événement, critique. Le grand opéra 1828-1867 – Le spectacle de l’histoire – Catalogue d’exposition (éditions RMN) . Pour le 350ème anniversaire de l’Opéra de Paris, le Palais Garnier (Bibilothèque-Musée) affiche une exposition consacrée au grand opéra français, genre intimement lié à un siècle, le XIXe, et à une ville, Paris. Le catalogue se propose de retrace l’évolution du genre musical, de ses origines (sous l’Empire) à son essor quand les grands compositeurs étrangers Wagner et Verdi viennent dans la Capitale pour se tailler une réputation et faire représenter leurs opéras sur le première scène d’Europe : c’est le cas du dernier ouvrage traité ici, DON CARLOS en français de Giuseppe Verdi (1867). Médée de Cherubini et La Vestale de Spontini font figure d’Å“uvres pionnières. En 1828, Auber, avec La Muette de Portici, porte véritablement le grand opéra français sur les fonts baptismaux. Rossini s’y essaie lui aussi, avec Guillaume Tell (1829). C’est toutefois Meyerbeer (autre étranger) qui ouvre l’âge d’or du grand opéra dans les années 1830, et qui donne au grand opéra ses lettres de noblesse : Robert le Diable, Les Huguenots et Le Prophète sont autant de triomphes. Privilégiant les sujets historiques, le grand opéra est alors l’expression des passions du temps : la France de Louis- Philippe, sous l’impulsion de personnalités telles que Mérimée, Guizot ou Viollet-le-Duc, part à la découverte de son passé et de son patrimoine.
Le parcours regroupe sur la thématique une centaine d’Å“uvres (manuscrits, esquisses, peintures, maquettes de décor…). Autant de facettes d’un genre spectaculaire par les effectifs et les moyens requis dont le présent catalogue est le miroir fidèle : une mise en page originale et élégante, de très nombreuses illustrations dont la majorité des documents exposés, explique l’histoire de l’opéra français au XIXè. Un âge d’or où l’opéra s’est comparé à la peinture d’histoire : musique et danse en complément. Passionnante rétrospective sur un sujet que l’on croit connaître, que l’on critique toujours pour son emphase et la lourdeur de son décorum ; dont les sommets restent toujours écartés des scènes lyriques y compris de l’Opéra de Paris. Ainsi Auber et Meyerbeer à Paris refont surface par la galerie musée du Palais Garnier plutôt que sur sa scène lyrique : la situation ne manque pas de cynisme. A quand La Muette ou Gustave III / Robert le diable ou Le Prophète à l’affiche de la « grande boutique » (comme disait Verdi en parlant de l’Opéra parisien, à l’époque la Salle Le Peletier) ? Pour nous consoler, la lecture de ce catalogue s’avère passionnante, en préparation à la visite de l’exposition événement, jusqu’au 2 février 2020.
Sommaire
1 РAux sources du grand op̩ra
2 РLa Fabrique du grand op̩ra
3 – le grand opéra, témoin de l’Histoire / fédérateur des arts
4- Splendeurs et misères du grand opéra
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LIVRE, événement, annonce.”LE FANTÔME DE L’OPÉRA », Légendes et mystères au Palais Garnier par Gérard FONTAINE (LES ÉDITIONS DU PATRIMOINE) . Gérard FONTAINE publie un texte richement illustré qui récapitule le mythe du fantôme de l’opéra : depuis le roman originel de l’écrivain et enquêteur Gaston Leroux (1910) qui cumule les références propres à la littérature fantastique… jusqu’à la comédie musicale toujours jouée à Londres et à Broadway, musique de Andrew Loyd Weber (1986).
l’Opéra Garnier est un monde à part, propice au délire poétique et à l’imaginaire. Dans la vision de Leroux puis les extrapolations qui ont suivi, le fantôme de l’Opéra fusionne avec le masque de la mort rouge fixé par Poe, et réalisé par Leroux dans la fameuse scène du bal masqué à l’opéra… Peu à peu grâce aux premiers illustrateurs pour le roman de Leroux, grâce aux films et photos du palais Garnier, les personnages du roman prennent vie. Oy détecte comment de filtres en fantasmes, le fantôme originel prend une tout autre face et allure que celle conçue par Leroux (qu’est devenu son masque de soie noire ?) ; on y comprend mieux le rôle des directeurs de l’opéra, de Christine, de Raoul… des danseuses et des musiciens, des décorateurs et des machinistes qui composent le premier plan et l’arrière scène, le contexte social et humain du roman de Leroux ; chaque élément du roman est confronté à la réalité du Palais Garnier tel que nous le connaissons. Mais plutôt que de mesurer de quelle façon Leroux a respecté la configuration réelle de l’Opéra de Charles Garnier, Georges Fontaine interroge le mythe, ses avatars, et aussi la formidable architecture de Garnier, laboratoire à produire du merveilleux et de l’illusion, technologiquement avancé ; autant de performances qui inspirent en réalité le texte de Leroux.
Ainsi sont dévoilées entre autres les techniques révolutionnaires de Garnier, détournées par Gaston Leroux : cuve à double coque, colonnes creuses, fondations à l’épreuve des marécages… Et quand est-il du lac souterrain ? Où vivait réellement le Fantôme ? Grande critique à venir le jour de la parution du livre, le 31 octobre 2019.
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Présentation du Fantôme de l’Opéra par Gérard Fontaine par les éditions du Patrimoine :
« Le fantôme de l’Opéra est une légende qui hante l’imaginaire collectif depuis plus d’un siècle et a été le sujet de nombreux films, sans compter les ballets ou les comédies musicales dont la principale tient l’affiche à Londres ou à Broadway depuis 1986. Mais sait-on qui se cache derrière cette histoire ? Journaliste et romancier génial, Gaston Leroux est aussi l’auteur du Mystère de la chambre jaune ou du Parfum de la dame en noir. Fasciné par l’extraordinaire bâtiment inventé par Charles Garnier quelques décennies plus tôt, il y trouve l’inépuisable source qui a donné naissance à son Fantôme de l’Opéra. L’édifice regorge d’innovations techniques, relevant presque, pour l’époque, de la magie. La beauté du lieu, son atmosphère et les oeuvres qu’il abrite sont autant de points d’ancrage pour sa création.
Une mise en page brillante ressuscite l’art lyrique, la danse et tous les arts pour nous faire vibrer, avec le Paris 1900 en arrière-plan. »
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LIVRE événement, annonce. Le Fantôme de l’Opéra : Légendes et mystères au Palais Garnier par Gérard Fontaine Parution : 31 octobre 2018 / Editions du Patrimoine – Prix : 35 € – 25 . 32 cm – 192 pages – 180 illustrations / Relié – EAN 9782757706831 – En vente en librairie
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Sommaire
LA VÉRITÉ DES APPARENCES,
LE DON JUAN TRIOMPHANT
LE SECRET DE LA PREMIÈRE LOGE N° 5
LA CHUTE DU LUSTRE DU PALAIS GARNIER COMME VOUS AURIEZ PU Y ÊTRE
LA DEMEURE ET SON LAC
LE BAL MASQUÉ DE L’OPÉRA
SIGNÉ LEROUX
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L’auteurGérard Fontaine est un spécialiste réputé de l’opéra auquel il a rendu maintes fois hommage, notamment avec Décor d’opéra : un rêve éveillé (Flammarion, 1996), Palais Garnier, le fantasme de l’opéra (Agnès Viénot Éditions, 1999). Il a publié aux Éditions du patrimoine, en partenariat avec l’Opéra national de Paris : L’Opéra de Charles Garnier, architecture et décor extérieur (2000) ; Palais Garnier, Opéra national de Paris, collection « Itinéraires » (2001) ; Visages de marbres et d’airain, la collection des bustes du Palais Garnier, collection «Thématiques» (2003), L’Opéra de Charles Garnier, architecture et décor intérieur (2004), L’Opéra de Charles Garnier, collection « Monographies d’édifices » (2018).
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Présentation de l’éditeur en anglaisFrom Orpheus charming the animals to Lévinas’ cockroach, the history of opera is ï¬lled with allegorical animals, featuring as mere minor characters or as the real protagonists of the plot. This book traces the adventure of this lyrical bestiary in which the song of the animal mixes with that of man, and sometimes replaces it.
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LIVRE événement, annonce. Jean-François Lattarico. Le Chant des bêtes, Essai sur l’animalité à l’opéra (CLASSIQUES GARNIER) – Collection CONFLUENCES sous la direction de Pierre Glaudes, éditions CLASSIQUES GARNIER. N° 6, 392 pages, 15 x 22 cm – Broché, ISBN 978-2-406-08541-6, 48 € / Relié, ISBN 978-2-406-08542-3, 87 €
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Soulignons dans les mêmes termes, la superbe vélocité expressive, à la brillance roborative du dernier choeur « Höchster, schau in Gnaden an », rondeur élastique suspendue et nerf des plus ciselés. En écoute en aveugle, sans minorer les qualités de timbre des jeunes chanteuses, leur projection du texte manque de nuances comme de précisions. Visiblement moins impliquées que leurs partenaires dans l’articulation du verbe, seul semble compter la beauté du chant. C’est oublier que Bach a écrit des cantates où les vers liturgiques pèsent de tout leur poids et que le sens des paroles ici compte plus tout. Voilà qui creuse la différence entre un texte liturgique et un morceau de concert. Ceci vaut évidemment pour le Magnificat, pièce ambitieuse et de très belle facture qui permet à Bach, nouvellement arrivé à Leipzig de démontrer sa verve et sa maîtrise du contrepoint. Les chœurs se succèdent nerveux et exclamatif, louant surtout la Vierge de miséricorde. S’il n’était la basse Stephan Macleod, on serait à nouveau réservé sur la tenue générale des airs des solistes. L’enthousiasme que la jeunesse prometteuse fait naître ne doit pas minimiser ici la part du doute, le relief du texte, le trouble de certaines lignes pour instrument solo : tout ce qui nourrit l’éloquente et grave ferveur de Bach… et qui sont souvent absents ici. Ce concert live, très honorable, souligne l’aplomb séduisant d’un jeune chef (22 ans), mais le manque de relief comme de précision dans l’articulation de certains chanteurs tempère l’évaluation générale. On attend un nouvel album pour confirmer ou infirmer ces premières impressions.
CD, critique. JS BACH : Cantates, Magnificat. La Chapelle Harmonique. Valentin Tournet (1 cd Château de Versailles, déc 2018)
Marie Perbost, Soprano I
VIDEO, opéra. DEGAS ET MOI… L’Opéra National de Paris diffuse sa nouvelle fiction DEGAS ET MOI , réalisée par Arnaud des Pallières dont le contenu dévoile plusieurs pans délicats de la personnalité du peintre… Degas despote antisémite. Présentation et critique du film, diffusé sur le site de la 3ème Scène, à partir du 30 octobre 2019. Le film fait écho à l’exposition actuellement présentée au Musée d’Orsay à Paris : Degas à l’Opéra (jusqu’en janvier 2020).
le nouveau film de la 3è Scène
DEGAS ET MOI
dès le 30 octobre 2019
Degas et moi. Le réalisateur Arnaud des Pallières ne s’intéresse pas à l’œuvre du peintre ni à sa manière de peindre les jeunes danseuses ; il n’interroge pas non plus sa relation (pourtant fascinante) à l’Opéra de Paris (Salle Le Peletier d’abord, puis Opéra Garnier ensuite).
Portrait d’Edgar Degas
DEGAS vieux, despotique, antisémite
Ainsi, chez lui, vieux, amaigri, DEGAS paraît ici en vagabond, vieillard, voûté, seul, diminué (très plausible Michael Lonsdale). C’est d’abord une silhouette qui ne parle pas ; se souvient des séances sur le motif quand il dessinait au crayon, les jeunes danseuses, adolescentes aux corps souples et réguliers ; ainsi Degas (jeune) dessine.
Il se rappelle les séances de répétitions, celles des jeunes danseuses, en robes blanches et rubans de couleurs ; figures disciplinées à la barre, obéissant au maître de ballet… « Il faut remettre au dessin et au pastel 100 fois le même sujet : les danseuses, de bas en haut ; commencer par les pieds, remonter la forme plutôt que la descendre… » Et jusque dans la musique du piano, dans ce balancement presque hypnotique, s’impose, presque gênante, la répétition des gestes : les pieds balaient le sol ; la main trace sur le papier.
Dans le cas de la petite danseuse en cire, « je m’acharne à la ressemblance et à quelque chose de plus… c’est l’œuvre d’un aveugle qui veut faire croire qu’il voit… »
De fait le peintre devient aveugle ; le film souligne le cynisme de ce désarroi intime ; comme Beethoven est sourd. Le pastel, gras, pourtant trace. Il y a donc de l’éphémère et du fragile dans ce constat des choses. Ce qui rend le travail du peintre, observateur et poète, d’autant plus singulier.
DEGAS DEMANDE PARDON…
« Tout vieillit en moi à part le cœur.
LE CAS DE LA JEUNE MODELE, MARIE… A l’atelier de Mr Degas n’a que faire du corps épuisé ; de la souffrance qu’impose la tenue de la pose ; de sa nudité surtout, impudeur éprouvante… malgré son air charmant, Degas creuse la ligne et la pose de la jeune fille, « à coups de poings dans le dos ».
Le portrait devient à charge : Degas marche dans la rue
Désespérée d’avoir été congédié par Degas qui la prit pour une juive, et donc a été chassée sans être payée. « Que vais je dire à Maman ? ».
Pas sûr que les admirateurs du peintre apprécient ce portrait subjectif, plutôt sombre et négatif du génie de la peinture française. Mais la 3è Scène confirme sa place à part, celle d’un lieu de création artistique, libre et original. A n’en pas douter, ce film partial donc discutable, suscite le débat sur la personnalité du peintre et sculpteur… A chacun de se faire son opinion. A la fin de la fiction, on ne cesse de s’interroger. A voir incontestablement.
Degas et moi  -  Film réalisé par Arnaud des Pallières, interprété par Michael Lonsdale et Bastien Vivès. Visible gratuitement dès le 30 octobre sur la 3e Scène. D’après la correspondance de Degas, lettre imaginaire à son ami abonné de l’Opéra, Daniel Halévy.
VISITEZ, DECOUVREZ le site de la 3è scène / Opéra National de PARIS https://www.operadeparis.fr/3e-scene
Quelques rappels sur la 3e Scène…
> Un espace de création numérique
> D’Apichatpong Weerasethakul à Bret Easton Ellis ou Fanny Ardant
> Chiffres-clés
HEILINGENSTATD, 1802 : une nouvelle naissance. Financé par l’aristocratie viennoise, Beethoven croit un moment qu’il peut prétendre rejoindre la classe supérieure ; nenni, musicien, il reste un être inférieur car il n’est pas noble. Bientôt en 1806, le prince Lichnowski qui le dotait d’une rente confortable lui enjoint de jouer pour ses invités selon son plaisir : Beethoven se rebiffe ; il n’est pas un serviteur : fièrement, après qu’il ait été congédié par son protecteur, le compositeur écrit : « des nobles il y aura toujours ; mais il n’y aura jamais qu’un seul Beethoven ». Le voilà comme Mozart quittant Salzbourg, en artiste créateur misérable mais libre.
volet 3 : dossier Beethoven 2020
Le BEETHOVEN ACCOMPLI : un souffle ̩pique (1802 Р1812)
L’après Heiligenstatd
à Heiligenstatd au printemps 1802 ; il n’entend plus : pour lui, concerts et carrière de concertiste comme de pédagogue sont arrêtés nets, impossibles. Suicidaire, il songe à rompre le fil de sa vie (septembre). Acte de confession et examen de conscience sérieux, l’épisode lui permet d’analyser sa situation et de redéfinir désormais ce à quoi il doit prétendre : affirmer sa voix singulière, visionnaire, prophétique, mais vivre en banni ; isolé, solitaire du fait de sa surdité ; accepter d’aimer, et souvent de n’être pas aimé en retour. Le coeur ardent revendique sa tendresse de fond, sa générosité ; Beethoven demeure incompris, souvent réduit à des sauts d’humeur… pourtant dans l’affaire où il tend à prendre la tutelle de son neveu, le compositeur se montre soucieux de l’autre, protecteur, et d’une loyauté constante. Dans cette perspective existentielle noire, l’art le sauve ; elle lui impose une éthique personnelle, un idéal hors normes. La composition devient une mission morale qui doit éclairer la société pour réussir à rendre l’humanité plus évoluée. Le musicien est ce guide messianique et prophétique qui œuvre à la sublimation du genre humain. Plus tard, Wagner prolonge cette vision de l’artiste-prophète. Pour l’heure, Beethoven à peine trentenaire, couche sur le papier les piliers moraux de sa prise de conscience.
Renforcé, raffermi dans sa vocation reformulée, le Beethoven bien que sourd et isolé, est à 32 ans, une nouvel être ; plus fougueux et radical que jamais : la Symphonie n°3 Heroica / Héroïque (opus 55) suit directement la rédaction du Testament d’Heiligenstatd . L’ampleur du projet qu’il s’est fixé, se lit désormais dans l’architecture même de chaque symphonie ; une construction inédite dans laquelle Beethoven édifie son projet pour l’humanité. Beethoven édifie, construit ; mais il produit aussi un son nouveau, inspiré certes de Mozart et de Haydn, mais surtout des compositeurs français de la Révolution (Méhul). Les vents, les cuivres gagnent un relief particulier : signe que Ludwig connaissait étroitement l’écriture des symphonistes français, grâce entre autres à Kreutzer, présent à Vienne. Au caractère militaire de son inspiration, Beethoven affirme aussi un souffle nouveau à la fois épique et poétique.
Alors inspiré par l’idôle Bonaparte, ce libérateur attendu par toute l’Europe, Beethoven achève mi 1804, sa symphonie Bonaparte (Héroïque) , hymne au monde nouveau à construire, véritable manifeste d’une humanité libérée, sublimée, accomplie. A partir de l’Eroica, Beethoven affirme sa propre voix, celle du chantre de la modernité, le prophète qui offre à entendre la musique du futur. Son but est d’emporter avec lui, le peuple des hommes vers ce monde meilleur, harmonique qui n’existe pas encore. Leonore ou Fidelio, après 3 ouvertures différentes et deux versions est son seul opéra, achevée en 1805 / 1806, démontre l’avenir radieux d’une humanité conduite par l’amour, la fidélité et la liberté contre toutes les tyrannies ; surtout sa 5è symphonie (et des 4 premiers coups du destin), et son double simultané, la 6è « Pastorale » indique les vertus de l’homme qui combat pour son émancipation et qui sait se fondre dans l’unité préservé de la Nature. Amour, liberté, Nature : voilà la trilogie beethovénienne, qu’il ne cesse de commenter, analyser, expliciter à travers tout son œuvre. Et jusqu’à sa mort le 26 mars 1827 à 56 ans.
De cette première période de grande lucidité et maturité héroïque donc, datent les œuvres maîtresses telles les Sonates Waldstein, Appassionnata ; les 3 Quatuors Razoumowski, le Quatuor n°10… sans omettre la Fantaisie pour piano, choeur et orchestre de 1808 ni le Concerto Empereur de 1809. Son travail est encouragé par le soutien des princes viennois : l’Archiduc Rodolphe (son élève), Lobkowitz et Kinsky qui payent une rente annuelle (mars 1809) sans rien lui demander sauf qu’il reste à Vienne (Beethoven avait fait savoir qu’il deviendrait le kapelmeister de Jérôme Bonaparte, souverain de Westphalie).
Mai 1809, les soldats de Napoléon occupent Vienne ; Beethoven perd des protecteurs qui ont tous fui la capitale impériale. Les bombardements le font atrocement souffrir. Après la victoire française de Wagram, Kinsky meurt ; Lobkowitz est ruiné ; seul l’Archiduc Rodolphe survit mais aura du mal à payer régulièrement le reste d’une rente atrophiée.
Joséphine von Brunswick (portrait ci contre à gauche), jeune veuve de 24 ans à peine… qui l’aime mais renonce finalement au compositeur certes doué mais qui n’est que …roturier. L’intérêt et le confort, avant l’amour et l’attraction des cœurs. Puis paraît Bettina Brentano (portrait ci dessous) à partir de mai 1810 : malgré un visage marqué par la petite vérole, « laid » en vérité », Bettina trouve la face de Ludwig admirable et noble grâce à son front sculptural ; sa naïveté d’enfant ; sa grâce de seigneur. Intimement épris, Beethoven lui adresse des confessions profondes : « je suis le Bacchus qui vendange le vin dont s’enivre l’humanité ». Sous l’aile de cette rencontre qui semble bénie des dieux, le compositeur enivré compose la Sonate Lebewohl (Adieu), le Quatuor n°11 (dit « Quartetto serioso » par l’auteur lui-même), le Trio L’Archiduc de 1811 (dédié à Rodolphe, son protecteur le plus fidèle et le plus fiable). Bettina connaît Goethe avant Beethoven : elle fait se rencontrer les deux esprits en juillet 1812 ; Ludwig admire l’écrivain dont il a composé la musique d’Egmont. Mais les deux tempéraments ne se comprennent pas véritablement ; Goethe trouve Beethoven, énergique, concentré mais radical, « déchainé » et impossible voire insupportable ; et Beethoven qui aurait rêvé de mettre en musique son Faust, trouve l’homme de lettres, trop obséquieux et courtisan. Un « vendu » nous rions nous aujourd’hui. Radical, extrêmiste, Beethoven ? C’est que sa fureur dans sa grandeur est au diapason de son amour fraternel et de sa bonté. Voilà qui a échappé à Goethe qui malgré les envois multiples de Ludwig, restera totalement hermétique et … sourd.
l’immortelle bien aimée les Symphonies 7 et 8 , envisage même, déjà , une 9è, qui fermerait le triptyque. Mais en décembre 1812, tout s’écroule, et ses rêves d’une liaison installée s’écroulent définitivement. Pour lui, la solitude d’un héros incompris. Il faudra désormais 6 années pour se reconstruire et réaliser ce sommet de l’entendement humain, cime fraternelle surtout, la 9è et son ode à la joie, de Schiller et non de Goethe.
volet 4 : dossier Beethoven 2020 L’homme qui aimait les hommes qui le détestait
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LIRE notre grand dossier BEETHOVEN 2020
Ludwig van Beethoven né en 1770, mort en 1827) accompagne et éblouit l’essor du premier romantisme, quand à Vienne se disperse l’héritage de Haydn (qui deviendra son maître fin 1792) et de Mozart, quand Schubert aussi s’intéresse mais si différemment aux genres symphonique et chambriste. Venu tard à la musique, génie tardif donc (n’ayant rien composé de très convaincant avant ses cantates écrites en 1790 à 20 ans), Beethoven, avant Wagner, incarne le profil de l’artiste messianique, venu sur terre tel un élu sachant transmettre un message spirituel à l’humanité.  CLASSIQUENEWS dresse le portrait de la vie de Beethoven (en 4 volets), puis distingue 4 épisodes de sa vie, particulièrement décisifs… LIRE ici notre grand dossier BEETHOVEN  2020, biographie, partitions clés, discographie (les enregistrements majeurs, parus l’automne 2019 et pendant toute l’année 2020)
SCEAUX, HDV. Samedi 16 novembre 2019. Muza Rubackyté, piano … « Les deux Franz ». Enfant prodige, virtuose internationale, personnalité engagée récompensée par les plus hautes distinctions dans son pays, directrice artistique du Festival de Vilnius, la pianiste lituanienne MUZA RUBACKYTÉ voue une passion manifeste, communicative au piano mystique lyrique du grand Franz Liszt : soit « Les deux Franz ». La pianiste propose à Sceaux, un programme original réunissant Schubert et Liszt . Ce dernier consacra plus de la moitié de ses Å“uvres à des adaptations ou paraphrases d’autres compositeurs qu’il admirait et notamment la transcription de quelque cinquante-huit lieder du compositeur viennois : une immersion schubertienne, revisitée par l’impétuosité de Liszt.
Schubert  : Impromptu op.90 N°3 ;Schubert/Liszt  :Liszt  : Première année de Pèlerinage (Suisse).
SCEAUX, La Schubertiade de Sceaux SAMEDI 16 NOVEMBRE 2019, 17h Hôtel de Ville
RESERVEZ VOTRE PLACE https://www.schubertiadesceaux.fr/billetterie/
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premières impressions
divine CECILIA BARTOLI …
Voici nos premières impressions avant la grande critique du cd FARINELLI à paraître le 8 novembre 2019.
1 – Porpora / Polifemo : air d’exaltation et de jubilation comme d’espérance amoureuse (éclairé par les trompettes victorieuses) où s’affirme l’agilité acrobatique de la voix coloratoure.
2 – Porpora / La Festa d’Imeneo : plus intérieur, comme enivré par un rêve amoureux, l’air rappelle la maîtrise du souffle et la lisibilité comme la tenue de la ligne vocale, aux couleurs d’une tendresse extatique / expression d’un ravissement (« Vaghi amori, grazie amat e  »), déjà entendue dans le film Farinelli.
3 – Hasse : Marc’Antonio e Cleopatra . La mezzo exprime les vertiges d’une amoureuse trahie, en fureur, prête à mourir sur le trône. Le portrait d’une Cléopâtre qui assène par vocalises et coloratoure ascensionnels, l’intensité de sa colère et l’ampleur de sa détermination,à la fois héroïque et déjà fatale. Dans cet emploi de femme forte, passionnelle, exacerbée, radicale, « La Bartoli » captive par son chien et son abattage dramatique. La justesse de sa couleur et du caractère vocal s’imposent naturellement.
Lontan… lusingato dalla speme  »Mancare o Dio mi sento  » (Adriano in Siria, plage 7).
….
HASSE : Marc Antonio e Cleopatra : « A Dio trono, impero a Dio  » (plage 10). Le relief du recitatif et l’ampleur dramatique, la couleur tragique de l’air qui suit, exprime cette échelle des passions d’une irrépressible intensité qui va crescendo et qui s’accomplit, entre imprécation et combat, rage et ardeur hallucinée, dans l’architecture des vocalises, portées par la coloratoure de la mezzo romaine. Un parlé chanté : « Addio trono… » qui témoigne de la résistance de la reine à renoncer. Bartoli ne chante pas, elle incarne et exprime avec une intelligence du texte (ce que ne font pas la majorité de ses consœurs)
et la fin : Porpora : Polifemo : « Alto Giove  » , rendu célèbre par le même film Farinelli. Parce qu’il y faut maîtriser l’intensité et la longueur du souffle, une spécialité de Farinelli, outre sa couleur étonnamment sombre pour un castrat soprano). Sans omettre l’ambitus de la tessiture (jusqu’à 3 octaves et demi) et qui dans la bande originale du film cité, exigeait deux chanteurs (soprano et contre ténor). Cecilia Bartoli personnifie l’épaisseur du personnage ; creuse l’interrogation en suspension de la souveraine atteinte.
Un nouveau programme qui s’annonce d’autant plus réussi que support idéal aux lignes tragiques de la diva diseuse, si proche du texte, les instrumentistes d’Il Giardino Armonico, sous la direction de leur fondateur et directeur musical Giovanni Antonini, suivent les pas de la tragédienne qui articule, nuance en mille demi teintes graves, hallucinées, la charge émotionnelle de chaque texte. Un continuo essentiellement composé de cordes, où les cuivres et les bois sont rares. A suivre. Grande critique le jour de la parution du cd FARINELLI par CECILIA BARTOLI, annoncé le 8 nov 2019.
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LIRE aussi notre annonce du cd FARINELLI par CECILIA BARTOLI
 Farinelli jeune (DR)
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Pynkoski / Lajeunesse Zingg , représentant à présent familier de prestations assez désuètes (côté costumes), présentées à Versailles, en provenance de l’Opera Atelier Toronto ? Ouf, la production bénéficie de l’apport du décorateur Antoine Fontaine, spécialiste des toiles peintes baroques : on lui doit la conception d’opéras précédemment ressuscités tels Amadis de Gaule, … ; son concours rétablit suffisamment de « couleur historique » pour rendre le spectacle visuellement cohérent (très beau tableau de la prison médiévale)… Pourtant, écartant l’époque du roi Richard, Marshall Pynkoski écarte tout médiévalisme et opte résolument pour l’époque des Lumières, celle de Gretry. Car en 1784, année de la création de l’œuvre, alors que le peintre David invente le néoclassicisme (Serment des Horaces), le metteur en scène fait clairement référence au Bourbon incarcéré bientôt à la Conciergerie, Louis XVI soi-même.
Cohérente visuellement, la production l’est aussi sur le plan dramatique ; les dialogues parlés (livret de Sedaine) coulent et avancent car la plupart des chanteurs acteurs articulent et donc restent intelligibles ; les ballets réglés par Jeannette Lajeunesse Zingg réactivent l’action sans la plomber : belle réussite.
Efficace sans vraiment être subtile,- une qualité qui manque souvent à sa direction trop impulsive et volontiers surexpressive, le chef Hervé Niquet sait toujours électriser son orchestre Le Concert Spirituel, souligner davantage l’effet, les contrastes, que la finesse nostalgique que Tchaikovski a compris et su recycler, entre autres dans son opéra La dame de Pique, où la vieille aristocrate, très vieille France, Ancien Régime, chante clin d’œil à la Gaule monarchqiue et Versaillaise, l’air ancien aussi désuet que sensible : « « Je crains de lui parler la nuit Melody Louledjian  en Laurette simplette et sensible).
Révélant un tempérament d’acteur, intérieur et finalement plus profond que ne le laissent supposer ses autres (rares) airs, le ténor flamand Reinoud van Mechelen , campe un Richard, habité par la conscience politique, parfois sombre ; en particulier dans le tableau de son emprisonnement : ardeur, couleur tragique, concentration ; voilà qui fait de Grétry, assurément un préromantique. On attend son Nadir des Pêcheur de Perles à l’Opéra de Toulon…
Hier confié à un baryton (plus passe partout) s’impose en réalité le personnage de l’autre ténor ici, Blondel, troubadour de son état, campé par Rémy Mathieu dont la seule juvénilité parfois trop sonore et un rien linéaire, pourraient être handicapants. Leur très beau duo « Une fièvre brûlante » au début du IIè acte, montre la réussite qui surgit quand les deux ténors de la distribution sont parfaitement distincts, de couleur comme de caractère.
Pour le reste aucun des autres rôles ne déméritent sans pour autant saisir l’audience par une sorte d’évidence expressive comme il est rarement il est vrai offert aux spectateur (qui payent pourtant fort cher leur place à l’opéra royal de Versailles). Comtesse à peine esquissée par Grétry, Marie Perbost s’affirme davantage dans le rôle travesti d’Antonio.
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COMPTE-RENDU, critique, opéra. VERSAILLES, Opéra royal, jeudi 10 octobre, 20h. GRETRY : Richard, cœur de lion. Pynkoski / Lajeunesse Zingg / Niquet
Grétry : Richard cœur de lion Opéra-comique en trois actes, livret de Sedaine Création : Comédie Italienne, Paris, le 21 octobre 1784
Mise en scène : Marshall Pynkoski
Richard : Reinoud Van Mechelen
l
Illustrations : © Agathe Poupeney
CD, critique. HAYDN : Symphonie n°86. Airs d’opéras… Sacchini, GLuck, Lemoyne, Louis-charles Ragué… Sophie Karthäuser, soprano. Le Concert de la Loge. Julien Chauvin, direction (1 cd APARTÉ – 2018). Peu à peu, Le Concert de La Loge édifie une intégrale des 6 symphonies parisiennes de Haydn , sommet de l’éloquence et de l’élégance orchestrale viennoise et pour le collectif français fondé par le violoniste Julien Chauvin , une nouvelle preuve de l’apport inestimable des instruments anciens dans notre connaissance (régénérée) de la symphonie classique au XVIIIè. Composée avant les 12 Londoniennes (1791 – 1795), les Parisiennes forment une programmation clé du fameux Concert de la Loge Olympique, orchestre et entreprise de concerts à Paris, florissant dans les années 1780 et qui permet au public et au amateurs de bonne musique, d’écouter les tendances de l’époque. Sous la direction du Chevalier de Saint-Georges, les parisiens peuvent donc découvrir l’écriture hyperélégante et si subtilement contrastée de Mr Haydn.Le Concert de la Loge poursuit son exploration de l’écriture viennoise alors que Haydn invente la symphonie : la Symphonie n° 87 en la majeur dite « L’Impatiente » offre un nouveau condensé d’équilibre, de facétie, de surprise, de sensibilité aux timbres et aux équilibres de l’orchestre classique préromantique propre aux années 1785 – 1787.
Pour contextualiser son approche, Julien Chauvin ajoute aussi plusieurs airs d’opéras peu connus d’Antonio Sacchini, de Grétry, ou de Jean-Baptiste Lemoyne : le choix est « historique » ; bon nombre de concerts parisiens savaient alors mêler les genres et offrir de copieux programmes avec orchestre et chanteurs d’opéras. Ici, l’invitée, la soprano Sophie Karthäuser incarne les héroïnes tragiques et amoureuses avec un nerf articulé, qui suit en complicité cette caractérisation inestimable propre aux instruments d’époque.
On note parmi les contemporains de Haydn, l’écriture de Louis-Charles RAGUÉ , symphoniste et harpiste : sa Symphonie en ré mineur op. 10 n° 1 le ven 8 nov 2019 à l’Arsenal de Metz, dans le cadre du Festival événement in loco « OSEZ HAYDN! »  (METZ, cité Musicale du 6 au 9 nov 2019), la symphonie parisienne n°86 (ré majeur), mise en dialogue avec la Symphonie n°45 « Les Adieux » (par l’Orchestre national de Metz, sur instruments modernes). A suivre.
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Joseph Haydn (1732-1809)Â :
Airs d’opéras :
Louis-Charles Ragué (1744-après 1793) :
Sophie Karthäuser, soprano. Le Concert de la Loge / Julien Chauvin, direction. 1 CD Aparté. Enregistré à PARIS, Louvre en octobre 2018. Durée : 1h
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la Symphonie N° 6 op. 54 , est la plus courte des symphonies ; Nelsons souligne le caractère endeuillé du Largo préliminaire, détaillant les solos instrumentaux pour flûte piccolo, cor anglais, basson afin de déployer la matière nocturne, étouffante de cette longue séquence grave et intranquille. Les deux mouvements plutôt courts qui suivent Allegro et Presto assène une motricité aiguë et incisive qui fait dialoguer cuivres ironiques, gorgés de moquerie acerbe, et bois vifs argents. Le final est abordé comme un feu d’artifice cravaché, narguant le mystère du premier mouvement dont il dément le calme profond par une série ultime de surenchère démonstrative et vindicative, au bord de la folie…
Nelsons complète la 6è par la Suite de la musique de scène pour le Roi Lear, op. 58a, écrite pour le Bolchoï de Léningrad en 1941. Cycle de pleine tension là encore qui commence avec la figure de Cordelia (solo de clarinette), joue du col legno pour dramatiser davantage la charge caustique et fantastique du sujet shakespearien (partie des 2 bassons). Ironique et audacieux, Chostakovitch imagine son Ouverture de fête op. 96, de 1947(publiée en 1954, soit un an après la mort de Staline) semble marquer la fin de la terreur par son emportement libre, ses respirations nouvelles et l’orchestration colorée et ambitieuse ( fanfare étonnante des 6 trompettes, 6 trombones et 8 cors !) : les instrumentistes bostoniens redoublent de précision jubilatoire (pizz des cordes).
La 7è Symphonie dite « Leningrad » aborde des airs patriotiques, amorcée avant le siège de la cité, dès l’été 1941, puis achevé après l’occupation, en décembre suivant, pour être créée triomphalement en mars 1942. Aucune ambiguité dans le propos du compositeur car il s’agit bien d’une partition de circonstances, desprit victorieux, célébrant le sang versé des résistants et des défenseurs de Leningrad, épinglant la barbarie des nazis impérialistes. Pourtant alors qu’elle s’inscrit dans le fracas des armes et des tireurs embusqués, la 7è est l’une des moins politisée, celle qui s’écarte ouvertement du double langage cultivé à l’égard du tyran Staline. Nelsons aborde objectivement la partition, se confrontant à son architecture impressionnante (pas moins de 30 mn pour l’Allegretto) dans lequel il sculpte avec clarté le motif de l’invasion fasciste, répété, martelé comme un leit motiv obsessionnel (bois puis cordes). Le crépusculaire et le glaçant n’étant jamais bien loin chez Dmitri, le chef tire à profit la couleur sombre et cynique du basson, finement détaillé comme agent d’un destin inquiétant. Chaque séquence est inscrite dans sa portée historique : Leningrad d’avant le siège (choral initial de l’Adagio), puis champs de guerre, champs de ruines où perce le chant des cuivres à la fois stridents, enivrés. On repère sans ménagement aucun, la sourde mélodie des cordes hallucinées, éreintées qui rappelle le motif inquiétant de l’opéra Lady Macbeth de Mzensk, autre évocation des ténèbres. Habité par cette musique des convulsions et des contrastes, Nelsons en exprime la matière vivante, les cris et les élans extrêmes. Le chef réussit dans l’ampleur et la violence, à restituer tout ce qui fait de la 7è, une partition martiale, défiant l’Histoire, relevant plus de l’épique que du tragique. Voici assurément l’un des témoignages les plus immédiatement prenants, communicatifs du cycle Chostakovitch saisi live en 2017 à Boston. L’expressivité instinctive de Nelsons, son emprise architecturée sur l’orchestre américain sont indiscutables.
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CD , critique. SHOSTAKOVICH / CHOSTAKOVITCH : Dmitri Chostakovitch : ”Under Stalin’s shadow’’ / Dans l’ombre de Staline.., Symphonie n° 6 op. 54. Symphonie n° 7 ”Leningrad ”, op. 60 – Suite de la musique de scène pour ”Le roi Lear”, op. 58a. Ouverture de fête, op. 96 / Boston Symphony Orchestra. Andris Nelsons, direction / 2 cd Deutsche Grammophon : 483 6728.
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Claire et José Frèches suivent en enquêteurs zélés, les pas de ce jeune aristocrate d’Albi que la maladie avait rendu différent. « À la nature et au paysage du Sud-Ouest, aux subtiles nuances des ciels, il préféra vite Paris et les cabarets, les feux de la rampe et les lumières de la nuit qui font les femmes plus belles. »
LIVRE événement, critique. CLAIRE FRÈCHES-THORY, JOSÉ FRÈCHES : Toulouse-Lautrec. Les lumières de la nuit (Gallimard Découvertes) . Collection Découvertes Gallimard (n° 132), Série Arts, Gallimard – Première parution en 1991- Nouvelle édition en sept 2019 – 176 pages, ill., sous couverture illustrée, 125 x 178 mm – ISBN : 9782072866166 – Gencode : 9782072866166 – Code distributeur : G03510 – réédition à l’occasion de l’exposition « HENRI DE TOULOUSE-LAUTREC, résolument moderne », PARIS, Grand-Palais, du 9 octobre 2019 au 27 janvier 2020.
http://www.gallimard.fr/Catalogue/GALLIMARD/Decouvertes-Gallimard/Decouvertes-Gallimard/Arts/Toulouse-Lautrec2
DESTINATION RACHMANINOV ), le pianiste captive littéralement par une digitalité facétieuse et virtuose, pour nous supérieure à la mécanique électrique des asiatiques (Wang ou Lang Lang) : le Russe est doué surtout d’une profondeur intérieure, – absent chez ses confrères/soeurs, ce chant nostalgique qui fonde la valeur actuelle de ses Liszt (publiés aussi chez DG).
CD1 – Le Concerto n°1 (Moscou, 1892) nous fait plonger dans l’intensité du drame ; un fracas lyrique immédiatement actif et rugissant, bientôt rasséréné dans une texture lyrique et langoureuse dont seul Rachmaninov a le secret ; qui peut effacer de sa mémoire le motif central (cantilène à la fois grave mais douce) de ce premier mouvement Vivace, qui a fait les belles heures de l’émission Apostrophes de Bernard Pivot ? D’autant que le jeu perlé de Daniil Trifonov fait merveille entre sagacité, activité, intériorité ; entre allant et tendre nostalgie ; il tisse des vagues d’ivresse éperdue comme au diapason d’un orchestre nerveux voire brutal (excellente précision de Nézet-Séguin pour restituer la déflagration sonore d’une orchestration qui peut sonner monstrueuse), séries de réponses électriques et tout autant percutantes et vives, au bord de la folie (grâce à une digitalité fabuleusement libre, frénétique ou en panique). Ce jeu élastique entre à coups et secousses, puis élargissement de la conscience, trouve un équilibre parfait entre le piano et l’orchestre. arrangement du premier volet des Cloches , soit un morceau de 6mn (allegro ma non tanto) qui montre toute la sensibilité active et l’imagination en couleurs et timbres qui l’inspirent.
Périple réussi pour Daniil Trifonov
le Concerto pour piano n°3 affirme une égale musicalité : immersion naturelle et progressive sans heurts, en un flot à la fois ductile et crépitant où l’orchestre sait s’adoucir, rechercher une sonorité médiane qui flatte surtout le relief scintillant du piano. Le jeu de Trifonov est d’une précision caressante, onctueuse et frappante par sa souplesse, comme une vision architecturée globale très claire et puissante. L’écoulement du début est presque hors respiration, d’une tenue de ligne parfaite, à la fois irrésistible, allante, de plus en plus souterraine, recherchant le repli et l’intériorisation ; ce que cherche à compenser l’orchestre de plus en plus déclaratif, ménageant de superbe vagues lyriques comme pour mettre à l’aise le soliste ; aucun effet artificiel, mais l’accomplissement d’une lecture d’abord polie dans l’esprit ; D’une imagination construite foisonnante, Trifonov soigne l’articulation au service de sa sonorité, écoute l’intériorité de la partition et cisèle son chant pudique avec une tendresse magicienne. Chaque point d’extase et de plénitude sonore rebondit avec un galbe superbement articulé ; peu à peu le pianiste fait surgir une sincérité de plus en plus lumineuse que l’orchestre fait danser dans un crépitement de timbres bienheureux. La réexposition éclaire davantage la sensibilité intérieure du pianiste qui ralentit, écoute, cisèle, distille avec finesse l’élan lyrique, souvent éperdu de son texte. Jusqu’à l’ivresse presque en panique à 8’ du premier mouvement, avant que ne cisaillent les trompettes cinglantes plus amères, révélant alors des cordes plus nostalgiques ; mais c’est à nouveau le piano somptueusement enchanté qui recouvre l’équilibre dans ce mitemps.
L’intermezzo est en forme d’Adagio qui affirme la même volupté lointaine, une distanciation poétique écartant tout acoups, mais invite à l’expression la plus intime d’un cœur attendri, extatique. Cette éloquence intérieure est partagée par l’orchestre et le pianiste qui colore et croise de nouvelles visions au bord de l’évanouissement, sait s’appuyer davantage sur l’orchestre : les champs intérieurs y sont remarquablement sculptés, véritables ivresses qui portent au songe et à la rêverie, à l’oubli et au renoncement… en un crépitement qui soigne toujours la clarté et la précision d’un jeu nuancé, détaillé, et d’une grande invention comme d’une grande intelligence sonore.
LIRE notre annonce du cd événement Departure / Destination Rachmaninov (octobre 2018)https://www.classiquenews.com/cd-evenement-annonce-daniil-trifonov-destination-rachmaninov-departure-1-cd-dg/
LIRE aussi notre annonce du cd événement : ARRIVAL / Destination Rachmaninov (octobre 2019)
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CD événement, critique. DANIIL TRIFONOV, piano – Destination Rachmaninov : ARRIVAL – Concertos 1 et 3. PHILADELPHIA orchestra, Yannick Séguet-Nézin, direction 52 cd DG Deutsche Grammophon) – CLIC de CLASSIQUENEWS d’octobre 2019. Parution le 11 octobre 2019.
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2e édition , le Prix Littéraire des Musiciens étoffe son regard sur l’actualité littéraire dont les sujets ont un rapport avec la musique. La sélection qui comprenait jusque là deux catégories ROMANS et ESSAIS , est augmentée cette année d’une catégorie JEUNESSE .
La 1ère édition du Prix (2018) avait couronné deux ouvrages finalistes : « Le voyage d’hiver de Schubert » de Ian Bostridge (Essai), et “ Les parapluies d’Erik Satie ” de Stéphanie Kalfon (Roman), deux ouvrages qui avait précédemment été distingués par la Rédaction de CLASSIQUENEWS par le fameux « CLIC » de CLASSIQUENEWS.
La remise du prix 2019, ouverte au public, aura lieu dans le cadre d’”Orchestres en fête! » le samedi 30 novembre 2019 à 16h30 à la Philharmonie de Paris. Voici les 12 titres sélectionnées pour le grand prix 2019 :
ROMANS
ESSAIS
JEUNESSEÂ
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Récapitulatif des 11 titres sélectionnés en 2019
certains ont déjà été critiqués ou ont reçu le “CLIC” de CLASSIQUENEWS au moment de leur parution :
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ROMANS
Jérôme BASTIANELLI
La vraie vie de Vinteuil
(Grasset)
Vincent BOREL
La vigne écarlate
(Sabine Wespieser)
William BOYD
L’amour est aveugle
(Seuil)
Marie CHARVET
L’âme du violon
(Grasset)
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ESSAIS
Karol BEFFA et Jacques PERRY-SALKOW
Anagrammes à quatre mains
(Actes Sud)
Bruno MESSINA
Berlioz
(Actes Sud)
Richard NEWMAN et Karen KIRTLEY
Alma Rosé. De Vienne à Auschwitz
(Notes de Nuit)
Laurent VILAREM
Les silencieux
(Aedam Musicae)
JEUNESSE
Sylvaine JAOUI
Docteur Hope
(Albin Michel Jeunesse)
Susie MORGENSTERN
Be Happy!
Mes plus belles comédies musicales
(Didier Jeunesse)
Tristan PICHARD
Mozart vu par une ado
(Poulpe Fictions)
Anaïs VAUGELADE, Robert SCHUMANN
Des malheurs de Sophie
Avec Elsa Lepoivre et Claire-Marie Le Guay
(Didier Jeunesse)
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Toutes les infos sur le site :
http://www.prixlitterairedesmusiciens.fr
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Mozart et Beethoven . Le premier fait vibrer les cœurs et exprime comme nul autre avant lui, la passion et les sentiments humains, avec cette tendresse particulière pour les femmes ; le second crée l’orchestre du futur ; les deux définissent le romantisme et la modernité en musique ; ils sont d’ailleurs les premiers aussi à se penser « créateurs », et non plus serviteurs. Jean-Philippe Sarcos a donc bien raison de souligner leur étoffe de « héros » dans ce programme qui souligne la valeur de chacun.
Les deux airs mozartiens rappellent combien le riche terreau lyrique et les couleurs de l’orchestre de Mozart ont été fondateurs dans l’affirmation du génie Beethovénien, son intense dramatisme transmis à tout l’orchestre ; car s’il est fougueux et impétueux, maniant dès avant Bruckner puis Mahler, l’orchestre par blocs et par pupitres, Beethoven est aussi capable d’une subtilité instrumentale inouïe – ce qu’oublient le plus souvent les chefs, y compris les plus réputés. Le choix de la soprano française Vannina Santoni s’avère judicieux : longueur du souffle et de la ligne, tendresse claire du timbre – on aurait souhaité davantage de texte assurément mais la justesse de l’intonation et l’équilibre de la tessiture dans l’émission confirment la sensibilité déjà romantique de Wolfgang. L’air de concert K 490 préparant idéalement à la concision et à la profondeur du sublime « Dove sono » de la Comtesse des Nozze : air de langueur nostalgique et aussi d’exquise dignité, certes blessée voire amère, mais d’un absolu et constant angélisme.
Le morceau de bravoure du programme est assurément la Symphonie héroïque de Beethoven , en mi bémol majeur de 1804, d’une ambition comme d’une ampleur… prométhéennes. Dans cette écriture autant rythmique que mélodique, dans cette énergie lumineuse et guerrière même, se dessine comme une matière en constante fusion, la certitude messianique de Ludwig, pour lequel le créateur peut enseigner (et faire entendre) aux hommes de bonne volonté, les valeurs et les sons d’une société rénovée.
Dès le premier Allegro (con brio) , Jean-Philippe Sarcos domine l’orchestre, tenu à la bride ; d’une furieuse impétuosité qu’il canalise avec précision et rebond. En particulier dans l’exposition et le développement remarquable du 2è motif (en si bémol majeur, d’abord staccato), d’une durée singulière dans le cycle symphonique de Ludwig. Le live, bénéfice inestimable de cette gravure, souligne la qualité des timbres produits par les instruments d’époque : cors frémissants, bois et vents d’une rondeur presque verte mais si expressive, comparé à la sonorité lisse des orchestres modernes. Contrastes, aspérités, et parfois intensité ou hauteur en défaut… mais la vivacité du concert sert l’énergie beethovénienne. Elle en transmet la pulsion et la tension.
Quelle sérieuse rupture (et assumée nette par Ludwig), avec la « Marcia funebre » où perce et saisit le sentiment de deuil.Scherzo exprime cette incandescence de la matière musicale, faite série électrique d’étincelles où brille, prodigieux apport des instruments anciens là encore, la rondeur cuivrée, plus pastorale que martiale des cors, finement caractérisés. Finale , auquel Beethoven apporte une légèreté quasi chorégraphique dans le développement dialogué des pupitres : cordes chauffées à blanc, bois caressants : bassons, clarinettes, hautbois… en particulier dans l’élucidation du dernier motif, de « délivrance » et qui appelle une ère nouvelle fraternelle et lumineuse en une séquence « mozartienne ».
En digne héritier de Georges Prêtre et de William Christie, Jean-Philippe Sarcos détaille ce grand festin des timbres d’époque qui articule et cisèle autrement le génie beethovénien.L’orchestre Le Palais royal nous fait revivre ici la sensation d’assister à cet événement historique.
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CD, critique. LE TEMPS DES HEROS. BEETHOVEN : Eroica, Symph n°3 / MOZART : airs lyriques (K.490 / « Dove sono »). Vannina Santoni , soprano. Orchestre Le Palais royal. Jean-Philippe Sarcos , direction (1 cd 2015).
ENTRETIEN avec Jean-Philippe SARCOS , à propos du cd Le Temps des Héros : BEETHOVEN / MOZART  -  propos recueillis en octobre 2019
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CNC / CLASSIQUENEWS : Pourquoi avoir choisi cette symphonie de Beethoven ? En quoi la partition permet-elle de prolonger et d’approfondir votre travail avec les instrumentistes ?
JEAN-PHILIPPE SARCOS  : La 3è symphonie « Héroïque » s’inscrit dans l’intégrale des symphonies de Beethoven que Le Palais royal a réalisée de 2013 à 2016. Les symphonies de Beethoven, comme Le Clavier bien tempéré pour les pianistes, représentent un irremplaçable trésor…. LIRE notre entretien complet
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TOURS, Opéra. VERDI : Giovanna d’Arco, 15, 17, 19 mai 2020. Nouvelle production événement et première à Tours, l’opéra de jeunesse de Verdi, inspiré du mythe français et gothique, Jeanne d’Arc, d’après la pièce de Schiller, devenu Giovanna d’Arco… Le chef et directeur des lieux, Benjamin Pionnier affiche une première attendue à l’Opéra de Tours : Giovanna d’Arc n’avait jamais été représentée sur la scène tourangelle. La nouvelle production (Yves Lenoir mise en scène) permet enfin au public français de mesurer le génie de Verdi et aussi sa grande liberté vis à vis d’un mythe authentiquement hexagonal, très inspiré par le dramaturge romantique Schiller. L’opéra de Verdi est contemporain de Tannhaüser de Wagner et Genoveva de Schumann… Comme la noire et tragique LUISA MILLER également inspiré du théâtre de son cher Schiller (San Carlo de Naples, déc 1849), Giovanni d’Arco créé à la Scala de Milan le 15 fév 1845, fait suite à I due Foscari (Rome, Argentina, nov 1844) fixe le trio désormais emblématique de l’opéra verdien : Giovanna (soprano), Carlo VII (ténor) et Giacomo (baryton)… LIRE notre présentation complète de la nouvelle production événement de GIOVANNA D’ARCO présentée en mai 2020 par l’Opéra de TOURS / Benjamin Pionnier, direction.
un nœud douloureux pour le compositeur qui appelle cette période de labeur acharné (et pas toujours reconnu) ses « années de galère ». Galérien, Verdi tente de renouveler le triomphe de Nabucco (1842) : la puissance du drame babylonien asservissant les juifs produit des chœurs enivrés et flamboyant dont le « Va pensiero » devient l’hymne des italiens muselés mais insoumis contre les Autrichiens. La musique de Verdi ayant rencontré et trouvé son public, le compositeur ne cesse alors de revivifier cette union inédite d’un auteur avec l’esprit de l’époque et les aspirations du peuple. Désormais chaque ouvrage saisira par la violence et l’énergie de chœurs soumis et victorieux, appel verdien à tous les italiens pour leur unité. Chaque ouvrage est créé dans un théâtre différent, suscitant des moyens et des enjeux spécifiques ; créant une manière d’itinéraire à péripéties pour Verdi, sujet d’un chemin de croix ; à chaque nouvel opéra, un lieu de création différent : I due Foscari (Rome, Argentina, 1844), Giovanna d’Arco (Scala, 1845), puis Alzira (Naples, San Carlo, 1846) et Attila (Naples, San Carlo, 1846) mènent aux drames plus équilibrés dont Macbeth (Florence, 1847) marque l’apogée…
