Compte-rendu critique, opéra. TOURS, le 16 février 2018. GOUNOD : Philémon & Baucis, recréation en 3 actes. Pionnier / Ostini. Voilà assurément l’événement lyrique de l’année 2018, celle du Centenaire Debussy. Alors que les institutions parisiennes se montrent timides ou peu inspirées dans leur célébration du génie debussyste, l’Opéra de Tours cible juste en dévoilant, de surcroît dans sa version intégrale (en 3 actes, dont le II comprenant le fameux et si méconnu chœur contestataire…), l’opéra comique, Philémon & Baucis, joyau méconnu créé en 1860.

Norma Nahon (Baucis), fausse coquette volage au III

D’un format plus resserré et court que son précédent opéra Faust, Philémon n’en conserve pas moins la meilleure inspiration d’un Gounod qui excelle dans la caractérisation de ses personnages inspirés de la fable de La Fontaine. Tout en se montrant éperdu, lyrique, sentimental quand il faut dépeindre l’amour fidèle et indéfectible du couple Philémon / Baucis, le musicien qui bientôt composera son chef d’oeuvre absolu, Roméo et Juliette, sait ciseler les contrastes dramatiques et psychologiques qui distinguent Jupiter et son comparse et double, Vulcain. Le mari volage batifole, se surpasse en noblesse supérieure (mais jamais arrogante ni condescendante vis à vis de ses protégés Philémon et Baucis) ; le second, perce par sa carrure brute, aigre, désillusionnée… en mari trompé (par Vénus son épouse, heureuse amante de Mars).
Ainsi le quatuor vocal excelle dans le style élégant et sincère propre à Gounod. Baucis tendre et sobre, Norma Nahoun, en vraie coloratoure (vocalises de la coquette au III) relève les défis de sa partie originellement conçue pour mettre en valeur l’épouse du directeur du Théâtre-Lyrique, et précédemment créatrice du rôle de Marguerite (Faust). Fine, juste, agile, la soprano donne du corps et de la vraisemblance à la jeune Baucis qui âgée ou juvénilisée, conserve une indéfectible fidélité pour son seul amour terrestre, Philémon. Ce dernier trouve une belle ardeur grâce au ténor Sébastien Droy ; d’ailleurs, leurs duos qui traversent l’opéra (au I, en vieillards heureux, tranquilles ; au III, dans un final qui célèbre leur loyauté l’un à l’autre), affirment une indiscutable sincérité : les deux timbres s’accordent magnifiquement, préfigurant ce que seront bientôt les quatre duos extatiques et sublimes de Roméo et Juliette à venir.
Alexandre Duhamel comprend toutes les facettes du Jupiter souverain, venu sur terre pour constater la méchanceté des mortels ; en tombant sur les si accueillants Philémon et Baucis, le dieu des dieux modère son évaluation et éprouve même une sérieuse compassion pour ceux qui ont su l’abriter et le nourrir à la suite d’un tempête. Son air à la fin du I, a tout d’un Méphistophélès protecteur, magicien, d’un abandon quasi voluptueux : instance protectrice, suscitant un formidable tableau nocturne. A ses côtés le Vulcain de Éric Martin-Bonnet tire aussi la couverture en réussissant un portrait profond et vrai, celui d’un dieu trahi par son épouse et qui au III, sait s’émouvoir quand il mesure malgré les tentations, la fidélité des époux Philémon et Baucis – vrai sujet central de cet ouvrage poétique et philosophique.

La mise en scène de Julien Ostini cultive la simplicité et la clarté des tableaux : jeux de voiles au I ; puis de plus en plus dépouillée et vide quand il faut évoquer le palais de Jupiter où Philémon et Baucis rajeunis se réveillent en protégés du dieu. Rien ne peut égaler la richesse que procure un amour fidèle et partagé, pas même les stratagèmes d’un Jupiter séducteur, épris de la belle Baucis (III) : les plaisirs divins offrent un espace froid, illimité, inhumain. Quand au final, les cintres descendent, dévoilant le dispositif lumineux, les masques tombent … et l’essentiel paraît sur scène : l’omnipotence d’un amour fidèle. Gounod retrouve cette langue directe et franche de La Fontaine, sans rien perdre dans sa parure orchestrale, de la poésie originelle.

Dans la fosse, veillant à la finesse générale, Benjamin Pionnier, très inspiré et en verve, a réécrit avec le metteur en scène, partie des dialogues parlées, émaillant le texte, de références à la politique contemporaine : essor de la vague « en marche », dieu facétieux évoquant un président « jupitérien »,… La palme de cette actualisation tout en douceur et subtilité, revient à la tenue de l’acte II, enfin révélée dans sa version intégrale : le tableau du chœur, celui des mortels qui se rebellent et protestent / défilent contre le pouvoir des dieux, se rapproche des meilleures situations cocasses d’un Offenbach, mais avec une élégance de ton propre à Gounod. La Bacchante révoltée, délirante de Marion Grange apporte ce grain de folie déjantée qui souligne chez Gounod, une facette inconnue. Véritable minidrame dans le drame principal, l’acte II pourrait se jouer indépendamment : ni Philémon ni Baucis ne sont concernés (il n’y paraissent pas). Mais sur le plan de l’écriture, Gounod se dépasse, au service d’un texte séditieux et contestataire (saluons l’implication et le travail du chœur de l’Opéra de Tours grâce auquel ce volet méconnu éblouit par sa force expressive). De quoi souligner l’apport du spectacle révélant un aspect méconnu du génie de Gounod.
La scène tourangelle confirme une belle appétence pour l’opéra romantique français : on se souvient ici même d’une remarquable production de Roméo et Juliette du même Gounod (avec Anne-Catherine Gillet en Juliette), et plus récemment de Lakmé de Delibes (avec Jodie Devos dans le rôle-titre). Distributions intelligentes, mises en scène claires et inventives, approches souvent lumineuses voire raffinées… l’Opéra de Tours s’engage avec mérite dans la défense de notre patrimoine romantique. La réussite est totale.

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Compte rendu critique, opéra. TOURS, le 16 février 2018. GOUNOD : Philémon & Baucis, 1860, recréation, version intégrale en 3 actes. Benjamin Pionnier, direction. Julien Ostini, mise en scène.

A l’affiche les 16, 18 et 20 février 2018. Prochaine production lyrique à l’Opéra de Tours : L’Elisir d’amore de Gaetano Donizetti (Samuel Jean, direction), les 16, 18 et 20 mars 2018.
http://www.operadetours.fr/l-elisir-d-amore

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Notre teaser vidéo de Philémon et Baucis de Gounod à l’Opéra de Tours
Notre reportage vidéo de Philémon et Baucis de Gounod à l’Opéra de Tours, entretiens avec Benjamin Pionnier (directeur de l’Opéra de Tours, directeur musical), Julien Ostini, Norma Nahoun, Sébastien Droy…

Illustrations : 1 : © Opéra de Tours / Marie Pétry 2018 – 2 et 3 : © studio CLASSIQUENEWS.COM

Compte-rendu critique, concert. LILLE, Auditorium du Nouveau Siècle, le 26 janvier 2018. Haydn, Attahir, Beethoven. Orchestre National de Lille. Alexandre Bloch. Rendu cohérent par sa thématique générale dédiée au « midi », le concert de ce soir s’ouvre sur l’un des sommets de l’expérimentation orchestrale menée au début des années 1760 par Joseph Haydn – le père du genre symphonique-, à Esterhaza. Directeur de la musique du prince Esterhazy, le compositeur inventif dispose d’un orchestre de premier plan et de virtuoses qui ne demandent qu’à le suivre dans ses recherches : ainsi la Symphonie « midi » opus 7 en ut, affirme sa facilité à varier et creuser les contrastes de caractères comme de formes, le résultat favorisant d’emblée la performance individuelle d’instruments solistes, dont surtout les cordes : violon, violoncelle, contrebasse (cette dernière, vedette du Menuet des plus enlevés)… De cette symphonie concertante, – véritable exercice de chauffe pour les solistes, c’est surtout le premier mouvement qui saisit quand le premier violon prend littéralement la parole à la façon d’une scène d’opéra, immergeant l’auditeur dans une séquence ayant ses propres enjeux dramatiques (recitativo adagio avec violon solo) : volubilité imprévue et d’autant appréciée qui place l’éloquence facétieuse de la supersoliste, Ayako Tanaka, nouvellement nommée (depuis septembre dernier), au premier plan de la soirée. L’esprit du jeu, l’humour et la suprême élégance de Haydn font une séance préliminaire idéale pour préparer à la séquence contemporaine qui suit.

Création mondiale du Concerto pour serpent de Benjamin Attahir à Lille
DANSES & RESONANCES DU SERPENT

PREMIERE PARTITION DE BENJAMIN ATTAHIR POUR L’ONL… C’était l’un des premiers temps forts du travail mené par le nouveau compositeur en résidence au sein de l’Orchestre National de Lille, Benjamin Attahir, lauréat de la Villa Medicis, remarqué par Pierre Boulez à Lucerne. Le jeune compositeur, pas encore trentenaire en 2018, présente sa première partition composée pour l’ONL, de surcroît très originale… car écrite pour le « serpent », instrument baroque, ancêtre du tuba et de l’ophicléide, jusque là, surtout utilisé à l’église pour soutenir les pupitres des basses ; c’est aussi le premier Concerto pour serpent de l’histoire de la musique.
Le Concerto est en réalité la 2è pièce d’un cycle en cours de 5 sections, récapitulant les 5 appels à la prière de l’ordinaire musulman. Cette 2è étape correspond à la prière du midi. Si au cours de la passionnante rencontre préliminaire au concert où le compositeur et son interprète / créateur (Patrick Wibart) dialoguent et présentent leur travail, Benjamin Attahir s’est dit très intéressé par le timbre (proche du cor et du trombone) et par la vocalité naturelle du Serpent, il s’est surtout montré soucieux de la structure et de l’architecture dramatique d’une pièce de plus de 20 mn qui nous aura séduit par son plan ambitieux, son souci des contrastes, des ruptures de caractères, sa recherche constante de couleurs. A cela s’ajoute aussi une démarche particulière pour la spatialisation : 2 cors étant placés au niveau du balcon principal, permettant dans la dernière partie de l’oeuvre – la plus convaincante, des effets d’échos et de réponses entre le chant puissant et feutré du serpent soliste situé sur la scène, et les deux cuivres placés de part et d’autres de la galerie ; leurs résonances mêlées, décalées, dialoguées recréent l’impression de vagues sonores enveloppantes quand les appels à la prière se multiplient dans l’espace urbain.

L’écriture est majoritairement monodique : le compositeur utilise 3 airs religieux qui constituent la matériau de base mélodique de la pièce : chant d’appel du muezzin, air yiddish, air grégorien (Dies Irae) ; orchestre et serpent amorcent alors un cycle d’enlacements et de séquences alternées, comme la forme même de l’instrument vedette, … ondulant, serpentant avec une fluidité avide de contrastes et aussi de scintillements orchestraux (où se sont distingués entre autres, des alliages de timbres étonnants associant clarinette, flûte, cuivres). Selon un plan bien défini (du tutti initial au solo murmurant, selon la progression d’une épure graduelle), à mesure que la partition s’écoule, en un geste compositionnel qui efface peu à peu le chant de certains pupitres, c’est le chant rond, viscéral, puissant aussi du serpent qui s’affirme alors, concluant l’œuvre dans une phrase qui s’épuise et susurre finalement, comme éreintée par la constante énonciation des mêmes tournures mélodiques.

Quand on sait quelle maîtrise technique, en particulier des lèvres sur l’embout, le jeu du serpent requiert de l’interprète, on reste saisi par l’engagement quasi permanent qui s’impose au soliste, du début à la fin. L’impression est bercée par un travail particulier sur la couleur du serpent – qui relève du cor, du trombone, de la sacqueboute aussi, – nuances de sons cuivrés, ronds, suaves, feutrés, mais étonnamment puissant-, cultivant d’infinis nuances dans le sombre, le grave, parfois la lugubre et une raucité mate et sourde. C’est donc associé à un champ spatial réinvesti, tout un nuancier de timbres inédits qui s’offre à l’imaginaire du spectateur / auditeur.
Benjamin Attahir questionne tous les champs des possibles et de l’expérimentation musicale : Orient / Occident, Baroque / Contemporain, Espace / Timbres… A son mérite revient aussi un regard critique sur la notion de temporalité, d’expérience de la continuité musicale, car à terme, il faudrait écouter d’un seul trait, et dans leur succession conçue originellement, chacune des 5 partitions / 5 appels, dans leur flux ininterrompu et dans leurs formes caractérisées. La première pièce pour piano et ensemble a été créée à Berlin en septembre 2017 (par Daniel Barenboim et le Boulez Ensemble) ; la 3è qui se prolonge dans la dernière note du serpent expirant, est un … quatuor (par les Arod). La 5è devrait être conçue elle aussi pour l’Orchestre National de Lille.

PROGRAMME EN EQUILIBRE… Très équilibré dans sa proposition orchestrale, – des Viennois (classiques et préromantiques à la fois, sujets d’un ressourcement toujours très profitables pour l’écoute collective), au contemporain inédit, le programme piloté par le chef Alexandre Bloch, ajoute un volet complémentaire avec la dernière œuvre affichée : la 5è de Beethoven. Achevée en 1808, la partition remonte en réalité à une période antérieure, dès 1795 quand Ludwig en conçoit déjà les premières idées force. Dans sa genèse, la 5è est en réalité contemporaine de la 6è, Pastorale, simultanéité qui souligne combien le génie beethovénien est aussi polymorphe, d’une exceptionnelle diversité formelle. En ut mineur, l’opus 67 frappe au sens premier du terme l’esprit de l’auditeur : sa franchise répétée, son énergie radicale et révolutionnaire, la fusion des caractères martiaux et conquérants, définissent une nouvelle langue orchestrale, celle d’une absolue rupture, et aussi d’une maîtrise éloquente, elle-même porteuse de modernité.

Dirigeant par coeur, ce qui facilite la proximité directe avec les instrumentistes, Alexandre Bloch, sans baguette, peut s’investir pleinement, ciselant les nuances, par des gestes souples et précis, comme un peintre manie la pâte sur la toile, en une infinité d’indications très claires et expressives ; tout cela construit une vision globale qui architecture l’enchaînement des 4 mouvements, dans le sens d’une formidable éruption, revitalisée à chacun des jalons de son jaillissement par l’énoncé cyclique du fameux motif rythmique initial. Acéré, vif, mais jamais sec, le chef avance, articule, nuance aussi, en une danse gestuelle, nerveuse et musclée. Ce contrôle rythmique se soucie des couleurs et de la profondeur : la lisibilité des bois en particulier est délectable, évitant ce que l’on entend trop souvent ailleurs : la saturation immédiate des tutti. Rien de tel ici, tant le goût pour les timbres associés (chant fraternel de la clarinette en particulier), remarquablement détaillé, nous a séduit et convaincu. Brillante et détaillée, magnifiquement charpentée, animée par une énergie irrésistible, la direction du chef dévoile l’ivresse conquérante de l’opus, – son affirmation frénétique, sa détermination viscérale, un jalon majeur dans la recherche de Ludwig et aussi un absolu dans l’histoire de la musique symphonique. Sachant cultiver le pilier du répertoire – Haydn et Beethoven, prêt à l’inédit, dans la sensualité et les contrastes (Attahir), l’Orchestre national de Lille poursuit son exploration heureuse des écritures, manifestement porté par l’enthousiasme de son nouveau directeur musical, Alexandre Bloch (1). A suivre.

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Compte-rendu critique, concert. LILLE, Auditorium du Nouveau Siècle, le 26 janvier 2018. Orchestre National de Lille. Alexandre Bloch, direction.

Haydn : Symphonie n°7 “Le Midi”

Attahir : Adh-dhohr, Concerto pour serpent et orchestre
Serpent : Patrick Wibart

Beethoven : Symphonie n°5

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PROCHAIN CONCERT événement de l’Orchestre National de Lille : Jeudi 15 février 2018 : Brahms : Rhapsodie pour contralto / Prokofiev : Alexandre Nevski – 1936 (Jean-Claude Casadesus, direction / Elena Gabouri, mezzo-soprano / Chœur Philharmonique Tchèque de Brno). INFOS & RESERVATIONS :
http://www.onlille.com/saison_17-18/concert/alexandre-nevski/

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1) En janvier 2018, un film documentaire réalisé par Georges Tillard raconte l’arrivée d’Alexandre Bloch, comme directeur musical, au sein de l’Orchestre National de Lille : comment le jeune chef a t il été choisi ? Comme la passation avec le chef fondateur de l’orchestre, Jean-Claude Casadesus, s’est-elle déroulée ? Présentation du film et critique du film « Alexandre Bloch : Bienvenue Maestro ! » de Georges Tillard …

Diffusion le 29 janvier vers 23h, après Soir 3, sur France 3 hauts de Seine, puis le 2 février 2018, 8h50. LIRE notre présentation du documentaire portrait Bienvenue Maestro / Alexandre Bloch / LIRE notre critique du film documentaire Alexandre Bloch / Bienvenue Maestro

Photos : © Ugo Ponte / Orchestre national de Lille 2018

ENTRETIEN AVEC MARA DOBRESCO. Chez Paraty, la pianiste roumaine Mara Dobresco publie l’un de ses albums les plus personnels : « Soleils de nuit ». Eloge du clair-obscur, voyage des contrastes solaires et crépusculaires… dédié à l’enchantement enivré de la nuit, de Notturno en berceuse et Nocturnes, voire Clair de Lune, c’est un programme serti de Soleils de nuit qui ont pour noms : les deux Schumann, Lipati, Piotr Illiytch, Claude de France, Philippe Hersant… Vision poétique d’un interprète entre songe et subtilité. Classiquenews interroge la pianiste sur le pourquoi et le comment de ce nouvel album plutôt convaincant.

CLASSIQUENEWS : Comment et selon quels critères avez vous choisi chaque pièce et conçu les enchaînements du programme Soleils de Nuit ?

MARA DOBRESCO : Les oeuvres présentées dans cet enregistrement se sont assemblées petit à petit en moi comme peuvent s’agencer des souvenirs  qui prennent progressivement sens au contact l’un de l’autre. J’aime profondément chacune des pièces …j’ai dû renoncer à certaine qui ne trouvaient pas leur place. Les enchaînements d’une oeuvre à l’autre sont très importants car ils créent l’unité de ce voyage … au bout de la nuit.
Je suis très heureuse de « mettre en lumière » dans cet enregistrement le Nocturne en fa dièse mineur de Dinu Lipatti (oeuvre qu’il a dédiée à Clara Haskil). Cette pièce se devait de figurer dans un programme qui est une recherche de lumière dans l’obscurité. Je garde toujours à l’esprit les mots qu’il avait l’habitude de rappeler à ses élèves : “Cherche la lumière toujours plus haut chez les autres et au plus profond de toi-même.”
Le disque se finit par l’incroyable Carillon nocturne  de George Enesco  dans lequel l’atmosphère est impalpable, solennelle, songeuse, emportée, et à la  fin du morceau, j’imagine comme un geste d’adieu, esquissé de la main depuis le bord du monde.

CNC : De quelle façon ce disque reflète-t-il votre esthétique personnelle ?

MD : C’est un disque qui ne cherche pas à « impressionner » ou à « démontrer » quelque chose. Pour cette raison, c’est un disque « anti star » presque ….qui cherche à aller dans les recoins profonds de notre mémoire, de notre âme je dirais … C’est un propos intime, et une recherche très personnelle, celle de la lumière. Avec le temps, j’ai appris à « faire confiance à la musique » comme disait l’un de mes maîtres, Jean-Claude Pennetier.

CNC : Comment avez choisi et préparé le piano de cet enregistrement ?

MD : J’aime bien dire: « La vie fait bien les choses »… eh bien ce piano est venu vers moi! Il y a eu un souci avec le piano qui était censé être celui de l’enregistrement et donc j’ai du changer à la dernière minute.
Dinu Lipatti disait: « Il n’y a pas de mauvais piano, seulement des mauvais pianistes ! » Bon, c’est presque vrai…mais j’aime bien faire UN avec le piano, celui qui est là, l’apprivoiser. C’est un très beau Steinway sur lequel j’ai enregistré et je remercie la Régie Piano pour sa réactivité et son soutien. La collaboration avec Jean Michel Daudon (l’accordeur) a été également  très importante.

Propos recueillis en janvier 2018.

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Cd événement, annonce. MARA DOBRESCO : Soleils de Nuit (1 cd PARATY 2017). 1001 nuances de la nuit… La pianiste roumaine Mara Dobresco signe en un parcours semé de scintillements nocturnes, l’un de ses programmes les plus personnels : « Notturno, Nocturne, In der Nacht, Nuit, Dans l’air du soir, Clair de lune, berceuse… »… Eloge de l’intime accordé au songe de la nuit, chaque pièce ici réunie et enchaînée, raconte toujours l’éloquence secrète d’un temps suspendu, appel au rêve, à l’enchantement, mais aussi à une écoute « chopinienne » qui invite l’auditeur à une véritable écoute murmurée et intérieure… EN LIRE +

MAESTROS D’AUJOURD’HUI. BRUNO PROCOPIO : retrouver les origines de la musique symphonique. Maestro entre Europe et Amérique, Bruno Procopio se dévoile en véritable chercheur de la matière orchestrale. Le jeune chef franco-brésilien défend avec passion une nouvelle approche des orchestres. Il vient de diriger fin 2017, l’Orchestre Symphonique de l’Etat de Sao Paulo, dans un programme rare de musique française lyrique et symphonique (Symphonie de Cherubini). Sur le plan artistique, il s’agit de rétablir la place dans les programmes de concerts, des compositeurs qui ont dès le XVIIIè favorisé l’essor de l’écriture symphonique. Pour les instrumentistes qu’il dirige, en Amérique du sud et en France, le jeune chef d’orchestre veille à encourager les attentes des nouvelles générations de musiciens. Mobiles, habiles (sur instruments d’époque ou sur instruments modernes), les instrumentistes d’aujourd’hui comme les publics de plus en plus séduits par les programmes symphoniques, souhaitent se familiariser avec les compositeurs baroques, classiques et préromantiques qui ont précédé les Viennois. Or jouer Rameau ou Gossec permet de mieux comprendre Haydn, Mozart jusqu’à Beethoven. Une révolution orchestrale est en marche. Certes il y a l’apport des instruments d’époques dans la perception plus affinée des répertoires ; Bruno Procopio apporte aussi pour les orchestres modernes, la découverte des œuvres moins connues, – baroques, classiques et préromantiques-, dont il maîtrise, comme chef claveciniste, la langue et l’esthétique. ENTRETIEN exclusif pour classiquenews.

BRUNO PROCOPIO : comment l’orchestre moderne peut-il renouer avec son répertoire premier ?
RETROUVER LES ORIGINES DE LA MUSIQUE SYMPHONIQUE

CNC : Vous défendez aujourd’hui une approche résolument ouverte et novatrice de la pratique orchestrale. De quoi s’agit-il ?

BRUNO PROCOPIO : Deux nouvelles voies s’ouvrent à nous aujourd’hui : d’une part, le développement d’un orchestre plus accueillant à la jeunesse et à la formation professionnelle, pratiques amplement développées en Amérique du Sud (Simón Bolivar Symphony Orchestra of Venezuela, Brazilian Symphony Orchestra, OSESP / Orchestre symphonique de l’Etat de Sao Paulo, etc) ; et d’autre part, la redécouverte d’un répertoire souvent confié aux ensembles et orchestres spécialisés.

Le renouvellement du répertoire pour les formations  symphoniques traditionnelles me semble très salutaire, je suis convaincu que les  répertoires baroque, classique et même pré-romantique, souvent proposés en première partie de programme (pour initier  un programme spécialement conçu pour une symphonie de la fin du 19 ème siècle et un concerto) pourraient être programmés pour la totalité du concert. Au cours de mes déplacements, je mesure l’appétit et la curiosité grandissante des publics. Je rencontre des spectateurs avides de nouveaux horizons musicaux ; je vois également que les abonnés aux grandes formations sont ravis de découvrir leurs orchestre sous un nouvel angle, avec d’autres sonorités. Leur offrir une nouvelle expérience est une vraie richesse.

Les pages orchestrales de la fin du 18ème siècle et du début du 19ème siècle sont encore à découvrir. Elles offrent  un répertoire riche et exaltant  qui reste encore peu joué. Il y a énormément à faire, des compositeurs comme Gossec, Méhul, tous les italiens qui ont travaillé à Paris (Salieri, Piccini, Sacchini, Cherubini…), d’illustres compositeurs comme Sigismund Neukomm, dont la plupart de son œuvre se trouve à la BNF, … tous nous ont laissé une musique pleine de verve, de grandeur et de poésie expressive.

La fascination pour la France est encore de mise, notamment en Amérique du Sud. J’ai constaté un réel et durable enthousiasme quand je propose la musique française quasiment inédite : plusieurs formations telles que le Simón Bolivar Symphony Orchestra of Venezuela, le Brazilian Symphony Orchestra, l’Orchestre Symphonique de São Paulo OSESP, l’Orchestre Philharmonique du Minas Gerais, l’Orchestre Symphonique National du Costa Rica, entre autres formations du continent (pour ce citer que les phalanges que j’ai eu l’opportunité de diriger), … toutes ont embrassé cette proposition avec joie et énergie. Je souhaite également citer les orchestres européens comme l’Orchestre Philharmonique Royal de Liège, l’orchestre National des Pays de la Loire, l’Orchestre d’Auvergne qui ont, sous ma direction,  accepté  d’aborder uniquement la musique française du 18ème siècle.

CNC : À propos des orchestres modernes, quelles sont les résistances qui se précisent malgré votre proposition d’ouverture et d’élargissement ?

Il est important de faire une préparation du matériel en amont, grâce, entre autres, au Centre de Musique Baroque de Versailles, un partenaire important pour moi depuis déjà trois ans ; nous disposons ainsi des partitions critiques de grande qualité. La musique de cette période peut sembler au premier abord « simple », sans prétention. Néanmoins, pour la jouer correctement dans le style et en faire ressortir toutes les beautés, il faut particulièrement une pré-disposition de la part des cordes. Les orchestres qui font cette démarche peuvent seuls acquérir beaucoup de connaissances et de maîtrise qui leur seront fort utiles  pour aborder le répertoire romantique.

Pour la musique française, peut-être plus que pour d’autres cultures musicales, plusieurs aspects techniques ne sont pas notés dans la partition (une école à part pour les coups d’archets, les ornements, l’inégalité…) ; pour cette raison, j’insiste sur la rencontre, et non sur la simple invitation à diriger un programme de plus dans une riche programmation très fournie.

CNC : Quels bénéfices pourtant peuvent aujourd’hui en tirer les instrumentistes des orchestres et surtout le public ?

Les musiciens gagnent un indéniable enrichissement de leur propre culture musicale, d’autant qu’il s’agit de rétablir un ordre logique selon la chronologie et l’évolution réelle de l’histoire musicale. Savoir jouer les compositeurs qui ont précédé Haydn, Mozart, Beethoven, est la clé pour bien comprendre et jouer ce répertoire central. C’est aussi accompagner et renforcer la nécessaire et désormais inéluctable flexibilité et polyvalence des jeunes instrumentistes d’ aujourd’hui ; les plus dynamiques sont capables de jouer un violon moderne et un violon d’époque.

C’est aussi, inverser l’approche habituelle qui préfère interpréter Beethoven et Haydn à travers la connaissance de Brahms, Bruckner, Mahler, Strauss, Wagner… c’est à dire tous les auteurs qui les ont suivis.

Pour le public, il est souhaitable de préserver la diversité et la richesse des répertoires joués par les orchestres. Concernant les formations symphoniques traditionnelles, les baroques, les classiques et les premiers romantiques peinent à occuper l’affiche des saisons ; or le contribuable a tout à fait légitimité de  pouvoir entendre tous les types d’esthétiques qu’il est possible d’interpréter aujourd’hui, comme toutes les pratiques spécifiques que l’on peut désormais réaliser et maîtriser… Pour les grandes villes culturelles dans le monde,  le problème ne se pose pas, étant donné que l’offre est abondante, par contre pour les villes plus petites et pour des pays ayant plus de difficultés à financer une offre riche, l’un des seuls moyens pour le public de profiter pleinement de cette diversité passe forcément  par les formations symphoniques d’ Etat.

Les salles les plus innovantes prennent soin d’offrir à leur audience toutes les esthétiques en proposant des cycles thématisés qui sont de vrais parcours artistiques restituant en une arche continue et claire, l’histoire de la musique ; de Lully à Rameau, de Rameau à Gossec, Méhul, parfois Onslow et Haydn, Mozart et Beethoven. L’avenir du métier et l’avenir des concerts symphoniques dépendent aujourd’hui de cette prise de conscience.

Propos recueillis en janvier 2018.

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APPROFONDIR

VOIR notre reportage vidéo Bruno Procopio dirige Cherubini, Sacchini, Piccinni à Sao Paulo (Les Italiens à Paris), avec l’OSESP Orchestre Symphonique d’Etat de Sao Paulo, novembre 2017

REPORTAGE VIDEO. BRUNO PROCOPIO joue Sacchini, Cherubini à SAO PAULO - reportage réalisé en novembre 2017 En interprétant avec l’Orchestre symphonique de l’Etat de Sao PAULO, les compositeurs qui dès le XVIIIè ont favorisé l’essor de l’écriture symphonique, Bruno Procopio permet aujourd’hui aux orchestres modernes de se familiariser avec les écritures méconnues qui remontent aux origines de l’histoire orchestrale. Salieri, Sacchini, Piccinni, et Cherubini (à travers son unique Symphonie de 1815) renseignent sur la genèse dont sont issus Haydn, Mozart, Beethoven… Reportage, version anglais / durée : 6mn44 © studio CLASSIQUENEWS 2018 – Réalisation : Philippe-Alexandre PHAM

COMPTE-RENDU, critique, récital lyrique - GSTAAD (SUISSE), New Year Music Festival 2018.Saanen, Théâtre, le 7 janvier 2018. Récital lyrique de l’Académie & Concours Bellini. Depuis 2 ans, le Festival hivernal à Gstaad et ses alentours (Rougemont, Saanen, et jusqu’à Launen… dans le Saanenland) accueille les masterclasses d’hiver du Concours Bellini, co fondé par le chef Marco Guidarini et Youra Simonetti. La terre choisi par Yehudi Menuhin qui y a fondé lui-même le fameux festival estival (GSTAAD MENUHIN Festival & Academy) cultive l’art lyrique dans l’un de ses genres les plus exigeants. C’est une expérience unique qui permet aux jeunes chanteurs d’affiner encore et encore leur maîtrise du bel canto romantique : soit les oeuvres si difficiles de Rossini, Bellini, Donizetti. Pendant une semaine, les « académiciens »  apprennent leur futur métier de belcantiste : l’élégance et le raffinement du style, la pureté du legato, l’articulation du texte, le sens des nuances, pour un chant incarné, éthéré, surtout juste et sincère. Il s’agit moins de démontrer sa bravoure que d’habiter un texte, le rendre immédiatement vivant en clarté, contrastes et toujours… subtilité.
Seuls les plus grands réussissent cet art lyrique dont le style exige le plus. Callas fut une belcantiste née : actrice autant que diseuse, expressive et si juste. Les Caballé, Sutherland, aujourd’hui Gruberova (d’une longévité spectaculaire) ont montré que la virtuosité pouvait fusionner avec la profondeur et la finesse. C’est après tout, l’essentiel qu’espère sans souvent le trouver, les amateurs d’opéra.

Santiago Martinez, futur ténor rossinien d’exception ? (© classiquenews.tv 2018)

Pourtant à Chateau d’Oex, où ils avaient leur classe quotidienne, les chanteurs ont prouvé leur aptitude dans ce style supérieur entre tous. 
A l’école de la facétie de Donizetti, de la langueur extatique de Bellini, entre autres, deux tempéraments ont offert leur remarquable engagement ; d’autant qu’ils ont déjà participé au Concours Bellini 2017 : le ténor argentin Santiago Martinez et la soprano espagnole Sara Baneras. Le premier a remporté le Prix de la meilleure interprétation d’un air en français lors du dernier Concours Bellini qui s’est tenu en décembre dernier à Vendôme.

Jeunes espoirs du Bel Canto :
Santiago Martinez, Sara Baneras

Pour se perfectionner – le métier du chanteur d’opéra n’est il pas un constant apprentissage, pour régler toujours et encore cet instrument des plus fragiles, la voix ?-, les deux chanteurs suivent les cours du chef Marco Guidarini (matin) et de Viorica Cortez (après-midi). L’intention, la technique, le souffle, la précision, la justesse… tout cela est travaillé avec un acharnement patient, une attention progressive lors de masterclasses qui sont ouvertes (au premier étage de l’hôtel Roc et Neige).
A la fois d’une énergie virtuose et d’une finesse naturelle, le jeune ténor argentin, déjà remarqué à Vendôme en décembre dernier, « ouvre » le récital au Théâtre de Saanen ; il confirme une présence immédiate, une brillance hors normes dans l’exposé du timbre, une vaillance qui rappelle Luigi Alva ou Rockwel Blake, – une couleur raffinée qui l’inscrit dans les pas actuels de Juan Diego Florez. Rien de moins. Pour autant s’il règle certains détails de justesse, il doit encore travailler, renforcer ses assises techniques s’il veut rejoindre demain la cour des très grands. Il faut beaucoup d’audace et de panache facétieux pour réussir l’air si rare sur scène et pourtant capital dans l’affirmation du caractère d’Almaviva dans Le Barbier de Séville : « Cessa di piu resistere ». D’emblée, l’adéquation du chanteur avec la verve et la finesse rossiniennes s’imposent avec une insolence inouïe. Voilà véritablement un ténor agile « di grazia ». Les scènes du monde entier attendent un nouvel Almaviva, percutant et intérieur. Santiago Martinez a tout de cela. Rien que pour cet air premier, le soliste mérite les meilleurs éloges et suscite une attention privilégiée. Un immense potentiel, à suivre désormais.
Même générosité du timbre, avec un engagement sincère plus manifeste encore dans le chant très incarné de la soprano Sara Baneras : sa Lucia (« Rengava nel silenzio ») offre des couleurs pénétrantes quand l’interprète pense à la direction et aux images du texte. D’autant que la voix est ample et charnelle. Avec davantage de stabilité, et plus de précision comme de nuances dans les phrasés (donc avec davantage de délicatesse), la jeune diva devrait bientôt elle aussi, faire parler d’elle.
Leurs duos font jaillir le feu de la farce en demi teinte, pas vraiment comique mais entre vérité et travestissement des sentiments : sous un jeu feint, celui de l’insouciance, on sent poindre dans le dernier épisode («Trallala» de l’Elisir d’amore de Donizetti), cette sincérité de l’intention qui démasque les coeurs ; ces deux là jouent l’indifférence mais en réalité ils sont touchés à vif : les faux semblants, la vraie profondeur… inspirent aux deux juvéniles, une ardeur irrésistible. La vaillance là encore du ténor, son souci de la légèreté ; la pétillance de la soprano, sa sincérité franche font les délices d’une scène dramatique qui met en lumière leur tempérament d’acteurs.

Sara Baneras, Maguelone Parigot, Santiago Martinez – © classiquenews.tv 2018

La seconde partie du récital lyrique, offre une scène non moins convaincante à la jeune soprano Anush Hovhannisyan, Prix du New Year Music Festival Gstaad au Concours Bellini 2016. Bel cantiste, d’un tempérament très affirmé, entre noblesse et sentiment, la jeune soprano réalise un Rossini d’ouverture, d’une somptuosité très convaincue (« Bel Raggio lusinghier de Semiramide »). Puis, l’interprète éblouit par sa maîtrise de la caractérisation dramatique, volontiers cocasse et délirante chez Nicolai (Les Joyeuses commères de Windsor), plus intérieure et suavement colorée chez Berg (« Traumgekrönt » des Sieben Frühe Lieder). Le français de « Violon » (Poulenc) est carrément perfectible, mais la Nymph de Rimsky-Korsakov fait valoir un timbre onctueux et même crémeux, d’une facilité virtuose, d’une justesse de ton, déjà accomplies. Au piano, complice, au jeu allusif et très nuancé, Maguelone Parigot sait murmurer, colorer, … et envelopper les voix dans le souci des équilibres ; la pianiste, sensible et imaginative, fait surgir le cadre émotionnel de chaque séquence. Son soutien sonore est idéal.

Maguelone Parigot et Vanush Hovhannisyan – © classiquenews.tv 2018

Le très haut niveau des solistes ainsi révélés par le Concours Bellini laisse l’audience quasi ébahie. En offrant de vivre les premiers pas très prometteurs de trois superbes jeunes talents, le Concours Bellini (à travers, à Gstaad, son Académie d’hiver) et le New Year Music Festival réalisent les conditions dont rêve tout festivalier : assister en leurs débuts étincelants, à l’émergence de sensibilités lyriques encore vertes mais prometteuses et particulièrement attachantes. C’est aussi une « audition » en public dont tous les directeurs rêvent en secret : découvrir une nature musicale faite pour le théâtre. C’est assurément ce qu’ont éprouvé les professionnels présents au concert. Découverte mémorable.

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COMPTE-RENDU, critique, récital lyrique. GSTAAD (SUISSE), New Year Music Festival 2018.Saanen, Théâtre, le 7 janvier 2018. Récital lyrique de l’Académie & Concours Bellini. Santiago Martinez, ténor. Sara Baneras, soprano (1ère partie). Anoush Hovhannisyan, soprano (2è partie) – Crédits photographiques / Illustrations : © studio CLASSIQUENEWS 2018

FOCUS SUR L’ONL – Orchestre National de Lille. RÉSIDENCE PARTAGÉE. PARRA / ATTAHIR. Deux compositeurs en résidence. ONL, nouvelle saison 2017 – 2018. La nouvelle saison de l’ONL Orchestre National de Lille poursuit son cours. Comme au milieu du gué, nous identifions les temps forts et les particularités d’une programmation riche et généreuse, dont l’ouverture sait favoriser la cohérence et l’accessibilité. Au sein du Nouveau Siècle, au centre de la mégapole lilloise, véritable vaisseau conçu comme lieu de vie, l’Orchestre national de Lille, fondé par Jean-Claude Casadesus, ne cesse d’évoluer, repensant comme une réflexion permanente, la place et l’activité d’un orchestre dans la cité, sur le territoire, vers tous les publics.

Avec Alexandre Bloch son nouveau directeur musical, l’Orchestre poursuit son exploration féconde entre musique et société, accordant la vitalité d’un orchestre polymorphe aux dernières évolutions de notre société, à ses nouveaux modes de consommation culturelle. Chaque semaine, comme un feuilleton en plusieurs volets, classiquenews met l’accent sur une facette d’une programmation éclectique, à 360°…
VOLET 1 : le travail des 2 compositeurs en résidence (Hèctor Parra et Benjamin Attahir).

Hèctor Parra et Benjamin Attahir
2 compositeurs en résidence
à l’Orchestre National de Lille

COMPOSITEURS EN RÉSIDENCE : Benjamin Attahir et Hèctor Parra. L’un finit sa course lilloise, l’autre s’apprête à la commencer (en janvier 2018). Depuis plusieurs saisons, les spectateurs auditeurs du Nouveau Siècle l’ont remarqué ; ils ont appris à apprécier son sens de la clarification : les leçons de musique d’Hèctor Parra sont devenues un temps fort de l’offre musicale au Nouveau Siècle : avant le concert du soir, le compositeur en résidence raconte la musique, qu’il s’agisse d’un point d’histoire générale, d’une présentation de ses œuvres, d’une préparation au concert qui va suivre… Formidable pédagogue, Hèctor Parra saint captiver son audience par le jeu très personnel de son écriture comme compositeur.

Les Lillois pourront ainsi écouter son ultime partition présentée en juin 2018, en création mondiale, à l’initiative de l’ONL, pour orchestre et ensemble, avec plusieurs musiciens (issus de l’Ensemble InterContemporain) répartis dans la salle dans l’Auditorium du Nouveau Siècle. La pièce combine instruments et musique électronique, sollicitant les ressources technologiques du studio numérique de l’ONL. Passionné d’astrophysique (en particulier stimulé par les écrits et recherche de l’astrophysicien Jean-Pierre Luminet), de physique théorique comme inspiré aussi par la biologie évolutive, Hèctor Parra intitule sa nouvelle partition  immersive : « Inscape » . Le compositeur admiratif de l’oeuvre peint d’El Greco et de Cézanne, s’interroge dans son œuvre musicale sur la forme de l’univers, celle d’un univers « chiffonné », comme replié sur lui-même, à l’extension cachée, imprévue, ignorée / Samedi 16 juin 2017, 18h30. Temps fort de la fin de la saison, Inscape, partition d’à peu près 30 mn, nécessitant toutes les forces vives de l’ONL, – orchestre, studio numérique, mais aussi ensemble d’instrumentistes spatialisés, devrait marquer un jalon important de la résidence d’Hèctor Parra au sein de l’Orchestre National de Lille, et comme son point d’accomplissement.
Le style de Parra est à la fois brillant sur le plan de l’orchestration, vivace et dynamique, surtout accessible pour le grand public. Avant juin 2018, le mois de mars permettra d’écouter deux oeuvres majeures du compositeur franco-catalan : deux autres immersions dans ses univers si personnels, Chroma I et Chroma II (hommage à Cézanne et aussi à la structure des paysages) / Jeudi 22 mars 2018, 20h.

Si Parra réalise la dernière séquence de sa résidence à Lille, Benjamin ATTAHIR la débute, avec à la clé au mois de janvier 2018, plusieurs rvs importants dont surtout la création d’une nouvelle partition pour serpent, – instrument grave de l’époque baroque, souvent utilisé pour doubler les choeurs dans la musique sacrée. Comme souvent Benjamin Attahir cultive une certaine affection pour la sensualité des timbres et le goût de la couleur. Le choix de l’instrument ainsi mis en avant en janvier 2018 correspond à ce travail personnel / 26 janvier 2018, 20h : le programme croise le répertoire classique et romantique avec la recherche du compositeur contemporain en résidence… Haydn, Beethoven (Symphonie n°5), et donc ADH-DHOHR de Benjamin Attahir, pour serpent et orchestre (création mondiale – soliste : Patrick Wibart). Pensionnaire de la Villa Medicis à Rome, Benjamin Attahir poursuit son travail musical au moment où il amorce sa résidence au sein de l’Orchestre National de Lille. Son écriture cisèle l’orchestration, c’est l’un des rares auteurs contemporains (qui est violoniste de formation) dont la sensibilité pour l’orchestre se manifeste avec autant de naturel, de richesse, d’évidence.
Auparavant pour se familiariser avec l’imaginaire sonore de Benjamin Attahir, les auditeurs du Nouveau Siècle pourront découvrir son jardin personnel au cours du CONCERT FLASH du jeudi 25 janvier 2018, à 12h30 (« Musiques du monde », carte blanche à Benjamin Attahir).

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AGENDA

Orchestre National de Lille / saison 2017 – 2018
Résidences d’Hèctor Parra et de Benjamin Attahir

JANVIER 2018 avec Benjamin ATTAHIR

Jeudi 11 janvier 2018, 20h
Vendredi 22 janvier 2018, 20h
Concert Glass vs Reich
ATTAHIR : Samaa Sawti Zaman
Reich : Three Movements
Glass : The American Four Seasons / Concerto pour violon n°2

Keith Lokhart, direction
Robert McDuffie, violon

RESERVER, + D’INFOS :
http://www.onlille.com/saison_17-18/concert/glass-vs-reich/

LIRE aussi notre présentation du concert GLASS versus REICH, et Benjamin Attahir...

Jeudi 25 janvier 2018
Concert Flash à 12h30 / « Musiques du monde », carte blanche à Benjamin Attahir

Berio : Folksongs
Attahir : Anchô

Direction Benjamin Attahir
Orchestre National de Lille
avec Raquel Camarinha, soprano

RESERVER, + D’INFOS :
http://www.onlille.com/saison_17-18/concert/musiques-du-monde/

Vendredi 26 janvier 2018
Concert à 20h
Haydn : Symphonie n°7 « Le midi »
Beethoven : Symphonie n°5
Attahir : Adh-dhohr, pour serpent et orchestre, création mondiale

Alexandre Bloch, direction
Patrick Wibart, serpent

RESERVER, + D’INFOS :
http://www.onlille.com/saison_17-18/concert/la-cinquieme-de-beethoven/

et à 18h45 : Autour du concert / Leçon de musique – présentation du concert et de la création mondiale « Adh-dhohr », par Benjamin Attahir, avec le soliste Patrick Wibart / « les instruments de musique étonnants ».

A plusieurs reprises, en liaison avec le programme donné selon les dates, Benjamin Attahir assure un certain nombre de Leçons de musique :
jeudi 22 février 2018 – 18h45 : « le violon concertant »
les 12 et 13 avril 2018 – 18h45 : « l’orchestration »

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MARS puis JUIN 2018 avec Hèctor PARRA

Jeudi 22 mars 2018, 20h

Concert « Correspondances »
Parra : Lumières abyssales – Chroma I
Ravel : Rapsodie espagnole
Parra : Karst – Chroma II
Brahms : Symphonie n°1

Alexandre Bloch, direction

RESERVER, + D’INFOS :
http://www.onlille.com/saison_17-18/concert/correspondances/

A 18h45, Leçon de musique, présentée par Hèctor Parra : « La technologie en musique et la spatialisation »
A l’issue du concert, bord de scène avec Alexandre Bloch et Hèctor Parra

Vendredi 23 mars 2018, 12h30
Concert Flash / Carte blanche Hèctor Parra
Avec le concours des membres du Quatuor Tana, électron libre et d’une audace inouïe, à la fois expérimentale et visionnaire car ils savent réinventer leur propre technique selon les répertoires investis (en témoigne leur dernier cd édité par PARATY, « VOLTS », CLIC de CLASSIQUENEWS de novembre 2017)…

György Ligeti
Métamorphoses noctures , quatuor à cordes n° 1

Hèctor Parra
Aracne, quatuor à cordes n° 3

Quatuor Tana

RESERVER, + D’INFOS :
http://www.onlille.com/saison_17-18/concert/hector-parra/

Samedi 16 juin 2018, 18h30

CONCERT « Immersion orchestrale »

Xenakis : Anaktoria
Parra : Inscape, création mondiale
commande de l’ONL Orchestre National de Lille

Bartok : Concerto pour orchestre

Orchestre National de Lille
Ensemble Intercontemporain
Technique IRCAM

Alexandre Bloch, direction
Concert commenté : pendant le concert, le chef explique illustrations musicales à l’apui la nouvelle partition de Hèctor Parra

RESERVER, + D’INFOS :
http://www.onlille.com/saison_17-18/concert/immersion-orchestrale/

A 17h15, autour du concert / Leçon de musique par Hèctor Parra qui présente sa nouvelle partition en création mondiale, « Inscape », aboutissement de sa résidence au sein de l’ONL Orchestre National de Lille.

Compte rendu critique, oratorio. TOURCOING, le 26 novembre 2017. Théodore DUBOIS : Le Paradis Perdu (recréation 2017). Atelier lyrique de Tourcoing. Jean-Claude Malgoire, direction. Création de la version pour orchestre. Si Dieu mit quelques jours pour venir à bout de sa Création, la partition sur le même thème de Théodore Dubois a mis davantage de temps pour émerger de la nuit de l’oubli ; mieux, la genèse de la création dans sa version pour orchestre relève d’un roman à rebondissements. Songez qu’en 2012, lorsque l’on pensait tout savoir de la partition, alors que la version pour orchestre semblait avoir disparu, une première réalisation fut alors pilotée dans une version « allégée » : volet d’un festival Théodore Dubois orchestré depuis Venise. Mais déjà, la BNF possédait la version complète pour orchestre… sans le savoir. Car c’est grâce aux descendants actuels du compositeur que fut retrouvée la preuve qu’il existait bien la partition complète pour solistes, choeur et orchestre … en France, et de surcroît… à la BN. Voilà qui en dit long sur les trésors cachés dans les collections nationales, ignorés de l’Administration elle-même : car c’est bien ici une initiative extérieure qui démontre l’existence d’un manuscrit pourtant recherché depuis des années. Le Festival canadien Classica en juin dernier a donné déjà sous la direction du fondateur de l’Atelier Lyrique de Tourcoing, une première approche orchestrale mais pas aussi complète que celle qui nous occupe ce soir. En terme d’événement lyrique, au rayon prometteur du romantisme français, il s’agit bien d’une recréation lyrique d’envergure. Nouveau jalon pour une meilleure estimation de l’art si controversé de Théodore Dubois.

Saluons ainsi l’intelligence astucieusement orchestrée entre Jean-Claude Malgoire et les descendants de Théodore, mais aussi le baryton Marc Boucher, directeur du Festival CLASSICA de Montreal (Canada), – interprète ce soir du personnage si captivant de Satan : tous nous offrent à Tourcoing la création de l’oratorio de Dubois, créé certes en 1878, mais élaboré depuis bien avant, … dès 1874. Le compositeur profitant d’un Concours de la Ville de Paris, pour proposer l’une de ses œuvres les plus abouties, offrant ce que tout le monde attendait, espérait : un bain orchestral riche en références et trouvailles, capables de spatialisation étonnante, agençant les choeurs avec l’aplomb d’un véritable dramaturge. En bien des séquences, l’ouvrage et ses 4 parties nettement identifiées, s’apparente à un opéra sacré où perce le génie du mélodiste, la sensibilité de l’orchestrateur, surtout l’efficacité dramatique et la grande franchise de l’architecte. Or on connaissait surtout le chambriste (dont l’excellent et sublime Quintette pour piano demeure la plus grande révélation récente du romantisme français).
Jean-Claude Malgoire jamais en reste d’une exhumation heureuse, dévoile avec quelle finesse Dubois sait citer l’orchestre de Berlioz (celui de la Symphonie Fantastique précisément), tout en se souvenant pour le début du drame – grave, mystérieux, profond, de la Création du monde, version Haydn dans son oratorio éponyme de 1801. Quand l’Académique et professoral Dubois compose un drame biblique, convoquant les héros de la Genèse et donc du Paradis perdu, le théoricien adoucit et enrichit tout ce que sa culture pourrait produire de sec et de démonstratif : il en résulte des tableaux à la fois construits (au métier sûr), finement caractérisés (la cohorte des anges rebelles : « laissez passer Satan »), et une tentation emblématique pour la volupté suspendue, un sentiment d’extase et de plénitude qui, pour nous, inspire à l’auteur ses meilleures pages : béatitude cotoneuse et ouatée au tout début du drame après la Création du monde, dans le premier chœur des anges bienheureux (féminin).

UN VERITABLE OPERA SACRÉ ET NOIR… Ce qui frappe et saisit ici demeure la figure de Satan : admirable emploi pour un baryton dont l’écriture évite bien des caricatures, et renouvelle alors en 1878, toute une tradition noire, celle méphistophélienne, des cyniques et manipulateurs, agents de l’ombre et démons actifs, qui offre aux compositeurs de remarquables prétextes dramatiques. C’est assurément le cas dans les deux premières parties, la Révolte (des anges rebelles), puis L’Enfer, où règne la grand démiurge autoproclamé, rival de Dieu lui-même, jaloux de Jésus auquel comme « premier des Archanges », il s’estimait supérieur. Tout l’oratorio cible la finesse et l’intelligence, très mesurée du Diable incarné, son esprit indirect (superbe jeu allusif de Marc Boucher), sa vocalité de négociateur d’habile trompeur, toute en suggestion : et sa première victime, Eve, succombe évidemment à la tentation qu’il lui réserve (3è parie : La Tentation).
L’oeuvre machiavélique est d’autant plus troublante qu’elle s’accomplit quand Dubois imagine au début de la séquence, l’un des duos les plus extatiques que nous ayons écouté ; entre Adam et Eve (« aimons nous mieux »), action de grâce d’une ineffable tendresse, et davantage encore, d’une sincérité saisissante dont les deux interprètes, Magali Simard-Galdès et surtout le ténor Antonio Figueroa font un sommet de la soirée ; ils électrisent l’association naturelle de leurs timbres : belle respiration et belle écoute en partage de la part des deux jeunes chanteurs ; Eve rayonne ainsi par l’angélisme lumineux, éclatant de son chant agile et joliment timbré ; Adam (même enroué), s’impose par la subtilité de son émission, une finesse de style qui le fait d’emblée belcantiste : phrasés soyeux et tenus, projection claire, surtout, qualité si rare aujourd’hui, articulation exemplaire : le voici ce chant français romantique, à la fois incarné, intelligible, incandescent, raffiné, ténu mais redoutablement expressif ; Jean-Claude Malgoire a réuni 3 interprètes irrésistibles, qui assurent aux côtés de l’orchestre complet, la grande réussite de cette création. Du reste c’est bien ce duo amoureux, d’une rare puissance émotionnelle qui demeure la clé de voûte de l’ouvrage, fusion originale entre le style de Gounod et de Massenet à leur sommet. C’est dire.
Distinguons le Chœur de chambre de Namur (préparé par l’excellent Thibaut Lenaerts), précis, vivant qui exprime tour à tour toutes les facettes d’une partition vive et très colorée : les étagements, les réponses entre les pupitres de chanteurs ; et ce jeu très juste qui place les choristes en une armée prête à en découdre, déployée derrière l’orchestre, assure leur totale intégration au drame qui s’accomplit entre l’orchestre et les solistes : séraphins primordiaux, anges rebelles, damnés plaintifs, esprits paradisiaques, chœur final … L’oratorio de Dubois est un véritable opéra nécessitant un chœur d’une présence exceptionnelle. Si l’on pense à Berlioz dans l’ivresse libérée de l’écriture orchestrale, c’est Rameau et ses tableaux infernaux (ceux d’Hippolyte de 1733) qui s’affirment ici : d’ailleurs, les 3 archanges rebelles (Uriel, Belial, Molock) réactivent dans la partie II (L’Enfer), le trio des parques en leur chant halluciné, mordant, lugubre.
Enfin voici l’orchestre de Dubois, propre à la fin des années 1870 en France, dévoilant le métier du compositeur. Bassons, trompettes et cors par 4, trombones par 3, harpe (doublant l’Archange glorieux), sans omettre l’ophicléide… toutes les couleurs berlioziennes s’invitent au banquet cynique, barbare de Satan manipulateur. Et l’on comprend qu’à travers la flamboyance efficace qui structure les quatre parties, c’est la Paradis qui est perdu ; agissements et manipulation fourbe de Satan inspirent à Dubois, une pièce maîtresse de son œuvre lyrique.
Aérée et précise, la direction souligne toutes les vertus expressives d’une partition caractérisée qui sait varier ses effets. Finalement Théodore Dubois, Prix de Rome, académicien, professeur puis directeur du Conservatoire, théoricien enfin, a toujours souffert de n’être pas estimé comme… compositeur. La création mondiale défendue à Tourcoing par les équipes du défricheur Jean-Claude Malgoire renverse la tendance : nous voilà bien confronté à un ouvrage dramatiquement incontestable.

Le mérite en revient à Jean-Claude Malgoire qui, pilote précédent de la recréation d’ABEN HAMET (opéra créé en 1884, révision de 1888, d’après Le dernier Abencérage de Chateaubriand) paraît de fait comme le défenseur constant de Théodore Dubois. Tourcoing est bien ce centre de création lyrique à l’indéfectible ardeur : Aben Hamet hier, Le Paradis Perdu aujourd’hui… pour tous les amateurs d’opéra comme de romantisme français, ce qui se passe à Tourcoing, sous l’aile visionnaire de Jean-Claude Malgoire est plus que jamais, incontournable. Illustrations : © Antonio Figueroa 2017 (répétition du Paradis Perdu de Théodore Dubois, recréation mondiale à Tourcoing / novembre 2017).

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Approfondir :

  Théodore DUBOIS par classiquenews.com

LIRE notre critique du cd Aben Hamet par Jean-Claude Malgoire , mars 2014 / CLIC de classiquenews.com d’avril 2015
http://www.classiquenews.com/cd-compte-rendu-critique-dubois-aben-hamet-malgoire-2-cd-alt-mars-2014/

VOIR le clip vidéo Aben Hamet par Jean-Claude Malgoire, mars 2014 / nouvelle production, récréation, à l’affiche les 14, 16 et 18 mars 2017
http://www.classiquenews.com/video-tourcoing-jean-claude-malgoire-ressuscite-aben-hamet-de-theodore-dubois-clip-video/

VOIR notre reportage vidéo complet : Aben Hamet par Jean-Claude Malgoire, mars 2014 / nouvelle production (12mn)
https://vimeo.com/91733532

Compte-rendu, concert. METZ, Arsenal, le 13 octobre 2017. Fauré, Ravel, Franck. Ph. Cassard, piano. Orch Nat de Lorraine. Jacques Mercier, direction. ESSOR SYMPHONIQUE ET CONCERTANT A METZ… C’est un bain de musique française, romantique et moderne, auquel nous invite le fabuleux programme de cette soirée à l’Arsenal. La salle aux proportions idéales, douée d’un acoustique très correcte pour le symphonique et le concertant, montre combien la Cité messine a d’atours aujourd’hui pour séduire et même captiver le mélomane, néophyte ou curieux, y compris les franciliens et les parisiens, … puisqu’en train, – s’il n’y a pas de retard à la SNCF, un PARIS-METZ dure moins d’1h30. Ce soir, l’Orchestre national de Lorraine, en résidence in loco, retrouve son chef, Jacques Mercier et le pianiste Philippe Cassard, après avoir enregistré un disque entièrement dédié à Gabriel Fauré (et qui sort le jour même chez La Dolce Volta : grande critique à venir sur classiquenews dans notre mag cd dvd livres).

FAURE EN BALLADE… Prolongement ou clin d’oeil à cette actualité discographique sur laquelle classiquenews reviendra cette semaine dans une longue critique dédiée, se distingue la première oeuvre du programme : une rareté composée par le jeune Gabriel Fauré : la Ballade en fa dièse majeur opus 19 (1881) qui en un développement libre, – proche d’une Romance intimiste et d’une fantaisie personnelle, touche par son ton de confession et de tendresse partagée.

Mais davantage qu’un intimisme assumé, c’est la sensualité et la vapeur d’un temps suspendu, comme secret mais immédiatement épanoui, que l’auteur cultive et sait faire durer ; sous les doigts riches en souplesse et teintes suggestives de Philippe Cassard, le tissu sonore et le caractère élégiaque de la pièce se déroulent avec une fluidité engageante. En moins de 13 mn, la pensée du jeune Fauré sait installer et approfondir un climat d’enchantement voluptueux et tranquille, d’une indéniable magie poétique.

CONCERTO AMERICAIN DE RAVEL… Du Concerto en sol de Ravel joué par cœur, Philippe Cassard en verve et en affinité, joue la carte de la motricité nerveuse, finement contrasté, sans manquer l’infinie mélancolie en particulier dans le mouvement lent dont il sait exprimer la tension et la fragile inquiétude que le chant de la flûte et du cor anglais enveloppent enfin d’une douceur réconfortante. Toucher précis et voluptueux (là encore), facétieux aussi dans les trépidations rythmiques ciselées pas un Ravel « américanisé » (qui revient alors d’une tournée aux States outre-Atlantiques), le pianiste séduit irrésistiblement par son éloquence à la fois mesurée et intense.
Volubile, versatile, génie des couleurs et des atmosphères, Ravel surgit en magicien et alchimiste des changements incessants, dans ce feu et cette « sorcellerie », totalement imprévisible, qui s’expriment librement sous les doigts du formidable conteur Cassard, à travers la direction efficace, économe de Jacques Mercier.

La soirée de musique française s’achève en apothéose avec la Ré mineur de Franck, chef d’œuvre du symphonisme romantique français créé en 1889, c’est à dire en plein wagnérisme. Pourtant rien de germanique dans ce souffle et cette construction qui utilisent avec intelligence le principe cyclique, cher au compositeur né liégeois (Belgique) mais français de coeur, grâce à la réitération des mêmes motifs présents dans chaque mouvement et qui en assure la cohésion interne, comme la clé fédératrice. D’ailleurs en un jeu savant, l’auteur rend possible la combinaison fusionnée des mouvements (ainsi constituant le mouvement central, l’andante et le scherzo qui suit, d’un nombre de mesures, identique, peuvent être superposés et joués simultanément).

L’Orchestre national de Lorraine s’attaque à un massif riche en atmosphères et en contrepoint très savamment élaboré , la clé étant donnée en fin de parcours dans le troisième mouvement où le sublime chant de la harpe réalise l’incandescence spirituelle et libératrice, en de graves et sombres accords arpégés.
Si Ravel regrette des poncifs « surannés à la Brahms », Debussy relève les procédés poétique du génie franckiste dont nous parlons. La puissance convole avec d’indéniables trouvailles d’orchestration, où s’épanouissent au fil de la partition des alliages de timbres, dignes d’un opéra maudit et lugubre, à mettre évidement en relation avec son triptyque précédent (ou poème-symphonie), également créé à Paris, mais avant en 1873, « Rédemption », où là encore, c’est toute la fine mécanique orchestrale qui est sollicitée pour que surgissent après l’imprécision angoissante et maudite, le miracle d’une révélation finale et l’élévation salvatrice tant espérée. En somme une construction à la Liszt (l’inventeur du poème symphonique) que Franck admirait et dont il reprend le principe dramaturgique : au sombre et au lugubre préalablement développé, succède la lumière éblouissante.

Remarquable soirée orchestrale et concertante à METZ

Piano et orchestre scintillants…
Vers la clarté

Ainsi, sous la direction (sans baguette) de Jacques Mercier, s’épaissit sans lourdeur, dès le début du cycle, le poison en son mystère (inquiétude des frémissants violoncelles qui citent Les Préludes de Liszt). Puis c’est toute la colonne des bois (clarinettes et bassons) qui semble comme éclairer de l’intérieur, ce grouillement des enfers, prélude au déferlement qui suit (démonisme des basson et des cors). Couleurs de l’angoisse, Gravitas forcenée mais harmoniquement variée et instrumentalement ciselée… le travail du chef s’inscrit d’emblée dans l’intensité sonore, et profitant de l’amplification naturelle de la salle de l’Arsenal, joue sur des tutti fracassants, qui affirment immédiatement le souffle incroyable de l’unique Symphonie de Franck.

Dans le mouvement central qui est à la fois Andante et Scherzo, on relève le climat hypnotique et lui aussi d’un lugubre berliozien, de la marche funèbre où rit bonnement entre mélancolie et inquiétude, le chant du cor anglais sur les pizzicatis de la harpe et des cordes. Jacques Mercier trouve un ton juste entre majesté et mystère, secret et plénitude d’un rituel oublié. L’équilibre des pupitres, la lisibilité de chaque phrase instrumentale, passant d’un timbre à l’autre, offre ce bain symphonique que l’on attendait dans une partition jamais usée. Dans le Scherzo enchaîné, on admire en particulier la suavité heureuse de la clarinette (si subtilement alliée au cor et à la flûte : tout le génie de Franck est là, dans ces détails et précisions d’orchestration, porteurs de magie sonore).
Aussi détaillé qu’expressif, Jacques Mercier révèle dans le Finale, – autre tour de force sur le plan de l’écriture-, ce jeu formel d’un équilibre structurel étonnant (qui aura échapper à Ravel), où tous les thèmes sont réitérés mais sous une forme renouvelée, géniale possibilité de la forme cyclique si chère au compositeur. Le souffle héroïque, la somptuosité mesurée de la fanfare de cuivres (qui rappelle et Dvorak et Bruckner), les brumes wagnériennes qui diffusent juste avant l’éclosion du prodigieux effet de la harpe sonore et grave (sommet libératoire du cycle)… tout nous est remarquablement dévoilé ce soir, avec un goût pour la plasticité parfois rugissante d’un orchestre idéalement tenu. Il ne faut ni trop détailler au risque de l’éparpillement, ni trop survoler au risque du schématisme. Mais accompagner et favoriser l’élan graduel et les reprises nombreuses, et les citations renouvelées, jaillissantes dans la riche texture orchestrale… Jacques Mercier choisit une voie médiane qui réussit l’intensité expressive, le geste toujours sobre de l’homme de synthèse qui a le sens de l’architecture et maîtrise l’analyse des somptueux cocktails de timbres précédemment évoqués. Comme la Ballade de Fauré initialement restituée, la Symphonie de Franck réalise son envol, de l’ombre « vers la clarté », selon le titre du programme de ce soir. Le chef poursuit ainsi dans l’opulence et l’éclat, sa dernière saison comme directeur musical de la phalange lorraine. Superbe soirée symphonique à l’Arsenal.

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Compte-rendu, concert. METZ, Arsenal, le 13 octobre 2017. Fauré : Ballade opus 19. Ravel : Concerto en sol majeur / Philippe Cassard, piano. FRANCK : Symphonie en ré mineur (1888). Avec l’Orchestre national de Lorraine sous la direction de Jacques Mercier.

LIRE aussi notre présentation du concert de Philippe Cassard avec l’Orchestre national de Lorraine et Jacques Mercier : http://www.classiquenews.com/metz-philippe-cassard-joue-faure-et-ravel/

 
Crédit photographique: © Cyrille GUIR / Arsenal, Cité musicale, Metz 2017

Compte-rendu, Festival. LISBONNE, VERAO CLASSICO : 1er au 10 août 2017 : Qu’est-ce qui fait aujourd’hui un bon festival de musique de chambre ? Evidemment la qualité des instrumentistes invités, la diversité et le rythme de l’expérience musicale à destination du public … et peut-être surtout comme ici à Lisbonne, le désir de renouveler et d’enrichir le genre. A toutes ces questions primordiales, le directeur artistique de l’événement et pianiste Filipe Pinto-Ribeiro a trouvé les réponses, mais il va plus loin en assurant simultanément aussi, l’enrichissement technique des jeunes élèves de l’académie, comme pour les festivaliers, une immersion exceptionnelle dans le mécanisme du concert et de l’interprétation. A la fois festival et académie, Verao Classico répond aux attentes des deux côtés de la scène.

Lisbonne, festival et académie

VERAO CLASSICO, fleuron des nouveaux festivals de musique de chambre

AU CCB, Centre culturel de Belem… Dans le Centre culturel de Belem, à Lisbonne, spectateurs, instrumentistes en herbe, musiciens renommés qui sont professeurs animent pendant 10 jours, une véritable ruche, – c’est à dire une manière de cité musicale idyllique, où l’apprentissage voisine avec l’expérience du concert, où surtout les apprentis peuvent écouter et analyser le jeu de leurs professeurs… eux-mêmes invités à se produire devant leurs cadets et devant le public qui a accès à toutes les sessions. L’expérience est d’autant plus méritante et estimable qu’il n’existe pas comme en France ou en Allemagne de tradition chambriste au Portugal. Le festival comble donc un vide criant. Tout en faisant du temps estival, un cycle d’approfondissement plus que formateur pour nombre de jeunes instrumentistes, venus parfaire leur technicité de soliste ou améliorer leurs aptitudes à jouer collectivement.

L’idée d’implanter au CCB, ce festival et cette académie offre une opportunité unique pour les musiciens portugais et tous les jeunes instrumentistes internationaux de suivre ici les conseils avisés des plus grands concertistes, habitués aussi à jouer ensemble (certains d’entre eux ont l’habitude de se retrouver à l’affiche de festivals et de salles illustres dans le monde). La force de l’Académie à Lisbonne vient des personnalités invitées : cette année, entre autre : les violonistes Corey Cerovsek ou Elina Vähälä ; la corniste Marie-Luise Neunecker, le clarinettiste Pascal Moraguès ou les violoncelliste Gary Hoffman et Kyril Zlotnikov… Evidemment la classe du violoncelliste américain Gary Hoffmann, – personnalité ô combien charismatique, d’une culture et d’une sensibilité stimulantes (et qui de surcroît parle un français impeccable-, ne désemplit pas ; et chacune de ses prestations en concert, en soliste et aux côtés de ses confrères aussi expérimentés suscitent l’enthousiasme par sa musicalité et sa probité musicale, sans parler de son intelligence artistique. Un Maître assurément.

LE SENS DES ALCHIMIES MUSICALES… Le talent de Filipe Pinto-Ribeiro est d’avoir su réunir, au sein de l’équipe pédagogique, des pointures charismatiques, qui savent aussi jouer ensemble : de sorte qu’après la journée de cours et de répétitions intenses, chaque concert des Maîtres (intitulé « masterfest »), est un cadeau, un phare, une source de stimulation et de dépassement. Pour tous. Pour les jeunes apprentis, pour le public, pour les plus aguerris, heureux d’écouter leurs confrères ou de jouer de concert dans le partage et l’estime réciproque.

UNE ECOLE DE VIE… Le temps de notre séjour, à Lisbonne, il a été possible de mesurer le degré d’implication des jeunes musiciens académiciens (à l’été 2017, plus de 150 jeunes venus de toute l’Europe, d’Asie et des Amériques…), la qualité des cours assurés par les professeurs, l’organisation des concerts proposés au public. Chacun y puise un bénéfice humain, artistique, technique d’une très grande valeur. La musique de chambre exige une qualité d’écoute, une humilité, une grande ouverture d’esprit qui s’avèrent dans la vie elle-même, de précieux bagages. Rien ne remplace les apports d’une expérience musicale collective. Jouer ensemble, c’est apprendre à vivre avec les autres. La métaphore montre combien le cycle et l’offre sont essentiels aujourd’hui. Au cœur du programme, s’imposent l’enseignement et l’expérience des 4 concerts de professeurs (« les « MasterFest »), et les 6 concerts des jeunes instrumentistes académiciens (« TalentFests »).
Aux côtés des profils internationaux, originaires du monde entier, de très nombreux jeunes musiciens portugais suivent les sessions de travail et participent aux concerts : l’école de musique de l’Orchestre Métropolitain de Lisbonne, autre ruche musicale permanente, qui accueille tous les profils de jeunes instrumentistes, est un partenaire privilégié du festival académie du CCB : ainsi, chacun y trouve sa place selon son niveau et ses objectifs.
Les frontières s’affranchissent : une seule famille se précise et se renforce au diapason des nationalités associées (20 pays différents sont représentés ainsi à Lisbonne), des rencontres et des échanges. Rien ne saurait atteindre à ce degré d’émulation collective, tant l’expérience de la musique de chambre, telle qu’elle est vécu à Lisbonne, le temps du festival-académie Verao classico (en portugais, l’été classique) transforme les esprits, leur façon de jouer et de vivre la musique. L’expérience des autres, l’écoute des partenaires… l’offrande finale donnée en partage aux festivaliers lors de chaque concert réactive cet idéal européen où les nationalités s’unissent pour bâtir une harmonie soudainement tangible et audible. Par son fonctionnement, son but, ses réalisations, le festival académie VERAO CLASSICO à Lisbonne est un exemple à suivre. Une utopie devenue réalité.

Prenez note des dates 2018 : du 29 juillet au 7 août 2018.
Toutes les infos et les modalités de réservations sur le site du festival Académie VERAO CLASSICO à Lisbonne (Portugal).

Pour rappel : l’équipe pédagogique 2017, réunie grâce à Filipe Pinto-Ribeiro en août 2017

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VERAO CLASSICO 2017
L’équipe pédagogique :


· Filipe Pinto-Ribeiro (Portugal) : Piano, Soloist and Chamber Musician, Artistic and Pedagogical Director

· Eldar Nebolsin (Russia) : Piano, Professor at Hochschule für Musik “Hanns Eisler” Berlin
· Corey Cerovsek (Canada) : Violin, Soloist and Chamber Musician, Stradivarius “Milanollo”
· Elina Vähälä (Finland) : Violin, Professor at Hochschule für Musik Karlsruhe
· Isabel Charisius (Germany) : Viola, Professor at Lucerne University and Violist at the Alban Berg Quartet
· Gary Hoffman (USA) : Cello, Professor at Queen Elisabeth Music Chapel of Belgium
· Kyril Zlotnikov (Israel) : Cello, Soloist and Cellist of the Jerusalem Quartet
· Gunars Upatnieks (Latvia) : Double Bass, Professor at Hochschule für Musik “Hanns Eisler” Berlin and Double Bassist in the Berliner Philharmoniker
· Ramón Ortega Quero (Spain) : Oboe, 1st Principal Oboe in the Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks
· Pascal Moraguès (France) : Clarinet, Professor at Conservatoire de Paris and 1st Principal Clarinet at Orchestre de Paris
· Marie-Luise Neunecker (Germany) : Horn, Professor at Hochschule für Musik “Hanns Eisler” Berlin

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LIRE aussi notre annonce du Festival et académie VERAO CLASSICO à Lisbonne, 1er au 10 août 2017
http://www.classiquenews.com/lisbonne-verao-classico-festival-academie-1er-10-aout-2017/

TOUTES LES PHOTOS / COPYRIGHT © studio classiquenews.tv – 2017 – Réalisation : Philippe-Alexandre PHAM
 

GRAND ENTRETIEN avec JAY BERNFELD… Fin septembre 2017, le gambiste Jay Bernfeld joue son cher Marin Marais, sujet d’une amitié musicale ou d’un « compagnonage artistique » et même humain qui s’est nourri continûment, de l’interprète au compositeur, depuis 40 ans. Le disque qui en découle, intitulé « FOLIES D’ESPAGNE » sort ce 29 septembre 2017. Révélé par le film Tous les matins du monde, Marin Marais avait trop été présenté comme un opportuniste mondain. La valeur du geste de Jay Bernfeld, à travers le programme qu’il a choisi, interroge différemment la musique du compositeur français : l’interprète en révèle le goût de l’éloquence intérieure. L’instrumentiste a choisi plusieurs perles issues des Livres III et V, mais aussi s’est laissé séduire par la virtuosité millimétrée et jamais artificielle des Folies d’Espagne. Témoignage d’un enregistrement qui est un retour aux sources et l’accomplissement d’un dialogue intérieur perpétuel : Jay Bernfeld exprime la pudeur et la riche vie intérieure de Marin Marais. GRAND ENTRETIEN pour CLASSIQUENEWS.

Vous entretenez une relation très personnelle et de longue date avec Marais, avec son instrument, la viole de gambe qui est aussi votre instrument. Quelle représentation vous faites-vous du musicien, de l’homme et de l’artiste ? Quels aspects de son caractère et de sa personnalité ses œuvres révèlent-elles ?

 
Jay Bernfeld : Toute amitié est une série d’échanges, une série de « flashes », de souvenirs… surtout une amitié qui traverse les siècles comme entre Marais et moi !
Tout d’abord c’est la musique qui m’a fait « résonner », tel un instrument. Marais est l’un de mes maîtres. Après avoir parcouru quelque 300 pièces de violes et toutes les Pièces en trio, une image du musicien finit par émerger derrière l’œuvre. Marais est quelqu’un qui aime la vie, un être adapté à toute situation, de par sa personnalité et son discours musical.
Issu d’un milieu humble, certes, mais son élégance naturelle fait de lui, l’un des musiciens les plus proches de Louis XIV, qui vit harmonieusement le va-et-vient entre une rive gauche populaire et la splendeur du Louvre et de Versailles.

Sur un plan plus anecdotique ou subjectif : il se trouve que je vis dans son quartier, tout près de la rue Mouffetard qui, ayant résisté à toute haussmannisation, laisse imaginer ce qu’était le Paris de Marais, et tout près du jardin des Plantes, vrai laboratoire de l’esprit des Lumières. Comme si pour ainsi dire je mettais mes pas dans les siens…

La musique de Marais désigne comme un retour à la source de la musique, un retour qui restructure et régénère aussi l’artiste que vous êtes. De quelle façon précisément ?
 
JB : Retour aux sources surtout pour moi, qui ai travaillé sur l’alliance entre la parole et la musique, que de me retrouver aujourd’hui devant une musique instrumentale « pure », qui ne raconte pas d’histoire (elle va parfois jusqu’à l’évocation ou l’allusion, mais elle n’est jamais narrative).

Toute comme la vie de Marais, son œuvre peut être scindée en deux. Les opéras ou œuvres scéniques sont destinés au monde sophistiqué de la cour. Les pièces de viole, je les vois davantage comme une aventure intime, et toujours plus profondément Livre après Livre. Les deux premiers sont très virtuoses – à preuve les Folies d’Espagne. A partir du IIIème Livre, je sens Marais vraiment lui-même, apte à cerner l’essence même de chaque danse, l’enlaçant avec la douceur de son fameux coup d’archet.
J’imagine un peu les IIIe, IVe et Ve Livres comme les jardins privés d’un compositeur destiné à vivre au milieu d’un jardin public…

Illustration : Jay Bernfeld et sa viole magicienne © Uit Bé studio

Concernant la sélection des pièces que vous jouez dans cet album, quels sont les critères présidant à votre choix ? En quoi le cheminement des partitions, dans leur succession ainsi présentée, témoigne-t-il de ce lien étroit, profond, intime que vous éprouvez à l’égard de Marin Marais ?

JB : Je me suis plutôt posé la question de savoir ce que j’aurais regretté de ne pas inclure sur ce disque, car le répertoire du violiste chez Marais est un océan…
Tel quel, le programme équivaut peut-être à une double biographie du musicien et de son interprète, et un livre d’or de notre longue amitié. La Suite en ré a été mon premier contact discographique avec Marais, jouée par Wenzinger, ce pionnier de la viole de gambe, fondateur de la Schola Cantorum de Bâle, l’un de mes maîtres.

Aux côtés du fastueux Lully, génie de l’Opéra, vous défendez l’idée d’un Marais éclectique, diversifié, capable de se renouveler en permanence et d’être lui-même très inspiré par le théâtre. Pouvez-vous nous donner quelques clés révélant cet art de Marais, qui, contrairement à ce que l’on pense, n’est ni austère ni exclusivement introspectif ?

Quelles pièces résonnent-elles ainsi en écho à ce Marais plus mondain voire courtisan (finalement très en relation avec ses innombrables charges qu’il occupa à Versailles dans la proximité de Louis XIV) ?

JB : Mais ces aspects ne doivent surtout pas être vus comme contradictoires…« Mon » Marais n’est pas austère… il n’est pas non plus mondain !
Il existe chez lui trois Tombeaux. Les deux premiers, pour Lully et pour Sainte-Colombe, hommages presque officiels, quoique extraordinairement sombres et intenses ; et celui du disque, pour Marais le Cadet, tiré du Ve Livre. Un livre écrit pour soi, comme s’il ne jouait sa musique qu’à lui-même… dans le recoin le plus caché de son jardin secret…

Propos recueillis en septembre 2017

approfondir

LIRE aussi, notre grande critique du cd FOLIES D’ESPAGNE par JAY BERNFELD et FUOCO E CENERE – CLIC de CLASSIQUENEWS de septembre et octobre 2017

VOIR une sélection des pièces enregistrées par Jay Bernfeld et ses complices, instrumentistes de son ensemble Fuoco E Cenere

Compte rendu, opéra. NANTES, le 23 septembre 2017. BERLIOZ : LA DAMNATION DE FAUST. Spyres, Hunold, Alvaro, Bontoux… Rophé. Du choc qui naît de l’équation Berlioz Goethe surgissent des pépites, véritables joyaux de l’opéra romantique français. Cette Damnation créée en 1846, éblouit à chaque représentation, car la partition permet comme rarement à l’orchestre de scintiller, murmurer et rugir, où les architectures avec le chœur impressionnent, où surtout le chant affirme cette déclamation spécifique propre au Berlioz le plus exigeant, et déjà ciselée comme futur jeune vainqueur du prix de Rome dans sa fameuse Cantate La mort de Cléopâtre (1829).

Une DAMNATION A SE DAMNER
Spyres, Hunold, Alvaro, Bontoux… composent une distribution éblouissante

Ce soir l’art d’un ténor anglo-saxon pourtant mis au défi de la diction française confirme sa maîtrise irréprochable (à quelques détails près), il est vrai qu’il chante le rôle depuis plusieurs années et connaît la partition par cœur… (c’est l’un des soliste à chanter sans partition, entièrement disponible à son chant et son jeu au devant de la scène) ; ce que réalise le ténor américain Michael Spyres (Faust) suscite en effet admiration et enthousiasme : le sens du verbe, le jeu scénique très habité (malgré l’absence de mise en scène mais la légende dramatique conçue par Berlioz n’a pas depuis sa conception intégré de décors), la précision des diphtongues claires et jamais appuyées (une gageure pour un anglo-saxon), …tant de maîtrise linguistique et d’intelligence dans la conception du personnage souligne l’art du diseur, éclaire le profil du héros : sa tendresse infinie, sa solitude profonde aussi, enfin sa lumineuse humanité, sa compassion finale qui précipite sa chute mais offre l’apothéose pour Marguerite. Le ténor s’impose dans un rôle qu’il chante depuis plusieurs années, en France dès 2014 et encore récemment au Festival Berlioz à l’été 2017…
Berlioz a portraituré un contemplatif esseulé à jamais insatisfait, en connexion direct avec la Sainte Nature ; c’est d’ailleurs dans ses invocations au mystère des éléments, au grand souffle de l’univers que Berlioz montre la mesure de son inspiration comme génie romantique (après les évocations américaines de Chateaubriand).
Plus éphémère (mais intensément dramatique), sa rencontre avec Marguerite, fugace personnification de l’idée fixe, éternelle bien aimée ailleurs inaccessible (Symphonie Fantastique puis Lélio), prend forme ici et s’incarne en un duo d’une exquise intelligence. Il faut reconnaître qu’en jouant l’amoureuse éprise, empoisonneuse matricide malgré elle, la très noble et voluptueuse Catherine Hunold personnifie aussi bien que Régine Crespin en son heure, cette féminité ardente et digne, d’une distinction naturelle, capable de couleurs inouïes, tragédienne sensuelle comme amante éperdue : qu’il s’agisse de sa romance hallucinée du « roi de Thulé » (et sa coupe vermeil à la mer… préfiguration des morsures empoissonnées d’un Chausson à venir) ; de son duo avec Faust puis de son “ardente flamme”(grand air de la partition), la diva ici même applaudie dans le rôle de la noire Ortrud wagnérienne (Lohengrin) fait sensation en jeune femme embrasée par le désir et la passion. Au point de regretter parfois le volume sonore de l’orchestre qui couvre les nuances millimétrées que réussit divinement la diva, vraie soprano dramatique et puissante, d’une irrésistible vérité. Inoubliable.

La direction attentive de Pascal Rophé paraît moins convaincante dans Berlioz que la saison dernière dans Wagner (Lohengrin ici même et également sans décors). Plus précautionneuse et tranquille, que vraiment traversée par le souffle du sujet diabolique et cynique… Des tempos exagérément ralentis (dans l’air de Marguerite justement, “d’amour l’ardente flamme”…) et surtout dans la dernière partie celle de la chevauchée infernale, un manque d’équilibrage sonore (les percussions toujours systématiquement en avant), des attaques trop fortes… rendent peu compte du raffinement exceptionnelle de la partition berliozienne. On a regretté aussi le manque de nuances comme d’expressivité du choeur féminin. Les tableaux malicieux, électriques des esprits et créatures convoqués par Méphistophélès restent trop polis. Mais ce qui reste ailleurs, s’inscrit dans le souci de clarté déjà observé dans le travail de son Lohengrin de la saison passée.
Les interventions des chœurs associés et les jeunes chanteuses de la Maîtrise invitée (seconde partie, pour l’apothéose de Marguerite) ne manquent pas de panache, d’articulation oratoire (les hommes surtout pour les chœurs démoniaques, pour le délire électrique des étudiants, pour la question les juges infernaux à l’adresse du Mephisto finalement vainqueur… )
Fermant le trio vocal protagoniste, le Méphistophélès de Laurent Alvaro est impressionnant dans la veine sarcastique ironique, cynique, sardonique, même s’il pourrait être parfois plus nuancé dans les intentions, et même s’il se montre avare en aigus larges et couverts (faiblesse réduite en seconde partie cependant). Notons aussi l’excellente musicalité du baryton-basse malvoyant Bertrand Bontoux : Brander solide, habité (dans le tableau de la taverne à Leipzig), et lui aussi, comme Spyres, sans partition et d’une absolue intelligibilité. Un régal.

Ainsi s’amorce (et de la meilleure façon) la nouvelle saison d’Angers Nantes Opéra 2017-2018, qui est aussi l’ultime programmation conçue par Jean-Paul Davois. On sait que ce dernier attache une importance capitale au texte et au théâtre dans chaque production lyrique présentée. Cette Damnation sans décors ne fait d’ailleurs pas exception à cette ligne artistique des plus justes : Berlioz intitule son opéra, « légende dramatique » ; la partition orchestrale surprend et saisit par la force suggestive de l’orchestre et des choeurs. Et sa forme est davantage celle d’un oratorio démoniaque fantastique, l’une des meilleures adaptations du mythe goethéen en France, qu’un opéra.

POPPEA … prochain événement lyrique à venir en octobre 2017 à Nantes. La prochaine production événement présentée par Jean-Paul Davois pour Angers Nantes Opéra est un absolu incontournable : sommet de l’opéra baroque vénitien du Seicento (XVIIè) : Le Couronnement de Poppée / L’Incoronazione di Poppea de Claudio Monteverdi. L’ourvage de 1642 est l’un des derniers du compositeur : sur le livret de Busenello, écrivain poète parmi les plus exigeants, l’opéra est mise en scène par le duo à présenté familier à Nantes et Angers, les metteurs en scène Patrice Caurier et Moshe Leiser, d’ailleurs ce dernier ne fait pas que résoudre la vraisemblance dramatique de la réalisation scénique, il coréalise aussi la partie musicale du nouveau spectacle, en étroite connivence et complicité avec le chef italien Gianluca Capuano (qui pilote ainsi à quatre mains son ensemble sur instruments baroques, Il Canto di Orfeo). Prochain grand reportage vidéo sur la préparation de la nouvelle production de Poppea pour Angers Nantes Opéra. A l’affiche du 9 au 17 octobre 2017 à Nantes au Théâtre GRASLIN. C’est la prochaine nouvelle production baroque événement de la rentrée lyrique 2017.
INFOS & RESERVATIONS SUR LE SITE d’Angers Nantes Opéra saison lyrique 2017-2018

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Compte rendu, opéra. NANTES, le 23 septembre 2017. BERLIOZ : LA DAMNATION DE FAUST. Spyres, Hunold, Alvaro, Bontoux… Rophé.
Illustrations : ©Jef Rabillon . Angers Nantes Opéra septembre 2017

Catherine Hunold, Marguerite
Michael Spyres, Faust
Laurent Alvaro, Mephistopheles
Bertrand Bontoux, Brander

Chœur d’Angers Nantes Opéra
Chef : Xavier Ribes
Chœur de l’Opéra de Dijon
Chef : Anass Ismat
Maîtrise des Pays de la Loire
Chef : Sophie Siegler
Orchestre National des Pays de la Loire
Direction musicale : Pascal Rophé

Angers, Centre des Congrès, samedi 23 septembre, 20h30

COMPTE RENDU, festivals 2017. GSTAAD Menuhin Festival & Academy : concerts des 14, 15, 16, 18 août 2017. GSTAAD, UN EDEN MUSICAL ESTIVAL… Dans le sillon tracé par la légende Yehudi Menuhin qui l’a créé il y a 61 ans,- 2016 avait marqué le jubilé du festival suisse dans le Saanenland, le festival estival de Gstaad (précisément selon la nomenclature officielle : « GSTAAD MENUHIN Festival & Academy ») poursuit la double vocation première du cycle de concerts : partage et pédagogie. Le public vient y goûter les meilleurs interprètes dans une palette élargie de formes musicales (musique de chambre, récitals intimistes, concerts symphoniques, opéra en version de concert.)… Les jeunes musiciens viennent y perfectionner leur métier le temps des 5 académies dont la plus impressionnantes demeure celle dédiée à la direction d’orchestre, cette année pilotée par le chef néerlandais Jaap von Zweden. Un tempérament énergique volontiers démonstratif, soucieux de conduire jusqu’à leurs limites ultimes, les 12 jeunes chefs en lice, candidats au prix Neeme Jarvi qui promet à l’heureux élu des engagements concrets avec les orchestres partenaires (Bern, Bâle…).

INTIMISME PRÉSERVÉ DANS LE SAANENLAND… Mais Gstaad doit son charme irrésistible aux concerts intimistes dans les chapelles et églises du territoire (Saanenland : Saanen étant la ville noyau où Yehudi Menuhin dès 1957 donnait ses premiers concerts), dont l’austérité et la rusticité protestante assurent des conditions acoustiques idéales, en partie grâce au volume bien dimensionné de leur nef central et unique, coiffée souvent d’une voûte en bois, idéal écrin pour les concerts de musique de chambre et les récitals.

C’est le cas des premiers concerts auxquels nous avons assisté à partir du 14 août et jusqu’au 19 août 2017. Point d’orgue de cette semaine, le concert du soir du 19 indique une autre dimension pour le festival suisse, celle des grands rendez vous symphoniques (et lyriques). En effet le concert du 19 août reste celui attendu, sous la tente cathédrale de Gstaad où maestro Zweden dirige Sol Gabetta dans le Concerto de Lalo, avant d’aborder avec le même orchestre du festival (GFO Gstaad Festival orchestra, soit près de 100 musiciens), la 5ème de Tchaikovski dont le maestro faisait dès les répétitions, une grande machine Philharmonique au souffle éloquent et électrique, confinant à une série d’éruptions orchestrales d’une véhémence spectaculaire. Lire notre compte rendu complet à partir du 22 août 2017.

Le 14 août 2017, place à l’intimité chambriste d’un programme qui met surtout en avant le violon ardent, juvénile de Christel Lee, nommée “Menuhin heritage artiste” (Ysaye subtilement tendu et expressif).

Puis le 15 août, c’est Maxim Vengorov qui fête les 30 ans de l’Académie Menuhin,- international Menuhin music academy / IMMA (académie qu’il dirige à présent), dans un programme copieux (Mozart, Prokofiev, Brahms, Bartok) : entouré par les jeunes instrumentistes académiciens, le musicien russe (né à Novossibirsk), revenu au violon récemment, confirme bien qu’il est avec le très rare à présent Vadim Repin, le plus bon son violonistique du moment,… saisissant de pureté lumineuse, en une sonorité brillante mais habitée, d’une intelligence sobre, d’une franchise expressive sans effet ni boursouflure qui illumine et porte tout le Concerto de Mozart. De surcroît l’église de Saanen est celle où tout a commencé quand en 1957, Menuhin lui-même tombait sous le charme du village qui allait devenir l’épicentre de la vie musicale estivale suisse. L’aventure a commencé il y a plus de 60 ans et poursuit son extraordinaire périple.

Le niveau des cordes de l’Académie Menuhin est représenté ce soir aussi par les musiciens du Sextuor de Brahms dont l’écheveau contrapuntique aux harmonies parfois âpres et mordantes (spécificités de la vie intérieure et mystérieuse de Brahms) s’éclaircit à mesure que le flux musical se développe et s’accomplit. L’expérience collective semble être totalement comprise et assimilée. Les musiciens incarnent magnifiquement ce qui importait tant pour leur fondateur Menuhin : dépassement, écoute, partage.

Le 16 août au soir, dans une autre église du Saanenland (Zweisimmen), focus sur le nouveau projet Stradivarius d’un petit groupe de cordes du Berliner Philharmoniker, soit 6 solistes jouant sur des joyaux instrumentaux (prêtés par une fondation), dont les qualités instrumentales sont rendus harmonieusement proches grâce aux secrets de fabrication Stradivarius dont découlent les 6 instruments,vedettes de la soirée. La littérature musicale pour sextuor est riche; ce soir le choix se porte sur Brahms et surtout Tchaikovski (Souvenirs de Florence).
Du tissu brahmsien complexe à la fois introspectif et très dense, les 6 solistes atteignent et nourrissent une vision rarement claire, à l’intonation étonnamment heurtée qui manque souvent de fluidité. On sait combien documentaires nombreux à l’appui, le son Stradivarius et ses soit disantes qualités supérieures voire transcendantes relèvent d’une vue de l’esprit, du mythe plutôt que de la réalité objective d’un phénomène scientifiquement quantifiable.
Or l’engagement à défaut de la cohérente synchronicité est bien souverain dans ce programme aux multiples vertus sonores.
Même velléités de fusion chantante aux éclairs intimes et pépites mélodiques dans Souvenirs de Florence : malgré une irrésistible séduction mélodique- qui assure le surgissement d’une nostalgie apaisée, la partition ne cache en rien cependant la nature angoissée et terriblement inquiète de Piotr Ilyitch. Le concert de ce 16 août sensuellement caressé par les timbres inspirés quoique souvent imprécis des 6 Stradivarius, l’a bien démontré.

COMME PILIER DE SON ACADEMIE DE DIRECTION, le GSTAAD MENUHIN Festival dispose d’un orchestre maison de premier plan

L’ACADEMIE DE DIRECTION D’ORCHESTRE… Aucun doute, Gstaad poursuit dans la diversité d’une offre équilibrée, cette attention spécifique aux cordes, révérence renouvelée au violon de son fondateur historique Yehudi Menuhin. Vendredi 18 août 2017, autre lieu, autre concert, sous la tente, magnifique emblème à triples pointes sommitales du Gstaad moderne: des 12 jeunes maestros ayant suivi le coaching intensif du maître Jaap Von Zweden, finalement 7 dirigent lors de la finale avec orchestre. Beaucoup sont techniquement déjà très précis, peu savent fusionner la souplesse éloquente des intentions à une gestuelle métronomique et rythmique impeccable. Parmi nos préférés plus convaincants par une maîtrise qui s’autorise l’apparence de l’abandon mais maîtres d’une belle communication avec les plus de 80 musiciens, citons les très prometteurs : GONZALO FARIAS (Chili), l’autrichienne KATHARINA WINCOR qui a remporté le prix : geste sobre, économe d’une belle fluidité qui incite à l’intériorité.

Enfin les deux coréens en lice, deux passionnantes sensibilités pour le moins, qui méritaient légitimement d’être présents ce soir sous la tente : la très subtile HOLLY CHOE dont le galbe de la baguette saisit immédiatement autant que le nerf vif, incisif de son compatriote HEE-BEOM JEON captive par son sens affûté du relief, sa fougue virile et cravachée. A la première revenait la gestion tout en finesse de la valse de la 5ème de Tchaikovski (scintillement instrumental), au second, l’énergie de conquête qui doit emporter la fièvre de l’ultime séquence, forme transfigurée d’une marche finale.
Répondant à la personnalité des candidats où l’on regrette que pas un français ne soit présent, s’affirme le feu collectif de l’orchestre du festival, somptueuse phalange composée des meilleurs instrumentistes issus d’un noyau primitif des orchestres suisses de Bâle et de Bern.

La présence de cet orchestre festivalier concourt grandement au succès de cette académie de direction d’orchestre à Gstaad. Son implication, sa volonté, son entrain (emmené par le premier violon d’origine roumaine « Vlad ») est un point crucial du festival estival de Gstaad.

D’ailleurs les festivaliers familiers et adeptes ont immédiatement mesuré les progrès parcourus par l’orchestre : une sonorité éloquente, une fièvre collective prête à en découdre, une interactivité immédiate pour qui savait les stimuler. Au final, après une séquence riche en sensibilités maîtrisées, très efficacement pilotées par le pédagogue Zweden, les jeunes femmes et jeunes hommes prétendants au Prix Neeme Järvi (du nom de l’ancien chef ayant dirigé cette académie de direction d’orchestre) ont offert une synthèse passionnante de ce qu’est le travail d’un chef et d’un orchestre : empathie voire charisme, précision et clarté, sensibilité et intention… Tout passe par le geste et le regard, l’anticipation et la réactivité. En cela, la Gstaad Conducting Academy propose une expérience captivante, évidemment pour les candidats académiciens, pour le public aussi, venu assister à l’émergence et l’affirmation d’un tempérament fédérateur. Au terme du concert, le jury désigné a distingué deux baguettes parmi les 7 : celles de Katharina Wincor (Autriche), et de Petr Popelka (République tchèque). LIRE aussi notre dépêche “Palmarès du Neeme Järvi Prize 2017, Gstaad Menuhin Festival & Academy”…

Prochain compte rendu, concert du 19 août 2017 sous la tente : Zweden / Gabetta / GFO (Ravel, Lalo, Tchaikovski).

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AGENDA : 3 concerts événements à GSTAAD 2017
Prochains concerts événements à GSTAAD (jusqu’au 2 septembre 2017). 3 programmes s’annoncent absolument incontournables à GSTAAD : Evgueny KISSIN dans le Concerto n°2 de Bartok sous la direction de Antonio Pappano (et l’Orchestre de l’Academie Santa Cecilia Roma) le samedi 26 août (Tente, 19h30) ; le programme en création mondiale (suivi d’un enregistrement chez DECCA) : « Dolce Duello » réunissant les deux tempérements superlatifs de la violoncelliste Sol GABETTA et de la mezzo Cecilia BARTOLI (airs d’opéras, dimanche 31 août, église de Saanen, 19h30) ; enfin la version de concert d’AIDA de Verdi, sous la tente de Gstaad, le 1er septembre 2017 à 19h30, avec Francesco Meli (remplaçant Roberto Alagna initialement programmé), Kristin Lewis (Aida), Anita Rachvelishvili (Amnéris)… sous la direction de Gianandrea Noseda et le LSO London Symphony Orchestra. Ajoutons que le pianiste Evgeny Kissin publie un nouvel album fin août 2017, marquant son grand retour chez Deutsche Grammophon (Sonates et Variations de LV Beethoven : « CLIC » de CLASSIQUENEWS de la rentrée 2017 / grande critique à venir le 25 août) dans le mag cd dvd livres de classiquenews.

+ D’INFOS et RESERVATIONS sur le site du Festival Menuhin à GSTAAD (Suisse)

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Illustrations : Jeunes chefs académiciens de la Conducting Academy GSTAAD 2017 : © Eve Kohler / Conférence de presse Neeme Järvi Prize GSTAAD 2017 en plein air : © Raphael Faux / pour le GSTAAD Menuhin festival & Academy 2017

Compte rendu critique, festival. FORMAT RAISINS, la Charité sur Loire, Prieuré, le 9 juillet 2017. Choeurs Arsys Bourgogne. « Huit », JS Bach, Scelsi, Machuel. Mihàly Zeke, direction. Ce dimanche 9 juillet, le Prieuré de la Charité sur Loire, appelé aussi « La Cité du mot » accueille dans le cadre du festival Format Raisins, un concert de musique choral,… suivi selon la tradition bien connue des festivaliers, de la dégustation d’un vin local  – parmi les 7 cépages des vins du Centre, qui sont associés ainsi au Festival depuis plusieurs années ; parfums, couleurs, saveurs envisagent un nuancier d’accents et de teintes dont les 8 chanteurs solistes du Chœur Arsys Bourgogne ont préalablement lors du concert de 17h, éclairci et explicité le vaste spectre.

Le programme est l’un des plus audacieux que nous ayons écouté, dont les enchaînements entre JS Bach et Scelsi, indiquent la prise de risque assumée et le désir de partager une expérience inédite. La succession précise aussi de la part du nouveau chef d’Arsys, Mihàly Zeke, un sens rare des réponses et des dialogues entre les pièces : le déroulement des séquences cultive ainsi tout un réseau de résonances, de correspondances qui renforcent la cohésion musicale : ici, l’appel exprimé par le Machuel (Kyrie / Psaume 50 opus 25 de 2003) trouve sa résonance conciliatrice dans le Bach qui suit immédiatement : ainsi quand le ténor Martin Candela, à la prosodie parfaite, exhorte « Rends moi le son de la joie et de la fête », le Motet du Cantor à Leipzig qui suit immédiatement (Der Geist hilft unser Schachheit auf, BWV 226 – 1729), à la fois laudatif et célébratif, exauce les aspirations du Machuel. On passe d’une partition l’autre avec un rare esprit de continuité poétique.

Alterner subtilement l’articulation et l’éloquence de Bach avec l’ombre énigmatique de Scelsi, relève d’un défi inouï pour le chanteur qui est le guide entre des mondes enchaînés pourtant musicalement plus que distincts: passer de l’allemand rythmique, qui exige flexibilité et articulation, sans omettre l’intériorité d’une foi constructive,… au travail sur la projection, la ligne vocale , l’infini du mystère le plus allusif… tels qu’ils s’affirment chez Giacinto Scelsi, exige une concentration constante, un parcours qui vécu et défendu par le corps entier, exige toutes les ressources disponibles ; avec en prime, le risque de dispositifs divers qui varient à de nombreuses reprises. Le choeur s’écarte de la frontalité du concert classique : il exploite l’ampleur du lieu, « osant » une disposition qui entoure les spectateurs.

Répartis en deux chœurs, placés de chaque côté du public, à l’avant (scène) et à l’arrière, les 8 solistes se mêlent, en duos recomposés, caractérisés : sopranos et basses ; ténors et altos féminins (Bach)… C’est un dispositif semé de risques mais déjà observé chez Monteverdi (Vespro) ou chez Bach et certains Baroques Français du XVIIè (Charpentier), – quand Les Arts Florissants et William Christie relèvent eux aussi le défi du mélange des timbres, créant une mosaïque sonore, aux scintillements picturaux, et tout un nuancier inédit.
Au Centre du public, le chef, pupitre parmi les spectateurs, dirige les 2 groupes de chanteurs, d’une main preste et précise, toujours soucieux du verbe. Un défi d’autant plus aigu dans les murs de la “Cité du mot”.

L’idée de tisser un parcours méditatif et expressif mais toujours magistralement intérieur, entre Bach et Scelsi s’avère saisissant : Mihàly Zeke construit l’édifice choral à partir de 3 pièces majeures du compositeur italien : Tre canti sacri de 1958, chacune associée aux Motets de Bach ; soit Angelus qui ouvre le concert, puis Requiem (de loin la pièce la plus puissante et glaçante), enfin l’énigmatique et tendu, Gloria, à la fois électrique et étrange, qui referme le programme dans l’ombre et le questionnement au delà de la note et du mot. Dans une langue inouïe qui est souffle, respiration, frottements… Silence. Finalement Scelsi nous fait entrevoir l’infini invisible, éprouver l’aspiration de l’inconnu.
La sensation quasi organique du verbe incarné (r roulés, sons gutturaux, rauques, graves sépulcraux, entonnés comme des trompettes tibétaines…), ouvrent des gouffres inédits, façonnent une évocation fantomatique et concrète où les voix en accents ténus (demi-tons), aux harmonies primitives, réinventent la sonorité du lugubre et du recueillement le plus intime. Immédiatement le son devient espace, et l’espace, temps d’une révélation suspendue. Avec d’autant plus de sourdes déflagrations qu’à l’extérieur, gronde et résonne le tonnerre d’un formidable orage … un magicien au théâtre n’aurait pas créé meilleure spacialisation. Mémorable.

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Compte rendu, Festivals. FORMAT RAISINS, Prieuré de La Charité-sur-Loire, le 9 juillet 2017. « Huit », Chœur Arsys Bourgogne. Mihàly Zeke, direction.

G. Scelsi / Tre canti sacri : Angelus
Johann Sebastian Bach / Lobet den Herrn, alle Heiden BWV 230
Thierry Machuel / Psaume 50
J.S. Bach / Der Geist hilft unser Schwachheit auf BWV 226
J.S. Bach / Ich lasse dich nicht, du segnest mich denn BWVAnh 159
G. Scelsi / Tre canti sacri : Requiem
J.S. Bach / Komm, Jesu, komm BWV 229
J.S. Bach / Fürchte dich nicht, ich bin bei dir BWV 228
G. Scelsi / Tre canti sacri : Gloria

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Illustrations : © Choeur Arsys / Mihàly Zeke Conrad Schmitz / concert du 9 juillet 2017 © Céline Pourtier 2017 pour Format Raisins