CD, critique. PERFIDO : récital lyrique, SOPHIE BEVAN, soprano. The Mozartists. Ian PAGE, direction (1 cd Signum classics). Voilà un excellent programme qui souligne combien Mozart est … un romantique, le premier romantique même ; source électrisant pour le jeune Beethoven. Véritable alchimiste et poète du cœur humain, et à l’époque des Lumières, fin connaisseur et peintre inégalé du sentiment. Ni démonstratif, ni décoratif mais juste, son style étincelle par sa vérité. Le chef Ian PAGE et son ensemble MOZARTISTS sur instruments d’époque signent ici un programme tout en sincérité d’autant car leur geste est ciselés, eux aussi, et d’une mordante nervosité, jamais alanguis ni … artificieux (comme peuvent l’être certains baroqueux français, et non des moindres dans ce répertoire où la vérité, la mesure, l’équilibre, doivent prévaloir). Les instrumentistes réunis autour de Ian PAGE depuis 2017, encore récemment donc, représentent à nos yeux l’excellence de la musique britannique actuelle, entre engagement, expression et agilité virtuose. Du vif et du sens. A chaque mesure.

C’est peu dire que tout chanteur mozartien est un belcantiste en puissance : phrasé, legato, expressivité, intonation filigranée… la britannique Sophie Bevan possède tout cela ; dès la première scène, signée Haydn, alternant recitatifs et arias, qui s’inscrit dans l’esthétique frénétique, par éclairs et contrastes vifs du … courant romantique et germanique « Sturm und drang » (tempête et passion) : de fait, « Berenice, che faï », fulmine, s’extasie, avant de s’effondrer en langueur embrasée, avec des écarts et intervales vertigineux pour la voix. Versatile, claire, intense, la soprano ne manque pas d’aplomb ni d’autorité.

Sainte tendresse, tragique fièvre de MOZART
Ian Page réussit la résurrection du sentiment mozartien dans son ambivalence et sa singularité

Aux côtés de Haydn, très percutant, les 5 airs mozartiens sélectionnés ici, forment un festival d’une écriture inouïe; ils se distinguent par leur coupe plus franche encore, l’expression la plus fulgurante du sentiment : de la tendresse et une langueur comme suspendue, nécessitant une belle coloratoure aussi (premier air d’après Metastase, qui produit et réussit la langueur attendrie d’Arbace : « Oh temerario Arbace », composition unique par sa maturité et là encore sa profondeur juste… née sous la plume d’un gamin de … 8 ans (!).

Puis voici Dido / Didone, saisie dans la trahison qui la crucifie littéralement, pour laquelle Mozart déploie toute les caresses de la compassion la plus humaine ; tendresse encore, qui conduit la Reine de Carthage à se confesser, se murmurant à elle-même l’inavouable tragédie qui est la sienne : le style et l’intonation de la diva, la tenue filigranée des instrumentistes, le souci de la couleur et du caractère intérieur défendu par le chef, sont superlatifs. C’est le seul aria de concert composé pour Mannhein en avril 1778 (Mozart revient de Paris où il a vécu un enfer dont la mort de sa mère), en particulier pour la soprano Dorothea Wendling qui sera la créatrice deux ans plus tard du rôle d’Ilia dans Idomeneo (son 3è opera seria après Lucio Silla et Mitridate). Sur un texte du très moral Metastasia, Mozart éblouit par sa couleur, sa coloratoure mesurée, qui exprime l’intensité d’une scène de déploration surtout intérieure, à la fois souple et énoncée naturellement (malgré le carcan de son texte)
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De 1778 toujours, année tragique et sur le plan artistique d’une exceptionnelle maturité, le second air écrit pour la soprano praguoise Josefa Dussek : « Ah, lo previdi…Ah, t’invola agl’occhi miei » ; encore une pépite lyrique qui étincelle de mille feux ; où les aigus semblent hisser la soprano au sommet de vertiges vocaux, ivresse émotionnelle et lyrique absolue : plus de tendresse mais un élan éperdu, un état de panique totale, car ici Andromeda qui s’adresse à Euristeus en parlant de Persée son prince sauveur, est victime de l’apparente cruauté de son aimé avec là aussi, un tapis instrumental des plus délicatement ciselés (et énoncé par la finesse des instrumentistes). Ian Page, dans le second recitatif (« Misera ! Invan m’adiro ») creuse davantage ce théâtre intérieur, jusqu’à la résonance d’une inquiétude sourde et irrépressible. Quelle scène d’incandescence émotionnelle, qui s’achève – Mozart oblige, par un état de tendre aspiration, d’appel absolu à la paix (avec hautbois obligé), en un dernier soupir toutà fait canalisé. Sublime.

« Bella mia fiamma… Resta o cara » (K 528) est l’air le plus tardif de cette collection de joyaux mozartiens (1788). Sur un texte tiré de la Cérès Apaisée de Jommelli (Cerere placata), Mozart écrit ainsi le second et dernier air de concert pour Josefa Dussek alors en octobre 1787, à l’époque de la création triomphante de Don Giovanni à Prague. Voici par la voix de Titano (Titan, mortel amoureux de Proserpine) s’adressant à Proserpine et à sa mère, Cérès, l’âme mozartienne exprimant / réalisant comme une mort en direct, un renoncement déchirant : Titano doit renoncer à celle qu’il aime car elle doit rejoindre les enfers, comme épouse de Hadès / Pluton. La subtilité mozartienne atteint ici un sommet, entre inquiétude, terreur, saisissement, sidération. Chanteuse et orchestre scintillent passant par climats et couleurs d’une rare profondeur : Sophie Bevan est très convaincante d’autant qu’elle tient ses aigus, et se soucie du verbe comme de son intelligibilité.

Belle respiration, lumière intérieure, souffle aérien… la prestation des Mozartists montrent qu’ils portent très bien leur nom. Jamais les instruments et l’orchestre n’ont mieux colorer et élucider les paysages introspectifs de l’héroïne qu’ils n’accompagnent pas ; qu’ils portent plutôt,… soutiennent, apaisent ou électrisent. Une leçon d’éloquence mozartienne.

BEETHOVEN MOZARTIEN… A cette source jaillissante de vérité et d’éclairs sentimentaux, Beethoven souhaitait s’abreuver quand il vient à Vienne en avril 1787. De fait son air « No non turbi, o mio tesoro »… possède déjà toute l’intensité d’un air passionné, ardent, lumineux dans son cheminement éprouvé qui annonce Leonore de Fidelio. Quelle révélation.

Mais le diamant de cette filiation Mozart / Beethoven reste « Ah perfido » que Ludwig écrit pour … Josefa Dussek en 1796, d’une magistrale architecture, entre véhémence et caresse intérieure (le modèle mozartien a été parfaitement assimilé). Après les premières invocations proches de la folie déclarée, puis un épisode de soliloque interrogatif plus intérieur, se déploie la prière (Per pietà) de l’aimée qui souffre et souhaite la paix (elle aussi)… jusque’à la mort ; contrairement à ce qui est précisé dans le livret (qui présente chaque air avec moult détails), Beethoven nous semble plus proche dans le caractère, de Mozart, moins de Haydn. La coupe, le sens de la franchise et cette extase languissante introspective sont viscéralement … mozartiens. Le tact, l’intention et l’agilité à la fois déterminée et tendre de la voix convainquent. Y compris dans la dernière séquence où l’ amoureuse se rebiffe (Ah crudel!) en vertiges et intervales… spectaculaires, maltraitant la voix (pour la rendre davantage expressive). Voilà qui annonce l’urgence et la radicalisme de Fidelio, ses fulgurances. La Fulgurance, voilà ce que Beethoven apprend au contact de la musique mozartienne. La ténacité vocale de la soprano Sophie Bevan se montre à la hauteur d’un programme éblouissant : défi pour l’interprète (il n’est pas sûr que la chanteuse puisse réaliser autant d’airs en un même programme au concert ; réalisé par sessions distinctes, le disque le permet heureusement) ; l’intérêt musicologique et esthétique qui naît dans cette confrontation Haydn, Mozart, Beethoven, est indiscutable. Programme magistral. Superbement défendu. Qui est plus mozartien aujourd’hui que les MOZARTISTS ?

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CD, critique. PERFIDO : récital lyrique, SOPHIE BEVAN, soprano. The Mozartists. Ian PAGE, direction (1 cd Signum classics). CLIC de CLASSIQUENEWS. Enregistré en février 2016 à Londres, cet enregistrement qui appartient à présent aux débuts glorieux des MOZARTISTS, demeure l’un des témoignages les plus engagés et les plus crédibles de l’ensemble fondé par Ian Page. Bravo maestro ! A suivre.

CD, coffret, événement, critique. MENDELSSOHN : Symphonies et ouvertures (LSO Gardiner, 4 SACD, 1 Pure Audio Blu ray LSO0826 / Londres 2014 – 2016). Lecture vivifiante. C’est peu dire que l’approche du « baroqueux » Gardiner apporte l’exaltation et le sens du relief et du caractère à l’écriture d’un Mendelssohn, plus dramatique et âpre qu’on imagine ordinairement. Enregistrées au Barbican de Londres, en 2014 et 2016 principalement, les ouvertures et symphonies constituant une intégrale très séduisante, de Mendelssohn bénéficient sous la direction de Gardiner d’une évidente et saine motricité, avec de réelles trouvailles stimulantes dans le relief de certains pupitres : bois, cuivres (n°5 Réformation, 1832), cordes et bois (Lobgesang n°2, 1840).
La musique de scène de A Midsummer night’s dream (1842) quant à elle gagne un surcroît de théâtralité mesurée, affûtée, avec en plus des instruments très individualisés, et mis en avant par la prise de son, le concours des comédiens et des chanteurs et choristes, eux aussi, parfaitement intégrés à l’écrin orchestral.
Ce qui frappe immédiatement l’écoute (n°2 et n°5) c’est la vitalité de l’approche, une tendresse juvénile et ardente qui emporte les cordes principalement et font par exemple toute la vive exaltation du premier volet maestoso con moto de la Sinfonia d’ouverture de la n°2 Lobgesang ; l’élan des sections chorales, frappées et portées par un pur esprit de conquête. Ou encore l’onctueuse mélopée cantabile de l’Andante pour deux voix (et cor)… Gardiner dévoile l’ample tendresse qui soustend tout l’édifice de cette symphonie cantate, ou chant de louange. S’y écoule la facilité du compositeur, auteur de somptueux oratorios, habile magicien et conteur, jouant des effectifs, des formes diverses pour solistes et choeur.

Accomplissement du LSO London Symphony Orchestra
Mendelssohn, articulé, dramatique, fervent sous la conduite
de John Eliot GARDINER

Le souffle de la majesté la plus grandiose mais sans emphase, puis l’appel de cuivres (au relief vif argent) auquel répond le mystère des cordes dans l’énoncé de « l’Amen de Dresde » (que reprendra Wagner ensuite dans Parsifal) assure l’ancrage tellurique, l’expression d’un drame viscéral et terrien dans la réalisation la somptueuse n°5 « Réformation » commencé dès décembre 1829, quand Mendelssohn fait créer la Saint-Matthieu de JS Bach : c’est un massif inouï par son ampleur sans vanité ni boursouflure démonstrative (grâce à la direction mesurée, équilibrée, ardente de Gardiner), marqué ici par le poids du fatum. Mendelssohn, juif baptisé dans la foi catholique, célébrant ici la Réforme (le tricentenaire de la confession d’Augsbourg pour 1830), signe sa symphonie la plus ambitieuse par son ton spectaculaire qui associe mystère fervent et grandeur colossale. La Réformation est assurément la pièce maîtresse de cette intégrale symphonique du LSO piloté par Gardiner.
A ranger au crédit des révélations, les ouvertures véritablement opératiques, condensés d’idées dramatiques à la hauteur du sujet ; ainsi Ruy Blas (ouverture composée en 1839), d’après la pièce si « détestable » de Hugo. Le feu tragique, le souffle amoureux manipulé, l’ambition dévoyée et elle aussi instrumentalisée par le redoutable Salluste (lequel se venge de la reine qu’il humilie grâce à la naiveté du jeune Blas dont il a fait un faux « grand d’Espagne »… le souffle de Mendelssohn, sa verve héroïque sont magnifiquement exprimés grâce à la fluide nervosité des instrumentistes galvanisés par le chef.
La Symphonie la plus exaltante demeure la coupe frénétique, exaltée et printanière – schumanienne, de l’Italienne n°4 (1833) : d’une irrépressible énergie primitive, primesautière, au souffle originel, méditerranéen, à 100 lieues des brumes de l’Ecossaise. Et de fait, un peu enlisée, fumeuse. Ici le brio solaire s’impose et s’affirme d’un bout à l’autre, avec cette vivacité plastique que Gardiner sait insuffler à tous les mouvements. C’est comme si le cycle retrouvait une sorte d’évidence londonienne, n’a t elle pas été créé ans la cité de Shakespeare en 1833 ? Et avec un remarquable succès, célébrant le génie d’un jeune homme de 21 ans, heureux voyageur après son tour italien (Venise, Florence, Rome). En Italie, où Berlioz est aussi présent (malheureux pensionnaire de la Villa Medicis), Mendelssohn ne ovit pas tant l’essor des arts.. que la beauté exaltante de la nature en ses paysages enchanteurs : l’Italienne exprime cet enthousiasme né dans la contemplation enivrée des motifs naturels.
La Saltarelle (danse napolitain sautée, découverte en 1831) porte tout l’élan du dernier mouvement, lui aussi d’une irrépressible exaltation. Les musiciens du LSO London Symphony Orchestra relèvent chaque défi de chaque mouvement, dans son déroulement formel et ses évocations, pastorales ou rythmiques dont ils font une transe superbement articulée.
Autre superbe réalisation l’ouverture, vraie opéra miniature sur son sujet bien identifié, « Calm sea and Prospero’s voyage » (1828) : l’opus 27 regorge d’idées et de somptueuses parures instrumentales où règne surtout l’éloquence enjouée, motrice des flûtes qui dit cette jubilation de l’instant dont est prolixe l’écriture d’un Mendelssohn toujours exalté mais noble et racé. Gardiner manie la baguette avec une étonnante vivacité, caressant les arêtes de l’architecture, tout en détaillant toutes les trouvailles en terme de timbres… cela coule et s’électrise avec un panache et une certaine grandeur primitive absolument irrésistible. Belle restitution là encore. On peut en dire de même pour les autres ouvertures parmi les mieux connues, souvent jouées comme épisodes dans les programmes symphoniques ici et là en concert, comme la Grotte de Fingal des célèbres Hébrides (1832), emmenée avec une même souple exaltation.
La prise live ajoute à la vivacité et à l’éloquence des sessions ainsi enregistrées. Le coffret compose une intégrale très séduisante. D’une tenue irréprochable, passionnante qui sait caractériser sans emphase l’intense théâtralité des symphonies et des ouvertures. Le coffret publié par le LSO réunit donc en une seule boîte, les 5 cd enregistrements séparés publiés jusque là. La totalité par son unité et sa cohérence dramatique comme poétique rend légitime cette compilation formant intégrale. Très recommandable, donc CLIC de CLASSIQUENEWS de l’automne 2018

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CD coffret événement, critique. MENDELSSOHN : Symphonies et ouvertures. LSO London Symphony Orchestra / John ELiot Gardiner (2014 – 2016, 4 sacd, 1 audio Pure Blu ray – LSO LIVE collection)
+ D’infos sur le site du LSO live : https://lsolive.lso.co.uk/collections/sir-john-eliot-gardiners-mendelssohn-cycle

CD, opéra, critique. BIZET : les Pêcheurs de perles, 1864. Nouvelle version complète. ONL Orchestre National de LILLE / A Bloch ( 2 cd Pentatone, 2017). PERLE DISCOGRAPHIQUE. On peut reconnaître au nouveau directeur musical de l’ONL Orchestre National de Lille, Alexandre Bloch, une extension remarquable du répertoire de l’Orchestre lillois, le prolongement d’une tradition commencée, cultivée avec le chef fondateur Jean-Claude Casadesus, et qui aujourd’hui, affirme ce symphonisme passionnant, ainsi dédié à l’opéra. Souvent minoré, sousestimé, l’opéra de jeunesse de Bizet, Les Pêcheurs de Perles, appartient à cet orientalisme soit disant “sucré, artificiel” propre au XIXè, un “sous-Carmen”, ou “sous-Lakmé”, selon que certains le rattache négativement à l’opéra de Léo Delibes, lui aussi orientalisant. Pourtant ici, ce que réussit fort bien Alexandre Bloch, la puissance d’un orchestre surtout dramatique donc efficace, coloré, orchestré avec raffinement (donc orientalisant) s’impose à nous, dans un geste et une lecture globale qui soignent les équilibres, la clarté voire la transparence de la pâte orchestrale.

Entre puissance et élégance, précision et sensualité,
Alexandre Bloch ressuscite les Pêcheurs de Perles du jeune Bizet

Pour cette version complète de 1893, – première mondiale-, le chef a réuni un cast idéal, soulignant ici la fraîcheur et la vitalité d’une distribution de voix juvéniles. C’est même la crème des jeunes chanteurs français dont le relief et le tempérament propre, sculptent chaque profil psychologique : Leïla, jeune fille d’abord soumise à l’ordre religieux puis amoureuse libre et rebelle ; Nadir, que l’amour transfigure lui-aussi au point de le rendre audacieux et courageux ; Zurga enfin, le plus spectaculaire par la métamorphose qui s’opère en lui du début à la fin : rival de Nadir, jaloux, colérique d’abord ; puis complice fraternel d’une idylle qui le hantait et qu’il avait condamnée… C’est lui que le spectateur accompagne depuis le début, sujet d’un bouleversement comme peu à l’opéra alors. Du jaloux haineux, Zurga apprend au contact du couple Leïla / Nadir, la compassion et le renoncement.
Julie Fuchs brille en Leïla, par son angélisme idéalement incarné / elle annonce évidemment la Lakmé de Delibes ; quand ses deux partenaires Cyrille Dubois et Florian Sempey, apportent aux personnages de Nadir et Zurga, le poids et le réalisme qui convient (entre autres superbe passage, leur duo « Au fond du temple saint », est énoncé avec une finesse qui est emblématique de toute la lecture). L’intérêt de l’opéra du jeune Bizet est de reprendre à son compte le duo ténor / baryton, généralement affronté car rivaux, mais ici, il les fait devenir amis, et finalement complices.
L’orchestre scintille, le choeur diffuse ses vapeurs orientales, et aussi exprime le déchainement de la foule vorace, avec un aplomb lui aussi superlatif. Voilà qui expose l’opéra de 1863, ici restitué pour la première fois dans une version complète, avec une pertinence qui accrédite le travail de l’Orchestre National de Lille.
Enfin dernière qualité, non des moindres, les 3 chanteurs articulent et cisèlent un français continument intelligible, maîtrise rare pour être relevée. Que l’on songe aux opéras baroques recréés récemment par d’autres équipes pas aussi scrupuleuses, le souci d’intelligibilité est rarement aussi fouillé comme ici.
Pour leur premier disque lyrique, Alexandre Bloch et l’Orchestre National de Lille relèvent donc les défis de l’opéra romantique français, dans la puissance comme l’élégance. A quand leur prochain opus ?
Recréation majeure, CLIC de CLASSIQUENEWS de la rentrée 2018.

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CD, opéra, critique. BIZET : les Pêcheurs de perles, 1864. Nouvelle version complète. ONL Orchestre National de LILLE / Alexandre Bloch ( 2 cd Pentatone, 2017).

Leïla : Julie Fuchs
Nadir : Cyrille Dubois
Zurga : Florian Sempey
Nourabad : Luc Bertin-Hugault
Les Cris de Paris

Orchestre National de Lille
Alexandre Bloch, direction

Enregistré au Nouveau Siècle, Lille, du 9 au 11 mai 2017
2 CD Pentatone PTC 5186685– 48mn + 61mn

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VOIR aussi notre reportage vidéo Les Pêcheurs de Perles par l’Orchestre National de Lille et Alexandre Bloch (Reportage vidéo en 2 volets, réalisé au moment de l’enregistrement et de la représentation de l’opéra en version de concert et spatialité au Nouveau Siècle de Lille, 2017)

http://www.classiquenews.com/bizet-les-pecheurs-de-perles-ressuscites-par-le-national-de-lille-alexandre-pham/

REPORTAGE VIDEO : Les Pêcheurs de Perles de Bizet, 1863. Orchestre National de Lille, Alexandre Bloch. Partition d’un compositeur de 25 ans, Les Pêcheurs de perles du jeune Bizet affirme en 1863 une superbe maturité : orchestration raffinée, élégance des mélodies dont des airs devenus mythiques : celui de Nadir (romance), celui de Leïla (Comme autrefois, berceuse avec cor obligé), mais aussi subtilité des choeurs et séquences orchestrales finement caractérisées et contrastées (le duo d’amour entre Nadir et Leïla enchaîne directement sur une nuit d’orage convoquant à la fin du II, l’orchestre et le choeur au grand complet). Si l’action se déroule à Ceylan, au sein d’une communauté de pêcheurs adorant Brahma, l’orientalisme de Bizet n’est pas celui de Félicien David et plus tard de Delibes (Lakmé, dont la partition de Bizet se rapproche de façon surprenante). La richesse du coloris orchestral s’incarne par les timbres instrumentaux de l’orchestre européen… Ici c’est moins la sublime loyauté amoureuse de Leïla (proche ainsi de la tragique Lakmé), créée par un soprano coloratoure, que le personnage tiraillé du baryton Zurga – le chef de la tribu et l’ami de Nadir, qui rejaillit et finit par distinguer nettemnt par son caractère d’abord impérieux, brutal, puis sa jalousie première écartée, noble et compatissant, sacrificiel. Cf. le duo au début du III, où Zurga en présence de Leïla décide d’aider les deux amants éprouvés. Ainsi le jeune Bizet qui trahit ici une maestrià annonçant directement Carmen, ose une fin heureuse pour ses héros éperdus : ils pourront fuir la haine et la violence du peuple grâce à l’ami de Nadir, Zurga, pourtant lui aussi épris de la belle prêtresse… L’Orchestre National de Lille et Alexandre Bloch en offre en première française, la version de 1893 (Urtext)…
http://www.classiquenews.com/bizet-les-pecheurs-de-perles-ressuscites-par-le-national-de-lille-alexandre-pham/

CD, coffret événement, critique. LEONARD BERNSTEIN : An American in Paris / ONF, 1975, 1976, 1979 (7 cd WARNER classics). Début juillet 1975, Bernstein revient de Salzbourg (où il a dirigé plusieurs sessions de la spectaculaire 8è Symphonie de Gustav Mahler)… il retrouve à Paris, les instrumentistes de l’Orchestre National de France, pour un programme Berlioz et Ravel (dont l’Orchestre parisien fête le centenaire alors) qui est l’affiche du TCE de septembre suivant.

Paris, 1975, 1976, 1979, un Américain à Paris
Lenny et le National de France
une entente passionnelle

L’esprit de camaraderie et la bonhommie fraternelle qui animent le maestro renforcent son empathie avec l’Orchestre français. Une relation qui relève du coup de foudre réciproque et que les 7 cd réédités par Warner dévoilent sans fard : en particulier les cd 5 (répétitions du 6 juillet 1975: Alborada del gracioso, Shéhérazade, Concerto pour piano en sol – avec Bernstein au piano, enfin La Valse / cd 6 : concert au TCE du 20 septembre avec Marilyn Horne dans Shérazade, et Boris Belkin pour Tzigane, et en plus des œuvres citées pour les répétitions précédentes, Boléro dont la fièvre quasi transe emporte toute réserve…). Le coffret Warner, ajoute aussi les programmes de 1976 (Darius Milhaud : La Création du Monde, Saudades do Brasil, Le Boeuf sur le toit, de nov 1976 / le Concerto pour violoncelle de Schumann, idem / avec Mstislav Rostropovitch) et 1979 (concert Bernstein dirige Bernstein : Suite Symphonique de On the Waterfront, et Danses Symphoniques extraites de l’inusable West Side Story (TCE, septembre 1979).
Ce qui frappe immédiatement c’est l’engagement des instrumentistes, tous solistes, magnifiquement exposés et fusionnés, qui suivent le maestro dans des tempi souvent audacieux (ralentis, extatiques dans l’Adagio du Concert pour piano de Ravel où le chef pianiste étire, allonge la pâte et la ligne sonore…). Danse physique, gestuelle amoureuse et directe, qui a vu Bernstein diriger le National, est immédiatement touché par la charge humaine que le maestro diffuse, à l’orchestre, vers les spectateurs… la tension est canalisée idéalement (Horne dans Shéhérazade, d’un legato inoubliable) pour se libérer au final dans une explosion libératrice… En ce sens sa Valse, entre joie et angoisse, jubilation et inquiétude, reste exemplaire. Evidemment les critiques parisiens pour certains, ont tiré sur ce « pathos » défigurant la pudeur de Ravel. Rien de tel en vérité, tant la cohérence de la vision défendue par Bernstein articule, éclaire chaque détail, chaque accent. Le chef ouvrage chaque partition comme un orfèvre, trouvant aussi avec Rostro en 1976, le ton juste schumannien. Démonstratif déboutonné quasi obscène pour Martinoty, alors critique pour l’Huma avant d’être metteur en scène, qui comment plusieurs erreurs de compréhension du travail entre le chef et les instrumentistes ; c’est que pour être critique musical il faut avoir chanté ou joué un instrument pour être compétent. Visiblement, le commentateur ne connaissait rien au façonnage progressif du matériau musical (ce que dévoilent les cd du présent coffret : à travers la répétitions puis le concert) ; surtout à l’éloquente précision de la baguette d’un Bernstein capable de faire danser un orchestre grâce au confort qu’il apporte dans sa direction…
Aujourd’hui les bandes parlent d’elles mêmes, fulgurantes et incarnées comme jamais… des modèles d’engagement participatif, et de tempérament risqué et assumé, d’autant plus passionnant à notre époque où la mondialisation tend à uniformiser le son des orchestres et la façon de les diriger. Coffret événement, CLIC de CLASSIQUENEWS de septembre 2018. D’autant plus opportun pour le Centenaire BERNSTEIN 2018.

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CD, coffret événement, critique. LEONARD BERNSTEIN : An American in Paris / ONF, 1975, 1976, 1979 (7 cd WARNER classics). CLIC de CLASSIQUENEWS de septembre 2018.

CD, critique. SO FRENCH : Alexandre Doisy, saxophone (1 cd Klarthe) — Velouté (proche de la clarinette basse) et pourtant mordant (comme tuyauté et flûté), le timbre du somptueux saxophone d’Alexandre Doisy distille sa séduction sonore avec une étonnante intériorité suggestive dans le premier tableau : Impressions d’Automne d’André Caplet (1905), riche en nuances d’un gris nostalgique, suspendu et rêveur comme surgi d’un songe encore envoûté. Même calme souverain, imperturbable, hors du temps réel et efficace dans le « Choral varié » de D’Indy (1903), auquel l’instrument en ondes rondes et sourdes, très bien tenues sur la longueur, apporte un galbe recueilli, avec cette couleur sombre et grave propre au compositeur français.

Le soliste fait de son instrument un véhicule inspiré superbement chambriste aux accents surtout introspectifs, taillé pour le rêve, la réitération, le souvenir (voire une certaine gravité).
Le plus long tableau de ce récital titre et séquence rare au concert : « Légende » de Georges Spork, également début du siècle (1905) affirme plus nettement le timbre cuivré du saxo ; c’est une ample fantaisie plutôt très caractérisée et de plus en plus rêveuse : la pièce comme la majorité porte la dédicace à l’américaine et mécène Elise Hall, laquelle a commandité nombre de ces pièces composées pour le saxophone.

Récital français du saxophoniste Alexandre Doisy

Gravitas fruitée du saxo soliste

La Méditation de Thaïs confirme les mêmes dispositions pour le chant intérieur ; elle contraste avec la Rhapsodie plus libre et enjouée, d’une grâce aérienne de Debussy qui l’écrivit à l’époque de Pelléas et dont l’esprit à la fois continu et ondulant évoque aussi la souple texture du triptyque La Mer. Les deux instrumentistes (belles ondulations quasi « picturales » du piano de Claudine Simon) en expriment toute l’activité irrépressible et la caresse chantante presque enivrée et lascive comme l’ossature plus nerveuse.
Autre « Légende » … celle de Florent Schmitt (1918) : l’opus est avec la pièce éponyme de Sporck et la Rhapsodie de Debussy (d’une durée égale), la séquence la plus développée (plus de 10 mn) : évanescent, à l’énoncé liquide proche d’un Debussy énigmatique, sans omettre l’essor d’une tension parfois inquiète et plus agitée qui se relâche enfin dans un abandon conclusif, la partition sécrète un parfum d’enivrement irrésistible et ténu, très français, donc emblématique de ce récital de musique hexagonale d’où son titre « so french ». Au choix des pièces françaises, le saxophoniste ajoute aussi une dilection spécifique pour le timbre, la nuance, et la transparence, l’écoute naturelle des nuances, … comme l’engagement plus théâtral et d’une franche vivacité narrative tel qu’il s’impose dans le court triptyque Scaramouche de Milhaud (1939 : Brazileira bien dansant et chaloupé). Voilà des contrastes idéalement négociés qui sont encore rehaussés par le choix de l’ultime pièce : Les Berceaux d’un Fauré lui aussi secret, un rien sombre voire grave (1875). Très beau récital pour un instrument trop rare au concert dont Alexandre Doisy dévoile sans artifice, le caractère caressant, intérieur.

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CD, critique. SO FRENCH : Alexandre Doisy, saxophone (1 cd Klarthe) – Enregistré en octobre 2015 à Paris (Studio Sextan). Label : Klarthe Records – Référence : 2810742115596 – EAN : 3149028107425. Le programme est rare, constitué de pièces très peu connues : il mérite donc le CLIC de CLASSIQUENEWS de l’été 2018.

CD, compte rendu critique. MAHLER : 7è Symphonie (Mariss Jansons, Royal Concertgebouw Orchestra, RCO / Amsterdam – Live de septembre 2016 – 1 cd RCO LIVE). SYMPHONISME INCANDESCENT… La 7è de Mahler (- créée 3 ans après son achèvement, en septembre 1908 à Prague sous la direction du compositeur) comme la 6è notre préférée, offre une dualité flamboyante entre grandeur ivre et saillies dépressives d’une inéluctable aspiration sombre. Même le triomphe en ut du dernier des 5 mouvements, n’évite pas ce glissement harmonique, épisode de clairvoyance, juste avant le dernier accord… Le premier mouvement est passionnant par ses bonds colossaux, ses spasmes, la pensée de tumultes cosmiques qui dépassent ici le destin d’un individu fût-il notre héros. D’ailleurs ce dernier observe le vaste monde au bord du précipice qui gronde et menace. Mariss Jansons, directeur musical du Concertgebouw pendant 11 ans (2004-2015) démontre ici et la grande tradition de l’Orchestre néerlandais dans l’interprétation du massif malhérien (le plus impressionnant dan la 7è), et aussi sa propre expérience, nourrie d’évidentes affinités avec le langage très riche de Mahler. Rappelons que Gustav Mahler, chef d’orchestre et directeur d’opéra (à Vienne), demeure le plus grand symphoniste du début du XXè avec Richard Strauss… contemporain de la révolution esthétique et orchestrale opérée par les Français, Ravel et surtout Debussy (La mer, également achevée en … 1905). Mahler appartient encore à la tradition d’un certain structuralisme beethovénien, s’interdisant cette dilution spatiale et d’une harmonisation nouvelle et raffinée qu’accomplira Debussy.

Préfigurant les Chostakovitch à venir et les Prokofiev, champion du double langage, cynique, parodique, aigre…, Gustav Mahler cristallise toutes les tensions, désirs, aspirations de la vie en un magma d’une impétuosité colossale et une sensibilité humaine d’une rare intensité. Cuivres sardoniques, cordes enivrées, … échelle de l’espace, et espérance terrestre se croisent et fusionnent dans ce premier mouvement à l’énergie primitive et âpre. Face à une telle conscience des enjeux qui se jouent et nous dépassent (voir le fracas final qui ferme en un panache militaire sec, le premier mouvement), il faut bien la rondeur parfois parodique et fanfaronnée du second mouvement (premier nocturne) pour atteindre une certaine neutralisation de la tension. Mariss Jansons se montre séducteur et architecte sachant tirer partie des timbres mêlés littéralement enivrés (harpes et flûtes éperdues, cordes aspirées, bois et surtout cuivres en lévitation), évoquant cette pause nocturne, fouillant l’énigme de son mystère où pointe aussi le rendu réaliste des cloches des vaches… (que l’on réentendra dans le final), le paysage et le motif naturel s’invitent dans ce paysage colossal, poétique et philosophique, allégorie de la destinée humaine foudroyée par le vide sidéral, à la façon de la grande poétique baroque du peintre Poussin, grand réformateur lui-même du paysage classique au XVIIè, entre ordre et leçon d’humilité.
Spectaculaires et libres, d’un souffle poétique éperdu nous l’avons dit, que l’imaginaire et cette aspiration salvatrice d’un Mahler touché par la grâce : musique autobiographique, aux élans d’un nouveau lyrisme… le collectif maudit, l’espoir individuel s’y déploient, antagonistes et complémentaires à la fois, telle une marche aux étoiles sans illusions et pourtant allant, errant, s’accomplissant telle une migration funambule. La richesse des nuances, et le soin détaillé, dans la tenue directionnelle se révèlent captivants. La rusticité et l’élégance de Jansons (piaillement enivré des clarinettes…) font mouche dans ce premier nocturne dont le génie – réussite absolue, est de s’achever comme une interrogation.

Le Scherzo est le défi qui se dresse à tous les grands chefs, révélant limites ou … hauteur d’esprit. Reconnaissons que l’art du spasmes, des retenues élastiques dont fait preuve Jansons démontrent sa réussite totale dans l’une des pages les plus difficiles du répertoire symphonique. La valse qui s’y déhanche, se cabre en une silhouette ivre mais celle ci, caricaturale et hoquetant, tel un superbe animal blessé. La tension dansante, échevelée, la formidable ligne dans les unissons des cordes confirment les affinités du chef avec l’imaginaire Mahlérien où le feu rythmique n’est jamais éloigné d’un certain rictus rentré (l’aigreur ciselée comme un hoquet des bassons.)… On cite certes la Valse de Ravel, nous préférons citer surtout les spasmes convulsifs de la Salomé straussienne, et ses 7 voiles incandescents. Voilà le passage le plus abouti de la lyre mahlérienne défendue par Jansons. Fabuleuse épopée orchestrale.

Guitare et mandoline, d’une couleur webernienne, accusent ici leur appel au rêve, dans la seconde NACHTMUSIK (« musique de la nuit » / Nocturne), mais un rêve indistinct entre cauchemar foudroyant et songe douceâtre et inquiet (le chant du violon solo, accordé à la cantilène de la clarinette / hautbois dit l’essence de la romance amoureuse, sa tendresse et sa candeur mensongère, comme une harmonie trompeuse : sentiment partagé qui scelle aussi la relation contradictoire entre Gustav Mahler, et son épouse Alma). L’abandon dans le style amoureux (comme le rappel l’indication du passage « Andante amoroso »), semble à la fois exprimer l’ivresse sincère d’un amour partagé, mais aussi la mascarade amère qui pointe dans toute idylle (relents grave et lugubres des cordes, jamais formulés jusque là) : l’ambivalence est dans ce noeud ténu, formidable incertitude structurelle du chant mahlérien. Jansons réussit à exprimer le double langage, il éclaire la double lumière de ce jeu miroitant et… trompeur. La justesse de la tenue est admirable on peut se laisser bercer par cet épisode d’ivresse amoureuse, sans pourtant perdre sa lucidité sur la vanité et la fugacité de toute chose.

Pour Maris Jansons, l’humanisme de Mahler vainc toute tentation du chaos dans le dernier et spectaculaire tableau final (5è mouvement : Rondo, indiqué « allegro ordinario »). Les forces de l’esprit savent distinguer et discerner la barbarie et le démonisme du monde, comme il sait aussi insuffler un nouvel espoir ; toute l’architecture de ce mouvement en ut, terminé en 1905 qui résonne résolument telle un formidable aveu de victoire : face au désordre diabolique du cosmos, l’esprit humain offre sa conscience capable de réorganiser l’ordre du monde. Une prière enf orme de marche conquérante et drappée dans une noblesse victorieuse, qui dans le dérèglement contemporain n’aura jamais sonné de façon si actuelle. Mahlérien le plus moderne, le plus clairvoyant, et pourquoi pas doué d’un jugement messianique parmi les compositeurs ? On voudrait bien partager l’espérance finale ainsi formulée. Ainsi Maris Jansons confirme sa maîtrise irrésistible dans l’interprétation mahlérienne : l’un des interprètes les plus saisissants avec Solti, Kubelik, Haitink. CLIC de CLASSIQUENEWS de février 2018.

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CD, compte rendu critique. MAHLER : 7è Symphonie (Mariss Jansons, Royal Concertgebouw Orchestra, RCO / Amsterdam  - Live de septembre 2016 – 1 cd RCO LIVE) – CLIC de CLASSIQUENEWS 2018.