises, le courage et ce goût du risque doivent être encouragés. A suivre.

D’une façon générale, son précédent cd MIROIRS, « CLIC de Classiquenews » nous a paru mieux convenir à la voix, à sa tessiture (1 cd Erato, sept 2018).
https://www.classiquenews.com/cd-critique-miroirs-elsa-dreisig-soprano-1-cd-erato/

On attend et suivra la diva sur scène au fur et à mesure de ses prochains engagements, surtout au Staatsoper de Berlin (Musetta, janv 2020 ; Dircé dans Médée de Cherubini à Berlin fev 2020 ; puis Fiordiligi et Pamina en avril 2020 ; avant Paris où Bastille l’annonce en Gilda (juin 2020)

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CD, critique. ELSA DREISIG, sop. MORGEN : STRAUSS, DUPARC, RACHMANINOV (1 cd ERATO, 2019)  -  Enregistré en juillet 2019, Paris.

 

 

 

 

 

 

APPROFONDIR

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Découvrir la version originale pour orchestre, des Vier Letzte Lieder de Richard Strauss par Jessye Norman et Kurt Masur. La voix de Jessye Norman qui nous a quitté en septembre 2019, perce, embrase, saisit littéralement…. par sa puissance naturelle, ses couleurs, ses nuances :

https://www.youtube.com/watch?v=SDoqnjB7Um4

MORGEN de STRAUSS par Jessye Norman :
https://www.youtube.com/watch?v=z3r9ifssLZQ

SEPTEMBER de STRAUSS par Jessye Norman
https://www.youtube.com/watch?v=qtmEjXZx340
(1991, Salisbury Festival)

 

 

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AGENDA

Le programme du cd MORGEN tourne en Europe

PARIS, mardi 28 janvier 2020, 20h.
TCE, cycle Grandes Voix

BORDEAUX, Gd Théâtre, le 30 janvier 2020

LONDON, le 2 fév 2020
Wigmore Hall

COLOGNE, le 4 fév 2020
Deutschlandfunk, Kammermusiksaal

BERLIN, le 10 fév 2020
Staatsoper, Apollosaal

TOULOUSE, le 27 avril 2020
Capitole

Voir toutes les dates de la tournée sur le site d’Elsa Dreisig
https://www.elsadreisig.fr

CD événement, annonce. RICHARD STRAUSS : Zarathustra, Till, Tod, Danses de Salomé (Tanz), Lucerne Festival orchestra – R Chailly (1 cd DECCA, août 2017).

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chailly richard strauss lucerne orchestra also sprach zarathustra till salome tanz tod und verklarung orchestra cd decca review classiquenewsCD événement, annonce. RICHARD STRAUSS : Zarathustra, Till, Tod, Danses de Salomé (Tanz), Lucerne Festival orchestra – R Chailly (1 cd DECCA, août 2017). Enregistré au Festival de Lucerne 2017 et constituant son grand programme d’ouverture alors (11 août 2017), le récital Richard Strauss dirigé par Riccardo Chailly donne la mesure du travail du chef depuis la disparition in loco de Claudio Abbado qui aura tant œuvré pour l’avenir et le niveau musical du Festival suisse (et de son orchestre associé). Depuis 2016, Chailly a pris les rênes de l’orchestre du festival / Lucerne Festival orchestra / Orchestre du Festival de Lucerne.

Après un excellent premier disque dédié à Stravinsky (Sacre du printemps / Chant Funèbre / Funeral song), ce second opus réunit au total presque 1h30 de musique straussienne, parmi ses partitions les plus délicieusement onctueuses, d’un fini orchestral inouï, et toujours intensément dramatique. Avec Gustav Mahler (chef et compositeur comme lui), Strauss demeure le symphoniste germanique le plus prolixe, d’une égal et flamboyante inspiration : un auteur majeur pour le tout début du XXè.
Le relief des instruments, cuivres, bois, unisson flexible des cordes indiquent le très haut niveau des musiciens de l’Orchestre fondé par Abbado en 2003. Le sens de la ciselure et ce mordant qui tend à tous les pupitres, à caractériser chaque phrase musicale par chaque instrumentiste s’explique car chaque partie est tenue ici par le supersoliste d’un orchestre européen réputé : la crème de la crème, comme le souhaitait Claudio Abbado dans son projet initial : concentrer chaque été des personnalités reconnues (solistes, vedettes des programmes concertants et de musique de chambre comme de récitals en solo) invitée à enrichir encore leur expérience orchestrale.
Un « orchestre d’amis » souhaitant partager leur amour viscéral des grandes pages symphoniques (ce qui s’entend nettement dans « Also sprach Zarathustra » – 1896, en particulier dans sa section finale… incandescente, crépitante, et subtilement murmurée).

En plus de Zarathustra, le disque comprend aussi le poème symphonique Till Eulenspiegels lustige streiche / Till l’espiègle, formidable épopée comique, burlesque et tragique d’un farceur mis au pilori de la bonne morale bourgeoise (1895) ; la traversée suspendue entre deux mondes, celui des vivants et celui des morts, éprouvée, vécue par un moribond, atteint, détruit : Tod un Verklärung (mort et transfiguration), qui finalement se remet après avoir ressenti l’abandon de son corps et la morsure de la faucheuse : spirituelle, et là aussi finement caractérisée, la lecture de Chailly et du Lucerne festival orchestra étonne par sa force et sa candeur d’intonation ; la vitalité des espoirs du mourant.
CLIC D'OR macaron 200Le clou demeure la Danse des Sept voiles de Salomé, musique suractive, voluptueuse, hypnotique comme peut l’être un tableau de l’érotique Klimt. Chailly montre comment Strauss, héritier de l’orchestre opulent, rutilant de Wagner, est un conteur magistral qui dote l’orchestre de couleurs et de parfums supplémentaires, non plus brumeux et nordiques, celtiques (Wagner et après Bruckner), mais plutôt orientaux, colorés et presque saturés d’une volupté nouvelle, gorgée de noblesse et de scintillements intérieurs.
Chailly a le sens de la palette straussienne et aussi, comme porté par la réactivité mûre des instrumentistes, l’instinct du développement et de l’architecture. Opus majeur.

Parution annoncée le 6 septembre 2019. Grande critique développée dans le mag cd dvd livres de classiquenews.

 

 

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AUTRE CD Lucerne Festival Orchestra / Riccardo Chailly critiqué par CLASSIQUENEWS :

stravinsky chailly premiere creation inedit critique review cd par classiquenews annonce riccardo chailly lucerne festival orchestra sacre et chant funebre Chant-funebre-Le-Sacre-du-PrintempsCD, compte rendu critique. STRAVINSKY : Le chant funèbre, Le Sacre (Chailly, 1 cd Decca 2017). Avouons notre plein enthousiasme pour l’élément moteur de cet album : Le Chant Funèbre … sombre et grave, et même lugubre, dès son début, la partition cultive le mystère à la façon d’une marche envoûtée. Puis surgit une mélopée sinueuse à peine éclaircie par la flûte et les violons, comme un dernier râle. La rythmique un rien sèche, abrupte n’a pas encore la souple volupté à la fois incisive et mordante du Stravinsky mûr. C’est une étape qui doit encore beaucoup à l’esprit de malédiction, épais et sirupeux de L’Oiseau de feu, mais la magie aérienne en moins. Et pourtant en un ruban sensuel et comme empoisonné, le jeune Stravinsky a le génie de la couleur et des atmosphères souterraines (montées harmoniques en orgue), … ce pourrait être un poème dramatique, halluciné entre Rachmaninov, le Tchaikovski le plus échevelé, Liszt et Scriabine, entre torpeur, ivresse, féerie mortifère. L’application qu’y développe Chailly est passionnante : le geste rend justice à une partition (opus 5) il est vrai, clé. LIRE notre critique cd complète : Lucerne Festival Orchestra / Riccardo Chailly.

Semyon Bychkov dirige Une Symphonie Alpestre de Strauss

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logo_france_musique_DETOURERichard Strauss, un "génie contesté"France Musique, Strauss: Symphonie alpestre, Le 28 août 2016, 20h30. L’été au Royal Albert Hall de Londres, place en direct, au symphonisme le plus flamboyant et exceptionnellement raffiné. Il existe deux immenses symphonistes au début du XXè : Gustav Mahler et… Richard Strauss. Une Symphonie alpestre dépasse le prétexte narratif et descriptif ; comme pour les symphonies à programme, telle la Symphonie « pastorale », n°6, de Beethoven, le compositeur ne décrit pas : il exprime le souffle indomptable des éléments, la miraculeuse harmonie de la Nature, insondable, mystérieuse, énigmatique. C’est sur le plan musical, un formidable défi pour le compositeur qui ainsi en 1915, renouvelle totalement l’éventail poétique et expressif de l’écriture orchestrale. La partition est un monstre fascinant par ses dimensions colossales voire cosmiques et la justesse des évocations naturelles, comme la cohérence de son architecture dramatique globale, conçue comme une expédition en haute montagne, comprenant l’ascension, la découverte des cimes éternelles, le déchaînement des éléments, puis la descente émerveillée…

A Londres, ce 28 août 2016, le chef Semyon Bychkov dirige l’excellent BBC Orchestra. Couplé à l’Alpestre de Strauss, l’admirable cycle pour orchestre et voix, Wesendonck lieder de l’autre Richard, Wagner (avec Elisabeth Kulman, mezzo). LIRE aussi notre présentation des Wesendonck-lieder de Ricahrd Wagner.

val-d-isere-musique-concerts-festival-a-val-d-isere-decouverte_savoie-val-isere-582-390Terminée en 1915, « Eine Alpensinfonie / Une symphonie Alpestre » recueille l’expertise du Strauss narratif doué d’un remarquable tempérament dramatique dans ses nombreux poèmes symphoniques. S’y amplifie ce flot impétueux d’essence philharmonique au très grand format qui rappelle souvent la démesure et le flamboiement spirituel de l’opéra contemporain La Femme sans ombre (qui sera d’ailleurs créé après la guerre). Le déluge et les vertigineuses portées orchestrales dépassent de loin tout ce qui a été entendu, soulignant le Strauss bâtisseur à l’échelle du cosmos.

Opéra orchestral pour les cimes

strauss richardA 51 ans, Richard Strauss possède idéalement la maîtrise de l’écriture symphonique et de l’instrumentation en grand format: pas moins de 120 instrumentistes, ceux de l’orchestre de la Hoffkapelle de Dresde, pour mener à bien la création de son oeuvre gigantesque, le 28 octobre 1915. A contrario de l’atonalisme moderniste de Schoenberg et de ses disciples, dans le contexte d’éclatement politique et de guerre qui traverse toute l’Europe, Strauss demeure résolument tonal dans un cycle d’un foisonnement formel inédit et sur le plan poétique et architectural, d’une indiscutable unité. Les critiques ont, fidèles à leur tempérament pointilleux, attaquer l’oeuvre sur son côté monumental, sa verve naïve, plus descriptive que spirituelle. Or rien n’est plus faux: Strauss avait souhaité dans un premier temps intitulé sa Symphonie alpestre: “l’Antéchrist”, par référence à Nietszche dont il partageait les idées quant à la religion et à la nécessité qui s’impose à l’homme dans le dépassement de sa condition par l’esprit de travail et l’admiration dans la nature miraculeuse

Aux côtés de Nietzsche, Strauss ajoute aussi ses lectures de Manfred de Byron (il évoque précisément fidèle au texte du poète romantique anglais, la présence d’une fée dans le tableau impressionnant de la cascade…). Le compositeur aussi bon randonneur, comme Mahler ou Schoenberg, que lettré, et de surcroît fin connaisseur de poésie, édifie une symphonie littéraire et personnelle d’une indiscutable cohérence.

Sur le plan de l’écriture, il repousse très loin les possibilités expressives et formelles du cadre symphonique. Le documentaire outre une courte évocation de sa vie (né à Munich, le 11 mai 1864), évoquant les relations personnelles de l’artiste créateur avec le motif naturel en particulier la montagne (sa résidence de Garmisch donne sur le sommet de la Zugspitze, véritable condensé de la grandeur des cimes alpines), s’intéresse aux procédés de la plume, tableau par tableau.”Tout programme poétique, écrit Strauss, est une patère sur laquelle j’accroche le développement musical de mes sentiments. Toute autre chose serait un péché contre l’esprit de la musique“. Il s’agit donc d’une réitération personnelle où le filtre subjectif a toute sa place. Voilà pourquoi les commentateurs en parlant uniquement de musique à programme, descriptive et narrative, se trompent totalement.

Strauss construit le plus bel hommage face à la réalisation miraculeuse de la nature: il ne cherche pas Dieu, il témoigne de la grandeur vertigineuse de sa réalisation.Le commentaire resserré, analyse les points essentiels de l’écriture straussienne, en suivant étape par étape (22 sous-titres sont insérés par Strauss pour “éclairer” chaque épisode de la Symphonie), le cheminement de l’alpiniste pendant sa journée de randonnée sur le massif alpestre: ascension, excursion, sommet, puis descente. Tout le cycle des 4 mouvements, débute par la nuit (évocation sombre voire lugubre, très impressionnante d’où jaillit la montagne, grandiose et colossale vision) puis s’achève dans l’évocation de la même nuit. Les options expressives de Strauss empruntent beaucoup à l’opéra: machine à orage, boîte à tonnerre, fanfare éloignée (pour évoquer en une distanciation sonore étagée dans l’espace, la forêt ample et profonde qui s’offre au randonneur), caractérisation mélodique des “personnages” dont le “héros”: l’alpiniste.

strauss richard maestro chef d orchestreOeuvre personnelle, démonstration de ses aptitudes à traiter la grande forme, mais aussi expérimentation de nouvelles combinaisons sonores pour l’orchestre “classique” (certes adapté dans un cadre colossal), Une Symphonie Alpestre apporte au moment où l’Europe de 1915 connaît la guerre et l’émergence brutale des modernismes, une illustration éblouissante de l’écriture symphonique portée à ses extrêmes expressifs. Strauss ne retrouvera guère un tel orchestre qu’avec La Femme sans ombre dont la gravité des couleurs, et l’expression du gouffre tragique sombrent dans la noirceur à hauteur d’homme (quant Une Symphonie alpestre exalte l’élévation et la céleste et transcendante vision depuis les cimes), après le choc de la première guerre mondiale

 

L’Amour de Danae de R. Strauss à Salzbourg

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salzburg salzbourg logo 2016 0104_festspiele_023France Musique. Strauss: L’ Amour de Danae, le 16 août 2016, 20h. C’est l’un des temps forts du Festival de Salzbourg 2016 : L’amour de Danae de Richard Strauss (1940) fait partie des partitions les moins jouées du compositeur bavarois, or il s’agit d’une oeuvre clé de ses recherches sur la notion de théâtre musical où la projection continue du chant, telle une conversation en musique, reste cruciale selon son esthétique lyrique. C’est aussi pour Richard, l’occasion de traiter deux thématiques qui lui sont chères : les resources dramatiques et psychologiques qu’offre la mythologie grecque ; et surtout l’occasion de ciseler un nouveau portait de femme : ainsi après les formidables vertiges portées par ses premières héroïnes, Elektra (1909), Salomé (1905) ; puis Ariane aux Naxos (1912-1916), Hélène d’Egypte (1928), Arabella (1933), Intermezzo (1924 qui relate ses déboires conjugaux avec son épouse la cantatrice Pauline de Ahna, surtout Daphné qui composé en 1938, pendant la barbarie nazie, prélude directement aux enjeux et clés de Danae, composé en 1940 et créé en 1944. Le compositeur devait s’éteindre en 1949, non sans exprimer sa vision crépusculaire sur la fin de la civilisation provoqué par le crime impardonnable de la guerre et de la haine.

 Le choix de Danae…
Midas ou Jupiter ?

 

 

Dossier Richard Strauss 2014Capriccio en 1942 (avec le sublime personnage de la Comtesse Madeleine, arbitre des arts, entre poésie et musique) nuance encore un travail concentré sur le raffinement et la profondeur humaniste de l’art musical. L’Amour de Danae / Die Liebe der Danae illustre comme le tableau de Gustav Klimt dont l’opéra de Strauss approche dans le chant magistral et continu de l’orchestre, le scintillement des couleurs, la légende de la fille du roi ruiné Pollux qui amoureuse de Midas, est courtisé (en vain) par Jupiter.

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La lecture du mythe que défend Richard Strauss est celle d’un humaniste : Danae est une âme admirable et juste en ce qu’elle préfère le mortel Midas, – que Jupiter a brutalement amputé de son pouvoir de tout changer en or, au dieu omnipotent qui promet pourtant merveilles et éternité. La jeune femme n’a cure des illusions de l’or, mais s’intéresse plutôt à la bonté d’âme de l’homme qu’elle aime, fût-il misérable et dépossédé de son don de richesse. Dans l’écriture, Strauss soigne les contours et connotations psychologiques du chant de son héroïne, – orchestre généreux mais clarté du parcours émotionnel qui mène la jeune femme, des illusions troubles, à la lumière de la vérité, celle de son coeur amoureux.

 

 

 

Autour du trio héroico-pathétique de Danae / Midas / Jupiter, se presse une pléiade deseconds rôles comiques : Pollux le père ruiné désireux de redorer son blason en mariant sa fille au dieu déguisé en … Midas ; les quatre reines parentes de Danae, qui anciennes amantes de Jupiter, tentent tout pour reconquérir le divin étalon.


La comédie et la profondeur fondent l’intérêt d’un opéra injustement écarté des théâtres et programmations habituels. Pourtant, le leçon morale et la parabole humaniste qu’offrent Strauss et son librettiste Josef Gregor (qui reprend une idée et un canevas du poète Hugo von Hofmannsthal), dépassent la simple illustration de l’Antiquité. Il importe aux interprètes de comprendre puis d’exprimer sous la conduite d’un chef articulé, chambriste, la subtilité d’une écriture qui fait la synthèse entre Wagner et Mozart, qui commente en musique le miracle éternel de l’amour sincère. Si dans Daphné, Strauss conclut l’opéra dans l’apothéose de son héroïne pétrifiée qui refuse l’amour (celui d’Apollon, après que celui ci a tué son fiancé), ici, Danae, dans la suite de La Femme sans ombre (opéra initiatique écrit par Hofmannsthal, au moment de la première guerre), détermine son propre destin, affirme son choix, revendique la vérité du seul amour qui l’inspire : celui de Midas. La jeune femme peut donc vivre ce destin qui lui était refusé au début de l’action. C’est un exemple rare à l’opéra, d’une relation qui peut être vécue sur terre, a contrario du poison wagnérien dont les héros, -Tristan, Isolde, Lohengrin, Elsa, … sans omettre Tannhäuser et Elisabeth…, affirment au contraire l’impossibilité d’un amour épanoui dans le monde des hommes. Richard Strauss, le plus grand génie lyrique avec Puccini au début du XXème siècle, témoin des deux guerres mondiales, en témoigne ainsi, et jusqu’à la fin de sa vie : l’homme peut être sauvé de lui-même, s’il écoute la vérité de son cœur et agit par amour, non par calcul. Humaniste, très humaniste, Richard.

 

 

logo_francemusiqueFrance Musique, Mardi 16 août 2016, 20h. Enregistré au Festival de Salzbourg le 6 août 2016. L’Amour de Danae / Die Liebe der Danae de Richard Strauss et Josef Gregor (sur une idée de Hugo von Hofmannsthal).

Illustration : Danae par Gustav Klimt, 1905. Jupiter amoureux s’exprime à dans sous la forme d’une pluie / semence d’or, sujet pour le peintre à un sublime miroitement chromatique de sa palette (DR)

 

 

 

 

DANAE STRAUSS Salzbourg festival 2016 web-Die_Liebe_der_Danae_2016_Krassimira_Stoyanova_c_SF_ForsterRichard Strauss : L’Amour de Danae
RICHARD STRAUSS • DIE LIEBE DER DANAE
Heitere Mythologie in drei Akten op. 83 von Richard Strauss (1864–1949)
Libretto von Joseph Gregor (1888–1960) unter Benutzung eines Entwurfes von Hugo von Hofmannsthal (1874–1929) / Opéra mythologique en 3 actes de Richard Strauss / Livret de Joseph Gregor d’après Hugo von Hofmannshtal. Nouvelle production.

Franz Welser-Möst, direction
Alvis Hermanis, mise en scène

Distribution
Krassimira Stoyanova, Danae
Tomasz Konieczny, Jupiter
Norbert Ernst, Merkur
Wolfgang Ablinger-Sperrhacke, Pollux
Regine Hangler, Xanthe
Gerhard Siegel, Midas alias Chrysopher
Pavel Kolgatin, Andi Früh, Ryan Speedo Green, Jongmin Park, Vier Könige
Maria Celeng, Semele
Olga Bezsmertna, Europa
Michaela Selinger, Alkmene
Jennifer Johnston, Leda

Konzertvereinigung Wiener Staatsopernchor
Wiener Philharmoniker

CONSULTER la page Danae sur le site du Festival de Salzbourg 2016 

 

Compte rendu critique, opéra. Capriccio de R. Strauss. Paris, Palais Garnier, le 18 janvier 2016 (reprise)

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strauss_profil_420REPRISE ENCHANTÉE. La production parisienne de Capriccio signée Carsen revient dans sa maison de création, en cet hiver 2016. La « conversation en musique » de Richard Strauss, -son dernier opéra crée en 1942, vient donc caresser les sens du public grâce à la lecture cohérente, élégante et drôle de Robert Carsen et une performance impeccable de l’orchestre dirigé par le chef Ingo Metzmacher. La distribution quelque peu inégale est toujours engageante au niveau théâtral ; de belles voix et personnalités se révèlent là où l’on ne les attendait pas. Une méditation sur l’opéra, une mise en abîme fascinante et automnale qui nous touche et qui nous charme complètement !

 

 

Reprise de Capriccio de Strauss, version Carsen au Palais Garnier

Expérience unique… et sommet esthétique

 

Richard Strauss a eu du mal à trouver son librettiste pour son tout dernier opéra. Une nouvelle collaboration avec Stefan Zweig n’a pas pu avoir lieu puisque l’écrivain juif dût s’enfouir de l’Allemagne nazi. Son deuxième librettiste recommandé par Zweig est l’auteur autrichien Joseph Gregor. Ils travaillent sans tarder mais l’incompréhension venant des deux côtés, empêche la réalisation du projet. Strauss décide donc d’écrire le livret lui-même. Or, il finit par embaucher le chef d’orchestre et impresario Clemens Krauss, qui avait un penchant pour l’écriture, et ils écrivent le livret ensemble. Au niveau social, la création fut aussi tendue et pleine de péripéties… Œuvre créée à Munich avec Hitler au pouvoir, on aime raconter que la nuit de la première s’est finie par des bombardements et que le public a dû sortir de l’opéra en courant et avec des bougies. S’il est difficile d’avoir de la sympathie vis-à-vis à ces anecdotes, l’opus de Strauss demeure un véritable testament musical, l’un des chefs-d’œuvre de l’histoire de l’opéra.

 

L’action qui a pris tant de temps et d’effort pour être écrite peut se résumer à la question fondamentale, sur ce qui prime, la musique ou la poésie ? (Mais on questionne aussi la valeur du théâtre et de la danse notamment). Pour caractériser tout ceci, nous avons le beau prétexte d’une Comtesse célébrant son anniversaire ; convoitée par le poète Olivier et le compositeur Flamand. Son frère le Comte propose au final en tant que cadeau la réalisation d’un opéra, fixant ainsi une collaboration entre les rivaux. Si la réponse n’est jamais explicitée, le livret astucieux et la musique fantastique de Strauss, pimentés de fausses et de vraies citations (Ronsard, Gluck, mais surtout Richard Strauss!) offre une réponse pour les cœurs qui voudront entendre…

 

La Comtesse de la soprano américaine Emily Magee prend du temps à se chauffer, semble-t-il. Cependant, sa diction de la langue allemande est sans défaut et son jeu d’actrice révèle les influences de toutes les héroïnes de Strauss. Si cela fait de son personnage un rôle quelque peu composite, elle l’interprète avec émotion mais sans sentimentalité.Vocalement, elle arrive au sommet de l’expression à la fin de l’œuvre dans sa grande scène finale « Es ist ein Verhängnis ». Si le poète du baryton Lauri Vasar est solide et percutant, tant au niveau scénique que vocal, nous sommes davantage conquis par le Compositeur du ténor Benjamin Bernheim. Sa performance est un délice auditif, agrémentée d’un grand charme juvénile… Le beau timbre, l’élégance dans sa diction, la sincérité touchante de sa prestation sont complètement en accord avec son rôle. Il s’agît aussi de ses débuts à l’Opéra de Paris… Une révélation ! Remarquons la beauté exquise de leurs voix accordées,s lors du Trio après le sonnet chanté par le Compositeur… Un des moments forts de la soirée, provocant maints frissons.

 

Le personnage du metteur en scène La Roche par la basse Lars Woldt mérite tout autant de louanges, tellement sa prestation est vivace, pleine d’entrain, d’une justesse musicale sans défauts, notamment dans sa géniale tirade pour la défense de la mise en scène ! Le Comte aussi est interprété avec maestria par Wolfgang Koch, avec un charme simplet mais franc. Si la Clairon de la mezzo-soprano Michaela Schuster peine à se faire entendre pendant la plupart de l’interprétation, elle a une prestance scénique qui sied parfaitement au rôle. Elle se chauffe progressivement et s’évertue à rejoindre le reste de la distribution avec grand effort. Le duo des chanteurs napolitains de Chiara Skerath et Juan José de Leon rayonne de brio comique lors de leur participation à la fois virtuose et humoristique. Remarquons également la prestation de la danseuse du Ballet de l’Opéra Camille de Bellefon dans une chorégraphie de Jean-Guillaume Bart tout à fait pertinente.

 

Robert Carsen, quant à lui, signe l’une des ses plus belles productions parisiennes voire créations tout court. A la somptueuse beauté des décors de Michael Levine qui situe l’action nulle part ailleurs qu’au Palais Garnier lui-même, répond la méticuleuse et sensible lecture dramaturgique, très inspirée de Pirandello ; un travail d’acteur raffiné et distingué, avec des spécificités subtiles pour chaque personnage. Carsen harmonise sa mise en scène très musicale à la nature de l’œuvre elle-même et réussit à créer un heureux mélange d’humour, de piquant, de nostalgie et de tendresse, pourtant sans pathos ! Un spectacle sans entracte qui dure presque 2h30 où l’on ne voit pas du tout le temps passer, et dont on sort avec l’envie de le revoir, encore et encore.

 

Cette sensation de beauté complète et polyvalente est aussi due en grande partie à l’excellente performance de l’Orchestre de l’Opéra national de Paris dirigé par Ingo Metzmacher. Dès le sextuor qui ouvre l’œuvre, d’une beauté automnale sans égal, passant par les ensembles très enjoués, à l’entrain endiablé, jusqu’à la scène fantastique qui clôt l’opéra, les instrumentistes se montrent à la fois sensibles et rigoureux, leur prestation révélant une complicité rare et intelligente avec le chef et le plateau ! Un bijou et une œuvre d’art totale dans une production fabuleuse, inoubliable même… A voir et revoir sans modération au Palais Garnier à l’affiche les 22, 25, 27, et 31 janvier ainsi que les 3, 6, 10 et 14 février 2016.

 

 

 

 

Compte rendu, opéra. Paris. Palais Garnier, le 19 janvier 2016. R. Strauss : Capriccio. Emily Magee, Benjamin Bernheim, Lars Woldt… Orchestre de l’Opéra National de Paris. Ingo Metzmacher, direction musicale. Robert Carsen, mise en scène.

 

 

Capriccio au Palais Garnier

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richard-strauss.jpgParis, Palais Garnier. Capriccio de Richard Strauss : 19 janvier – 14 février 2016. La reprise de la production du Capriccio mis en scène par Robert Carsen, spécialement conçue pour l’arrière scène du Palais Garnier à Paris fait l’événement lyrique de la capitale en janvier et février 2016. A l’intelligence du dispositif scénique qui exploite en un effet de perspective vertigineux, la scène et les coulisses de Garnier (superbe tableau à la fin du spectacle), avait répondu lors de sa création (Paris, 2014), l’éloquence sensuelle irrésistible de la divina Renée Fleming pour laquelle le rôle de la Comtesse Madeleine, subtile arbitre de la rivalité poésie et musique, était une défi prodigieux, véritable sommet de sa carrière lyrique… En 2014, Renée Fleming connaissait d’autant mieux les enjeux et la finesse poétique du rôle de Madeleine qu’elle avait déjà chanté mais dans une autre mise en scène, l’ouvrage sur la scène du Metropolitan Opera de New York en 2011.  

Pour cette reprise c’est Emily Magee qui reprend le rôle.  Qu’en sera-t-il ? Déjà pour la finesse de la mise en scène, dans l’écrin de Garnier qui est son lieu idéal, la production doit absolument être vue. Il existe le dvd de cette production mythique, enregistrée avec Renée Fleming

boutonreservationParis, Palais Garnier
Capriccio de Richard Strauss
Du 19 janvier au 14 février 2016
Robert Carsen, mise en scène
reprise

LIRE aussi notre présentation de Capriccio, opéra de Ricahrd Strauss (1942)

Nouvelle production d’Hansel et Gretel

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Hansel et Gretel, l'opéra féerique d'HumperdinkAngers Nantes Opéra. Humperdink : Hansel et Gretel, 11 décembre 2015>6 janvier 2015. C’est la nouvelle production événement de cette fin d’année, présentée par Angers Nantes Opéra où devrait se confirmer la talent pour la clarté dramatique, d’une metteur en scène particulièrement inspirée : Emmanuelle Bastet. C’est une partenaire conviée par Angers Nantes Opéra et qui a signé auparavant, Lucio Silla (esthétique, d’une efficacité tranchée), un sublime Orphée et Eurydice, entre réalisme et onirisme, La Traviata, et plus récemment Pelléas et Mélisande (transposé avec un sens cinématographique très léché, dans une réalisation qui pourrait être un film d’Hitchcok). Qu’en sera-t-il pour Hansel et Gretel, conte féerique qui ne s’adresse pas qu’aux enfants : la musique y est aussi raffinée et pensée que les œuvres de Wagner (le modèle d’Humperdink) ou Richard Strauss (qui fut immédiatement fasciné par la musique d’Hansel et Gretel). La nouvelle production présentée par Angers Nantes Opéra s’annonce comme l’événement lyrique de cette fin d’année 2015.

Un conte pour enfants
devenu opéra post wagnérien, féerique et onirique

 

La misère produit dans l’esprit des âmes enfantines, innocentes des prodiges d’imagination pour conjurer la morsure de la faim ou l’enfer des nuits glaciales : ainsi le frère et la soeur Hansel et Gretel échafaudent en un délire onirique et grotesque un conte de sucrerie et de chocolat où se joue leur rapport au monde et leur relation à l’autorité, incarnés ici dans la personne de la vorace et terrifiante Sorcière Grignote.

Otkrytoe Pismo Hamperdink Postcard-1910Plutôt que de plonger dans l’adaptation un rien trop terrifiante des frères Grimm, Humperdink préfère intégrer la vision d’Adelheid Wette, sa sœur dont la sensibilité apporte une douceur tendre qui manquait à la légende originelle. L’opéra qui en découle par sa musique alliant puissance et raffinement porte la connaissance aiguë et plutôt très admirative de Richard Wagner, d’autant que Humperdink ne fait pas que renouveler le dramatisme symphonique et hypnotique de Wagner : il sait le renouveler ; il a travaillé avec le maître de Bayreuth participant à la création de Parsifal en 1882 à 26 ans seulement (peut-on se remettre d’une telle expérience ?). A la mort de son mentor et maître, le 14 février 1883, Humperdink reste inconsolable. L’histoire allait montrer que Humperdink pouvait assimiler, transposer, renouveler l’art wagnérien au théâtre : immense défi éprouvé par les plus grands compositeurs germaniques et français… dont peu surent en effet réaliser ce projet.

En 1890 quand se précise l’idée d’Hansel et Gretel, Humperdink doit se réconcilier avec un milieu hostile à ses prises de position wagnériennes: sa soeur Adelheid lui propose de mettre en musique un conte pour les enfants qu’elle a elle même écrit, pour l’anniversaire de son mari. D’un pari familial à peine pris au sérieux, l’opéra à naître prend peu à peu forme, devenant même pour le jeune compositeur nostalgique de Wagner, voire dépressif, une sorte de baume salvateur.
Passéiste : oh que non ! La partition s’impose immédiatement sur les scènes d’abord allemandes, devenant  l’opéra des fêtes par excellence : apportant à son auteur un pactole enviable à une époque où composer un opéra pouvait encore faire recettes :  soit deux millions de marks-or, rien qu’entre 1900 et 1910 pour son auteur.

Une voix et non des moindres sut dès 1893 reconnaître l’incroyable talent du jeune wagnérien et mesurer dans ses justes proportions, sa fabuleuse originalité, Richard Strauss :  « Quel humour rafraîchissant, quelle exquise naïveté mélodique, quel art et quelle finesse dans le traitement de l’orchestre, quelle perfection dans la construction de l’ensemble, quelle invention florissante, quelle merveilleuse polyphonie, et le tout original ; nouveau et si véritablement allemand. »

L’on ne saurait être plus pertinent et élogieux : si la valeur des grands chefs d’oeuvre se mesure à leur reconnaissance immédiate et surtout populaire, Humperdink par sa fraîcheur musicale renoue avec le Mozart de La Flûte enchantée, féerique et pourtant philosophique, s’adressant autant aux enfants qu’à leurs parents. Une qualité que comporte en tout points le génial Humperdink et son inusable, Hansel et Gretel.

 

Hansel  et Gretel d’Humperdink, 1893
Présenté par Angers Nantes Opéra
Conte musical en 3 tableaux
Nouvelle production
7 dates événements,
Du 11 décembre 2015 au 5 janvier 2016

Livret de Adelheid Wette, d’après Hänsel und Gretel, conte populaire recueilli par les frères Grimm dans le premier volume des Contes de l’enfance et du foyer [Kinder-und Hausmärchen].
Créé au Théâtre Grand-Ducal de la cour de Weimar, le 23 décembre 1893.

boutonreservationNANTES, Théâtre Graslin
Vendredi 11 décembre, 20h
Dimanche 13 décembre, 14h30
Mardi 15 décembre, 20h
Jeudi 17 décembre, 20h
Vendredi 18 décembre 2015, 20h

ANGERS, Le Quai
Mardi 5 janvier 2016, 20h
Mercredi 6 janvier 2016, 20h

réservez vos places

THOMAS RÖSNER, direction
EMMANUELLE BASTET, mise en scène

Vincent Le Texier, Pierre
Eva Vogel, Gertrude
Marie Lenormand
Norma Nahoun
Jeannette Fischer
Dima Bawab, Le Marchand de sable

Maîtrise de la Perverie
Gilles Gérard, direction

Chœur d’Angers Nantes Opéra
Xavier Ribes, direction
Orchestre National des Pays de la Loire

Nouvelle production Angers Nantes Opéra
[Opéra en allemand avec surtitres français

Richard Strauss et les femmes sur Brava. Docu, 2014

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strauss richard et paulineCLIC D'OR macaron 200Télé, Brava. Richard Strauss et ses héroïnes, samedi 31 octobre 2015, 21h. Strauss, en mari indigne… ou les coulisses conjugales… Divorce ! Après six ans de mariage, Pauline de Ahna, cantatrice plutôt colérique car exclusive et d’un tempérament  jaloux, était fille d’un général, il fallait donc filer droit dans son foyer. Mais elle en eut assez de Richard Strauss. Pauline l’avait toujours su : son mari, Richard, le plus important compositeur allemand de son époque, la trompe. Amabilité et droiture ne sont que de façade ! Les poèmes symphoniques et les lieder de Strauss seraient-ils inspirés par ses aventures amoureuses ?

Le film « Richard Strauss et ses héroïnes » mène l’enquête sur les femmes dans la vie de Strauss. Le point de mire est sa relation avec Pauline, sa femme pendant plus de 55 ans, jusqu’à la mort du compositeur en 1949. Elle est souvent vue comme une mégère, qui avait tendance à mettre son mari dans l’embarras. Pourtant, au début et à la fin de leur relation, Strauss a composé ses plus belles chansons pour elle : Pauline était une soprano compétente, qui avait abandonné sa carrière pour Richard et qui a soutenu son mari pendant toute sa vie. Au fond, l’amour du couple fut plus fort et les crises passèrent…

 

Pourquoi le vieux Strauss, qui avait vécu plusieurs des épisodes les plus mouvementés de l’histoire allemande – la chute de l’Empire austro-hongrois en 1918, la dictature nationale-socialiste (ses rapports entre allégeance et distance avec Hitler sont restés troubles), l’après-guerre -, a-t-il écrit en 1948, dans l’un de ses derniers lieder, « Im Abendrot » (Au crépuscule), l’une des plus émouvantes déclarations d’amour de l’histoire de la musique : « Dans la peine et dans la joie, nous avons marché main dans la main». Plus q’une prière : une confession évoquant son couple… à la vie, à la mort.

Richard Strauss, un "génie contesté"Les femmes de Strauss sont celles de Puccini : irrésistibles. Le docu « Richard Strauss et ses héroïnes » est le premier film à recomposer la genèse voire la trace réelle des héroïnes inoubliables créées par Strauss. C’est une histoire d’amour mouvementée et émouvante, l’histoire de deux amants éperdus en quête d’absolu. À Garmisch, dans villa bourgeoise du clan Strauss, bâtie par le compositeur grâce à la fortune amassée par son génie musical, le dernier petit-enfant survivant de Richard témoigne. Et les célèbres interprètes de Strauss : Brigitte Fassbaender (inoubliable et palpitante dans le rôle travesti du jeune amant Oktavian du Chevalier à la Rose), Renée Fleming (La Maréchale du même Chevalier à la Rose, Ariadne dans Ariadne auf Naxos, Madeleine de Capriccio…), Dame Gwyneth Jones et Christa Ludwig des rôles qu’elles ont chantés, et au delà, de l’image de la femme selon Strauss. Le chef d’orchestre Franz Welser-Möst analyse le secret de son don extraordinaire pour l’instrumentation. Christoph Wagner-Trenckwitz, spécialiste de Strauss et membre du conseil d’administration de l’Opéra populaire de Vienne, est le guide de ce film prenant, véritable hommage au compositeur bavarois. Le dernier des Romantiques dont la musique fut à sa fin, un éblouissant crépuscule.

 

 

brava+payoff2-FRTélé, Brava. Richard Strauss et ses héroïnes, samedi 31 octobre 2015, 21h. Producteur : Studio.TV. Film en coproduction avec SRF. Réalisateur : Thomas von Steinaecker (2014).

 

Paris, TCE. Anna Netrebko chante Strauss

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netrebko annaParis, TCE. Récital Anna Netrebko, dimanche 10 mai 2015, 20h. Strauss : les quatre derniers lieder. Certes, Daniele Gatti dirige l’ouverture de Béatrice et Bénédicte de Berlioz et la Suite pour orchestre de Roméo et Juliette de Prokofiev, mais gageons les spectateurs venus dans la salle parisienne, auront à cœur d’écouter le timbre à la fois cristallin, blessé et si sensuel de la pulpeuse diva austro russe Anna Netrebko, ailleurs, icône de Salzbourg (avec la non moins glamour Elina Garança). A Paris, Anna Netrebko ose tout et poursuit un choix qui l’a récemment exposée, révélant certes des faiblesses indiscutables, mais passion vocale parfois déraisonnable, soulignant aussi un sincérité éblouissante ; à défaut de posséder les moyens pour chanter les quatre derniers lieder de Strauss, Anna Netrebko apporte un miel tragique, un éclairage intérieur que celles qui l’ont précédé n’avaient pas.

Netrebko anna recital strauss concert paris 2015 classiquenewsLeonora du Trouvère, furieuse et battante Lady Macbeth du même Verdi au Met en octobre 2014, Anna Netrebko poursuit son amour du risque avec une Norma de Bellini annoncée pour l’ouverture de la saison 2017-2018 du Metropolitan Opera… Pas vraiment belcantiste comme ont pu l’être Callas, puis Sutherland ou Caballé, Anna Netrebko n’en partage pas moins le goût des défis de ses ainées. Elle a su affirmer ainsi une éblouissante Elvira dans I Puritani, il y a déjà sept ans (déjà au Met en 2007). Son Bellini comme souvent chez elle, touche par son timbre corsé, ses aigus diamantins et métallisés, surtout en dépit d’une coloratoure parfois fastidieuse côté agilité et une justesse pas sûre, une sincérité de ton qui saisit par son angélisme hyper féminin, plutôt très incarné (une couleur charnelle qui fait la valeur de sa Manon puccinienne)…

boutonreservationParis, TCE. Récital Anna Netrebko
Dimanche 10 mai 2015, 20h.
Strauss : les Quatre derniers lieder

Voici en détail, notre compte rendu critique de l’enregistrement des Quatre derniers lieder (1948) par Anna Netrebko paru chez Deutsche Grammophon en novembre 2014 :

 

 

 

Erreur de parcours ou risque sauvé par sa sincérité ?

 

netrebko anna-anna_netrebko_dario_acostaLes moins indulgents ayant en mémoire Te Kanawa avec Solti, Jessye Norman avec Haitink, Tomowa-Sintow avec le dernier Karajan (orchestralement ciselé), sans omettre la Schwarzkopf diront de cette embardée discutable. .. mais que fait Anna Netrebko dans cette galère ? Car vocalement celle qui depuis fin 2013 et tout au long de 2014 jusque là avait réussi toutes ses prises de rôles surtout verdiennes (Leonora du Trouvere à Berlin et Salzbourg, puis Lady Macbeth au Métropolitain opéra de New York), prend des risques non préparés dont elle paie ici coûtant le manque de réflexion. .. De toute évidence, Strauss ne convient pas à sa voix: aigus tendus, legato en défaut, phrasé improbable…. c’est constamment sur un fil mal assuré que la diva exprime les climats poétiques de chaque lied avec logiquement des incongruités bien peu acceptables, surtout dans le premier lied.

 

 

1 – Le premier des lieder pour voix et orchestre de Strauss, Frühling (seul “allegretto” quand les trois suivants sont des andante), met en difficulté la ligne des aigus pas toujours très stable, auxquels s’ajoute une justesse aléatoire. Mais sa fragilité et ce timbre incandescent, corsé, métalisant et en même temps si charnel, rend son incarnation réellement émouvante, attachante même d’une sincérité qui ne peut être mise en doute. Les puristes dénonceront une erreur de la part de la diva : n’est pas Schwarzkopf ou surtout Norman qui veut. Car ici la soprano est certainement et spécifiquement dans le premier des quatre lieder, la plus exposée et vraiment en difficulté.

 

2 – Les choses s’arrangent nettement dans le lied suivant September où la voix mieux préservée s’affirme naturellement, plus proche du texte ; grâce à une intériorité de ton parfaite d’une humanité raffinée et une fragilité bouleversante. Barenboim feutré millimétré s’accorde idéalement au volume sonore de la soliste en un flamboiement nocturne irrésistible. L’art du chef se révèle ici dans toute sa riche palette hagogique.

 

3 – Dans “Beim Schlafengehen” (l’heure du sommeil), relevons surtout, -confirmation de cette bonification progressive en cours de programme et donc au moment de l’écoute-, la fragile et délicate sensibilité luminescente de la soprano dans le récitatif d’ouverture auquel succède le violon solo qui mène vers la cristallisation enivrée… à la ligne vocale contrôlée de la voix répond le souffle d’un Barenboim très murmuré. Là encore comme une signature, la beauté des aigus corsés, fins, mieux tenus quand ils sont justes et intenses comme ici, convainquent absolument. Cependant parfois le manque d’ampleur et de souffle, comme l’engagement un peu sage comparé à Jessye Norman ou pas assez fouillé sur le plan des dynamiques et des nuances linguistiques comparé à Fleming ou Schwarzkopf, moderent globalement notre enthousiasme.

 

netrebko anna strauss barenboim staatskapelle berlin deutsche grammophon cd anna netrebko4 – Dans l’ultime lied : Im Abdendrot (Au crépuscule : tout un symbole pour l’auteur arrivé à la fin de sa vie, laissant ici, après le choc de la guerre, son testament musical en 1948), l’étrange déflagration initiale qui ressemble à un pétard incontrôlé trop lourd au début surprend de la part de l’orchestre jusque là ciselé… ensuite sur le plan vocal, il faut du souffle et une brillance intérieure à toute épreuve pour réaliser ce crépitement crépusculaire surtout chambriste qui se fait adieu au monde et renoncement général ultime dans l’esprit des Metamorphosen. Fort heureusement la diva sait déployer une maestria superlative car le tapis instrumental que l’orchestre sait ciseler à ses pieds, offre un soutien et un cadre idéal. La soprano qui trouve ici des couleurs et des intonations calibrés au diapason du chambrisme visionnaire de l’orchestre réellement en état de grâce, est mieux nuancée et de plus en plus introspective. Voix et instruments s’accordent idéalement dans une fin énigmatique finalement vraiment sidérante. Le parcours que la diva réalise ici malgré ses imperfections de départ laisse admiratifs par la sincérité du ton et des aigus d’une réelle beauté. C’est un disque d’abord décevant (d’une écoute trop rapide et superficielle) mais en cours d’audition, Netrebko en complicité avec Barenboim (les deux ont réalisé sa prise de rôle à Berlin pour sa Leonora du Trouvère) s’impose par sa fragilité ; c’est d’autant plus méritant que la discographie comprends des productions nombreuses et tout aussi légendaires.

 

Richard Strauss : Quatre derniers lieder. Une vie de héros. Anna Netrebko, soprano. Staatskapelle Berlin. Daniel Barenboim, direction. 1 cd Deutsche Grammophon

 

 

France Musique. Concert Richard Strauss par Chailly, le 14 janvier 2015, 14h.

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richard-strauss-102~_v-image360h_-ec2d8b4e42b653689c14a85ba776647dd3c70c56logo_francemusiqueFrance Musique. Concert Richard Strauss par Chailly, le 14 janvier 2015, 14h. Au programme : 3 pièces orchestrales de Richard Strauss : les poèmes Symphoniques, Mort et transfiguration, Tod und verklärung opus 24, Till l’Espiègle et Don Quixote opus 35. Le concert dirigé par Riccardo Chailly (Gewandhaus de Leipzig, juin 2014 pour le centenaire Strauss)… est copieux en soulignant la verve et le lyrisme parfois exubérant du symphoniste Richard Strauss. C’est bien le plus grand compositeur pour l’orchestre avec Mahler à l’extrême fin du XIXè et au tout début XXè. D’autant que ses expérimentations préparent ici à l’aventure lyrique qui suit, l’une des plus passionnantes de la première moitié du XXème siècle. En regroupant 3 poèmes symphoniques de Strauss, Riccardo Chailly dévoile l’inspiration et la maîtrise du compositeur bavarois dans un genre qu’il a servi mieux que personne à son époque. Au ténébriste et introspectif Mort et transfiguration répondent la verve tendre des deux sommets pour l’orchestre que sont Till l’Espiègle et Don Quichotte dont Strauss fait deux héros, le premier à l’inénarrable fureur de vivre, le second d’une humanité dérisoire puis philosophe.

Mort et transfiguration est né de la pure imagination d’un Strauss bercé par les rêves et les passions romantiques. Rien donc d’autobiographique dans cette expérience musicale de la mort, éprouvée selon le sujet narré par Romain Rolland par un mourant sur son lit d’agonie : alors qu’expirant, le malade angoisse mais rêve aussi et songe à son enfance, aux exploits de la maturité comme aux désirs non encore exaucés, la mort surgit enfin en criant “halte”. Après une lutte inégale, le mourant succombe et du ciel résonne sa rémission tant attendue sur les mots prononcés telle une délivrance : “Rédemption, transfiguration”.
Strauss voulait prolonger comme un exercice et un défi personnel, les trouvailles réalisées par ses poèmes précédents : Macbeth (début et fin en ré mineur), Don Juan (mi majeur initial mais mi mineur final) auquel répond ainsi la performance nouvelle de Mort et Résurrection débutant en ut mineur mais s’achevant dans la lumière souveraine et spirituelle de l’ut majeur. Composée entre 1887 et 1888, la partition est créée le 21 juin 1890 sous la direction de Strauss à Eisenach. Et déjà le critique Eduard Hansslick pouvait anticiper le succès lyrique de Strauss en avouant son admiration pour cette œuvre qui mène droit sur la voie du drame en musique. Durée : 25 ou 26 mn selon les versions.

Till Eulenspiegel, Till l’Espiègle, opus 28. Le Till dont s’empare Strauss n’a ni la superbe héroique du héros historique, paysan agitateur au XIVè en Allemange du nord et qui meurt de la peste noire. Ce n’est pas non plus ce glorieux rebelle opposé à Charles Quint dans les Flandres soumises aux Habsbourg… Rien de cela, mais la figure archétypale d’un luron facétieux et provocateur, lutin séditieux qui sous les coup d’un orchestre vengeur et moral, meurt sur le gibet.
Le forme du rondeau revendiqué par Strauss, alternant refrain et couplet, structure toute la narration du poème, comme des épisodes très identifiés. Composé en 1895, la partition est créée à Cologne en novembre de la même année, puis Munich et Vienne (janvier 1896) par Strauss et Richter, suscitant un immense succès : là encore la verve dramatique du conteur Strauss galvanise les esprits et offre à l’orchestre, l’une de ses partitions romantiques les plus virtuoses. Durée : 14 ou 15 mn selon les versions : c’est le poème symphonique le plus court du catalogue straussien.

La Femme sans ombre de Richard StraussDon Quichotte / Don Quixote opus 35 est composé d’abord à Florence dès octobre 1896 puis n’est pleinement achevé qu’en décembre 1897. Si les créations allemandes (Cologne puis Francfort sur le Main par Strauss en mars 1898) sont favorables, la création parisienne aux Concerts Lamoureux en 1900, indigne l’assistance (témoignage de Romain Rolland), par son caractère bouffon et comique qui renoue avec la vitalité insolente et si exaltante/tée de Till l’Espiègle. En 1900, à 33 ans, Strauss est au sommet de ses possibilités : il obtient tout ce qu’il veut de l’orchestre dont il fait le miroir précis et enivrant des moindre nuances de l’âme humaine. Strauss développe une fantaisie débridée et fantastique sur le sujet chevaleresque : le violoncelle solo incarne l’antihéros à la triste figure qui semble par sa tendresse épique et son héroïsme décalé, incarner la dérisoire destinée des hommes. L’alto de Sancho Pancha lui donne la réplique. En auteur cultivé et raffiné, donc moins provocateur lui-même que ce qui a été dit et écrit sur la partition, Strauss cite Cervantes à l’entrée de chaque tableau. En tout 9 variations qui expriment plus qu’elles n’illustrent le souffle de la fable à la fois hilarante et tragique, comique et sentimentale du Chevalier éconduit et vaincu… La belle Dulcinée, l’Idéal, le dernier combat contre le chevalier de la blanche lune,… la partition n’omet aucun des grands combats de la vie d’un idéaliste inspiré voire halluciné. La fin est troublante et d’une grandeur tragique irrésistible : après sa défaite, Don Quichotte renonce à tout, devient berger et philosophe, voit sa mort et accepte la délivrance finale sur l’accord de ré majeur. Apothéose orchestrale inouïe d’un soldat de la vie qui a gagné l’éternité du salut. Bavard mais sincère, contrasté et pétillant même mais profond, Strauss signe dans Don Quichotte sa meilleure oeuvre symphonique concertante, offrant au genre du poème symphonique, une ampleur de vue, une justesse poétique rarement aussi bien réussies. Attention chef d’oeuvre ! Et pour tout amateur de symphonisme, une expérience exaltante. Durée : Entre 38 et 40 mn selon les versions. On sait la passion de Karajan pour cette œuvre qu’il en a enregistré à plusieurs reprises : c’est dire l’hommage immense du chef au compositeur. Karajan en digne interprète fait de la partition et du mythe chevaleresque, une odyssée  symphonique existentielle dont les rebonds et ressentiments s’expriment dans le chant de l’orchestre.

richard-strauss-102~_v-image360h_-ec2d8b4e42b653689c14a85ba776647dd3c70c56logo_francemusiqueFrance Musique. Concert Richard Strauss par Chailly, le 14 janvier 2015, 14h. Au programme : 3 pièces orchestrales de Richard Strauss : les poèmes Symphoniques, Mort et transfiguration, Tod und verklärung opus 24, Till l’Espiègle et Don Quixote opus 35.

CD, annonce. Anna Netrebko chante les Quatre derniers lieder de Strauss

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netrebko anna strauss barenboim staatskapelle berlin deutsche grammophon cd anna netrebkoCD à venir. Le Strauss d’Anna Netrebko… Leonora du Trouvère (Salzbourg l’été dernier, après l’avoir créé à Berlin en décembre 2013), aujourd’hui furieuse et battante Lady Macbeth du même Verdi actuellement au Met, Anna Netrebko poursuit son amour du risque avec une Norma de Bellini annoncée pour l’ouverture de la saison 2017-2018 du Metropolitan Opera… Pas vraiment belcantiste comme ont pu l’être Callas, puis Sutherland ou Caballé, Anna Netrebko n’en partage pas moins le goût des défis de ses ainées. Elle a su affirmer ainsi une éblouissante Elvira dans I Puritani, il y a déjà sept ans (déjà au Met en 2007). Son Bellini comme souvent chez elle, touche par son timbre corsé, ses aigus diamantins et métallisés, surtout en dépit d’une coloratoure parfois fastidieuse côté agilité et une justesse pas sûre, une sincérité de ton qui saisit par son angélisme hyper féminin, plutôt très incarné (une couleur charnelle qui fait la valeur de sa Manon puccinienne)… De quoi nous rendre déjà impatients car Norma est le rôle féminin par excellence : digne et tragique.
Et pour patienter, la diva superstar nous gratifie, en novembre 2014, d’un album Richard Strauss dont les Quatre derniers lieder sont annoncés chez Deutsche Grammophon sous la direction de son complice Daniel Barenboim. Le chef y dirige la Staatskapelle de Berlin avec en couplage, Une vie de héros du même Richard Strauss… critique complète du cd Richard Strauss : les quatre derniers lieder par Anna Netrebko dans le mag cd de classiquenews.

Le timbre diamantin et charnel à la fois de la divina Anna Netrebko saura-t-il s’épanouir chez Richard Strauss en particulier dans ses Quatre derniers lieder ? Réponse en novembre 2014 chez Deutsche Grammophon… 

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CD. Réminiscences : Wagner, Liszt, Strauss (Schatzman, Engeli, 2013)

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reminiscence-claves-lisa-schatzman-violon-wagner,-liszt-straussCD. Réminiscences : Wagner, Liszt, Strauss (Schatzman, Engeli, 2013). Saluons le choix très subtil de ce programme tout en finesse et intériorité complice : de Wagner, deux transcriptions (sur les cinq) enchantent littéralement prouvant dans une instrumentation différente à l’original, ici pour violon et piano, la filiation évidente entre Wagner rendu intime, avec Brahms (en écoute aveugle, la plage 5, extraite des Maîtres Chanteurs, prière et ravissement, annonce toute la morsure amoureuse, l’élégance dépressive de Johann…). Le jeu du pianiste manque parfois de nuance et de naturel, plaquant les accords sans guère de langueur empoisonnée qui fait cependant toute la valeur de l’exceptionnelle “Ankunft bei den Schwarzen Schwänen”: où s’écoulent l’ivresse maudite, l’âpreté du poison tristanesque entre amertume et profond désespoir, mais aussi sentiment de révélation et de sombre mystère à l’image des cygnes noirs évoqué dans ce songe wagnérien d’une infinie et absolue langueur mystique. Pour nous, il n’est pas d’oeuvre de Wagner à la fois plus méconnue ni fascinante.
L’entêtant balancement des Liszt (Première élégie) surprend par sa proximité avec… Wagner, mais sur un ton plus exalté et extérieur que son gendre. La parenté climatique d’une pièce à l’autre est évidente et scelle la cohérence de ce programme envoûtant. Am Grabe Richard Wagner (S.135) confirme la couleur introspective et le jeu des hommages entre musiciens.

le violon enchanté de Lisa Schatzman

Les qualités musicales des deux interprètes ne sont pas à discuter : l’examen critique recherche plutôt les fruits de leur entente. Fusionnels dans Romance oubliée de Liszt, inquiétant et rugueux, le drame qui se joue sur la tombe de Wagner laisse un parfum d’étrangeté allusive d’une étonnante maturité, d’une éloquente profondeur. C’est dire aussi la modernité du dernier Liszt surtout lorsqu’il rend hommage à Wagner.
Les deux pièces de Strauss, originellement lieder permettent dans ces tableaux au romantisme vénéneux, embrumé par la langueur et l’ivresse wagnérienne, de détendre la tension d’un programme qui exige concentration et tension.

schatzman-lisa-violon-lyonnaiseDans la Sonate violon et piano (1888), les instruments reprennent leur parties authentiques dans une page inspirée, conçue par un Strauss qui semble faire la synthèse de Schumann, Brahms et Wagner. Ayant déjà à son actif Aus Italien, le jeune Kapellmeister à Munich est sur le point d’achever son poème Macbeth. La Sonate relève de cet héroïsme échevelé ; saluons l’amplitude suspendue des phrases très lyriques que la violoniste française exprime avec une finesse d’élocution idéale, parfois encore “gâchée” par le jeu moins calibré de son partenaire au clavier. L’andante cantabile noté “improvisation” exprime une suprême élégance moins artificielle qu’on l’écrit : sa profondeur se concentre en surface qui n’empêche pas un épisode central plus espressivo furioso très dramatique auquel succède l’enchantement enivré du dernier épisode ; là encore quel dommage que le piano ne se hisse pas au niveau de la violoniste.
Jamais en perte d’inspiration, Strauss se montre tout autant généreux dans le troisième et ultime mouvement : d’une ivresse souvent irrésistible où le violon brille par ses débordements rhapsodiques proche de la forme concerto. Rien ne semble faire reculer la violoniste trentenaire qui séduit immédiatement par sa franchise et son élégance. La lyonnaise aujourd’hui premier violon solo du Symphonique de Lucerne et qui fut la plus jeune élève à 6 ans de Tibor Varga, affirme une sensibilité rare, sertie comme un gemme précieux. Magnifique récital. Si le pianiste avait mieux soigné sa finesse agogique, le disque aurait assurément été un choc de première importance. Mais nous livrer les joyaux encore méconnus de la Sonate de Strauss l’année de ses 150 ans, reste bénéfique et opportun.

Réminiscences. Œuvres de Wagner, Liszt, Richard Strauss (Sonate pour violon et piano opus 18, 1888). Lisa Schatzman, violon. Benjamin Engeli, piano. Enregistrement réalisé en mars 2013. 1 cd Claves
 

wagner grand format

Wagner, ici transposé conserve sain envoûtante langueur suspendue ; il n’est pas d’oeuvre du génie de Bayreuth, à la fois plus méconnue ni fascinante : “Ankunft bei den Schwarzen Schwänen”…

 

 

 

 

 

 

Lisa Schatzman, violon (© Jürg Isler)

Daphné de Strauss en direct du Capitole

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Richard Strauss, un "génie contesté"France Musique : Daphné de Strauss, samedi 28 juin 2014,19h. Temps fort de l’année Strauss en France, le Capitole de Toulouse présente une nouvelle production de l’opéra antique mythologique deRichard Strauss, Daphné. L’ouvrage créé à l’aube de la guerre (1938) confirme l’inspiration classique du compositeur bavarois, entre Mozart et Wagner : une manière inspirée esthétiquement atemporelle et pourtant investie d’une conscience morale très aiguë. La musique orchestrale y est d’une raffinement éblouissant, synthèse entre le chambrisme ardent d’Ariane à Naxos et le psychisme flamboyant, crépusculaire, de Capriccio. Sur le thème légué par Ovide (Les Métamorphoses), Strauss au sommet de sa carrière lyrique aborde le thème de l’identité profonde des êtres hors de l’amour : pourtant aimée par le bouvier Leucipos et Apollon lui-même (qui va jusqu’à tuer son rival mortel), la nymphe Daphné choisit de s’abstraire du monde des hommes et des dieux, de renoncer à l’amour en une forme incarnée palpitante… elle choisit d’êtrepétrifiée : changée en laurier (anecdotiquement pour échapper aux assauts d’Apollon selon la représentation du sculpteur génial Bernin).  En réalité, culpabilisant après avoir tuer Leucippos, Apollon regrette son crime indigne d’un dieu : il concède à l’aimée d’exaucer son voeu le plus cher : devenir laurier pour échapper au monde du désir. A l’inverse des héroïnes qui choisissent d’être finalement intégrées au monde, tel l’Impératrice de La Femme sans ombre, d’Ariane, d’Hélène, Daphné réalise le chemin à rebours… rompre le lien avec l’humanité et la chair, le désir et l’amour. En une page symphonique inouïe, Strauss développe toutes les ressources de l’orchestre pour exprimer la lente métamorphose de Daphné, d’être désiré mais souffrant à celui d’une souche végétale sans âme…. mais désormais délivré des souffrances du sentiment.

Richard Strauss : Daphné
Toulouse, Capitole
Les 15,19,22,25,29 juin 2014

Tragédie bucolique en un acte, op. 82 sur un livret de Joseph Gregor 
créée le 15 octobre 1938 à la Staatsoper de Dresde. Diffusion sur France Musique

Hartmut Haenchen, Direction musicale
Patrick Kinmonth, Mise en scène, décors, costumes
Fernando Melo, Chorégraphie
Zerlina Hughes, Lumières

Franz-Josef Selig, Peneios
Anna Larsson, Gæa
Claudia Barainsky, Daphne
Maximilian Schmitt, Leukippos
Alfred Kim, Apollo
Patricio Sabaté, Premier Pâtre
Paul Kaufmann, Deuxième Pâtre
Thomas Stimmel, Troisième Pâtre
Thomas Dear, Quatrième Pâtre
Marie-Bénédicte Souquet, Première Servante
Hélène Delalande, Deuxième Servante

Orchestre national du Capitole
Chœur du Capitole 
Alfonso Caiani Direction

Toutes les modalités de réservation, les informations sur le site du Capitole de Toulouse

logo_francemusiqueDiffusion sur France Musique, soirée lyrique dès 19h, samedi 28 juin 2014(représentation enregistrée du 15 juin 2014)

 

CD. Coffret KARAJAN STRAUSS (11 cd Deutsche Grammophon)

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Karajan STrauss coffret 2014 deutsche GrammophonPour les 25 ans de la mort de Karajan, Deutsche Grammophon édite un superbe coffret, grand format et réunit, anniversaire Strauss 2014 oblige, le legs symphonique straussien de Karajan. Y figurent les poèmes symphoniques favoris du chef autrichien dont Ainsi Parla Zarathoustra, Don Juan et Don Quichotte, sans omettre, Une Symphonie alpestre et Une vie de héros. Généreux, le coffret ajoute la célèbre version de 1960 du Chevalier à la rose pour le festival de Salzbourg (on aurait préféré l’une de ses lectures de La femme sans ombre, joyau flamboyant d’essence orchestrale… mais ne boudons pas notre plaisir avec, en “bonus” très appréciable, l’ensemble des œuvres réunies, rassemblées sur une 12ème galette :un blu-ray audio qui rappelle que le son Karajan, c’est aussi un défi technologique.

Elektra par cœur… A l’aube de la 2ème guerre mondiale, en juin 1939, le Staatsoper de Berlin fête les presque 75 ans de Strauss et produit une nouvelle Elektra : l’intendant du théâtre Heinz Tietjen a choisi le jeune Herbert von Karajan (31 ans). Petit, suractif, éduqué et déjà d’une prodigieuse intelligence sans compter son étonnante sensibilité musicale : flamboyante, détaillée, dramatique. Irrésistible. A cela, s’ajoute des facultés inouïes qui stupéfient Strauss lui-même : Karajan dirige alors Elektra sans partition ! De mémoire. Prodigieuse capacité qui aurait mené tout chef à la catastrophe tant les difficultés de l’ouvrage sont multiples et permanentes.
Strauss invite immédiatement le jeune prodige pour le rencontrer et le connaître. Le lien entre Karajan et Strauss est donc avéré et s’appuie sur l’estime sincère du compositeur au maestro. Il est donc opportun d’éditer en un coffret superbe sur le plan éditorial et en série limitée, la vision de Karajan sur Strauss : commémoration croisée qui souligne les 25 ans de la mort du chef d’orchestre et donc les 150 ans de la naissance de son compositeur d’élection.

CLICK_classiquenews_dec13Le coffret Deutsche Grammophone en 11 cd  (et un 12è bonus blu-ray audio) récapitule ainsi un corpus musical et esthétique sans équivalent qui est aussi une odyssée discographique : le legs Strauss par Karajan est une somme majeure qui affirme la remarquable sensibilité du chef mais aussi cet esthétisme superlatif qui réussit à concilier détail et structure, micro scintillements et lisibilité de l’architecture, le tout réconcilié / réalisé en un flux orchestral souverainement organique. C’est peu dire que ses lectures d’Une Symphonie alpestre (alliant le lyrisme échevelé et le colossal, le raffinement du détail et les mouvements flexibles du drame sous jacent), d’Ainsi parla Zarathoustra, de Don Juan ou de Don Quichotte (auxquels “K” rétablit la profondeur humaine, la sincérité de l’intention à sa source) restent inégalées.
Mais le chef passionné de technologies (appliquées au son et aussi à l’image) a au moment où il enregistre ses versions straussiennes, façonné de la même manière une esthétique du son en studio marquée essentiellement par une sophistication spectaculaire de la restitution du micro détail comme de la structure globale de l’édifice orchestral.
Tout est joué et tout est réinscrit dans l’équilibre général pour que s’exprime la vitalité première du flux musical. Aussi noble que Krauss mais plus humain et profond que lui, Karajan restituant au sentiment de grandeur, l’humanité souterraine et le souffle même de la poésie, s’est d’emblée imposé comme un straussien de premier plan. C’est ce qui frappe aux oreilles immédiatement : le coffret des 25 ans de sa mort nous rappelle et l’hypersensibilité du chef, et sa vision experte de la prise de son. Une Symphonie Alpestre éblouit par sa spatialité et son sens du jaillissement comme de la continuité organique (il reste dommage que l’autre grande oeuvre aussi colossal que raffinée : La Femme sans ombre n’ait pas été enregistrée elle aussi en studio par le même Karajan épris de beau son).

Karajan200Dès 21 ans, en 1929, Karajan dirigeait Don Juan (Mozarteum) et Salomé (Festspielhaus) de Salzbourg. A Ulm où il était kapellmeister de l’Opéra (1929-1934), le jeune maestro straussien dans l’âme assura crânement en novembre 1933 une nouvelle production du Chevalier à la rose, puis d’Arabella (alors quasiment inconnu, créé en juillet) ; à Aix la Chapelle (dès avril 1935), Karajan enchaîne la même année Le Chevalier puis La Femme sans ombre, l’une des partitions lyriques les plus orchestrales, nécessitant là aussi raffinement et flamboiement.
Les premiers enregistrements ici réunis remontent à 1943 (avec le Concertgebouw pour Don Juan ; repris ensuite avec le Wiener Philharmoniker en 1960, l’année du Chevalier à la rose à Salzbourg) jusqu’à Une Symphonie Alpestre (Eine Alpensinfonie, gravée en 1980 par le chef sexagénaire en une pensée démiurgique là encore stupéfiante : une expérience auditive que la technologie requise électrise : dans cet enregistrement le son Karajan s’y déploie dans toute sa perfection avec une intelligence et une finesse soucieuse des étagements et de la lisibilité globale).

lisa-della-casa-strauss-rosenkavalierLa version intégrale du Chevalier à la rose est l’autre argument phare de ce coffret anniversaire. En juillet 1960, Karajan avec la troupe de l’Opéra de Vienne (dont il est directeur depuis 1957) et avec le concours du Wiener Philharmoniker, offre au festival de Salzbourg (et pour l’inauguration de son festspielhaus flambant neuf) l’un de ses Chevaliers à la rose magique, devenu à juste titre légendaire : l’orchestre regorge de saine vitalité, de détails flamboyants doublé d’une énergie théâtrale irrésistible (cuivres délirants et généreux)… pas d’Elisabeth Schwarzkopf (sollicitée pour son Chevalier londonien et en studio de 1956) mais le soprano moins minaudant, nasillard et sophistiqué de Lisa della Casa qui incarne une Maréchale (Feldmarschallin) tout à tour, princière et amoureuse, puis sage, prête à renoncer à la vie, à l’amour, au désir laissant son Quinquin (l’Octavian de Sena Jurinac qui distille ici un parfum de Cherubin) dans les bras de la jeune Sophie (Hilde Güden). Avant la Maréchale, Lisa della Casa avait chanté aussi bien que ses Mozart, Madeleine de Capriccio (1950), Arianne (1954), Arabella (1958). A Salzbourg en 1960, la soprano suisse richard_strauss_der_rosenkavalier_karajan_della_casa_jurinac_le_chevalier_a_la_roserayonne par sa vérité et sa profondeur. Le trio final est d’une finesse de ton, d’une noblesse mêlant nostalgie et sincérité : du très grand Karajan (52 ans). On reste moins convaincu par le Baron Ochs, assez caricatural et finalement pataud d’Otto Edelmann qui cependant, dommage pour son jeu monolithique, a un vrai sens du texte… après tout, Hofmannsthal le librettiste de Strauss avait imaginé un aristocrate trentenaire comme sa cousine, plus fin et racé que cet hobereau provincial mal dégrossi. Heureusement la musique que sait distiller Karajan, en chef soucieux d’exactitude, de drame, précis au delà du mot, fièvreux, subtil et pétillant, réaffirme la suprême élégance du sujet, sa sensualité filigranée, la quintessence de l’esprit viennois et autrichien impérial, tel que créé en 1911 à Dresde où toute l’Europe s’était pressée pour entendre le chef d’oeuvre de Strauss. Une version de référence qui a toute sa place ici, même si comme nous l’avons signalé, nous aurions tant apprécié de redécouvrir La Femme sans ombre de Karajan, de surcroît dans un accompagnement éditorial aussi soigné (livret intégral édité avec de superbes photographies de 1960).

Le coffret permet aussi de rétablir l’histoire d’amour et de tension entre Karajan et les musiciens du Berliner Philharmoniker, idem avec ceux du Philharmonique de Vienne : deux phalanges que le chef, aussi tyranique et exigeant fut-il, a hissé à leur meilleur, affirmant à l’échelle planétaire leur prestige toujours bien vivace.
Coffret événement. CLIC de classiquenews.com

Contenu du coffret KARAJAN STRAUSS : Une vie de héros, Don Quixote, Concertos pour hautbois et pour cor, Till Eulenspiegel, danse des voiles de Salomé, Mort et transfiguration, Ainsi parla Zarathoustra, Métamorphoses, Une symphonie alpestre, Le Chevalier à la rose (intégrale, version live Salzbourg 1960), Don Juan. Quatre dernier lieder (Gundula Janowtiz, soprano). Berliner Philharmoniker, Wiener Philharmoniker, Royal Concertgebouw Orchestra (Don Juan)… 11 cd + 1 blu-ray audio. Edition Deluxe 0289 479 2686 312 Deutsche Grammophon.

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Portrait d’Herbert Von Karajan

Karajan STrauss coffret 2014 deutsche GrammophonPortrait du chef autrichien Herbert von Karajan, édité sur classiquenews à l’occasion de son centenaire en 2008. Le 5 avril 2008 marque le centenaire de la naissance du chef d’orchestre le plus médiatisé du XXème siècle. Voici donc, un nouveau centenaire à fêter, dans la riche actualité commémorative de 2008, qui compte aussi le centenaire Olivier Messiaen, et les 150 ans de la naissance de Giacomo Puccini. Karajan qui fut toujours pour Wilhelm Furtwängler (autrement plus généreux et humaniste, mais dont le défaut fut de paraître trop tôt sur la scène, avant l’essor du disque, vinyle et compact), le “petit k”… est le sujet d’innombrables célébrations et rééditions (au cd comme au dvd). Est-il juste dans la perspective de l’histoire d’aduler voire d’idôlatrer ainsi HVK? A torts ou à raisons (pour reprendre le titre de la pièce de Ronald Harwood, au sujet du procès en dénazification de Furtwängler). N’en déplaise à ses détracteurs et critiques dont il faut bien l’avouer nous faisons partie, Karajan est un nom qui a inscrit chacune de ses lettres dans l’imaginaire collectif. L’homme reste une légende de la baguette, tyrannique mais d’une exigence absolue, boulimique de l’enregistrement, mais pointu et d’un idéal affûté jusqu’à l’extrême. Le profil présente ses parts d’ombres, de tâches… indélibiles (il adhéra de son plein gré au parti nazi, comme Elisabeth Schwarzkopf, jouant par opportunisme Fidelio pour l’anniversaire du Führer), ses doutes et ses incertitudes en particulier, vis-à-vis de Furtwängler, un maître indépassable. Il y a chez lui la conscience du génie et forcément la démesure narcissique parfois, souvent, insupportable. LIRE notre portrait complet d’Herbert von Karajan

Compte rendu, opéra. Toulouse.Théâtre du Capitole, le 19 juin 2014. Richard Strauss (1864-1949) : Daphné, tragédie bucolique en un acte, op.82 sur un livret de Joseph Grégor. Nouvelle production. Hartmut Haenchen, Direction musicale.

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En terminant sa saison d’opéra sur cette rarissime Daphné Frédéric Chambert a fait un pari audacieux. Les intermittents du spectacle dans leur angoisse des changements à venir ont empêché le public, – pris injustement en otage-, de voir la première le 15 juin. Cette violence contemporaine va en fait assez bien à Daphné. L’oeuvre si difficile représente tout sauf quelque chose de tendre. La violence est consubstantielle à cet opéra. Sa création a été minée en ces dernières années 1930 par la censure la plus abjecte. Strauss ne pouvait plus travailler avec des librettistes juifs et Stefan Sweig, pourtant consulté en secret, ne sera pas nommé. Strauss toujours désireux d’équilibrer puissance orchestrale moderne, éclat des voix et compréhension du texte a peut être ici  réalisé son plus bel équilibre. Daphné est bien plus proche de Salomé, voir Elektra, que du Chevalier à la Rose.  C’est là que se présente la plus grande difficulté de l’oeuvre qui n’a rien de simplement bucolique malgré un début fait de tendresse au seuls bois de l’orchestre.
Plus ou moins consciemment, Richard Strauss a tissé dans sa partition orchestrale les éléments de violence de son époque. Un dieu arrogant détruit beauté et innocence, et une femme éprise d’absolu est aveugle aux autres humains se réfugiant dans l’éternelle nature croyant esquiver la mort. On sait comme les Aryens en leur folie et leur croyance en l’existence des races ont conduit à la plus grande perversion des hommes. L’orchestre est plein de cette violence et de cette brutalité.

Incandescente Daphné au Capitole

Dans un passionnant article du programme, Hartmut Haenchen, explique comment il a repris toutes les corrections de Strauss afin d’éviter la “bouillie informe” que sa partition peut contenir. La patient travail du chef allemand nous offre une interprétation musicale et dramatique de toute splendeur. L’Orchestre du Capitole a sonné de manière incandescente toute la soirée. Tout était parfaitement équilibré avec une lisibilité de tous les plans sonores. Chaque instrumentiste a été parfait et l’ensemble permettait à la fois d’entendre chaque passage instrumental solo comme les effrayants tutti  dans une palette de dynamique sonore exaltante.  La présence des cordes capables de fournir une matière onctueuse (de double crème), comme des acidités terribles, mérite une mention particulière. Les suraigus de la toute fin de l’oeuvre ont été un véritable instant de magie, créant des vapeurs d’or dans l’air. Avec un sens dramatique toujours en éveil Hartmut Haenchen a tenu son orchestre à chaque instant avec une tension parfois insoutenable.
L’équilibre avec les chanteurs a été constamment exact, jamais un Apollon n’a été soutenu avec une violence si grande, oui soutenu, jamais écrasé avec pourtant des fortissimi effrayants. L’orchestre a donc été splendide amenant le drame à son terme dans la plus folle démesure comme la plus grande subtilité (le froissement de cymbale final) .
La mise en scène de  Patrick Kinmonth est peut être plus picturale que dramatique. La référence à l’Arcadie est évidente et peut être un peu trop appuyée. Les costumes à l’antique en toile écru ont l’allure de ceux du début du XXème siècle.  Ils manquent curieusement de simplicité et laissent un peu perplexe. Sauf la somptueuse robe bleu de Gaea.  Le décor fonctionne bien mais l’aspect minéral de la grotte en carton pâte n’est séduisant  qu’avec les très beaux éclairages de Zerlina Hughes. Pourquoi donc le montrer sans aucune magie, avant le lever du rideau ? La descente des murs de marbre après le meurtre commis par Apollon, par le nouvel enfermement produit et la beauté irrésistible du mur de fond rendent bien compte de la folie qui se révèle. Faut-il alors passer  par le meurtre de Leukippos pour arriver à tant de beauté ? La “révélation” de l’arbre final n’est pas dans la tempo de la musique, il est frustrant de le voir si peu de temps et trop tard après les derniers mélismes de Daphné.
Toutes ces réserves sont minimes car le jeu d’acteurs est très efficace n’éludant pas les rapports violents entre les personnages.  Les scènes de groupe sont efficaces et le choeur masculin, participe activement à l’action, mais surtout il est vocalement parfait avec des nuances magiques. la chorégraphie de Fernando Melo crée des vraies identités de personnages et les effets de masse sont très réussis.

La distribution est parfaitement équilibrée. Les ancêtre sont somptueux de présence tant vocale que scénique. Franz-Josef Selig est un Peneos charismatique à la voix d’airain. En mère tutélaire, Anna Larsson est d’une beauté stupéfiante. L’allure de cette grande et belle femme est associée à une voix de contralto d’une profondeur mielleuse. Son timbre rare diffuse des harmoniques d’une grande richesse. Les pâtres et les servantes sont excellents. Belles voix bien projetées et belles présences scéniques. Une mention particulière pour le duo féminin. Bénédicte Bouquet et Hélène Delalande, qui sont remarquables. Les timbre sont très assortis et brillants assurant une belle présence vocale dans une distribution terriblement efficace. Car les trois rôles principaux sont très difficiles. Daphné doit être un grand soprano pour dominer les sublimes lignes de chant de Richard Strauss. La jeunesse du timbre doit être évidente et la grâce du personnage doit être plus visible que sa vaillance.

strauss-apollon-daphne-capitole-toulouse-474Claudia Barainsky est une Daphné exceptionnelle. Le timbre est pur et la projection de la voix extraordinairement efficace. Jamais dominée par un orchestre très puissant elle fait face à toutes les exigences du rôle. Elle arrive à rendre son texte presque toujours compréhensible malgré la tessiture meurtrière ; et son jeux est très sensible. L’exhalation du personnage est très bien rendue et sa difficulté à se contenter des relations avec les humains également dans cette recherche d’absolue mortifère. Dans les duos avec ses deux amoureux, elle trouve une présence très différente rendant le personnage très intéressant.
Les deux ténors sont traités avec beaucoup d’exigences par Strauss. Lui même savait sa difficulté à écrire pour cette tessiture. Les deux rôles sont meurtriers. En Leukippos, le canadien Roger Honeywell est très touchant. La voix est brillante mais surtout le chanteur est particulièrement sensible, les tourments du jeune berger sont lisibles tant dans son chant que dans son jeu. Sa noblesse provoque  également une vive sympathie. Mais le phénomène vocal le plus incroyable de la soirée est Andreas Schager. Ce ténor germanique tout longiligne a une voix de stentor. Il lui faut même un peu de temps afin de doser sa projection vocale face à l’orchestre et ses collègues. La puissance de cette longue voix semble sans limites. Le timbre est lumineux et le métal très noble. Cet habitué de Tristan et Siegfried doit être spectaculaire s’il a l’endurance nécessaire, ce que sa forme en fin de spectacle laisse entendre. Avec des moyens vocaux hors du commun, il campe un personnage altier, suffisant et méprisant. Apollon n’est pas n’importe qui ; même déguisé en bouvier. La morgue de l’acteur, son allure faussement nonchalante le rendent odieux et son abus de pouvoir en tuant un simple mortel relève de l’insoutenable. Mais en grand artiste Andreas Schager arrive dans son long monologue des remords à gagner la bienveillance du public. Pour une fois un puissant à qui tout réussit, arrive à susciter un début d’empathie…  Après ce grand monologue en forme de prière, la dernière scène de transformation de Daphné devient une apothéose telle que nous l’attendions. La magie de cette dernière scène est totale avec de tels interprètes. L’orchestre est magnifique de couleurs, de nuances et d’impact. La voix de Claudia Barainsky semble sans limites capable d’une puissance terrible comme d’une douceur délectable. Le public comme en transe fait un triomphe à cette magnifique production, elle a toutes les qualités pour tourner dans les théâtres voulant rendre hommage à Richard Strauss dans un ouvrage fulgurant qui se révèle ainsi à la scène. Magistral.

Compte rendu, opéra. Toulouse.Théâtre du Capitole, le 19 juin 2014. Richard Strauss (1864-1949) : Daphné, tragédie bucolique en un acte, op.82 sur un livret de Joseph Grégor. Nouvelle production. Patrick Kinmonth : Mise en scène, décors, costumes ; Fernando Melo : Chorégraphie ; Zerlina Hughes, Lumières ; Distribution : Franz-Josef Selig, Peneios ; Anna Larsson, Gæa ; Claudia Barainsky, Daphné ; Roger Honeywell, Leukippos ; Andreas Schager, Apollo ; Patricio Sabaté, Premier Pâtre ; Paul Kaufmann, Deuxième Pâtre ; Thomas Stimmel, Troisième Pâtre ; Thomas Dear, Quatrième Pâtre ; Marie-Bénédicte Souquet, Première Servante ; Hélène Delalande, Deuxième Servante ; Choeurs du Capitole, direction Alfonso Caiani ; Orchestre National du Capitole de Toulouse ; Hartmut Haenchen, Direction musicale.

Illustrations : © P. Nin 2014

CD. Notturno. Thomas Hampson, baryton chante les lieder de Richard Strauss

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hampson strauss cd notturno richard strauss cd deutsche grammophonCLIC D'OR macaron 200CD. Notturno. Thomas Hampson, baryton chante les lieder de Richard Strauss… Un diseur né se dévoile ici avec une maîtrise éclatante. L’offrande d’un immense chanteur dont l’humilité sert essentiellement la musique et les intentions du compositeur : une telle probité esthétique est déjà exceptionnel… Dès les premiers lieder de ce récital idéalement réalisé, l’auditeur peut apprécier le sens du texte, le souci du verbe évocatoire, une prosodie taillée pour l’indicible et l’expression des mondes émotionnels ténus. Dans Die Nacht de 1885 (la couleur nocturne est évidemment favorisée, titre oblige), le caractère enchanté s’affirme nettement aux côtés du travail sur les couleurs et la perfection palpitante du phrasé. Articulation précise, timbrée, souple mettent en lumière l’expertise du diseur autant soucieux des fins figuralismes poétiques des textes que de leur tension architecturée et leurs contrastes dramatiques.

Thomas Hampson, maître diseur

Travail ciselé sur le poème musical. A partir du 3ème lied (Winternacht de 1886), le style dévoile un autre aspect non moins essentiel du travail de Hampson sur le style straussien : plus dramatique, aussi expressif et communicant que subtilement suggestif.

Proche en cela de style parlé/chanté que Strauss recherchait dans ses opéras conçus comme des comédies légères y compris ses fresques féeriques orientales comme La femme sans ombre ou mythologiques, telle Hélène l’Égyptienne. Le modèle absolu restant Ariadne auf Naxos (Ariane à Naxos), dans sa version définitive qui emprunte autant au théâtre quà l’opéra puis surtout Le Chevalier à la rose de 1911 : la qualité de ses récitatifs de ce style durchkomponist subjugue, rappelant/actualisant la souplesse du récitatif montéverdien, ou mozartien. Caché l’art par l’art même, faire comme s’il était naturel de chanté en parlant… Tel n’est pas le moindre défi réalisé par l’excellent Thomas Hampson.

Ici le divin straussien qui a marqué l’interprétation du rôle de Mandryka dans Arabella,  que l’on aimerait mieux encore découvrir dans le rôle du cousin de la Maréchal du Chevalier à la rose, le Baron Ochs von Larchenau pour lequel il s’engagerait idéalement par sa finesse conçue dès l’origine par Strauss et Hoffmansthal et systématiquement outrée dans nombre de productions irrespectueuses,  embrase et cisèle chaque lied par une rayonnante vitalité.

Dossier Richard Strauss 2014De plus 13mn le lied Notturno donne son titre à l’album et sur les vers de Richard Dehmel peint, – comme son autre poème qui fait la substance poétique déchirante et suspendue de La nuit transfigurée de Schoenberg-,  un paysage psychique très proche des intentions lyriques de l’auteur d’Elektra ou de Salomé. Le lied envoûte par ses climats de saisissante et mordante étrangeté. C’est une valse solitaire enivrée aux audaces en pertes d’équilibre où le chant est l’indice d’une hypnose,  d’un envoûtement à la fois tendre et vénéneux. .. Hampson par sa subtilité naturelle en fait le sommet central du récital … avec le languissant concours  ou l’écho fraternel du violon solo, lui aussi enchanté dont la vibration âpre, déprimée d’une âme consciente de la perte, celle des amis défunts, se confesse insidieusement.

Raffinement,  subtilité,  ivresse, extase,  le timbre de Thomas Hampson en rappelle un autre celui de l’inégalable Dietrich Fischer Dieskau. Dans le royaume du lied enchanteur,  le baryton américain affirme son excellence superlative.  En pleine année Strauss 2014, l’on ne pouvait espérer plus bel hommage ; c’est qu’aux côtés du symphoniste et compositeur lyrique,  voici Strauss, maître du lied dévoilant en complément à ses Quatre derniers Lieder pour orchestre, célébrimissimes, des perles introspectives méconnues qui semblent épouser les sentiments et aspirations de l’homme mûr et vieillissant comme le suggèrent les trois derniers lieder les plus tardifs …. bavardage autobiographiques diront les jaloux. .. facettes subtiles d’un tempérament infiniment musicien, un égal de Schubert, Zemlimsky,  Hugo Wolf dans les champs infinis du lied suggestif.

Richard Strauss: Notturno.  Lieder par Richard Strauss. Wolfram Rieger, piano Steinway D. 1 cd Deutsche Grammophon, enregistrement réalisé à Berlin en décembre 2013 et et janvier 2014.

Soirée spéciale Richard Strauss sur Arte

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richard-strauss.jpgArte. Mercredi 11 juin 2014,20h50. Soirée spéciale Richard Strauss : concert et docu. Pour les 150 ans de Richard Strauss (ce 11 juin 2014 : il est né à Munich le 11 juin 1864), Arte dédie une soirée spéciale au compositeur bavarois, génie du poème symphonique et de l’opéra au passage des deux siècles, 19è/20è : un créateur immense aussi séduisant que contradictoire voire répréhensible car ses agissements pendant le régime nazi ne finissent pas de susciter d’inévitables interrogations, préférant rester dans l’Allemagne barbare plutôt que comme certains s’en éloigner. Le brahmsien osa et avec quelle inventivité féconde, combiner Mozart et … Wagner, recherchant dans tous ses opéras, la fusion idéale entre drame théâtral et écriture musicale, renouvelant la langue lyrique avec un sens du naturel et de la fluidité inégalée à son époque.

 

 

 

première partie de programme

arte_logo_2013strauss richard maestro chef d orchestreConcert à Dresde pour les 150 ans : Christian Thielemann dirige au Semperoper de Dresde, la Staatskapelle de Dresde dans un cycle comprenant des extraits symphoniques et lyriques : Elektra, Le Chevalier à la rose, Feuersnot et surtout perles orchestrales néobaroques : l’ouverture de Hélène l’Égyptienne et en particulier le final de Daphné qui narre musicalement la métamorphose de la nymphe aimée d’Apollon en laurier, selon la légende féerique et fantastique léguée par Ovide entre autres.

 

 

seconde partie de programme

arte_logo_2013La Femme sans ombre de Richard StraussDocumentaire de Reinhold Jaretszky : portrait de Richard Strauss en” génie controversé”. Bilan sur sa carrière pendant le régime hitlérien : Strauss compositeur germanique vivant incontournable ne fut-il qu’instrumentalisé par les nazis ou chercha-t-il sciemment à pactiser avec le diable pour recueillir privilèges et statuts officiels? Sa complicité avérée alors avec le chef Clemens Krauss lui aussi complaisant vis à vis du régime hitlérien ajoute au trouble… Nommé président de la Chambre de musique du Reich dès 1933, adoubé par Hitler, auteur d’hymnes de pure obéissance (comme celui pour les Jeux Olympiques de 1936), Strauss même s’il démissionna de sa charge présidentielle, prit parti pour son librettiste juif, Zweig, au moment de la création de La Femme silencieuse en 1935 (sous la direction de Karl Böhm)… Le documentaire offre un large spectre d’analyse, soulignant combien le génie de l’artiste fut grand, mais plus douteuses ses errances politiques et culturelles… A chacun de se faire son propre jugement. L’immense stature du compositeur dans la première moitié du XXè s’affirme elle de façon indiscutable.

 

Arte. Mercredi 11 juin 2014,20h50. Soirée Richard Strauss : concert et docu.

 

Télé. Arte : Richard Strauss, un génie controversé, le 11 juin à 21h

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richard-strauss-102~_v-image360h_-ec2d8b4e42b653689c14a85ba776647dd3c70c56Arte : Richard Strauss, un génie controversé, le 11 juin à 21h. Arte diffuse ce portrait docu de Richard Strauss en «  génie controversée »…. pour les 150 ans de la naissance du plus grand compositeur bavarois, né en 1864. Le regard est forcément sélectif : sont évoqués poèmes symphoniques (Don Juan, Don Quichotte…) : un terreau expérimental et purement instrumental, mené jusqu’aux ultimes années du XIXème finissant… grâce auquel Strauss se forge sa propre identité musicale, bientôt appliquée à l’opéra. En prince de l’instrumentation, le compositeur qui a pu bénéficier d’un foyer familial propice à sa maturation artistique, affirme alors un tempérament unique sur le plan des audaces harmoniques, de la construction dramatique… Evidemment sur le registre lyrique sont mentionnés, le Chevalier à la rose, créé triomphalement à Dresde – foyer des créations straussiennes par excellence, en 1911 : toute l’Europe cultivée se pressa lors pour applaudir à ce miracle musical qui renoue avec la grâce et le raffinement mozartiens (de fait, le rôle d’Octavian est un personnage travesti comme celui de Cherubin dans les Noces de Figaro, principe classique par excellence et avant l’époque des Lumières, tant de fois utilisé à l’âge baroque de Vivaldi à Haendel)…
Aux côtés de la carrière du compositeur d’opéras (Elektra, Salomé également créées à Dresde en 1905 puis 1908 sont évoquées), le parcours du chef d’orchestre est précisément jalonné : Meiningen où Hans van Bulow l’appelle à ses côtés, puis Weimar (1889) où il rencontre Brahms, Wagner et surtout la soprano Pauline de Ahna qui deviendra son épouse… Weimar synthétise alors sa double renommée : compositeur adulé de Don Juan, chef célébré dans Tristan une Isolde de Wagner, compositeur qu’il adore tout en prenant distance avec sa conception messianique de la musique.
Le docu souligne combien Strauss fut au début du siècle, le tenant de la modernité lyrique, auteur d’une musique furieuse, spectaculaire et raffinée à la fois, faisant de Dresde, ce lieu d’expérimentation, véritable laboratoire des avancées et renouvellements lyriques avec Elektra et Salomé… Dommage que les grandes oeuvres orchestrales ne sont pas évoquées ni même citées : La Femme sans ombre, Hélène égyptienne, puis les opéras crépusculaires et nostalgiques Capriccio, Daphné ou l’Amour de Danaé…

strauss mosaique richard straussUn génie empêtré dans la honte… Le chapitre que l’on attend concerne la collusion honteuse de Strauss avec le régime nazi : une complaisance qui dure 12 années et qui n’est pas à son honneur ni à son avantage. Aux jeux Olympiques de Berlin en 1936, Strauss, président de la chambre de musique du Reich compose l’hymne olympique, il est le compositeur le plus célèbre en Allemagne depuis les années 1920… Hitler et Gobbels utilisent et instrumentalisent à des fins de propagande sa célébrité honorable, d’autant que l’humanisme lettré et classique de Strauss n’a jamais été militant ni engagé. Son éducation le conduit à se soumettre et servir le pouvoir : comme il l’a fait auprès de l’Empereur François Joseph, puis Guillaume II, enfin Hitler. Cet aveuglement reste déconcertant, d’autant que dans lettres et conversations rapportées, Strauss exprime clairement sa distance d’un régime dont il annonce très vite la fin attendue. En 1944, il fait une visite au camp de musiciens de Theresienstadt pour y faire libérer la grand mère de sa belle fille : Strauss avait la naïveté de croire que son crédit et son statut suffiraient à obtenir cette libération sans la résistance des tortionnaires… Evidemment, personne n’est libéré. Voilà qui en dit long sur cet aveuglement de la honte. En 1949, le chef hongrois juif Solti soutient sa totale dénazification et l’accueille triomphalement dan la ville de ses anciens succès : Dresde. Tout un symbole. Avec les Quatre derniers lieder (qui sont en vérité 5 à présent), – hymne flamboyant et mélancolique, Strauss semble faire amande honorable, prier pour son rachat et en même temps exprimer un adieu qui est renoncement au monde.
Le témoignages des artistes : Thomas Hampson (qui chante Mandryka dans Arabella à Salzbourg 2014 aux côtés de René Fleming), la mezzo Brigitte Fassbaender (interprète légendaire de Octavian… qui témoigne son harcèlement des fans que sa prise de rôle à suscité à Munich en 1979), le chef Christian Thielemann …

Soirée Richard Strauss sur Arte

première partie de programme

arte_logo_2013Concert à Dresde pour les 150 ans : Christian Thielemann dirige au Semperoper de Dresde, la Staatskapelle de Dresde dans un cycle comprenant des extraits symphoniques et lyriques : Elektra, Le Chevalier à la rose, Feuersnot et surtout perles orchestrales néobaroques : l’ouverture de Hélène l’Égyptienne et en particulier le final de Daphné qui narre musicalement la métamorphose de la nymphe aimée d’Apollon en laurier, selon la légende féerique et fantastique léguée par Ovide entre autres.

seconde partie de programme

arte_logo_2013La Femme sans ombre de Richard StraussDocumentaire de Reinhold Jaretszky : portrait de Richard Strauss en” génie controversé”. Bilan sur sa carrière pendant le régime hitlérien : Strauss compositeur germanique vivant incontournable ne fut-il qu’instrumentalisé par les nazis ou chercha-t-il sciemment à pactiser avec le diable pour recueillir privilèges et statuts officiels? Sa complicité avérée alors avec le chef Clemens Krauss lui aussi complaisant vis à vis du régime hitlérien ajoute au trouble… Nommé président de la Chambre de musique du Reich dès 1933, adoubé par Hitler, auteur d’hymnes de pure obéissance (comme celui pour les Jeux Olympiques de 1936), Strauss même s’il démissionna de sa charge présidentielle, prit parti pour son librettiste juif, Zweig, au moment de la création de La Femme silencieuse en 1935 (sous la direction de Karl Böhm)… Le documentaire offre un large spectre d’analyse, soulignant combien le génie de l’artiste fut grand, mais plus douteuses ses errances politiques et culturelles… A chacun de se faire son propre jugement. L’immense stature du compositeur dans la première moitié du XXè s’affirme elle de façon indiscutable.

 

Arte. Mercredi 11 juin 2014,20h50. Soirée Richard Strauss : concert et docu.

CD. Strauss conducts Strauss (7 cd Deutsche Grammophon)

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strauss conducts strauss cd deutsche grammophonCD. Strauss conducts Strauss (7 cd Deutsche Grammophon). Coffret complémentaire aux opéras du maître – somptueusement réédités en une intégrale lyrique événement chez Deutsche Grammophon, voici l’autre carrière de Strauss, non pas le compositeur mais le chef d’orchestre. Une personnalité très célébrée de son vivant évidemment au service de ses propres œuvres dont il assura les nombreuses créations avec une nervosité et cette précision inouïe qui surgit de tous les enregistrements ici réunis.

L’élève de Bulow
Strauss doit à Hans von Bulow sa carrière précoce de Kapellmeister : le chef wagnérien, créateur de Tristan et des Maîtres Chanteurs de Nuremberg le fait engager comme son assistant : le jeune Strauss âgé de 21 ans se taille une place de choix à la Cour de Meiningen. De Bulow, Strauss apprend la discipline, l’exigence, le travail sur les œuvres pour en comprendre donc en exprimer l’intensité poétique, la fulgurante vérité. Rien de mécanique dans ce regard, sinon le scrupule d’un esthète qui veut comprendre profondément les partitions qu’il est amené à diriger. En cela, Strauss incarne comme Gustav Mahler la double activité d’une pensée musicale en action : composer et diriger.
L’acuité et l’intelligence du Strauss chef d’orchestre ne tardent pas à porter leurs fruits : à Meinengen, puis surtout Munich, enfin Berlin (Orchestre royal de Prusse dès 1898), le chef approfondit son métier. Il dirige aussi à Bayreuth (5 représentations de Tannhäuser en 1894) à l’époque où le jeune compositeur porte à Munich de 1889 à 1896) en une forme inégalée depuis, l’essor du poème symphonique dans le sillon de Liszt et Berlioz. Un tel génie de l’écriture dramatique doué pour l’orchestration, dévoile comme chef une même vitalité irrésistible. Les deux carrières sont encore plus intimement mêlées lorsqu’il prend la direction de l’Opéra de Vienne (avec un autre chef Franck Schalk) en 1919, l’année de la création de son opéra romantique féerique et oriental, La Femme sans ombre (sur le livret de Hugo von Hofmannsthal). Strauss codirigera ainsi l’Opéra de Vienne et jusqu’en 1924. Gustav Mahler avait dirigé l’auguste maison avant lui de 1897 à 1907.
Contrairement à ce qui a été dit et repris sans respect de la réalité, la direction de Strauss ne se limite pas au tic tac régulier d’un bâton porté par un impatient soucieux de faire valoir la montre… image bien réductrice d’un immense musicien qui connaissant la musique et le drame musical de l’intérieur, savait exprimer l’essence poétique des situations comme personne : tous les témoignages de l’époque sont unanimes pour reconnaître sa valeur comme mozartien, -entre autres- ardent défenseur et vibrant interprète de Cosi fan tutte, son opéra préféré de Wolfgang, alors très peu connu. En plus d’être un travailleur acharné, Strauss fut aussi capable d’un rare discernement.
Le legs de ce coffret de 7 cd dévoile en mono, la baguette souple, ardente du chef dans les années 1920 et 1930, d’une légèreté idéale au service de ses propres œuvres, majoritairement avec l’orchestre de la Staatskappelle de Berlin. Le plus tardif reste Don Quichotte de 1933. Complémentaire, le cd 3 éclaire l’approche plus efficace encore du maître mûr en 1941 avec l’orchestre d’Etat de Bavière (Bayerisches Staatsorchester) dans Une vie de héros où règne l’éclat d’une vitalité préservée, intacte.
Autre pépite du coffret, les 3 Symphonies ultimes de Mozart, traversées par une activité trépidante soucieuse de contrastes et de lumière intérieure, et les Symphonies 5 et 7 de Beethoven, conquérantes, structurées, claires et allantes, témoignages précieux du compositeur maestro, enregistrés alors avec la Staatskappelle de Berlin en 1926.
Strauss by Strauss méritait bien cet éclairage exhaustif. Il reste aux amateurs à (re)découvrir ses dernières captations réalisées pour le Reich avec le Philharmonique de Vienne en 1944 : là aussi un témoignage à connaître indiscutablement, révélant le très grand interprète de ses propres œuvres comme ici le défenseur inspiré de Mozart et de Beethoven.

Coffret Strauss conducts Strauss. 7 cd Deutsche Grammophon. Strauss : Don Juan, Till Eulenspiegel, Intermezzo (extraits), Danse des 7 voiles de Salomé (Berliner Philharmoniker), Don Quixote, Suite du Bourgeois Gentilhomme, Ein Heldebleben (Une vie de héros), Valses du Chevalier à la rose, lieder. Mozart, Beethoven. Staatskapelle de Berlin, Bayerisches Statsorchester. Richard Strauss, direction (1926-1941).

Strauss: Eine Alpensinfonie, Symphonie Alpestre

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De Taillefer à la Sonate pour violon ... : l'autre StraussFrance Musique, jeudi 12 juin 2014, 20h. Symphonie Alpestre de Strauss. Direct événement sur France Musique. La chaîne radiophonique nous offre l’écoute du dernier grand poème symphonique de Richard Strauss, Une Symphonie Alpestre (Eine Alpen Symphonie), achevée en 1915 alors que déjà reconnu et célèbre comme chef et compositeur (photo ci-contre comme chef d’orchestre au moment de la création de la Symphonie alpestre en octobre 1915), le musicien, passionné de randonnées et d’excursions en montagne, résidait aux pieds du massif alpestre dans sa maison bavaroise de Garmish, non loin de Munich, sa ville natale.

 

 

Un opéra des cimes

 

 

A 51 ans, Richard Strauss possède idéalement la maîtrise de l’écriture symphonique et de l’instrumentation en grand format: pas moins de 120 instrumentistes, ceux de l’orchestre de la Hoffkapelle de Dresde, pour mener à bien la création de son oeuvre gigantesque, le 28 octobre 1915. A contrario de l’atonalisme moderniste de Schoenberg et de ses disciples, dans le contexte d’éclatement politique et de guerre qui traverse toute l’Europe, Strauss demeure résolument tonal dans un cycle d’un foisonnement formel inédit et sur le plan poétique et architectural, d’une indiscutable unité. Les critiques ont, fidèles à leur tempérament pointilleux, attaquer l’oeuvre sur son côté monumental, sa verve naïve, plus descriptive que spirituelle. Or rien n’est plus faux: Strauss avait souhaité dans un premier temps intitulé sa Symphonie alpestre: “l’Antéchrist”, par référence à Nietszche dont il partageait les idées quant à la religion et à la nécessité qui s’impose à l’homme dans le dépassement de sa condition par l’esprit de travail et l’admiration dans la nature miraculeuse

Aux côtés de Nietzsche, Strauss ajoute aussi ses lectures de Manfred de Byron (il évoque précisément fidèle au texte du poète romantique anglais, la présence d’une fée dans le tableau impressionnant de la cascade…). Le compositeur aussi bon randonneur, comme Mahler ou Schoenberg, que lettré, et de surcroît fin connaisseur de poésie, édifie une symphonie littéraire et personnelle d’une indiscutable cohérence.
Sur le plan de l’écriture, il repousse très loin les possibilités expressives et formelles du cadre symphonique. Le documentaire outre une courte évocation de sa vie (né à Munich, le 11 mai 1864), évoquant les relations personnelles de l’artiste créateur avec le motif naturel en particulier la montagne (sa résidence de Garmisch donne sur le sommet de la Zugspitze, véritable condensé de la grandeur des cimes alpines), s’intéresse aux procédés de la plume, tableau par tableau.”Tout programme poétique, écrit Strauss, est une patère sur laquelle j’accroche le développement musical de mes sentiments. Toute autre chose serait un péché contre l’esprit de la musique“. Il s’agit donc d’une réitération personnelle où le filtre subjectif a toute sa place. Voilà pourquoi les ommentateurs en parlant uniquement de musique à programme, descriptive et narrative, se trompent totalement.
 
 
 

Strauss construit le plus bel hommage face à la réalisation miraculeuse de la nature: il ne cherche pas Dieu, il témoigne de la grandeur vertigineuse de sa réalisation.Le commentaire resserré, analyse les points essentiels de l’écriture straussienne, en suivant étape par étape (22 sous-titres sont insérés par Strauss pour “éclairer” chaque épisode de la Symphonie), le cheminement de l’alpiniste pendant sa journée de randonnée sur le massif alpestre: ascension, excursion, sommet, puis descente. Tout le cycle des 4 mouvements, débute par la nuit (évocation sombre voire lugubre, très impressionnante d’où jaillit la montagne, grandiose et colossale vision) puis s’achève dans l’évocation de la même nuit. Les options expressives de Strauss empruntent beaucoup à l’opéra: machine à orage, boîte à tonnerre, fanfare éloignée (pour évoquer en une distanciation sonore étagée dans l’espace, la forêt ample et profonde qui s’offre au randonneur), caractérisation mélodique des “personnages” dont le “héros”: l’alpiniste.
Oeuvre personnelle, démonstration de ses aptitudes à traiter la grande forme, mais aussi expérimentation de nouvelles combinaisons sonores pour l’orchestre “classique” (certes adapté dans un cadre colossal), Une Symphonie Alpestre apporte au moment où l’Europe de 1915 connaît la guerre et l’émergence brutale des modernismes, une illustration éblouissante de l’écriture symphonique portée à ses extrêmes expressifs. Strauss ne retrouvera guère un tel orchestre qu’avec La Femme sans ombre dont la gravité des couleurs, et l’expression du gouffre tragique sombrent dans la noirceur à hauteur d’homme (quant Une Symphonie alpestre exalte l’élévation et la céleste et transcendante vision depuis les cimes), après le choc de la première guerre mondiale.France Musique. jeudi 12 juin 2014 à 20h. Concert diffusé en direct du TCE à Paris

 

 

Richard Strauss
Extraits d’Intermezzo
Eine Alpensinfonie op 64

Richard Wagner : Wesendonck lieder

Christianne Stotijn, mezzo soprano
Orchestre national de France
Direction : Semyon Bychkov

Illustrations: Richard Strauss (DR)

 

Les 150 ans de Richard Strauss : concert et docu.

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strauss richard maestro chef d orchestreArte. Mercredi 11 juin 2014,20h50. Soirée Richard Strauss : concert et docu.  Pour les 150 ans de Richard Strauss (ce 11 juin 2014 : il est né à Munich le 11 juin 1864), Arte dédie une soirée spéciale au compositeur bavarois, génie du poème symphonique et de l’opéra au passage des deux siècles, 19è/20è : un créateur immense aussi séduisant que contradictoire voire répréhensible car ses agissements pendant le régime nazi ne finissent pas de susciter d’inévitables interrogations, préférant rester dans l’Allemagne barbare plutôt que comme certains s’en éloigner. Le brahmsien osa et avec quelle inventivité féconde, combiner Mozart et … Wagner, recherchant dans tous ses opéras, la fusion idéale entre drame théâtral et écriture musicale, renouvelant la langue lyrique avec un sens du naturel et de la fluidité inégalée à son époque.

 

 

 

première partie de programme

arte_logo_2013Concert à Dresde pour les 150 ans : Christian Thielemann dirige au Semperoper de Dresde, la Staatskapelle de Dresde dans un cycle comprenant des extraits symphoniques et lyriques : Elektra, Le Chevalier à la rose, Feuersnot et surtout perles orchestrales néobaroques : l’ouverture de Hélène l’Égyptienne et en particulier le final de Daphné qui narre musicalement la métamorphose de la nymphe aimée d’Apollon en laurier, selon la légende féerique et fantastique léguée par Ovide entre autres.

 

 

seconde partie de programme

arte_logo_2013La Femme sans ombre de Richard StraussDocumentaire de Reinhold Jaretszky : portrait de Richard Strauss en” génie controversé”. Bilan sur sa carrière pendant le régime hitlérien : Strauss compositeur germanique vivant incontournable ne fut-il qu’instrumentalisé par les nazis ou chercha-t-il sciemment à pactiser avec le diable pour recueillir privilèges et statuts officiels? Sa complicité avérée alors avec le chef Clemens Krauss lui aussi complaisant vis à vis du régime hitlérien ajoute au trouble… Nommé président de la Chambre de musique du Reich dès 1933, adoubé par Hitler, auteur d’hymnes de pure obéissance (comme celui pour les Jeux Olympiques de 1936), Strauss même s’il démissionna de sa charge présidentielle, prit parti pour son librettiste juif, Zweig, au moment de la création de La Femme silencieuse en 1935 (sous la direction de Karl Böhm)… Le documentaire offre un large spectre d’analyse, soulignant combien le génie de l’artiste fut grand, mais plus douteuses ses errances politiques et culturelles… A chacun de se faire son propre jugement. L’immense stature du compositeur dans la première moitié du XXè s’affirme elle de façon indiscutable.

 

Arte. Mercredi 11 juin 2014,20h50. Soirée Richard Strauss : concert et docu.

CD. Clemens Krauss : Richard Strauss, The complete Decca recordings (5 cd Decca)

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krauss-strauss-complete-decca-recordings-cd-coffret-clemens-krauss-richard-straussClemens Krauss : Richard Strauss, The complete Decca recordings (5 cd Decca). Pour célébrer le 150ème anniversaire de la naissance de Richard Strauss, Decca réédite le legs de l’un de ses plus fervents interprètes, unanimement reconnu sur le plan artistique … mais politiquement bien contestable : Clemens Krauss. Le chef viennois profita concrètement de l’essor du régime nazi pour développer sa carrière, en dehors de toute rigueur morale, se défendant (trop facilement) de ne jamais ” mêler art et politique “. Le moins que l’on puisse dire c’est qu’il avait un sens de l’éthique plutôt élastique. Même s’il fut dénazifié en 1947 (comme Strauss), le débat quant à sa participation au sein de l’Allemagne culturelle à l’époque hitlérienne est loin d’être clos. C’est pourquoi, avant de critiquer sur le plan musical les 5 cd de ce coffret nouveau,  il nous paraît important de brosser un court portrait de Clemens Krauss qui fut un proche de Richard Strauss.

Contradiction viennoise

…

Né en 1893, Clemens Krauss appartient à la race des seigneurs, s’affirmant dans la première moitié du XXème comme un chef d’envergure et de vision captivante, dont la génération est celle des Victor de Sabata ou Karl Böhm…

Comme Kleiber et Böhm, Krauss incarne l’élégance viennoise, ayant  inventé -mérite non négligeable quand on en sait la réussite jamais démentie jusqu’à nos jours-, le Concert du Nouvel An (et ce dès 1939 soit en pleine apogée nazie), rite depuis lors célébré avec les Wiener Philharmoniker au Konzerthaus de Vienne…

Clemens est le fils d’une danseuse de 15 ans, elle-même nièce de Gabriele Krauss, soprano estimée par Verdi. Le père de Clemens était cavalier virtuose à la Cour de l’Empereur François-Joseph. Le futur chef est l’enfant d’une famille artiste : dans son sang coule le pur esprit viennois, tissé de joyaux et de contradictions parfois effrayantes… La sensibilité, le goût, le style du jeune Krauss lui permettent de se faire remarquer par Franz Schalk alors directeur de l’Opéra de Vienne dont il nomme Krauss, en 1922, premier Kapellmeister. Clemens a 29 ans. Sa sublime et fine direction (d’après les témoignages) du Chevalier à la rose de Richard Strauss lui vaut tous les honneurs dont l’amitié inéluctable du compositeur soi-même dont il devient un proche et un collaborateur désormais régulier. Après la direction de l’Opéra de Frankfort (1924-1929), Krauss devient en 1929, directeur de l’Opéra de Vienne. Exigeant de ses musiciens, jusqu’à des limites insoutenables en répétition, le chef laisse ses musiciens du Wiener Philharmoniker jouer en liberté au moment des représentations publiques : après la sueur, le plaisir partagé et parfois la grâce de concerts inoubliables.

Un génie de la  baguette proche des nazis

…

L’essor des nazis lui est profitable (et sa collusion avec les décisionnaires nazis lui vaudra une réputation très entachée), qu’on en  juge : Krauss prend la direction de l’Opéra de Berlin en 1935 après la démission de l’humaniste Erich Kleiber (le père de Carlos) ; puis celle de l’Opéra de Munich en 1937 après le départ de Knappertsbuch… et en 1939, après l’Anschluss, la direction du festival de Salzbourg. Opportuniste et vorace, Krauss devient la personnalité incontournable de l’Allemagne hitlérienne. Les années les plus noires de l’Allemagne et de l’Autriche correspondent à l’âge d’or de la carrière de Krauss désormais champion de la cause straussienne : c’est Clemens Krauss qui crée (avec la complicité de son épouse la soprano Viorica Ursuleac) à Dresde Arabella (1933), Jour de Paix à Munich (1938), puis Capriccio également à Munich en 1942 dont il a écrit le livret ! Ce palmarès aurait aussi compté la création de L’Amour de Danaé dont il assure jusqu’à la générale en 1944 à Salzbourg, création avortée à cause de la fermeture de tous les théâtres pour cause de guerre générale. La création n’en sera assurée qu’en 1952, après la guerre et la dénazification de Strauss.

Le procès en dénazification de Clemens Krauss est réalisé de 1945 à 1947 : s’il s’est révélé très entreprenant auprès des instances nazies, Krauss a cependant sauvé des juifs, n’hésitant pas non plus en moderne provocateur à programmer les ” ennemis ” Debussy et Ravel alors interdits pour cause de guerre. Krauss demeure comme son mentor Richard Strauss, une personnalité contradictoire, troublante, un artiste d’une incontestable séduction dont les actes perturbent.  Séparant l’art de la politique, à torts ou à raisons, Krauss poursuit une carrière éclatante, politiquement et moralement contestable, mais artistiquement inattaquable. Voilà le paradoxe du “cas Krauss”, très proche dans ce sens de celui d’un Karajan : les deux chefs auront d’ailleurs le zèle d’obtenir leur carte du parti national-socialiste…

Le retour en grâce, après la guerre et ses accointances avec les nazis, survient quand Wieland Wagner l’appelle en 1953 à Bayreuth pour y diriger Le Ring et Parsifal, provoquant le départ de Knappertsbush qui ne souhaitait pas partager l’affiche avec un “fieffé nazi”. Quoiqu’il en soit, ses versions du Ring et de Parsifal, allégées, vibrantes, dramatiques et fluides à la fois, sont des modèles toujours célébrés qui annoncent nombre de lectures plus modernes. En 1954, Krauss allait reprendre la direction de l’Opéra de Vienne à la demande du ministère de la culture autrichien quand un mécène résolument antinazi menaçant de retirer son important soutien financier, empêcha le Viennois de retrouver son statut d’avant la guerre : Krauss meurt à Mexico le 16 mai 1954 d’une crise cardiaque. Il n’avait que 60 ans.

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Contenu du coffret  Clemens Krauss, Richard Strauss : the complete Decca recordings. De fait les 5 cd Decca regroupent le legs Strauss de Krauss le plus intéressant… ici majoritairement symphonique dont l’attention au flux dramatique recueille évidemment l’intelligence du chef lyrique.  Ce n’est pas pour rien que Krauss fut nommé directeur des Opéras de Vienne,  Francfort et Berlin… en dehors du contexte sulfureux qui le concerne,  ses talents interprétatif sont indiscutables.

Decca capte la direction d’un chef usé et marqué par les événements,  celui des années 1950, c’est à dire 4 ans avant sa disparition soit de 1950 à 1954. Ainsi dans ce cycle surtout symphonique,  la Salomé éruptive incandescente,  vocalement caractérisée de mars 1954 – avec le Wiener Philharmoniker- , fait figure de testament artistique comme son Ring et son Parsifal bayreuthiens de l’année précédente. Christel Goltz (Salomé), Julius Patzak (Herode), Anton Dermota (Narraboth), … entre autres confirment ce travail associant cohérence vocale et dramatisme nerveux dont témoigne aussi à la même époque et comme l’emblème de ce “style viennois” d’après guerre,  Karl Böhm à la même époque puis surtout après la mort de Krauss.

De l’année 1953 datent les incontournables Aus Italien,  Don Quichotte,  …. passionnantes également ses versions de Zarathoustra (1950), et surtout de la symphonie autobiographique de Strauss ici enregistrée en 1952: Ein heldenleben opus 40… autant de lectures ardentes toutes réalisées avec les instrumentistes du Wiener Philharmoniker.

Clemens Krauss : Richard Strauss, The complete Decca recordings (5 cd Decca)

CD. Richard Strauss : the other Strauss (3 cd Erato).

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the other strauss warner erato ri chard strauss cd 3 cdCD. Richard Strauss :  the other Strauss (3 cd Erato). Comme l’éditeur l’avait fait pour la centenaire Wagner (coffret Wagner : The other Wagner), Warner récidive, a cherché dans ses archives plusieurs pièces oubliées : le résultat dépasse notre attente. Les révélations sont nombreuses dans ce coffret événement. Symphonique, vocal, chambriste, le programme des 3 cd contribue autrement et superbement à notre connaissance habituelle de Strauss, ajoutant au catalogue des oeuvres lyriques du compositeur bavarois, plusieurs pièces peu connues voire inédites qui pourtant défendent l’écriture straussienne avec panache et raffinement. Le CD1 met l’accent sur les œuvres vocales avec l’apport le plus bénéfique : Taillefer de 1902, fresque médiévale (inspirée par la figure du ménestrel Taillefer compagnon de l’invasion normande par Guillaume la conquérant), pour très grand effectif, première incursion de Strauss dans le colossal… Michel Plasson dévoile en 1997 une partition dramatique et passionnée qui dévoile sa démesure dans la scène de bataille : écrite deux années avant Salomé, la pièce pour choeur, grand orchestre et trois solistes annonce les accomplissements lyriques à venir. Une vraie révélation. A l’inverse le plus intime Wandrers Sturmlied (chant du voyageur dans la tempête) de 1884 (Strauss a 19 ans) indique l’âme romantique et brahmsienne du jeune homme conscient après Goethe de son génie distinctif.

De Taillefer au Festliches Präludium… l’autre Strauss

CLIC_macaron_2014CD2 : l’ampleur spatiale de Festliches Präludium opus 61 pour grand orchestre et orgue montre le colossal straussien à son meilleur défendu par Sawalisch (live, 1993) ; le prélude du premier opéra Guntram opus 25 souligne combien le jeune Strauss se souvient de Rienzi, wagnérien encore submergé / envoûté par le modèle de son maître Wagner ; aussi convaincante la suite symphonique extraite par Strauss lui-même de La Femme sans ombre : Jeffrey Tate et le Philharmonique Rotterdam (1991-1992) s’y montrent inspirés, habiles à exprimer et le lyrisme moral faisant l’apologie de la compassion, et les déflagrations guerrières souvent chthoniennes en liaison avec la boucherie vociférante de la première guerre mondiale pendant laquelle l’opéra fantastique féerique conçu avec Hofmannsthal a été composé.
Le CD3 : dans le registre non plus orchestral mais intimiste et chambriste, le cd3 fait la part belle aux œuvres confidentielles par l’effectif mais tout aussi inspirées sur le plan musical et poétique. Comme chez Mahler, l’autobiographie occupe une place essentielle chez Strauss : pour preuve, en filigrane, le climat érotique (finale) de la fiévreuse Sonate pour violon et piano de 1887 quand le compositeur s’enflamme pour sa future épouse, la soprano Pauline de Ahna : leur relation parfois houleuse, rendant compte d’un petit enfer domestique, inspirera encore bien des ouvrages, de la Femme sans ombre (scènes conjugales entre Brak et sa femme) à Intermezzo… Même entrain dans la Sonate pour violoncelle (opus 6), plus ancienne encore (1882) et qui pourrait témoigner de la passion du jeune Strauss pour l’épouse de son ami violoncelliste Hans Wihan… les versions sont très correctement défendues par d’ardents interprètes (Vadim Repin et Boris Berezovsky, en 2001 pour la Sonate violon/piano ; Mstislav Rostropovitch pour l’opus 6 en 1974). Coffret indispensable pour l’année 2014, marquant le 150ème anniversaire de la naissance de Strauss.

Richard Strauss: The Other Richard Strauss. Coffret 3 CD Warner classics 0825646349289.

 

Lire aussi notre dossier Richard Strauss 2014

L’incandescente Elektra de Chéreau sur Arte

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Télé,  Arte. Strauss : Elektra par Chéreau. Dimanche 16 mars 2014, 23h25. Dans une arène dépouillée qui laisse tout voir du mouvement des figures sur la scène, l’action tragique aux accents expressionnistes hystériques se dévoile retrouvant la noblesse épurée et la grandeur austère des drames d’Eschyle et de Sophocle. Patrice Chéreau nous laisse une vision personnelle et très engagée de la mise en scène à l’opéra. Il reste l’un des plus récents réformateurs du théâtre lyrique. Dans cette production du troisième opéra de Richard Strauss (et son premier ouvrage avec l’immense poète Hugo van Hofmannsthal), Chéreau travaille le corps de ses interprètes comme s’il s’agissait d’une facette de l’âme. Sans a priori le metteur en scène redéfinit les enjeux psychologiques de chacun des protagonistes, en fouillant en particulier le livret parvenu, en interrogeant chaque mot du texte d’Hofmannsthal.

 

 

 Télé, Arte. La fulgurante ELEKTRA de Patrice Chéreau

 

 

Patrice Chéreau laisse avec Elektra (créé en 1909),  son ultime scénographie à l’opéra,  l’une de ses réalisations les plus abouties.  Fille tiraillée entre le désir de vengeance de celui qui lui a donné l’amour -son père Agamemnon-, et la volonté de tuer celle qui ne lui a rien donné,  sa mère Clytemnestre (qui a tué le père), la pauvre fille crie son impuissante volonté, elle hurle sa douleur solitaire (car sa sœur Chrysostémis elle veut tourner la page et vivre), c’est d’abord une victime blessée,  une ombre errante en quête d’identité;  en s’appuyant sur les intentions de Strauss et de son librettiste, Chéreau brosse un nouveau portrait d’Elektra en éclairant sa relation avec la mère… Interprète familière et qui connaît idéalement le rôle de Clytemnestre, la mezzo incandescente Waltraud Meier répond magnifiquement au travail de Chéreau. .. c’est aussi aux côtés de la fille,  la figure ambiguë et bouleversante de la mère qui frappe immédiatement.
Créée à l’été 2013 (festival d’Aix en Provence juillet 2013), la production d’Elektra que diffuse Arte montre combien Chereau décédé en octobre 2013, plaçait l’humain au centre de son travail avec un sens de l’économie et du rythme sans équivalent (sauf peut être Pina Baush, celle du Sacre du printemps….). Même ivresse fulgurante, même fascination pour le chant du corps embrasé dont la danse/transe relaie la vocalité de la musique quand cette dernière ne suffit plus. Production événement d’autant plus opportune pour l’année 2014 du 150 ème anniversaire de Strass et aussi comme hommage à l’apport de Patrice Chereau à la scène lyrique. En lire +, lire notre critique du spectacle Elektra de Strauss par Chéreau (Aix 2013)

 

Télé,  Arte. Dimanche 16 mars 2014, 23h25. 

 

 

Strauss : l’Elektra de Patrice Chéreau (Aix 2013)

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Télé,  Arte. Strauss : Elektra par Chéreau. Dimanche 16 mars 2014, 23h25. Patrice Chéreau nous laisse une vision personnelle et très engagée de la mise en scène à l’opéra. Il reste l’un des plus récents réformateurs du théâtre lyrique. Dans cette production du troisième opéra de Richard Strauss (et son premier ouvrage avec l’immense poète Hugo van Hofmannsthal), Chéreau travaille le corps de ses interprètes comme s’il s’agissait d’une facette de l’âme.  Dans une arène dépouillée qui laisse tout voir du mouvement des figures sur la scène, l’action tragique aux accents expressionnistes hystériques se dévoile retrouvant la noblesse épurée et la grandeur austère des drames d’Eschyle et de Sophocle. Sans à priori le metteur en scène redéfinit les enjeux psychologiques de chacun des protagonistes, en fouillant en particulier le livret parvenu, en interrogeant chaque mot du texte d’Hofmannsthal.

 

elektra,M116011Patrice Chéreau laisse avec Elektra (créé en 1909),  son ultime scénographie à l’opéra,  l’une de ses réalisations les plus abouties.  Fille tiraillée entre le désir de vengeance de celui qui lui a donné l’amour -son père Agamemnon-, et la volonté de tuer celle qui ne lui a rien donné,  sa mère Clytemnestre (qui a tué le père), la pauvre fille crie son impuissante volonté, elle hurle sa douleur solitaire (car sa sœur Chrysostémis elle veut tourner la page et vivre), c’est d’abord une victime blessée,  une ombre errante en quête d’identité;  en s’appuyant sur les intentions de Strauss et de son librettiste, Chéreau brosse un nouveau portrait d’Elektra en éclairant sa relation avec la mère… Interprète familière et qui connaît idéalement le rôle de Clytemnestre, la mezzo incandescente Waltraud Meier répond magnifiquement au travail de Chéreau. .. c’est aussi aux côtés de la fille,  la figure ambiguë et bouleversante de la mère qui frappe immédiatement.
Créée à l’été 2013 (festival d’Aix en Provence juillet 2013), la production d’Elektra que diffuse Arte montre combien Chereau décédé en octobre 2013, plaçait l’humain au centre de son travail avec un sens de l’économie et du rythme sans équivalent (sauf peut être Pina Baush, celle du Sacre du printemps….). Même ivresse fulgurante, même fascination pour le chant du corps embrasé dont la danse/transe relaie la vocalité de la musique quand cette dernière ne suffit plus. Production événement d’autant plus opportune pour l’année 2014 du 150 ème anniversaire de Strass et aussi comme hommage à l’apport de Patrice Chereau à la scène lyrique.

Télé,  Arte. Dimanche 16 mars 2014, 23h25. 

Avec Clytemnestre (Waltraud Meier), Chrysotémis (Adrianne Pieczonka), Elektra (Evelyn Herlitzius)… Mise en scène : Patrice Chéreau. Orchestre de Paris. Esa-Pekka Salonen, direction. Enregistré en juillet 2013 au festival d’Aix en Provence.

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Ce que nous en pensons …..On sait en voyant un spectacle de Chéreau combien le corps, les gestes millimétrés, le jeu des mouvements et des regards et la face expressive des chanteurs acteurs seront mis en avant. De fait, cette Elektra aixoise n’échappe à cette règle. L’homme de théâtre fait de chaque opéra investi et questionnés selon sa grille, d’abord une performance théâtrale et… physique.

Au début, ces laveuses, balais et seaux d’eau (pour enlever les traces des crimes ensanglantés qui y ont été commis?), le dialogue hystérique et exclusivement féminin entre les partisanes de la princesse Elektra et ses dénonciatrices… installent un climat d’abattoir, de terreur, de conspiration à la fois malsaine et animale. Le choix de la grande niche monumentale – vide et néant en miroir de la solitude de la princesse -, mais aussi ombre mouvante avec le soleil qui se déplace comme sur un cadran solaire est magnifique dans son épure austère et antique. Il rappelle aussi que tout se passe ici en une journée.

C’est d’ailleurs le seul insigne de l’Antiquité grecque ici abordée par Strauss et son librettiste Hofmannsthal. C’est peu dire que le travail du scénographe s’est concentré surtout sur la relation entre Elektra et sa mère Clytemnestre : une mère détruite elle aussi, dévorée par ses rêves de terreur et ses nuits sans sommeil. Apeurée, inquiète, mais aussi hallucinée par la nécessité d’un nouveau sacrifice, Waltraud Meier fait une performance saisissante. Plus encore captivante, Elektra elle-même dont Chéreau transmet au delà des cris et des hurlements félins, la blessure secrète d’une âme jeune sevrée trop tôt, en manque d’amour et de tendresse, endeuillée par la mort de son père assassiné qui lui avait tout donné… bouleversante humanité.

Lire aussi notre dossier sur le personnage d’Elektra, figure féminine fascinante de l’opéra de Richard Strauss, aux côtés de Salomé, Daphné, Hélène …

Illustration : P.Victor Artcomart 2014

 

CD. Richard Strauss : An Alpine Symphony, Ein Alpensinfonie. Daniel Harding, direction

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Strauss_alpine symphony Daniel hardingCD. Richard Strauss : An Alpine Symphony Ein Alpensinfonie. Daniel Harding, direction. A la tête de l’Orchestre Saito Kinen au Japon le chef britannique s’attaque à un monstre symphonique qui à son époque égale les fusées mahlériennes, aspirées depuis leurs premières notes, vers la cime des étoiles. C’est une formidable machine qu’un bon chef habitué des grands effectifs doit faire décoller… comme un vaisseau spatial. Malgré son prétexte anecdotique (les étapes d’une ascension dans les Alpes avec en point culminant la magnificence des sommets enneigés, la tempête comme catastrophe, puis la descente dans un climat d’apaisement extatique), l’œuvre comme c’est le cas de la Symphonie pastorale de Beethoven (comptant elle aussi un orage) est moins descriptive que hautement symbolique, son propos exprimant tous les sentiments suscités par le miracle de la nature : une admiration non dépourvue d’inquiétude voire de surprise.
Hardin comme Jordan et l’orchestre de l’Opéra de Paris, dans une version récente (2012), se montre à la hauteur d’une partition impressionnante, convaincant par son sens de l’architecture comme de la clarté de la polyphonie. La baguette veille à chaque entrée, soigne l’éloquence majestueuse des thèmes, mesure la brume de la texture orchestrale sans noyer les timbres, avec une évidente préoccupation de clarté dans les étagements et la spatialisation (cors lointains, bois, cloches…). Il y manque cependant un vrai souffle capable de tirer le développement et l’enchaînement des séquences (parfaitement décrites) au delà d’un simple catalogue d’effets et d’idées (certaines géniales) strictement réaliste. Harding expose la totalité des composantes du très riche flux musical, sans vraiment prendre parti, or il faut cependant une vision mystique et panthéiste voire à défaut poétique, pour assurer ce lien organique qui fait l’unité de la partition. Jordan par exemple savait travailler avec une réelle sensibilité chambriste la transparence et la lumineuse activité de l’œuvre. Cependant l’honnêteté du chef britannique qui fait effectivement tout entendre, reste louable.
Terminée en 1915, Une symphonie Alpestre recueille l’expertise du Strauss narratif doué d’un remarquable tempérament dramatique dans ses nombreux poèmes symphoniques. S’y amplifie ce flot impétueux d’essence philharmonique au très grand format qui rappelle souvent la démesure et le flamboiement spirituel de l’opéra contemporain La Femme sans ombre (qui sera d’ailleurs créé après la guerre). Le déluge et les vertigineuses portées orchestrales dépassent de loin tout ce qui a été entendu, soulignant le Strauss bâtisseur à l’échelle du cosmos. Sans vraiment s’imposer cette nouvelle lecture, apporte la preuve d’une partition de haute valeur qui exige précision et profondeur.

Richard Strauss : Eine Alpensinfonie, An Alpine Symphony. Saito Kinen Orchestra. Daniel Harding, direction. Parution : le 3 mars 2014. 1 cd Deca 0289 478 6422 6 CD DDD DH

Les Femmes selon Richard Strauss

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Richard Strauss : portraits de femmes. De Salomé à Capriccio, soit au cours de la première moitié du XXème siècle, Richard Strauss, comme Massenet ou Puccini aura laissé une exceptionnelle galerie de portraits féminins. Lente évolution qui d’ouvrages en partitions, recueille les fruits d’ une écriture musicale en métamorphose, et précise la place et le rôle de la femme vis à vis du héros.  Alors que Wagner n’envisage pour ses héroïnes qu’un aspect certes flamboyant mais unique (et qui le destine souvent à mourir), celui d’un ange salvateur œuvrant pour le salut du maudit (le héros et le compositeur se fondent ici), Strauss, avec son librettiste Hofmannsthal fouillent l’ambivalence contradictoire de la psyché féminine avec une subtilité rarement atteinte au théâtre. Selon les sources empruntées et le sujet central de l’opéra, l’héroïne est ici solitaire égoïste comme emprisonnée définitivement par ses propres obsessions, ou à l’inverse, mobile et généreuse, souvent sujet d’une métamorphose imprévue, capable de sauver le héros dont elle a croisé le destin. L’itinéraire de la femme au cours d’un seul ouvrage traverse bien des épreuves : elle pose clairement le principe de la transformation, du changement qui du début à la fin de l’ouvrage, indique une progression souvent passionnante à suivre.

 

strauss_richard_570_richardsreauss-592x333Certaines comme Salomé ou Daphné demeurent étrangères à tout renouvellement de l’esprit : leur carrière suit toujours le même dessein, être seule, sans amour puis mourir ou être pétrifiée. Leur route est fixe et ne cible qu’une inéluctable fin tragique. Elles s’opposent ouvertement au corps social, ne désirant à aucun moment lui appartenir… D’autres éclairent les tumultes et tempêtes d’une vie de couple parfois à la lumière de la propre expérience de Strauss : immersion réaliste dans l’aventure domestique où la querelle et le soupçon, l’incommunicabilité profonde menace un destin qui à une époque s’est envisagé à deux (quel avenir pour le mariage  et le serment de confiance réciproque qui lui est lié?) : ainsi la femme du teinturier dans La femme sans ombre, surtout Christine, l’épouse du chef d’orchestre Robert Storch dans Intermezzo (le livret de Strauss lui-même indique clairement un sens souvent autobiographique dans l’écriture de l’ouvrage). Et puis il y a les généreuses loyales qui par amour accomplissent l’impossible, défient le sort et la loi divine, s’offrent – comme Isolde, sans compter (Hélène égyptienne) ou à l’inverse, renoncent en un geste de détachement ultime qui s’apparente aussi à l’amour (La Maréchale dans Le Chevalier à la rose). De telles figures si humaines et fraternelles accomplissent leur destin grâce au pouvoir évocatoire de la musique, la seule en vérité qui semble capable d’exprimer l’indicible intelligence féminine, le chant et les notes plutôt que tout discours verbal fût-il poétique. N’est ce pas ce qu’aurait pu défendre Strauss lui-même dont Capriccio, son dernier opéra (1942) indique clairement l’opinion comme le tempérament : si à la fin de l’opéra, la question reste en suspend, il semble bien que par la voix de la Comtesse Madeleine, le compositeur défende bien les vertus de son art: quelle autre discipline mieux que la musique peut dévoiler la vie intime des êtres ?

 

 

 

année Strauss 2014 : la femme selon Richard Strauss

Portraits de femmes…

 

 

A l’occasion de l’année Richard Strauss 2014, – 150 ème anniversaire de la naissance, classiquenews dresse le portrait de ses femmes sublimes dont la musique de Strauss éclaire désirs et velléités de la nature profonde.

 

 

Salomé : le désir monstrueux. salome_titien_tiziano_salome_5-Salome-1512-Tiziano-TitianSalomé incarne mieux que toute autre, l’idéal féminin de Strauss qui souhaitait, de son propre aveu, être captivé et saisi par la figure d’une héroïne centrale. C’est assurément le cas de Salomé dont le tempérament oriental et vénéneux préfigure l’érotisme énigmatique de Lulu.
Par les yeux d’Hérode, Strauss semble scruter  la courbe frénétique et provocante du corps adolescent pendant la danse des sept voiles. Jouissive, perverse, Salomé concentre son désir sur la bouche de Jokanaan le Prophète, quand elle demeure insensible au jeune capitaine syrien Narraboth qui terrassé et donc manipulé, se jette à ses pieds avant de se suicider, éconduit… Par elle, s’écoule l’ivresse sensorielle qui envoûte et hypnotise ; puis son obsession suscite la décapitation du Prophète, semant la terreur autour d’elle. Inconsciente à toute raison, la jeune femme encore pubère sème frustration et mort sur son chemin : il n’est d’autre issue que la mort pour rompre le charme fatal de la sirène enjôleuse. A la beauté de sa silhouette, Strauss ajoute par le pouvoir d’une musique névrotique et expressionniste mais flamboyante et terriblement sensuelle, le trouble que produit la jeunesse criminelle : l’innocence de Salomé contredit ses fantasmes qui confinent à la folie barbare. C’est la beauté du diable : une mante religieuse dans le corps d’une lolita.
Sous le masque de la candeur gracile se cache la figure d’un monstre. Ici le désir n’est canalisé par aucun ordre moral : il s’exacerbe et se consume jusqu’à la mort. La jeune fille de 16 ans qui doit chanter comme une Isolde, incarne l’opéra le plus torride jamais écrit avant lui : manifeste éruptif d’un désir unilatéral qui à a sa création à Dresde en décembre 1905, reste le plus grand scandale lyrique d’Europe, et aussi le premier triomphe de son jeune auteur (tout juste quadra). Illustration : Salomé par Titien (DR)

 

electre_pompei_fresque_romaineElektra : venger le père. Elektra (Dresde, 1909) n’est pas une femme comme les autres : en elle, brûle le feu de la vengeance, un brasier pour lequel elle renonce à sa vie propre, écarte tout bonheur et tout amour. A l’injonction structurante : vis ta vie, sois toi-même ! Elektra répond : je ne peux pas : j’aime trop mon père. Rien n’importe plus que venger la mort du père (Agamemnon), donc tuer la mère (Clytemnestre) : l’objet de son obsession. Elketra n’a pas dépassé son complexe œdipien. Tout l’opéra qui découle de la pièce de théâtre de Hofmannsthal (1903) se concentre sur le délire psychique, la quête obsessionnelle d’Elektra. C’est un huit-clos psychologique qui confine à l’étouffement. Certes on ne cesse de souligner la finalité tragique et l’emprisonnement de la jeune femme qui erre comme une bête aux abords du palais de sa mère criminelle. Mais tiraillée par les événements qui l’accablent, comment Elektra aurait-elle pu agir autrement que dans l’esprit de vengeance? Elle ne peut s’en sortir qu’en vengeant son père. A contrario de sa sœur Chrysothémis qui veut vivre sa vie, Elektra ne peut vivre sans se libérer de sa quête. Là encore comme dans Salomé, Strauss trouve une figure féminine centrale, totalement hallucinante. Ne supportant pas l’impunité de l’assassinat, l’héroïne veut faire expier : la mort appelle, exige la mort. Mais elle ne peut le faire seule : cette impuissance fonde la violence déchirée du personnage. Et quand son frère Oreste retrouvé, réalise la punition tant espérée, Elektra s’effondre … morte. En outre leurs retrouvailles restent dans la vie de l’héroïne l’instant le plus humain de l’opéra, un répit dans une arène suffocante.

 Outre la formidable musique que compose Strauss, le livret d’Hofmannsthal s’intéresse au verbe poétique d’Elektra : en elle coule la source d’une connaissance supérieure, celle du mot juste qui dénonce et exhorte. Pour le poète librettiste, Elektra est une figure de l’artiste qui voit tout, mais son existence n’est qu’un exutoire ; le verbe répète toujours et encore la tragédie de l’acte traumatisant. Le verbe d’Elektra, cri et incantation, emprisonne : il est voué à la répétition car il ne résout rien. Elektra est d’abord une victime d’autant plus qu’elle ne surmonte pas le crime de son père. Sa solitude est terrible car même la vengeance qu’elle exige, ne la libérera pas. Elle est condamnée de toute façon dès le début de l’opéra. Pas de lien social pour Elektra ni Salomé. Mais le sort tragique surhumain de deux figures absolues, l’une portée par son seul désir ; la seconde tout autant enchaînée à la vengeance qui la consume. Illustration : jeune romaine, fresques de Pompei (DR).

 

Poussin_la-sacre-d-apollon_strauss-helene-egypteLa quête d’Hélène égyptienne … Dernier opéra conçu par Hofmannsthal et Strauss, Hélène égyptienne créé en 1928 confirme l’Antiquité comme une source régulière et inépuisable : après Elektra, Arianne, voici donc Hélène mais dans un épisode moins connu, celui indirectement légué par Euripide. Homère retrouve Hélène et Ménélas, heureux comme réconciliés, malgré la séquence d’Hélène enlevé par Paris jusqu’à Troie… Or selon Euripide, soucieux d’expliquer les retrouvailles des époux, imagine qu’en réalité, Pâris aurait enlevé le fantôme d’Hélène ; la vraie Hélène se serait enfuie en Egypte à la cour du Protée où l’époux dubitatif et d’abord trompé, la retrouve ; elle lui aurait toujours été loyale.
Hélène égyptienne raconte l’histoire d’une femme en quête de son époux, cherchant à rétablir la confiance dans leur couple en dépit d’une réputation tronquée mais néfaste… en dépit de l’infidélité dont elle s’est rendue coupable. Contre la fatalité et le poison du soupçon, Hélène veut croire au serment du mariage : être fidèle à son époux, c’est enfin accomplir son destin. Il n’est jamais trop tard. Voici encore une fois, la figure d’une femme admirable qui souffrante désire être sauvée. En lire +

 

 

 

 

à suivre …
Prochain épisode : La Maréchale du Chevalier à la rose (1911)

Richard Strauss : intégrale lyrique, complete operas. 33 cd Deutsche Grammophon

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strauss complete operas deutsche grammophon 33 cd richard straussRichard Strauss : intégrale lyrique, complete operas. 33 cd Deutsche Grammophon. On en rêvait : après les coffrets Erato (opéras et intégrale symphonique) voici enfin la somme straussienne éditée par le label en or, Deutsche Grammophon. C’est l’aboutissement d’une politique éditoriale exhaustive qui n’a pas hésité à puiser ailleurs pour offrir la plus complète des intégrales opératiques, d’autant plus opportune pour l’anniversaire Strauss 2014 (150ème anniversaire de sa naissance). Si les théâtres d’opéras et les festivals ne battent pas encore le pavé pour célébrer le plus grand génie lyrique du XXème siècle postromantique, saluons toujours l’initiative des labels de nous offrir de quoi satisfaire notre appétit… straussien. Le coffret réunit donc les 15 opéras du grand Richard, ici classés non chronologiquement (ce qui aurait donné de Guntram en 1893 à Capriccio en 1941), mais alphabétiquement, soit de Arabella, Aridane auf Naxos, Capriccio à Die Liebe der Danäe (L’Amour de Danaé), Der Rosenkavalier et Salomé. Le coffret comprend aussi les Quatre derniers lieder dans la version inégalée depuis sa réalisation : celle de Jessye Norman sous la baguette de Kurt Masur. Les mélomanes s’en souviennent l’album était paru en 1983 (sous étiquette aujourd’hui éteinte, Philips).  Rares et moins connues que les versions autres souvent excellentes : L’Ariadne de Voigt sous les doigts enivrés mystiques du regretté Sinopoli, la Daphné de Güden (Böhm), L’Amour de Danaé en provenance du festival de Salzbourg 1952 sous la direction de Klemens Kraus (un proche de Strauss lui-même et donc se sentant réceptacle d’une orthodoxie que l’on jugera sur pièce).

Plus précieux encore l’Intermezzo de Lucia Popp (from Emi), le court et pacifiste Feuersnot (Leinsdorf en provenance de la Radio allemande).

Avec le recul et d’un premier regard synthétique, cette somme incontournable met en avant les chefs grands straussien : Karl Böhm (Capriccio, Daphné, Die Schweigsame frau), Georg Solti (Elektra, Die Frau ohne schatten, Der Rosenkavalier), Sinopoli (Salomé, Der Friedenstag, Ariadne auf Naxos), puis paraissent les chefs d’une partition, mais enlevée avec quelle fièvre : Leinsdrof pour Feuersnot, Dorati pour Hélène Egyptienne, Krauss pour L’Amour de Danaé… grand absent de tout Strauss : Karajan. Remarquons que Sawallisch si présent dans le coffret Erato, ne paraît ici qu’une fois  pour évidemment l’inouï Intermezzo avec cette même Lucia Popp inoubliable.

CLIC_macaron_20dec13Et puis, lire tous les opéras sur une seule face, laisse déconcerté par le génie de Richard Strauss : après Guntram, le compositeur s’intéresse surtout aux portraits de femmes, comme Puccini. Que dire de l’Arabella de Lisa della Casa, l’Ariane de Deborah Voigt, la Daphné de Güden (rivale de Lucia Popp d’ailleurs dans ce rôle éblouissant), l’Elektra de Nilson,  l’Impératrice de Varady, la femme du teinturier de Behrens, l’Hélène de Gwyneth Jones, La Maréchale de Crespin ou la Salome de Cheryl Studer ? Elles sont toutes autant que Jessye Norman dans les lieder, d’inoubliables figures straussiennes. Qui rendent ce coffret événement absolument incontournable. Prochaine grande critique dans le mag cd de classiquenews.com

Richard Strauss : intégrale lyrique, complete operas. 33 cd Deutsche Grammophon.

Dossier spécial Richard Strauss 2014 : 150ème anniversaire

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Dossier spécial Richard Strauss 2014 (150ème anniversaire). Strauss, symphoniste puis lyrique. L’expérience lyrique de Richard Strauss né en 1864 (décédé en 1949) profite au préalable de l’aventure symphonique du compositeur qui dans le genre du poème pour orchestre seul et de la Symphonie proprement dite marque l’histoire de la musique (et du postromatisme post wagnérien à l’époque de Mahler…) dans la dernière quinzaine du XIXème siècle. Pour le 150ème anniversaire de sa naissance (le 11 juin 2014 précisément), classiquenews dédie ce dossier spécial qui offre un bilan du legs lyrique du plus grand symphoniste du XXème siècle… Lire notre dossier Richard Strauss 2014 (dont notre sélection cd 2014)

 

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La Femme sans ombre de Richard Strauss

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Strauss richardFrance Musique. En direct du Metropolitan Opera de New York.  Samedi 15 février 2014, 19h. Richard Strauss : La Femme sans ombre. Anne Schwanewilms (l’Impératrice)… Vladimir Jurowski, direction. Le plus de cette production c’est évidemment les moyens investis pour le plus grand opéra de Strauss (son ” dernier opéra romantique “), d’une imagination orchestrale fertile, sauvage et chambriste, c’est à dire wagnérienne et mozartienne ; un sujet fééerique et philosophique à l’enseignement plus que compassionnel : humaniste. Dans La Femme sans ombre, le sommet de sa collaboration avec le poète et librettiste Hugo von Hofmannsthal, Strauss qui a déjà conçu, avec son écrivain fétiche, Ariadne auf naxos et Le Chevalier à la rose, traite du principe allomatique et fraternel des destins croisés. Pour sauver l’Empereur son éternel amant, l’Impératrice, transparente comme une idée, doit prendre l’ombre d’une mortelle : s’incarner, c’est à dire … souffrir ; mais dans sa quête égoïste, elle croise la figure du teinturier Barak et de sa femme ; touchée par la condition mortelle, essentiellement tragique et douloureuse – comment ne pas la dénoncer dans l’Europe à sang de la première guerre mondiale-, un miracle se produit : face à l’épreuve de la tentation finale, l’Impératrice refuse de voler l’épouse, même si la vie de l’Empereur en dépend… elle ne volera pas l’ombre de la miséreuse et causer davantage de souffrance. Formidable symbole d’un humanisme appliqué qui prend tout son sens à l’époque de la genèse de l’opéra. La Femme sans ombre composée pendant le conflit mondial, sera créé après la guerre en 1919. De fait, l’orchestre fait entendre les secousses terrifiantes de la barbarie criminelle (lorsque l’Impératrice et sa nourrice descendent parmi les humains), la vaine agitation de la fange humaine embourbée dans sa trop misérable existence. A la fois fantastique et féerique, mais aussi réaliste et spirituel, La Femme sans ombre est l’un des sommets lyriques du début du XXème siècle, et avec Le Chevalier à la rose, l’offrande la plus convaincante élaborée par le duo Strauss / Hofmannshtal.
A New York, une Impératrice de choc : la straussienne Anne Schwanewilms qui connaît le rôle pour l’avoir défendu déjà à Salzbourg à l’été 2011 (festival éminemment straussien sous la direction de Christian Thielemann) et fut aussi à Sazlbourg encore une Maréchale de choc… Pour l’année Strauss 2014, la diffusion de cette production événement, sous la direction de l’efficace et précis Vladimir Jurowski est incontournable (mise en scène : Herbert Wernicke).

logo_francemusiqueRichard Strauss : La Femme sans ombre, Die Frau ohne schatten, 1919.
France Musique, samedi 15 février 2014 à partir de 19h. En direct