COMPTE RENDU, festivals 2017. GSTAAD Menuhin Festival & Academy : concerts des 14, 15, 16, 18 août 2017. GSTAAD, UN EDEN MUSICAL ESTIVAL… Dans le sillon tracé par la légende Yehudi Menuhin qui l’a créé il y a 61 ans,- 2016 avait marqué le jubilé du festival suisse dans le Saanenland, le festival estival de Gstaad (précisément selon la nomenclature officielle : « GSTAAD MENUHIN Festival & Academy ») poursuit la double vocation première du cycle de concerts : partage et pédagogie. Le public vient y goûter les meilleurs interprètes dans une palette élargie de formes musicales (musique de chambre, récitals intimistes, concerts symphoniques, opéra en version de concert.)… Les jeunes musiciens viennent y perfectionner leur métier le temps des 5 académies dont la plus impressionnantes demeure celle dédiée à la direction d’orchestre, cette année pilotée par le chef néerlandais Jaap von Zweden. Un tempérament énergique volontiers démonstratif, soucieux de conduire jusqu’à leurs limites ultimes, les 12 jeunes chefs en lice, candidats au prix Neeme Jarvi qui promet à l’heureux élu des engagements concrets avec les orchestres partenaires (Bern, Bâle…).

INTIMISME PRÉSERVÉ DANS LE SAANENLAND… Mais Gstaad doit son charme irrésistible aux concerts intimistes dans les chapelles et églises du territoire (Saanenland : Saanen étant la ville noyau où Yehudi Menuhin dès 1957 donnait ses premiers concerts), dont l’austérité et la rusticité protestante assurent des conditions acoustiques idéales, en partie grâce au volume bien dimensionné de leur nef central et unique, coiffée souvent d’une voûte en bois, idéal écrin pour les concerts de musique de chambre et les récitals.

C’est le cas des premiers concerts auxquels nous avons assisté à partir du 14 août et jusqu’au 19 août 2017. Point d’orgue de cette semaine, le concert du soir du 19 indique une autre dimension pour le festival suisse, celle des grands rendez vous symphoniques (et lyriques). En effet le concert du 19 août reste celui attendu, sous la tente cathédrale de Gstaad où maestro Zweden dirige Sol Gabetta dans le Concerto de Lalo, avant d’aborder avec le même orchestre du festival (GFO Gstaad Festival orchestra, soit près de 100 musiciens), la 5ème de Tchaikovski dont le maestro faisait dès les répétitions, une grande machine Philharmonique au souffle éloquent et électrique, confinant à une série d’éruptions orchestrales d’une véhémence spectaculaire. Lire notre compte rendu complet à partir du 22 août 2017.

Le 14 août 2017, place à l’intimité chambriste d’un programme qui met surtout en avant le violon ardent, juvénile de Christel Lee, nommée “Menuhin heritage artiste” (Ysaye subtilement tendu et expressif).

Puis le 15 août, c’est Maxim Vengorov qui fête les 30 ans de l’Académie Menuhin,- international Menuhin music academy / IMMA (académie qu’il dirige à présent), dans un programme copieux (Mozart, Prokofiev, Brahms, Bartok) : entouré par les jeunes instrumentistes académiciens, le musicien russe (né à Novossibirsk), revenu au violon récemment, confirme bien qu’il est avec le très rare à présent Vadim Repin, le plus bon son violonistique du moment,… saisissant de pureté lumineuse, en une sonorité brillante mais habitée, d’une intelligence sobre, d’une franchise expressive sans effet ni boursouflure qui illumine et porte tout le Concerto de Mozart. De surcroît l’église de Saanen est celle où tout a commencé quand en 1957, Menuhin lui-même tombait sous le charme du village qui allait devenir l’épicentre de la vie musicale estivale suisse. L’aventure a commencé il y a plus de 60 ans et poursuit son extraordinaire périple.

Le niveau des cordes de l’Académie Menuhin est représenté ce soir aussi par les musiciens du Sextuor de Brahms dont l’écheveau contrapuntique aux harmonies parfois âpres et mordantes (spécificités de la vie intérieure et mystérieuse de Brahms) s’éclaircit à mesure que le flux musical se développe et s’accomplit. L’expérience collective semble être totalement comprise et assimilée. Les musiciens incarnent magnifiquement ce qui importait tant pour leur fondateur Menuhin : dépassement, écoute, partage.

Le 16 août au soir, dans une autre église du Saanenland (Zweisimmen), focus sur le nouveau projet Stradivarius d’un petit groupe de cordes du Berliner Philharmoniker, soit 6 solistes jouant sur des joyaux instrumentaux (prêtés par une fondation), dont les qualités instrumentales sont rendus harmonieusement proches grâce aux secrets de fabrication Stradivarius dont découlent les 6 instruments,vedettes de la soirée. La littérature musicale pour sextuor est riche; ce soir le choix se porte sur Brahms et surtout Tchaikovski (Souvenirs de Florence).
Du tissu brahmsien complexe à la fois introspectif et très dense, les 6 solistes atteignent et nourrissent une vision rarement claire, à l’intonation étonnamment heurtée qui manque souvent de fluidité. On sait combien documentaires nombreux à l’appui, le son Stradivarius et ses soit disantes qualités supérieures voire transcendantes relèvent d’une vue de l’esprit, du mythe plutôt que de la réalité objective d’un phénomène scientifiquement quantifiable.
Or l’engagement à défaut de la cohérente synchronicité est bien souverain dans ce programme aux multiples vertus sonores.
Même velléités de fusion chantante aux éclairs intimes et pépites mélodiques dans Souvenirs de Florence : malgré une irrésistible séduction mélodique- qui assure le surgissement d’une nostalgie apaisée, la partition ne cache en rien cependant la nature angoissée et terriblement inquiète de Piotr Ilyitch. Le concert de ce 16 août sensuellement caressé par les timbres inspirés quoique souvent imprécis des 6 Stradivarius, l’a bien démontré.

COMME PILIER DE SON ACADEMIE DE DIRECTION, le GSTAAD MENUHIN Festival dispose d’un orchestre maison de premier plan

L’ACADEMIE DE DIRECTION D’ORCHESTRE… Aucun doute, Gstaad poursuit dans la diversité d’une offre équilibrée, cette attention spécifique aux cordes, révérence renouvelée au violon de son fondateur historique Yehudi Menuhin. Vendredi 18 août 2017, autre lieu, autre concert, sous la tente, magnifique emblème à triples pointes sommitales du Gstaad moderne: des 12 jeunes maestros ayant suivi le coaching intensif du maître Jaap Von Zweden, finalement 7 dirigent lors de la finale avec orchestre. Beaucoup sont techniquement déjà très précis, peu savent fusionner la souplesse éloquente des intentions à une gestuelle métronomique et rythmique impeccable. Parmi nos préférés plus convaincants par une maîtrise qui s’autorise l’apparence de l’abandon mais maîtres d’une belle communication avec les plus de 80 musiciens, citons les très prometteurs : GONZALO FARIAS (Chili), l’autrichienne KATHARINA WINCOR qui a remporté le prix : geste sobre, économe d’une belle fluidité qui incite à l’intériorité.

Enfin les deux coréens en lice, deux passionnantes sensibilités pour le moins, qui méritaient légitimement d’être présents ce soir sous la tente : la très subtile HOLLY CHOE dont le galbe de la baguette saisit immédiatement autant que le nerf vif, incisif de son compatriote HEE-BEOM JEON captive par son sens affûté du relief, sa fougue virile et cravachée. A la première revenait la gestion tout en finesse de la valse de la 5ème de Tchaikovski (scintillement instrumental), au second, l’énergie de conquête qui doit emporter la fièvre de l’ultime séquence, forme transfigurée d’une marche finale.
Répondant à la personnalité des candidats où l’on regrette que pas un français ne soit présent, s’affirme le feu collectif de l’orchestre du festival, somptueuse phalange composée des meilleurs instrumentistes issus d’un noyau primitif des orchestres suisses de Bâle et de Bern.

La présence de cet orchestre festivalier concourt grandement au succès de cette académie de direction d’orchestre à Gstaad. Son implication, sa volonté, son entrain (emmené par le premier violon d’origine roumaine « Vlad ») est un point crucial du festival estival de Gstaad.

D’ailleurs les festivaliers familiers et adeptes ont immédiatement mesuré les progrès parcourus par l’orchestre : une sonorité éloquente, une fièvre collective prête à en découdre, une interactivité immédiate pour qui savait les stimuler. Au final, après une séquence riche en sensibilités maîtrisées, très efficacement pilotées par le pédagogue Zweden, les jeunes femmes et jeunes hommes prétendants au Prix Neeme Järvi (du nom de l’ancien chef ayant dirigé cette académie de direction d’orchestre) ont offert une synthèse passionnante de ce qu’est le travail d’un chef et d’un orchestre : empathie voire charisme, précision et clarté, sensibilité et intention… Tout passe par le geste et le regard, l’anticipation et la réactivité. En cela, la Gstaad Conducting Academy propose une expérience captivante, évidemment pour les candidats académiciens, pour le public aussi, venu assister à l’émergence et l’affirmation d’un tempérament fédérateur. Au terme du concert, le jury désigné a distingué deux baguettes parmi les 7 : celles de Katharina Wincor (Autriche), et de Petr Popelka (République tchèque). LIRE aussi notre dépêche “Palmarès du Neeme Järvi Prize 2017, Gstaad Menuhin Festival & Academy”…

Prochain compte rendu, concert du 19 août 2017 sous la tente : Zweden / Gabetta / GFO (Ravel, Lalo, Tchaikovski).

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AGENDA : 3 concerts événements à GSTAAD 2017
Prochains concerts événements à GSTAAD (jusqu’au 2 septembre 2017). 3 programmes s’annoncent absolument incontournables à GSTAAD : Evgueny KISSIN dans le Concerto n°2 de Bartok sous la direction de Antonio Pappano (et l’Orchestre de l’Academie Santa Cecilia Roma) le samedi 26 août (Tente, 19h30) ; le programme en création mondiale (suivi d’un enregistrement chez DECCA) : « Dolce Duello » réunissant les deux tempérements superlatifs de la violoncelliste Sol GABETTA et de la mezzo Cecilia BARTOLI (airs d’opéras, dimanche 31 août, église de Saanen, 19h30) ; enfin la version de concert d’AIDA de Verdi, sous la tente de Gstaad, le 1er septembre 2017 à 19h30, avec Francesco Meli (remplaçant Roberto Alagna initialement programmé), Kristin Lewis (Aida), Anita Rachvelishvili (Amnéris)… sous la direction de Gianandrea Noseda et le LSO London Symphony Orchestra. Ajoutons que le pianiste Evgeny Kissin publie un nouvel album fin août 2017, marquant son grand retour chez Deutsche Grammophon (Sonates et Variations de LV Beethoven : « CLIC » de CLASSIQUENEWS de la rentrée 2017 / grande critique à venir le 25 août) dans le mag cd dvd livres de classiquenews.

+ D’INFOS et RESERVATIONS sur le site du Festival Menuhin à GSTAAD (Suisse)

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Illustrations : Jeunes chefs académiciens de la Conducting Academy GSTAAD 2017 : © Eve Kohler / Conférence de presse Neeme Järvi Prize GSTAAD 2017 en plein air : © Raphael Faux / pour le GSTAAD Menuhin festival & Academy 2017

Compte rendu critique, festival. FORMAT RAISINS, la Charité sur Loire, Prieuré, le 9 juillet 2017. Choeurs Arsys Bourgogne. « Huit », JS Bach, Scelsi, Machuel. Mihàly Zeke, direction. Ce dimanche 9 juillet, le Prieuré de la Charité sur Loire, appelé aussi « La Cité du mot » accueille dans le cadre du festival Format Raisins, un concert de musique choral,… suivi selon la tradition bien connue des festivaliers, de la dégustation d’un vin local  – parmi les 7 cépages des vins du Centre, qui sont associés ainsi au Festival depuis plusieurs années ; parfums, couleurs, saveurs envisagent un nuancier d’accents et de teintes dont les 8 chanteurs solistes du Chœur Arsys Bourgogne ont préalablement lors du concert de 17h, éclairci et explicité le vaste spectre.

Le programme est l’un des plus audacieux que nous ayons écouté, dont les enchaînements entre JS Bach et Scelsi, indiquent la prise de risque assumée et le désir de partager une expérience inédite. La succession précise aussi de la part du nouveau chef d’Arsys, Mihàly Zeke, un sens rare des réponses et des dialogues entre les pièces : le déroulement des séquences cultive ainsi tout un réseau de résonances, de correspondances qui renforcent la cohésion musicale : ici, l’appel exprimé par le Machuel (Kyrie / Psaume 50 opus 25 de 2003) trouve sa résonance conciliatrice dans le Bach qui suit immédiatement : ainsi quand le ténor Martin Candela, à la prosodie parfaite, exhorte « Rends moi le son de la joie et de la fête », le Motet du Cantor à Leipzig qui suit immédiatement (Der Geist hilft unser Schachheit auf, BWV 226 – 1729), à la fois laudatif et célébratif, exauce les aspirations du Machuel. On passe d’une partition l’autre avec un rare esprit de continuité poétique.

Alterner subtilement l’articulation et l’éloquence de Bach avec l’ombre énigmatique de Scelsi, relève d’un défi inouï pour le chanteur qui est le guide entre des mondes enchaînés pourtant musicalement plus que distincts: passer de l’allemand rythmique, qui exige flexibilité et articulation, sans omettre l’intériorité d’une foi constructive,… au travail sur la projection, la ligne vocale , l’infini du mystère le plus allusif… tels qu’ils s’affirment chez Giacinto Scelsi, exige une concentration constante, un parcours qui vécu et défendu par le corps entier, exige toutes les ressources disponibles ; avec en prime, le risque de dispositifs divers qui varient à de nombreuses reprises. Le choeur s’écarte de la frontalité du concert classique : il exploite l’ampleur du lieu, « osant » une disposition qui entoure les spectateurs.

Répartis en deux chœurs, placés de chaque côté du public, à l’avant (scène) et à l’arrière, les 8 solistes se mêlent, en duos recomposés, caractérisés : sopranos et basses ; ténors et altos féminins (Bach)… C’est un dispositif semé de risques mais déjà observé chez Monteverdi (Vespro) ou chez Bach et certains Baroques Français du XVIIè (Charpentier), – quand Les Arts Florissants et William Christie relèvent eux aussi le défi du mélange des timbres, créant une mosaïque sonore, aux scintillements picturaux, et tout un nuancier inédit.
Au Centre du public, le chef, pupitre parmi les spectateurs, dirige les 2 groupes de chanteurs, d’une main preste et précise, toujours soucieux du verbe. Un défi d’autant plus aigu dans les murs de la “Cité du mot”.

L’idée de tisser un parcours méditatif et expressif mais toujours magistralement intérieur, entre Bach et Scelsi s’avère saisissant : Mihàly Zeke construit l’édifice choral à partir de 3 pièces majeures du compositeur italien : Tre canti sacri de 1958, chacune associée aux Motets de Bach ; soit Angelus qui ouvre le concert, puis Requiem (de loin la pièce la plus puissante et glaçante), enfin l’énigmatique et tendu, Gloria, à la fois électrique et étrange, qui referme le programme dans l’ombre et le questionnement au delà de la note et du mot. Dans une langue inouïe qui est souffle, respiration, frottements… Silence. Finalement Scelsi nous fait entrevoir l’infini invisible, éprouver l’aspiration de l’inconnu.
La sensation quasi organique du verbe incarné (r roulés, sons gutturaux, rauques, graves sépulcraux, entonnés comme des trompettes tibétaines…), ouvrent des gouffres inédits, façonnent une évocation fantomatique et concrète où les voix en accents ténus (demi-tons), aux harmonies primitives, réinventent la sonorité du lugubre et du recueillement le plus intime. Immédiatement le son devient espace, et l’espace, temps d’une révélation suspendue. Avec d’autant plus de sourdes déflagrations qu’à l’extérieur, gronde et résonne le tonnerre d’un formidable orage … un magicien au théâtre n’aurait pas créé meilleure spacialisation. Mémorable.

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Compte rendu, Festivals. FORMAT RAISINS, Prieuré de La Charité-sur-Loire, le 9 juillet 2017. « Huit », Chœur Arsys Bourgogne. Mihàly Zeke, direction.

G. Scelsi / Tre canti sacri : Angelus
Johann Sebastian Bach / Lobet den Herrn, alle Heiden BWV 230
Thierry Machuel / Psaume 50
J.S. Bach / Der Geist hilft unser Schwachheit auf BWV 226
J.S. Bach / Ich lasse dich nicht, du segnest mich denn BWVAnh 159
G. Scelsi / Tre canti sacri : Requiem
J.S. Bach / Komm, Jesu, komm BWV 229
J.S. Bach / Fürchte dich nicht, ich bin bei dir BWV 228
G. Scelsi / Tre canti sacri : Gloria

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Illustrations : © Choeur Arsys / Mihàly Zeke Conrad Schmitz / concert du 9 juillet 2017 © Céline Pourtier 2017 pour Format Raisins

Entretien avec Jean-Michel Lejeune, à propos du festival FORMAT RAISINS 2017. A l’occasion de la nouvelle édition du festival hors normes FORMAT RAISINS à partir du 5 juillet 2017, CLASSIQUENEWS a interrogé le directeur de l’événement, Jean-Michel Lejeune sur le fonctionnement, le déroulement et l’identité d’un festival ambitieux, éclectique dont le rayonnement pluridisplinaire s’étend sur 2 départements, 2 régions, à travers les vignobles les plus enchanteurs de France, d’où son nom générique « Format raisins ». Pourtant c’est bien un format singulier qui est le propre du cycle d’événements mêlant la création contemporaine, le jazz, la musique chorale, symphonique et de chambre, les arts plastiques et la danse … dans des lieux patrimoniaux aux résonances multiples, autant d’expériences riches et inédites offertes aux publics sollicités sur tout le territoire du Centre, des bords de Loire. Jalonné par 88 concerts et événements, le festival FORMAT RAISINS se déroule sur 3 week ends. Une invitation à l’exploration plurielle, à la poésie polymorphe, aux métissages hors cadre… car ici le nombre n’écarte pas la qualité. Entretien et explications.

Comment se déroule le festival  (lieux investis, intérêt patrimonial et musique, accessibilité des concerts et des événements )?

20 villes et villages situées dans les vignobles des Vins du Centre et sur les bords de Loire constituent l’exceptionnel paysage du festival Format Raisins. Le Prieuré clunisien de La Charité-sur-Loire, la Commanderie de Villemoison, le château de Buranlure, le Musée de la Machine agricole, le site industriel de Chabrolles sont quelques-uns des exceptionnels lieux des quelque 88 concerts, spectacles de danse contemporaine, exposition d’art contemporain, dégustations de vins, visites, promenades, atelier de géographie… de cette cinquième édition. Sur le plan musical, cette édition propose un périple qui nous emmène de Purcell, Bach à Berio, Stockhausen, Carter, Risset, Henry, Teruggi, Pesson, Bouchot, Caratini, Machuel, Aperghis, Munoz Bravo, Bierton… en passant rendre de superbes visites chez Mozart, Brahms, Beethoven, Schumann, Chopin… en passant par les musiques populaires et savantes du monde arabe que nous chante Anass Habib, le jazz de Trafic Urbain…

Quels sont les critères artistiques qui assurent à la programmation sa cohérence et sa singularité ?

Diversité des oeuvres, excellence, grands interprètes et jeunes talents sont la marque de cette prochaine édition qui s’organise autour de quatre axes :

Honneur au piano avec Seong-Jin Cho, Jean-Philippe Collard, Wilhem Latchoumia, David Lively, Patricia Martins, Thierry Rosbach, Nicolas Stavy ;

Des concerts monographiques qui permettent au public d’aller plus loin dans l’univers musical d’un compositeur (Bach, Berio, Brahms, Pierre Henry, Mozart, Purcell, Risset, Stockhausen…);

De nombreux jeunes musiciens comme ceux du quintette Altra, du quatuor Akos, du Trio Puzzle, du KontaktDuo, sans omettre la pianiste Manon Edouard-Douriaud ;

Un parcours d’écoute entre la musique pure et celle qui s’intéresse aussi aux sons venant du quotidien…

A cela s’ajoute un volet dédié à la danse avec Les Aperçus de Clara Cornil et Pierre Fruchard, à la tombée de la nuit… et le collectif Les Oufs ! dans le sillage de Jean-Claude Gallotta.

Quels sont les 5 temps forts de l’édition 2017 ? Et pourquoi ?

Le concert du Quintette Altra, pour la découverte d’une exceptionnelle, — oui d’une exceptionnelle jeune formation, pour la création du compositeur Tom Bierton, musicien amoureux des musiques du monde et des musiques actuelles, pour revisiter dans un cadre exceptionnel l’œuvre du génial Luciano Berio ;

Le récital de Jean-Philippe Collard, pour la magie que crée cet immense pianiste, pour son programme Schumann et Chopin qui montre le romantisme dans tous ses contrastes, dans toutes ses passions, pour son intelligence musicale et toujours, la lumière qui se dégage des œuvres, même les plus sombres !

Le récital de Seong-Jin Cho, le petit prodige, l’artisan du superbe, l’immense musicien… pour l’un de ses très rares concerts en France cette année qui nous garantit de belles émotions !

Les deux concerts du GRM proposé par Daniel Teruggi, pour le poète Jean-Claude Risset, pour Pierre Henry, cette ‘’figure ‘’, pour rejoindre des deux oreilles notre époque, pour la beauté d’œuvres parfois méconnues, pour Après une écoute de Sud , création de Daniel Teruggi… et pour l’Acousmonium du GRM, véritable planétarium sonore qui offre une écoute complètement renouvelée !

Le concert de David Lively, pour le rythme, la chaleur et la vie des œuvres de ce programme américain tout à fait original, joué avec un talent fou, une virtuosité !

Le Spat Sonore, pour découvrir ce qu’improviser, rire, et participer à une expérience véritablement inouïe, en immersion dans un univers insolite, chez Rabelais, entre musique populaire, bruitage et musique sacrée…

Le concert de Nicolas Stavy et du Quatuor Voce pour… Brahms, servi avec génie par ces interprètes… la musique s’écrit en direct sous nos oreilles… C’est totalement impressionnant de richesse et de vie !

Le concert de Jeanne Crousaud et de Wilhem Latchoumia, pour le choix des œuvres, le programme plein d’humour, airs d’opérettes, chansons de genre, pour cette voix sublime, ce pianiste exceptionnel, toujours du côté de la création et de l’audace ! Et pour « Oda a la Manzana », un poème de Neruda, mis en musique par le chilien Munoz Bravo avec la force d’imagination qu’on lui connaît (qu’on devrait lui connaître !)

Pardon, je ne sais plus compter… mais ce ne sont pas moins de 30 concerts et spectacles qui sont proposés !

Quelle est l’expérience que vit le festivalier à chaque édition ?

La relation simple et directe avec les œuvres et les artistes présentés dans des lieux aussi insolites qu’un grenier, un hangar, une usine désaffectée, la cour d’un château, une chapelle en ruine, les remparts de La Charité… Toutes les barrières tombent. Restent la musique, la danse, les œuvres… La découverte des meilleurs vins locaux (Pouilly-fumé, Sancerre, Coteaux Charitois, Menetou-Salon, Châteaumeillant, Coteaux du Giennois, Reuilly, Quincy…);
La découverte de la Réserve naturelle du Milieu de Loire et de la Forêt des Bertranges, l’accueil chaleureux des habitants de cette région
Une atmosphère hyper conviviale et amicale entre les artistes, les compositeurs, les organisateurs, les partenaires et le public… qui laisse bien souvent une belle place au rire !

Propos recueillis en juin 2017

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Le Festival Format Raisins se déroule du 5 au 23 juillet 2017, à deux heures de Paris, à 1 heure de Bourges…. Et s’organise essentiellement en 3 week-ends de concerts et de promenade.

Renseignements, réservations, billetterie au 03 86 70 15 06 et sur www.format-raisins.fr
Cette année, le festival propose des Pass Week-End donnant accès à tous les événements pour un tarif particulièrement avantageux.

LIRE notre présentation du Festival FORMAT RAISINS 2017 

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Illustrations © festival FORMAT RAISINS : Jean-Michel Lejeune présente le concert de La Fenice au public (2016) / la chanteuse Jeanne Crousaud dans L’Eloge de la plante / festival Format Raisins 2016 (DR)

Compte rendu, opéra. TOURS, Opéra, le 19 mai 2017. DVORAK : RUSALKA. Serenad Uyar, M. Schelomianski… Kaspar Zehnder / D. Kaegi. Cette Rusalka présentée à l’Opéra de Tours se justifie d’elle-même : l’opéra en langue tchèque est l’une des contributions majeures à l’histoire lyrique, venue tard dans l ‘odyssée du genre. L’ouvrage créé à Prague en mars 1901, contemporain de Tosca ou de Pelléas et Mélisande, et comme eux, emblème esthétique majeur, ici d’une sensibilité authentiquement tchèque, aussi captivante et originale que les oeuvres de Janacek.

KASPAR ZEHNDER, GUIDE MAGICIEN… La production présentée au Grand Théâtre de Tours marque surtout pour certaines voix et pour la direction, toute une sensibilité intérieure du chef invité : Kaspar Zehnder, familier des mondes tendres, populaires et folkloriques dans leur sens le plus noble d’un Dvorak certes lyrique mais aussi surtout, superbement symphonique. Kaspar Zehnder qui a entre autres succédé à Jiri Belohlavek à la direction musicale du Philharmonique de Prague, et dirige depuis 2012 le Symphonique de Bienne Soleure, démontre un très solide métier, sachant surtout ciseler des séquences d’orfèvrerie instrumentale d’un souffle intérieur et poétique, particulièrement prenant (en particulier au II, dans la seconde partie quand l’Ondin exprime sa compassion pour sa fille humiliée par les courtisans et le prince, dans l’air de Rusalka qui suit, air de désolation intérieure où la jeune femme mesure toute l’horreur de sa condition, perdue, errante entre deux mondes inconciliables…). Car le protagoniste de l’opéra créé par Dvorak demeure manifestement l’orchestre.
Après l’ouverture qui n’a rien d’un lever de rideau banal mais annonce par ses accents et nuances subtilement énoncés, le sacrifice bouleversant dont est capable l’héroïne (et qu’elle va mener jusqu’à son terme), c’est bien le fabuleux air, hymne, prière à la lune qui doit immédiatement déployer un climat de songe, à la fois fantastique et aussi onirique autant qu’inquiétant. Le monde de la nuit et des eaux renouvellent ainsi sur la scène lyrique, le genre du surnaturel fantastique : l’inventivité en cela de Dvorak reste remarquable de finesse et d’expressivité.
Il ne faut donc jamais prendre l’ouvrage comme une fable sans conséquences, mais telle une exploration totale, à l’issue incertaine qui éprouve la psyché des protagonistes (Rusalka, son père l’Ondin et aussi le prince), où par amour, la nymphe aquatique devenue femme finit sans identité, – âme solitaire, impuissante, démunie, errante, “ni fée ni femme”, c’est à dire un monstre sans identité.

Les grands chefs savent tirer l’épisode exotique (en ce qu’il n’appartient qu’au folklore tchèque, inspiré des Ballades tchèques de Karel Jaromir Erben), vers l’universel et le mythe. Rusalka à l’égal des grandes amoureuses à l’opéra (Tosca précitée justement) bouleverse en réalité les codes par sa fausse candeur, sa fragilité juvénile, son apparente innocence…  en elle coule la volonté d’une combattante amoureuse ; c’est une guerrière qui aime. De cette traversée entre sensualité éperdue, tragédie de l’impuissance et du silence (car en application du pacte qu’elle a signé avec la sorcière Jezibaba, sa forme humaine conquise, avec jambes de marcheuse, lui ôte toute capacité à parler), du désespoir le plus absolu au sacrifice final pleinement assumé, … le drame plonge dans les eaux incontrôlables de la psyché la plus active et impétueuse : d’où l’importance du chef, véritable chantre des forces psychiques en présence, lesquelles s’expriment de fait dans le chant permanent de l’orchestre.
Avec Rusalka, Dvorak pose les fondements d’un nouvel opéra tchèque, réconciliation du populaire et du savant : ainsi l’intégration de nombreux airs et danses du folklore, en particulier associés à la figure de la nymphe dans une écriture qui a la séduction mélodique et instrumentale de Tchaikovski, comme la puissance psychique d’un Wagner (les 3 nymphes et ici leur marionnettes vertes récapitulent finalement et les trois filles du Rhin de L’Or du Rhin, et à la fin de l’ouvrage, les 3 nornes du Crépuscule des dieux).

L’ONDIN, PERE DOULOUREUX BOULEVERSANT… La production déjà vue à Monte Carlo et Nuremberg, – outre le choc des deux mondes (les hommes et les ondins) dont la fracture engendre l’atmosphère fantastico-onirique, et profite essentiellement au personnage terrifiant de la sorcière-, éclaire aussi un autre aspect du drame. Comme dans les opéras verdiens, la relation tendre et viscéralement douloureuse comme affectueuse entre le père, roi des eaux et sa fille qui ne désire que le quitter pour vivre la condition humaine : aimer ce prince qu’elle a rencontré, donc souffrir puis être abandonnée, seule, donc mourir. C’est à dire tout ce que le géniteur annonce à sa fille entêtée.

Rusalka et son père Ondin, sur le lac primordial (© M. Pétry / Opéra de Tours 2017)

Bien qu’appartenant au monde suggestif de l’eau, ces deux là – père et fille-, sont les plus humains, les plus touchants, d’une impuissance bouleversante. Le père n’apparaissant que surgissant de sa mare primordiale, s’agitant dans les eaux matricielles dont Russalka coupe le cordon filiale. Chacun de ses airs, d’injonction, de mise en garde, de compassion surtout au II quand sa fille est humiliée, rabaissée par la cour du prince et par la princesse étrangère (qui n’a rien pour elle sauf sa suffisance haineuse) est d’une rare justesse. Le baryton Mischa Schelomianski qui chante aussi Osmin et Grémine, saisit de bout en bout par sa présence magnétique, sa vocalité naturelle magnifiquement timbrée, son sens des phrasés : mieux que ses partenaires, il sait se fondre dans le tissu soyeux de l’orchestre qui exprime l’intensité de sa souffrance car il ne peut que constater l’échec de sa fille et regretter la malédiction qui condamne la jeune amoureuse trahie.
Triomphatrice au timbre perçant, en rien aussi crémeux ni voluptueux que ses aînées miraculeuse et applaudies telle Renée Fleming, la soprano Serenad Uryar (déjà distingéue pour sa Reine de la nuit dans La Flûte enchantée de Caurier et Leiser à Nantes en 2016), précise peu à peu un portrait très touchant de l’héroïne par sa juvénilité puissante d’une infaillible intensité jusqu’à la fin. Tour à tour (trop) naïve, éperdue, tragique, implorante, grave mais digne, le soprano tendu du début à la fin, défend un personnage porté par son idéal amoureux. L’aigu n’est jamais tiré, l’intensité expressive constante ; la prise de rôle reste très convaincante.
Plus lisse et sans réel trouble ni faille, le prince de Johannes Chum semble indifférent à l’épaisseur du personnage. Surtout sa fin, où, rejetée par la princesse étrangère (très piquante et efficace Isabelle Cals), il revient auprès de Rusalka, doublement saisi et coupable parce qu’il l’a écartée. Faiblesse de la mise en scène, la mort fusionnelle des amants qui plongent dans le lac primordial est escamotée, sans aucune part d’ombre et de mystère (sinon une pluie réelle qui s’abat sur les bâche en plastic de la mare centrale, au risque de polluer la cohésion de l’orchestre : – pourquoi alors ne pas projeter en vidéo, l’image de la pluie ? D’autant que depuis le début du spectacle, un écran circulaire (suggérant la présence permanente des eaux de l’Ondin) ou cubique déformé (le monde princier bancal) ne cesse de projeter des images mouvantes…
Trés réussie en revanche les apparitions de la sorcière, Jezibaba (ample et expressive Svetlana Lifar). Parmi les seconds rôles, le Mirliton de la mezzo française Pauline Sabatier (ex membre de l’Opéra-Studio du Rhin) se distingue nettement : abattage précis, présence dramatique, chant percussif et timbré : un travail sobre et lui aussi très convaincant. Car ici Dvorak a aussi savamment intégré des épisodes comiques dans une narration tragique, amoureuse et fantastique.
Enfin saluons la prestation finale des 3 nymphes, qui réinscrivent au III, la présence des eaux du lac de l’Ondin. Jeanne Crousaud, Yumiko Tanimura et Aurore Ugolin restituent à la séquence, sa filiation évidente avec l’oeuvre wagnérienne, la tragédie de Rusalka est une légende qui prend sa source et s’achève dans le mystère aquatique. Tout le mérite revient au chef d’avoir su diffuser un peu de cet onirisme fascinant qui contient la valeur unique de l’opéra Rusalka.
Encore une représentation demain, dimanche 20 mai 2017, à l’Opéra de Tours, à 15h.

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Compte rendu, opéra. TOURS, Opéra, le 19 mai 2017. DVORAK : RUSALKA

Direction musicale : Kaspar Zehnder
Mise en scène : Dieter Kaegi
Décors et costumes : Francis O’Connor
Lumières : Patrick Mééüs
Rusalka : Serenad Burcu Uyar
Le Prince : Johannes Chum
Ondin : Mischa Schelomianski
La Princesse étrangère: Isabelle Cals
Ježibaba: Svetlana Lifar
Le Marmiton: Pauline Sabatier
Le Garde Forestier : Olivier Grand
1ère Nymphe : Jeanne Crousaud
2ème Nymphe : Yumiko Tanimura
3ème Nymphe : Aurore Ugolin
Choeurs de l’Opéra de Tours
Orchestre Symphonique Région Centre-Val de Loire/Tours

LIRE aussi notre présentation de l’opéra Rusalka de DVORAK à l’Opéra de Tours, les 17, 19 et 21 mai 2017
http://www.classiquenews.com/rusalka-a-lopera-de-tours/

Compte rendu, opéra. NANTES, Le Grand T, le 15 mai 2017. Dauvergne, Pesson : La Double Coquette. Amarillis. C’est la dernière production présentée par Angers Nantes Opéra pour sa saison 2017 – 2018. Voilà un mixage lyrique intelligent entre baroque et contemporain qui interroge comme rarement la nature et l’identité du désir. L’esprit du XVIIIè, celui du travestissement et du quiproquo, propres à tisser en complicité avec le public, plusieurs situations cocasses, piquantes, souvent délicieusement comiques est parfaitement assimilé, cultivé, … complété … par un texte subtile signé Pierre Alferi (2014). Les 32 ajouts musicaux du compositeur Gérard Pesson sur la trame musicale d’Antoine Dauvergne, – l’un des meilleurs suiveurs de Rameau et champion de la veine buffa à Paris, au début des années 1750, alors en pleine affaire de la Querelle des Bouffons, commentent, recontectualisent, prolongent avec finesse la partition originelle de 1753 (La Coquette trompée). Le passage se fait grâce au continuo des 11 instrumentistes d’Amarillis, où brillent entre autres l’éclat mordoré des 2 cors naturels, et le joyeux, facétieux caquetage en diable des hautbois et du basson, d’un parfait équilibre sonore.

Comédie délirante, liberté du genre

Spectacle créé en décembre 2014 déjà à Besançon, cette Double Coquette s’est maintenue sur la scène, au cours d’une tournée consistante en France et jusqu’à Hong Kong (mai 2015) car le spectacle joue habilement des formes musicales du XVIIIè à nos jours, exploitant avec beaucoup de tact et d’équilibre toutes les ficelles de la comédie bouffe, mariée à la Commedia dell’arte et l’esprit des tréteaux. Les amateurs avertis savent l’apport du cd déjà critiqué sur classiquenews.

Que vaut le cycle global sur la scène ? Avec à propos et finesse, l’action souligne l’intelligence féminine à l’oeuvre ; c’est le triomphe de la liberté du désir, surprenante dans son cheminement imprévu ; Florise souhaite se venger de son fiancé désigné Damon qui la trompe avec Clarice. En se travestissant en homme, pour mieux tromper et confondre la faiblesse déloyale de sa rivale (Clarice), Florise à moustache donc, suscite l’amour véritable de sa proie (Clarice) et les deux femmes quittent la scène main dans la main (liberté prise avec le livret du XVIIIè), au grand dam du fiancé, que l’on voulait punir. L’admirable texte poétique d’Alferi comme la musique toute en teintes feutrées de Gérard Pesson, offrent le meilleur écrin en résonance aux formes classiques et d’un tonus vivaldien du dénommé Dauvergne.
Les 3 comédiens excellent dans cette farce attendrissante et légère qui pourtant défend la liberté du genre contre le cloisonnement de la pensée étroite. Ici deux femmes peuvent se découvrir et s’aimer librement en rupture avec la convention sociale. Impertinence et poésie rafraichissante particulièrement défendue par le soprano pétillant de Maïlys de Villoutreys (élève d’Alain Buet), – libertaire et libertine voire délirante Clarice (avec sa robe impossible, aérienne) ; comme la gouaille tendre et précise de l’américain Robert Getchell, qui malgré le mauvais tour dont il est le dindon, entend jusqu’à la fin défendre sa place et son rôle dans cette pièce brillante.
Quand se déploie la soie introspective de la musique de Pesson, toute en harmonies rentrées et secrètes, c’est le pur sentiment et la sincérité des cœurs qui affleurent tout à coup ; enchaînée en subtils et suaves tuilages, avec la partition de la Coquette trompée, l’écriture contemporaine semble répondre au sens et aux enjeux que provoque la musique de Dauvergne dont elle relance aussi la formidable motricité comme une mécanique sentimentale, riche en rebondissements. Emotion, action ; immersion sentimentale, comédie et jeu délirant… les deux univers musicaux fusionnent avec une rare cohésion globale. De sorte que le temps passe très vite tout au long de cette comédie parodique et badine dont on mesure aussi la délicate impertinence : fidèle à son instinct, il faut aimer l’objet de  son désir, quelque soit son genre. Fidèle à sa ligne artistique exemplaire, Angers Nantes Opéra réussit toujours à combiner divertissement et questionnement. Un régal pour l’esprit et la détente. A méditer et à applaudir encore au Grand T à Nantes, les 16, 18, 19 et 20 mai 2017.

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Compte rendu, opéra. NANTES, Le Grand T, le 15 mai 2017. Dauvergne, Pesson : La Double Coquette. Isabelle Poulenard (Florise), Maïlys de Villoutreys (Clarice), Robert Getchell (Damon), Amarillis (Héloïse Gaillard et Violaine Cochard, respectivement flûte / hautbois et clavecin, direction). Fanny de Chaillé, mise en scène.

LIRE aussi notre compte rendu critique complet du CD de La Double Coquette

Compte-rendu, opéra. TOURS, le 23 avril 2017. PUCCINI : TOSCA. Maria Katzarava. Benjamin Pionnier / Pier-Francesco Maestrini. Voilà une (nouvelle) production somptueuse et riche en décors et références pour chaque acte, au contexte de la Rome romantique de 1800 (à l’époque de la victoire napoléonienne de Marengo)- car une toile au devant de la scène permettant un décor sur toute la largeur, évoque tantôt la fuite de l’ancien préfet de la république de Rome alors déchue (Angelotti réduit à une ombre que l’on devine s’échapper) puis le portrait de femme (l’Attaventi) que Mario artiste républicain donc bonapartiste finit de peindre dans l’église Sant Andrea della Valle pour une sublime Madeleine au pied de la Croix… immédiatement la situation dramatique s’inscrit dans l’imaginaire du spectateur qui ne perd aucun enjeux ni aucun détail des éléments cités dans le livret. L’image fait une incursion intelligente dans le déploiement des tableaux. On se délecte ainsi de détails “oubliés”, pourtant présents mais moins signifiants ailleurs, à ce degré de réalisme.  Aussitôt c’est le théâtre qui s’invite sur la scène lyrique d’autant que la pièce de Victorien Sardou a été magistralement adaptée à la scène par Puccini et ses librettistes (Luigi Illica et Giuseppe Giacosa). Voilà une production ô combien juste qui rétablit la place du jeu théâtral et de la force des tableaux visuels dans Tosca.

PUCCINI dramatique et lyrique. Grâce à une direction précise et particulièrement nuancée le temps dramatique fusionne avec le temps musical : la baguette de Benjamin Pionnier sait respirer et s’alanguir, autant dans le murmure que la déflagration ; le maestro sait installer de somptueuses atmosphères, des climats qui regorgent d’indices émotionnels mêlés, composant le plus vibrant et palpitant des chants orchestraux. La vision est claire et fluide, d’une rare élégance expressive avec pour chaque séquence, une atténuation recherchée de la couleur et du timbre qui au final approfondit l’intensité comme la justesse poétique de chaque épisode.

Pari réussi pour le chef et directeur de l’Opéra de Tours, Benjamin Pionnier, la nouvelle production de Tosca est aussi visuelle que psychologique

Une nouvelle Tosca au souffle symphonique

Ainsi l’acte I file comme une fresque cinématographique d’une remarquable acuité de ton : c’est un acte d’exposition où paraissent tout à tour, la jalousie maladive de Tosca sous son masque d’espièglerie amoureuse. Puis la figure sadique et manipulatrice du baron Scarpia, chez lequel pouvoir et emprise sexuelle se mêlent imperceptiblement. Le souffle du collectif (magistral aplomb du chœur final) comme le relief des tempéraments individuels se trouvent parfaitement articulés grâce à une vision d’architecte : le chef veille aux équilibres entre chaque partie. Dans le II, -acte de torture physique (sur Mario) et psychologique (la proie est ici Tosca), le chef exprime par la tenue d’un orchestre très maîtrisé, le cynisme à l’œuvre dont se délecte le bourreau Scarpia, et le renversement de situation … quand l’ignoble prédateur s’abattant sur Tosca, reçoit le coup de couteau qu’il n’avait pas prévu et qui le précipite en enfer, en âme damnée… le tableau des deux bougeoirs au chevet du cadavre raidi a toujours un impact incroyable et montre combien ici quand l’opéra fusionne avec le théâtre, la musique est en capacité de sublimer une situation.
Sachant aussi calibrer chaque effet et accent dans le vaste maelstrom orchestral, Benjamin Pionnier saisit le raffinement de l’orchestration fabuleusement suggestive de Puccini comme sa violence et sa fureur rentrée qui fait de Tosca, un opéra esentiellement symphonique. L’idée du Puccini contemporain alors, des derniers essais orchestraux du passionnant Richard Strauss, se précise et la direction tout en retenue et en acuité du chef a dévoilé combien cette Tosca de 1900 préparait déjà dans ses fureurs spectaculaires comme inscrites dans la psyché la plus ténue, les Salomé et Elektra à venir: ici et là, un orchestre somptueusement vénéneux, aux couleurs et rugosités fauves. Tout cela éclaire derrière et autour des protagonistes, le contexte sonore et historique qui assoit d’autant mieux le déroulement de l’action psychologique.

Telle vision active et subtile s’accomplit idéalement dans le fameux air de la cantatrice à genoux “Vissi d’arte, vissi d’amore”, déchirante prière d’une femme toujours pieuse qui ne comprend pas que Dieu puisse lui infliger une telle souffrance… accordés au chant soliste, les couleurs et le format de l’orchestre sont superlatifs dans ce qui demeure le moment clé de l’action.

D’autant que la vraie vedette de la production aux côtés d’une fosse souveraine, reste le soprano puissant, clair, timbré, fabuleusement rond et charnel, comme clair et subtil de la mexicaine Maria Katzarava.

La formidable intensité du jeu, la brillance et la sincérité du style comme des intentions assurent à la chanteuse, une irrésistible séduction. Au I, elle est juvénile presque ingénue, quoique maladivement jalouse comme on a dit. Au II, la diva paraît grave et mûre, en robe de soirée, artiste accomplie, cantatrice dans l’histoire et sur la scène, mise en abyme hyperréaliste. C’est une autre femme qui paraît désormais, liée au drame tragique qui va l’emporter au III. Ce changement crédible dans l’incarnation, cette progression qui traverse et cristallise chacune des étapes de la tragédie (ici les 3 protagonistes trouvent la mort au terme des 3 actes) affirment une chanteuse et une actrice très attachante.
A ses côtés, le Mario Cavaradossi de Angelo Villari, s’il n’offre pas pareille palette de nuances émotionnelles, conserve de bout en bout, cette ardeur tranchante, fureur au poing, dévoilant le révolutionnaire, prêt à en découdre, malgré la douleur que lui inflige la scène de torture du II. Assez lisse, et gris, le Scarpia de Valdis Jansons gagne une épaisseur barbare au II : la figure démoniaque gagne une présence manifeste à mesure qu’elle s’impose à Tosca, auteur d’un chantage monstrueux. Parmi les comprimari,- rôles secondaires, le Sacristain de Francis Dudziak relève les défis du seul rôle comique – pleutre et supersticieux, dans une arène incandescente. On distinguera tout autant l’impeccable tenue des Choeurs maison, préparé par Alexandre Herviant. Superbe nouvelle production qui saisit par l’intelligence de sa vision orchestrale.

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Compte-rendu, opéra. TOURS, le 23 avril 2017. PUCCINI : TOSCA. Maria Katzarava. Benjamin Pionnier / Pier-Francesco Maestrini. Encore à l’affiche de l’Opéra de Tours, les mardi 25 puis jeudi 27 avril 2017, 20h.

Compte-rendu, opéra. Angers, Grand Théâtre, le 7 avril 2017. MOZART : LES NOCES DE FIGARO. Patrice Caurier et Moshe Leiser, mise en scène. Voilà une vision de la nature humaine plutôt mordante, brûlée qui tout en rétablissant le jeu théâtral dans la continuité de la musique souligne combien l’invention de Mozart sait exprimer la vérité des sentiments et au-delà même, dévoile le propre de la nature humaine : son déraisonnable attachement au désir, sa maladive posture de séduction, sa propension naturelle, instinctive à la possession et à la domination. Et quand Eros possède les êtres avec autant de force, c’est toute la société qui se désagrège (tableau final où chacun semble errer, plus déconstruit encore qu’il n’était en début de soirée), libérant une violence sociale particulièrement terrifiante ici : est-ce pour cela que le décor lambrissé du palais où se passe cette « Folle journée », est envahi par une forêt de végétaux de plus en plus envahissants ? La forêt bientôt s’inscrit avec véhémence dans cet espace déréglé : annonce du jardin final où les masques tombent au IV, et aussi indice que les esprits pourtant civilisés s’écroulent un à un, basculent dans cet état de nature, cette sauvagerie peu à peu manifeste, où le désir et le sexe rendent esclaves.

Après leur Don Giovanni, précédent mozartien pour Angers Nantes Opéra, Patrice Caurier et Moshe Leiser analysent au scapel Les Noces, soulignant chez chaque protagoniste combien l’âpre et irrépressible désir est l’agent du dérèglement social…

OPÉRA DE FOLIE

On ne s’étonne plus de voir sur la scène lyrique un comte Almaviva sérieusement entamé par la cabriole au point d’en être sérieusement dépendant : l’abolition du droit de cuissage occupe une bonne partie des dialogues de l’opéra, mais dans les faits rien n’est concrètement changé et le comte peut exercer un droit de viol sur chaque élément féminin de sa maisonnée (Barbarina, Susanna…). Or la mise en scène va plus loin encore en osant égratigner aussi la figure même de la comtesse que les lectures traditionnelles font paraître plutôt en victime, épouse délaissée par son trop volage mari, – démunie, nostalgique, frustrée. Voire dépressive (son air Porgi amor ouvrant le II)… RIEN DE TEL ICI. Rosina a conservé un tempérament de feu qui s’éveille goulument, en vraie cougar imprévue, à chaque fois qu’elle est en présence du jeune page de la maison, Cherubino… voilà qui casse bien des habitudes à l’opéra s’agissant des Noces.

En rien décorative, n’empruntant finalement aucune référence visuelle à ce XVIIIè emperruqué et viennois de l’époque Mozartienne, mais au contraire réaliste et moderne, essentiellement théâtrale, l’approche de Patrice Caurier et Moshe Leiser trouve des idées souvent très convaincantes assurant le passage d’une scène à l’autre, d’un récitatif à une aria… en une continuité dramatique idéalement fluide ; leur réflexion poursuit un travail psychologique affûté, parfois glaçant … par ce qu’il révèle de facto de la nature humaine et des passions affrontées,- nouvelle étape d’une complicité désormais emblématique qu’a su favoriser et cultiver le directeur général d’Angers Nantes Opéra, Jean-Paul Davois. Les spectateurs à Nantes et à Angers peuvent être fiers ainsi de suivre l’un des cycles mozartiens les plus passionnants vus récemment.

VIOLENCE DES SOLITAIRES. Comme dans sa mise en scène précédemment réalisée pour Angers Nantes Opéra (Don Giovanni, il y a un an déjà : LIRE notre compte rendu critique de mars 2016), le duo Caurier et Leiser creuse la profonde solitude des êtres, met à jour leur impuissance solitaire qui produit une violence rarement exprimée avec autant d’acuité acide. Ici emblème d’un théâtre électrique et violent (déjà observé dans leur Tosca comme dans leur Don Giovanni), une lumière blanche, d’interrogatoire quasiment dans tous les airs solistes, qui éblouit et souligne l’intensité et la blessure des solos, scrutant comme un éclair radiographique puis dans le cliché qu’il produit, la barbare exaspération de l’âme en souffrance. Où a t-on vu un couple d’aristos aussi dévoré par une jalouse haine, l’un à l’autre opposé ? Lui s’exaspère, tempête et brutalise, – il est autant volage que furieusement jaloux de sa femme ; hanté par le doute et le poison du soupçon, ce séducteur fragile trépigne de ne pas être aimé pour lui-même, sautant sur toutes les proies soumises qu’il flatte et séduit comme un chaton égaré ; la charge contre ce despote domestique est violente : sur les traces de Beaumarchais, le duo Da Ponte et Mozart ne l’a pas épargné. Et le tableau de séducteurs et de séductrices (car la comtesse toute délaissée par son mari n’est donc pas en reste, comme on l’a dit…) offre un portrait particulièrement incisif de la nature humaine, de ce que peut être la déroute des relations conjugales et des relations tout court quand règnent déloyauté, manipulations, quiproquos, infidélités.

Et c’est justement Chérubin, âme encore tendre qui fait les frais de ces écarts tempétueux propres à la Folle journée. Sadiquement fessé par le comte au I ; objet de toutes les caresses et baisers les plus chauds dans les bras de la comtesse cougar quelques minutes plus tard (II), le page en aurait à raconter dans cette école de la folie ordinaire, dans ce tunnel du dérèglement des sens.

EXPÉRIENCE DE LUCIDITÉ. Chacun croit exister et aimer mais ils possèdent et accumulent dans un rapport de conquête et de domination illusoire. Voilà ce que tend à nous dire la mise en scène particulièrement fouillée, et de ce point de vue tout à fait cohérente avec ce que l’on a déjà vu du duo Caurier / Leiser (en particulier pour Angers Nantes Opéra : aux Tosca et Don Giovanni déjà cités, saluons aussi la réussite de L’Affaire Makropoulos et de Falstaff). Ce réalisme sans fard, vraie expérience de lucidité demeure réjouissant quand il est à ce point réussi et juste. Car c’est bien l’éloquente musique de Mozart qui en sort gagnante, en particulier dans la continuité des finales de chaque acte, – performances inouïes sur le plan de l’écriture vocale, expression directe et combien inspirée qui révèle la sincérité des êtres, à la fois victimes et bourreaux (le Comte particulièrement). D’ailleurs les ensembles, si délicat à régler sont abordés avec une justesse impeccable (cf. le trio dans les appartements de la Comtesse : Comte / Comtesse / Susanna).

La palme de ce portrait du mal-être se concentre sur le comte, figure déjantée, viscéralement déstructurée, en migraine au début du III : l’air pour baryton « Hai già vinta la causa… » dépeint la violence et l’impuissance du petit tyran Almaviva, dévoré de l’intérieur, un despote de pacotille dont la psyché s’effondre : là encore dans un jeu d’acteur âpre et taillé au scalpel, le formidable baryton Andrè Schuen rayonne, éblouit par une rageuse désespérance (articulation, phrasé, élégance totalement maîtrisée…) une présence et une finesse comme une franchise expressive que l’on avait pas écoutée ni suivie depuis longtemps. Autre accomplissement entre chant naturel et jeu d’actrice, la pétillante et profonde Susanna d’Hélène Guilmette qui possède le caractère du personnage. Le Figaro du baryton-basse hongrois Peter Kàlmàn affirme à l’inverse une rusticité de jeu parfois rustre, mais l’interprète habitué aux rôles bouffons, réussit scéniquement dans toutes les séquences comiques ou interactives… quand il prend à témoin l’audience, confrontée à ce qu’il croit être une nouvelle espièglerie de sa future épouse, fustigeant la perfidie des femmes (« Aprite un po’ quegl’occhi… », au IV).
Tous les autres personnages sont honnêtement incarnés ; évidemment on nous reprochera notre dureté critique en regrettant que le soprano de Nicole Cabell, – certes doué de velours et d’onctuosité, affirme un organe plus verdien que mozartien – l’élégance et la subtilité d’intonation de la Comtesse s’en trouvent parfois dénaturées).

Dans la fosse, le chef Mark Shanahan, opte parfois pour des tempi étirés, ralentis assez déroutants (le premier air de Cherubino, celui de la Comtesse…), mais saluons l’intensité et le continuum, la motricité ardente de ses ensembles, dirigés avec l’énergie et le sens du détail requis. Vite, à l’année prochaine, pour découvrir la nouvelle production du duo Caurier / Leiser, d’autant qu’il s’agira de l’ultime saison de Jean-Paul Davois. Si les spéculations diverses n’annoncent pas un autre Mozart, les spectateurs d’Angers Nantes Opéra ne perdront rien au change : il n’existe nul par ailleurs en France, un tel travail entre chant et théâtre. Ce Mozart cru, toujours époustouflant par sa vérité scénique, sa pétillance musicale fonctionne à merveille. Encore une seule et dernière date pour applaudir cette production prenante : demain, dimanche 9 avril 2017, au Grand Théâtre d’Angers, à 14h30. Illustrations : © Les Noces de Figaro, Angers Nantes Opéra / Jef Rabillon.

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Compte rendu, opéra. Angers, Grand Théâtre, le 7 avril 2017. Mozart : Les Noces de Figaro. Andrè Schuen, Nicole Cabell, Peter Kàlmàn, Hélène Guilmette… Choeur d’Angers Nantes Opéra. Xavier Ribes, chef des choeurs. Orchestre National des Pays de la Loire, Mark Shanahan, direction. Patrice Caurier et Moshe Leiser, mise en scène.