Compte-rendu, festival. ERSTEIN, Piano au Musée Würth, 9 au 18 novembre 2018. Récitals Luisada, Kantorow, Kustas, piano. La 3ème édition du festival Piano au Musée Würth à Erstein s’est achevée ce dimanche 18 novembre 2018. Les alsaciens ont eu le privilège de pouvoir y écouter des pianistes toutes générations et esthétiques confondues dans le cadre exceptionnel de son auditorium à l’acoustique parfaite. La programmation confiée par Marie-France Bertrand, directrice du Musée, passionnée de musique, à Olivier Erouart, le nouveau directeur artistique (NDLR : LIRE ici notre entretien exclusif avec Olivier Erouart, à propos de la programmation du festival 2018), a offert une déclinaison particulièrement réussie du récital à la musique de chambre, en passant par le jazz et même le cinéma! Autre privilège pour les mélomanes : celui d’avoir eu gratuitement accès à la bouleversante et magnifique exposition d’œuvres d’art « Namibia », provenant entre autres autres de la collection Würth.

FESTIVAL PIANO AU MUSÉE WÜRTH:
LE PIANO SUR TOUS LES TONS

 
Avec deux grands noms du piano, en ouverture et en clôture, le festival a affirmé son exigence d’excellence, et mis la barre haut. Jean-Marc Luisada pour commencer a donné le ton, tandis que le festival s’est refermé avec un autre interprète français de prestige: Philippe Entremont. Retour sur trois jours intenses.
 

JEAN-MARC LUISADA: l’insoutenable légèreté du chant
——————————————————————————————————————————————————

Quels pianistes sont capables par dieu sait quel sortilège de faire fondre les marteaux du piano, d’extraire de son meuble de bois et d’acier la plus pure essence musicale, et d’émouvoir aux larmes? Jean-Marc Luisada fait partie de ceux-là. Le temps, ses joies et ses affres, ont passé sur sa vie d’homme et de musicien, comme cela est le cas pour tout être probablement, mais la musique à jamais vissée à son âme, ni l’usure ni l’endurcissement ne l’ont atteint. La constance du chant, l’émerveillement des sonorités sont demeurés intacts. Ô bénédiction, l’interprète a su préserver ce bien précieux qu’est la légèreté mais dans une nouvelle profondeur: cette façon d’interroger le silence, et le temps des choses, au-delà même du temps musical. Ce n’est pas par hasard s’il choisit Mozart en préalable, avec sa sonate en la majeur K331 « Alla turca ». Sa musique en apparence si pudique et si simple met à nu l’interprète, ne dissimule rien. Jean-Marc Luisada en partage l’humanité avec un public dont il se veut entouré (la salle reste éclairée), et une tourneuse de pages dont la compagnie et la proximité importent davantage que le rôle, puisqu’il ne regarde pas ses partitions. La réminiscence de l’enfance empreint son Mozart, dans le doux balancement du thème qui nous évoque volontiers la tendresse des bras berceurs et maternels, puis dans les variations dont il s’empare comme d’un coffre à jouets. On est touché par la grâce, la liberté, la subtilité des pointes de fantaisie ajoutées au phrasé au gré des reprises, le plaisir candide qu’il prend à animer cette sonate, captivante jusque dans la célèbre marche, qui semble par moments sortir d’une boîte à musique de la plus fine facture.
L’esprit de liberté marque également les Davidsbündlertänze opus 6 de Schumann, qu’il vient de graver au disque. Avec quel art il mène les danses entre élans poétiques et suspensions, dans leurs successions d’humeurs fantasques! Avec quel art il chante et contre-chante, timbre les voix, prend le temps de l’abandon! Le tempo est souvent rapide, comme dans Zart und Singend où l’ardeur du chant prédomine. Le miracle s’accomplit avec Wie aus der Ferne, venu de très loin, sur lequel il est impossible de mettre des mots, si ce n’est que l’on se trouve soudain dans un état d’émotion extrême et de sidération: comment est-il possible de jouer ainsi cette musique, à la limite de ce qui est concevable, imaginable sur un piano? On retient son souffle, suspendu à ces quelques minutes d’éternité…
On n’attend pas Jean-Marc Luisada dans Debussy, aussi la curiosité nous fait tendre une oreille plus qu’attentive alors que l’année nous l’a donné à entendre maintes fois par foule d’interprètes. Rien de moins que les deux cahiers d’Images pour ce récital. On est au prime abord décontenancé par le début des Reflets dans l’eau, la lenteur des premiers traits plus conduits que lancés comme des gerbes. Puis on comprend que le pianiste les délie puis les resserre et les détend à nouveau, variant la brillance, l’éclat, dans une progression qui lui appartient. L’hommage à Rameau, dans l’élégance des lignes et la conduite harmonique, fait écho tantôt à la Cathédrale Engloutie, tantôt aux Danseuses de Delphes, scandé comme une danse antique. Mouvement tournoie mystérieusement, légèrement nimbé de pédale. Cloches à travers les feuilles est somptueux d’équilibre et de timbres, chaque plan sonore y vit de lui-même, un effet de brise parcourant le passage « comme une buée irisée », sans doute la pièce la plus réussie, avec Poissons d’Or, insaisissables, ludiques et jubilatoires.

Retour à Chopin pour la fin du récital, avec son nocturne en si majeur opus 62 n°1, et son deuxième Scherzo en si bémol mineur opus 31. Jean-Marc Luisada a au fil du temps gagné en épure et profondeur. Le nocturne chante jusqu’au bout des phrases, et s’habille de traits de mousseline dont le pianiste est passé maître. Dans la largeur du son, le scherzo déploie ses interrogations, son chant éperdu, jusque dans les contre-chants lui donnant un relief vocal, dans une progression dynamique qui n’atteint jamais la saturation. Les bis prolongeront l’émotion avec le Salut d’amour d’Elgar, transcrit pour piano, une valse brillante de Chopin, et enfin sa mazurka opus 17 n° 4 en clin d’œil au cinéma (Cris et chuchotements de Bergman), autre passion du pianiste, qui présentera le soir suivant la projection d’un chef-d’œuvre hollywoodien des années 40: la Valse dans l’ombre de M. Leroy, avec à nouveau Mozart en préambule et son adagio pour harmonica de verre, composé à la fin de sa vie, puis les intermezzi de l’opus 117 de Brahms.

MARIA KUSTAS :  maîtrise et sensibilité
——————————————————————————————————————————————————

Le lendemain il fallait découvrir la jeune Maria Kustas, d’origine russe, lauréate du concours Piano Campus, parachevant ses études à Londres auprès d’Andras Schiff, et cela s’entend! Son programme traverse trois siècles de musique, avec Bach (toccata en sol majeur BWV 916) et Schumann (Allegro opus 8) – deux pièces peu jouées – puis Liszt et ses Jeux d’eau à la Villa d’Este, Debussy (Image livre 1) et enfin Ginastera (Tres danzas argentinas opus 2). Une technique à toute épreuve, solide, sûre, un sens aigu de la construction et du son lui permettent de dominer ce répertoire tout en s’adaptant à ses différences stylistiques. Son Bach est remarquable par la netteté du discours, sa grande stabilité de tempo et la justesse des dynamiques. Le souci de construction reste également très présent dans l’allegro de Schumann – trop peut-être? – très habité et expressif. Les Jeux d’eau à la villa d’Este sont d’une belle plasticité sonore et offrent des moments de pure béatitude. Les Images de Debussy ont aussi cette qualité de timbres et de fluidité, mais dans la retenue et l’élégance. Pas d’emphase, respect absolu de la partition, un jeu parfaitement équilibré, la pédale finement étudiée (dans Mouvement en particulier). Les Danzas de Ginastera clôturent brillamment le programme, en particulier la première dans son caractère obstiné, et la dernière à l’euphorique énergie. Il manque à la seconde, trop « carrée », trop respectueuse de la mesure, ce qui fait son charme: une liberté de ligne, une langueur, un abandon, qui font sa séduction, et ses accents nostalgiques. Cela viendra avec le temps. La pianiste au talent très prometteur devra relâcher un peu les cordons du corset rythmique qu’elle s’impose pour l’instant, pour trouver par moment une forme de lâcher prise qui ne donnera que plus de saveur à son jeu. Un bis: la Fille aux cheveux de lin de Debussy, au charme mystérieux.

 
 
ALEXANDRE KANTOROW: l’évidence
——————————————————————————————————————————————————

A seulement 21 ans, Alexandre Kantorow suscite une admiration grandissante et sans réserve. Il est l’exception. Il nous avait éblouis en d’autres lieux, on lui trouvait déjà tout d’un grand. Le voici un an après qui franchit un pas supplémentaire – et quel pas! – en affirmant une personnalité et une maturité musicales hors du commun. L’allure décontractée, le visage ouvert et clair, il donne, en arrivant sur scène, cette impression d’aisance et de spontanéité qui attire la sympathie, et augure par son assurance naturelle, une écoute des plus agréables. Le programme qu’il a choisi prélude avec Bach (prélude et fugue en mi bémol majeur BWV 852 du premier livre du Clavier bien tempéré). Dans l’ordre suit une sonate de jeunesse de Beethoven (sonate en la majeur opus 2 n°2), puis la Fantaisie opus 49 de Chopin, et enfin l’Oiseau de feu de Stravinsky (arrangement Agosti). Pensé et inspiré, le jeu du jeune pianiste n’a rien d’engoncé. Il a du panache et du corps, loin de toute désinvolture apparente ou frivolité. Le musicien s’est affranchi de toutes les contraintes mécaniques de l’instrument, ou mieux, semble ne jamais les avoir éprouvées. Le piano se plie à lui, à la souple chorégraphie de ses gestes mobilisant son corps tout entier, dont aucun n’est purement théâtral et gratuit, mais au contraire en parfaite corrélation avec l’inflexion musicale. Rien n’entrave chez lui l’élan musical qui l’habite, que ce soit dans l’ampleur du jeu à la dimension, quand il le faut, orchestrale et éclatante, ou dans la profondeur de ton, son intériorité ou sa gravité. Et que ce soit dans Bach, Beethoven ou Chopin, comme il sait respirer, comme il sait articuler le discours! Le prélude de Bach est tenu et chantant à la fois, la fugue jouée dans un détaché très étudié dépourvu de sécheresse. Il sait allier délicatesse et fermeté dans Beethoven, enchaînant les motifs contrastés avec une fluidité naturelle, éclairant l’œuvre d’une juvénile lumière. Le largo est recueilli, émouvant de douceur, la ligne de chant conduite dans une longueur de son telle que l’on croirait entendre un archet. Somptuosité du son dans la Fantaisie de Chopin, poignante dans ses bouillonnements intérieurs. En bouquet final le musicien nous embarque dans un Oiseau de feu incandescent et survolté, dans une explosion de couleurs et de rythmes. Au public qui applaudit à tout rompre, il donne en bis la première Rhapsodie de Brahms, dont il fait, dans le déploiement de ses registres, une symphonie.
Alexandre Kantorow prépare le prestigieux et exigeant concours Tchaikovsky: gageons qu’il n’y passera pas inaperçu…

Le musée Würth a mis un point d’orgue à son festival, mais ses portes ne se referment pas pour autant: l’exposition Namibia reste visible jusqu’au 26 mai 2019. Rendez-vous avec le piano l’an prochain, pour une quatrième édition sur le thème de l’humour. Préparez vos sourires!

——————————————————————————————————————————————————

Compte-rendu critique festival Les solistes à Bagatelle, 16 septembre 2018, récital François -Frédéric Guy, piano, Debussy, Murail, Beethoven. A l’orangerie du parc de Bagatelle, sous le ciel radieux d’un été qui n’avait pas dit son dernier mot, le public est venu nombreux dimanche 16 septembre, écouter les deux derniers concerts clôturant le festival Les Solistes à Bagatelle. Un récital de piano, puis de musique de chambre, comme de tradition dans cet évènement, avec pour fil conducteur la musique du compositeur Tristan Murail, au cœur de chacun des deux programmes. Comme se plait à le dire Anne-Marie Reby Guy, sa directrice artistique, le festival vit avec son temps, et les œuvres de compositeurs vivants sont les composantes incontournables de la programmation. Cette année, Tristan Murail, mais aussi Bruno Mantovani, Ivan Fedele, George Benjamin et Allain Gaussin, auront ainsi apporté, dans sa diversité, la touche contemporaine.

BOUQUET FINAL À BAGATELLE

Tandis que sur les cailloux du parc le paon promène « son allure de prince indien », et le chat sa nonchalance, François-Frédéric Guy arrive au piano avec un charisme naturel dont il ne se dépare pas. Il va donner en récital un programme fort judicieusement composé en une sorte de grande arche reliant Debussy et Beethoven, avec pour clé de voûte entre les deux, une création de Tristan Murail, présent pour l’évènement. Modernité: voilà sans doute le dénominateur commun à l’ensemble des pièces, à en juger en particulier par le choix des Préludes en ouverture, pris dans le second cahier. Brouillards, premier de la série, apparaît sous les doigts du pianiste jouant de l’acoustique réverbérée pour fondre les quintolets dans une fluidité qui n’a rien d’une opacité ouatée, mais plutôt d’un mouvement infime de microparticules en suspension…tel le brouillard! la matière est donnée par l’émergence épisodique des accords eux très définis, nets. Doit-on évoquer ici des contrastes? Pas à proprement parler. Il s’agirait plutôt d’un jeu subtil entre le net et le flou, le révélé et le caché, ce qui perce et ce qui se fond. F.F. Guy joue en fait un brouillard qui montre et ne gomme pas! Parti moderniste qu’on apprécie d’entendre! La Puerta del Vino possède davantage la rugosité espagnole que la sensualité orientale, dans un son incarné, « âpre », comme Debussy le réclame. Les Fées sont d’exquises danseuses ont une espiègle et gracieuse volubilité. Feux d’artifice, dernier prélude du cahier, vient en pendant de Brouillards avec ses touches de couleurs sur les triples croches parfaitement fondues entre elles, telle une matière sonore en mouvement dont on ne perçoit pas les notes, et prend par endroits un éclat orchestral. Commémorant l’année Debussy, Tristan Murail s’est librement inspiré des Reflets dans l’eau, pour composer cette année Cailloux dans l’eau, œuvre dédiée à F.F. Guy.

Sur scène, il vient en parler: l’image de Debussy a servi de modèle; la forme, la conduite du discours, l’ambiance elle-même de Cailloux dans l’eau, rappellent celles des Reflets dans l’eau. « Quelques cailloux négligemment jetés vont perturber ces reflets, en agitant la surface de l’eau par quelques ondes spectrales… » Cette pièce fera partie d’un recueil. Quoi de commun à l’écoute des deux œuvres? La parenté flagrante du début, presque une citation dans la pièce de Murail. Mais surtout le mystère. C’est en tout cas la dimension qu’en donne F.F. Guy à l’une comme à l’autre. Les « Cailloux » propagent leurs ondes sur la résonance des basses dans un développement où la virtuosité crée une irisation sonore, ici particulière au langage spectral et magnifiquement rendue par le pianiste. Puis Beethoven. Mais c’est on ne peut plus classique direz-vous! Et bien non! Pas les Variations Eroïca opus 35. Une œuvre atypique, singulière, visionnaire, selon F.F. Guy. Du thème le plus basique qui soit, naissent quinze variations et une fugue, trésors d’inventivité. La tonalité générale en est joyeuse et même humoristique, voire grotesque par endroits, le thème déjà lui-même prêtant à sourire. Cela n’a pas échappé à F.F. Guy pour lequel Beethoven n’a plus de secret. Son jeu en révèle toutes leurs géniales facettes, avec truculence, mais aussi tendresse, esprit et surtout une belle dose de bonne humeur. Un régal! Une interprétation brillante dans une technique parfaitement dominée, un feu d’artifice sur tous les registres du clavier, jusqu’à la fugue à trois voix, tenue fermement, ébouriffante, et jusqu’aux trilles lumineux et stellaires qui ne sont pas sans préfigurer les dernières sonates. Le public réjoui en redemande. Un bis? On ne pouvait que l’espérer: l’intimité d’un ultime intermezzo de Brahms. Crédit photo: © Caroline Doutre

Compte-rendu festival Les Solistes à Bagatelle, 1er septembre 2018, récital Lise de la Salle, piano, Bach / Liszt / Dutilleurx. Ainsi pourrait commencer un poème, citant au passage Barbara, qui résumerait l’atmosphère de ce premier week-end du festival « Les Solistes à Bagatelle » en ces tous premiers jours de septembre. Pour les parisiens qui se seront attardés dans de plus lointaines villégiatures, ou en bord de mer, il sera encore temps de goûter les derniers plaisirs de l’été à l’orangerie du parc de Bagatelle, les deux fins de semaines qui viendront, sous on l’espère, un ciel aussi limpide et bleu qu’il le fut ces deux jours. D’autres brillants solistes les attendront: Gaspard Dehaene, Anastasya Terenkova ou encore par exemple François-Frédéric Guy, pour ne citer qu’eux. Dans cette exceptionnelle île de verdure à la porte de Paris, les agrumes de sortie toute la belle saison laissent place à la musique dans leurs quartiers d’hiver, l’orangerie. Deux concerts se suivent l’après-midi, qui ont l’heureuse particularité d’offrir dans leurs programmes une création ou une œuvre contemporaine. La jeune génération de musiciens y est largement à l’honneur.

LISE DE LA SALLE À BAGATELLE

Au parc de Bagatelle,
Jamais la fin d’été
N’avait paru si belle…

Lise de la Salle, pianiste précoce qui enregistra son premier disque à l’âge de quatorze ans, aujourd’hui âgée d’à peine trente, ouvre le bal le 1er septembre avec une carte blanche. Cette musicienne rare en France fait une brillante carrière à l’étranger. Il ne fallait donc pas manquer son récital. Le Concerto Italien de Bach BWV 971, pour commencer, semble n’avoir jamais été écrit pour clavecin! Lise de la Salle lui donne vie avec une énergie hors du commun; imagine-t-on un orchestre et ses couleurs tantôt éclatantes, le contrepoint toujours clair nonobstant l’amplitude sonore, tantôt doucement rabattues dans la basse de l’andante sous une ligne de chant impeccable conduite sans affect. Bach encore mais revisité par Kempff, avec sa fameuse sicilienne BWV 1031. Ici de belles respirations, la calme pulsation d’une main gauche aux liés-détachés phrasée comme il se doit, imperturbable. Du timbre et de l’émotion dans la simplicité du chant qui s’achève comme dans un grand et profond soupir. B.A.C.H. cette fois imaginé par Liszt: sa Fantaisie et fugue sur le nom de BACH a été composée à l’origine pour l’orgue, puis transcrite par le compositeur pour le piano. Lise de la Salle ne se laisse pas effaroucher par l’acoustique généreuse du lieu, et sans rien retenir de son jeu puissant, décuple l’effet sonnant de l’œuvre. Le piano se transforme en orgue monumental depuis les graves d’airain du début jusqu’au plein jeu final en passant par les séraphiques voix de flûtes. C’est une flamboyante cathédrale qui s’érige, faisant oublier les quatre murs de l’orangerie. Une pause pour nos oreilles bourdonnantes avec la presque naïve poésie d’ « Un petit air à dormir debout » de Dutilleux (1981), tendrement hypnotique. Puis le Jeu des contraires, prélude de Dutilleux composé en 1988, parfaitement architecturé, la pédale précise. Programme bien pensé qui se boucle avec la chaconne BWV 1004 de Bach transcrite par Busoni, charpentée, sous les doigts, les bras de la pianiste dans un son qui pour le moins a du corps! Force et vigueur alternent, parfois jusqu’à saturation sonore, avec les fondus chromatiques, et la rondeur des nuances piano dans une parfaite égalité de timbre et d’intensité. Ici la vision harmonique prime sur la linéarité du discours. Un bis: l’étude-tableau opus 39 n°1 de Rachmaninov, répertoire ô combien familier de la pianiste.

Quelques pas dans la roseraie encore fleurie, avant le second concert de Lise de la Salle, en duo avec le violoncelliste Christian-Pierre La Marca, dans Fauré (Élégie, Sicilienne et Pavane), Lutoslawski, (Métamorphoses) et Rachmaninov (sonate en sol mineur opus 19). Un duo bien assorti dans le modelé des sonorités, mais avec une nuance cependant: le piano parfois un peu trop avantagé par l’acoustique et le jeu engagé de la pianiste, pourtant très à l’écoute de son partenaire à l’archet expressif. Un fort beau moment tout de même, dans ce curieux programme aux univers si dissemblables!

—————————————————————————————————————————————————

Compte-rendu festival Le Solistes à Bagatelle, 1er septembre 2018, récital Lise de la Salle, piano, Bach/Liszt/Dutilleurx.

—————————————————————————————————————————————————

Compte-rendu, concerts. La Roque d’Anthéron 15-17 août 2018. Ensembles en résidence, Lefebvre, Babayan, Hamelin / Vedernikov. À la Roque d’Anthéron, le temps de l’été s’écoule de juillet à août aux sons des pianos et des cigales, sur les places du village dans la chaleur des pierres aux heures des volets mi-clos, et à l’ombre des platanes et séquoias géants du parc Florans, où nichent une scène et sa conque blanche en flottaison sur l’ovale de sa pièce d’eau. Il y règne une atmosphère détendue, sereine, qui invite à la flânerie d’un concert à l’autre. Les espaces des concerts, des plus intimistes au plus vaste, les allées caillouteuses et les rues éblouies de lumière qui les relient, se laissent approprier par le festivalier, à mille lieues d’imaginer, sur le moment, qu’ils seront 75499 à en faire autant au fil de ces trente jours dédiés au piano et à ses serviteurs. La Roque d’Anthéron est devenu l’épicentre d’une onde musicale qui se propage jusqu’en Arles et à Marseille, en passant par Aix-en-Provence, Lourmarin… Pour peu que le ciel de Provence ait éclairé un pan de son enfance, on s’y sent chez soi, dans une harmonie réconfortante, ressourçante, et la musique en fait un havre unique, aussi précieux que les plus beaux paradis terrestres.

FESTIVAL INTERNATIONAL DE PIANO DE LA ROQUE D’ANTHÉRON:
DERNIERS TEMPS FORTS

1. Le 15 AOÛT 2018… ENSEMBLES EN RESIDENCE… En ce quinze août, le festival touche presque à sa fin, avec sa traditionnelle journée consacrée aux ensembles en résidence. Quatre concerts gratuits s’échelonnent, couronnés par la grande soirée au parc Florans. On s’attarde, à l’heure où l’on prendrait bien un thé glacé, sur la place de l’ancienne mairie, chapeau de paille et éventail de rigueur. Le quatuor Aurora joue à l’ombre d’une tente blanche un extrait rafraîchissant d’un quatuor de Dvorák. On rejoint ensuite le parc Florans pour le concert de 17h30 qui rassemble les ensembles de musique de chambre, autour d’un piano Blüthner. Chacun livre ici une partie de son répertoire travaillé avec les professeurs concertistes accoutumés du festival (Olivier Charlier, Yovan Markovitch, Claire Désert, Emmanuel Strosser, Christian Ivaldi, Vincent Coq, Jean-Marc Phillips Varjabedian, Raphaël Pidoux). Ces mêmes donneront un plus large aperçu de leurs talents le soir. Entre chien et loup, et sur fond de cigales, le concert s’ouvre avec la sérénade pour cordes en ut majeur opus 48 de Tchaïkovsky jouée avec conviction et énergie par les professeurs et leurs élèves. Le quatuor Aurora joue cette fois l’allegro non troppo du 2ème quatuor avec piano opus 26 de Brahms, faisant montre d’un bel équilibre, et d’un lyrisme bien présent chez chacun. Le coup de cœur de la soirée va sans conteste au trio Eluard, excellent dans Beethoven entendu l’après-midi (trio opus 1 n°3 – Allegro con brio), comme dans Mendelssohn (trio n°2 opus 66): la pianiste Fiona Mato captive par la finesse de son phrasé, son jeu véloce et clair, en osmose avec les cordes de Théotime Langlois de Swarte et d’Hanna Salzenstein, évoluant dans une même respiration, un même mouvement expressif. Il résulte de cette unité un son remarquable et déjà très caractérisé chez ce jeune trio. Le duo piano-violon de Bilal Alnemr et Jorge Gonzalez Buajasan convainc davantage dans Fauré (sonate n°1 opus 13), offrant de beaux élans, que dans Beethoven (sonate opus 30 n°1) où le piano aurait gagné à plus d’ancrage et d’incarnation. Autre duo, celui des pianistes David Salmon et Manuel Vieillard, dans Debussy, avec des extraits de la Petite suite puis le soir, d’En blanc et noir. Ils se connaissent depuis quelques années et cela s’entend, dans la concentration et la pensée du son. Remarquable duo encore que celui de la violoniste Misako Akama, au fort tempérament, et du pianiste Kishin NagaÏ: jeu lumineux, admirablement projeté et ferme, au rythme bien planté dans Beethoven (sonate opus 12 n°3), puis très affirmé dans la palette de textures et la tension rythmique soutenue au piano comme au violon, dans Prokofiev (Sonate n°1 opus 80). Le quintette Astreos a séduit avec Dvorák (quintette pour piano et cordes opus 81) et un peu moins avec Schumann (quintette opus 44), où l’on aurait attendu plus de relief lyrique. Dernier duo enfin avec Imgar Lazar au piano, et Brieuc Vourch au violon, dans la sonate de Franck. Là, c’est une toute autre histoire. Sans remettre en question les talents respectifs des deux musiciens, il faut bien admettre qu’ils ne sont pas sur la même longueur d’onde, Lazar semblant avoir renoncé à dire son mot, Vourch faisant presque cavalier seul dans un jeu hyper démonstratif, quasi théâtralisé, alors que cette partition est si belle lorsqu’on lui donne d’une même voix, dans son premier mouvement, cette délicieuse et langoureuse détente. La soirée se conclut joyeusement avec l’octuor à cordes opus 20 de Mendelssohn, tandis que la nuit conduira à l’aube d’une nouvelle journée de plaisir musical.

2. Lefebvre et Babayan: la fraîcheur et le feu
Le lendemain matin, l’équipe de Denijs de Winter est à pied d’œuvre: le tracteur achemine sur sa remorque cinq pianos sur la scène. L’heure du choix pour les artistes du jour. Steinway ou Bechstein? Sergei Babayan, puis Clément Lefebvre vont de l’un à l’autre, écoutent, sentent le clavier sous les doigts, évaluent l’espace du son…sans se concerter, ils éliront le même Steinway. Clément Lefebvre donne le récital de fin d’après-midi. René Martin fut bien inspiré de l’inviter dans la cour des grands (il fut des artistes en résidence en 2016): un pianiste de grand talent, de par la richesse de sa personnalité, la sureté et l’élégance de son jeu, l’intelligence de son programme et de son propos musical.

Ses « Couperin » (les Rozeaux, le Point du jour et l’Arlequine) sont magnifiquement ourlés de leurs ornements subtilement réalisés, colorés de tout ce que peut offrir le piano, tendres ou facétieux, selon. Le plus naturellement Debussy prend sa place entre les deux grandes figures baroques françaises Couperin et Rameau. Clément Lefebvre nous en offre le premier livre des Images dont l’Hommage à Rameau constitue la clé de voute, dans une conscience aboutie de la dimension créée par les plans sonores, servie par une riche palette de couleurs: les Reflets dans l’eau miroitent de mille éclats de diamants, l’Hommage à Rameau déploie sa noble sarabande dans un rubato sans excès, et les triolets de Mouvement ne touchent pas terre! Le clou de son programme, s’il en est un, c’est la Nouvelle suite en la de Rameau. Le pianiste y déploie tout un art du timbre et de l’éloquence; le piano sonne, c’est le moins que l’on puisse dire, parfois comme un orchestre (dans la jubilatoire « Triomphante », et dans les doubles de la gavotte), et quel son! Quelle variété et fraîcheur d’expression! Autre facette toute aussi enthousiasmante de l’artiste, celle romantique, avec les Variations sérieuses opus 54 de Mendelssohn, tellement bien vues dans le fil du programme par leurs références baroques. Enfin la poésie de deux bis en ré bémol en offrande au public sous le charme: un moment musical opus 16 de Rachmaninov, suivi de Warum? des Fantasiestücke opus 12 de Schumann.

La nuit venue on a la chance d’écouter le pianiste arménien, grand pédagogue et immense concertiste, Sergeï Babayan. Curieusement Rameau, et sa suite en la sont aussi de son programme, ainsi que trois pièces de clavecin (l’Entretien des muses, les Sauvages, et le Rappel des oiseaux). Une approche totalement différente de celle de Clément Lefebvre: un discours en unité de ton, en demi-teinte, nimbé d’une douce mélancolie ne laissant rien saillir; les « tremblements », façon d’exécuter les ornements chère à Rameau, prennent tous leurs sens et sont particulièrement efficaces dans le Rappel des oiseaux, tout en fluidité et délicatesse. Réalisés comme au clavecin, ils desservent cependant la lisibilité des Sauvages et de la Gavotte, un rien alourdie. Auparavant il aura commencé son récital dans un enchaînement hors du commun: celui de l’œuvre minimaliste et méditative d’Arvo Pärt, Für Alina, et de la deuxième Ballade de Liszt. Un coup de génie! Tout de l’art de ce pianiste s’y trouve: la délicatesse dans la rareté sonore, la force, le tumulte et d’effroyables contrastes dans un Liszt parmi les plus brûlants qui soient donnés à entendre. Encore plus saisissante la Fantaisie opus 21 « A la mémoire de Maria Yudina » de Ryabov, où il conjugue grandes masses sonores et chant, brillance et matité. Quel contraste avec Rameau! La deuxième partie du programme est consacrée aux « grands classiques ». De Chopin la Polonaise opus 26 n°1  suivie d’une émouvante valse au ton résigné (ut dièse mineur, opus 39 n°5), au pas mesuré, murmurée dans un pianissimo bouleversant. Enfin la Barcarolle opus 60, prend les couleurs de la nuit, nous berçant dans une très belle atmosphère, par le balancement délicat de la basse, jusqu’à la poétique liquidité des derniers traits. Dans Rachmaninov (moments musicaux opus 16 – 2 et 6), le pianiste revient au jeu puissant qui le caractérise, et nous emporte pour finir, dans la submergeante vague de fond du 6ème, « Maestoso ». Au rappel du public secoué et admiratif, il jouera l’Aria des variations Goldberg de Bach, rien d’autre. Retour au dépouillement, avant le silence.

3. Brahms au sommet par Marc-André Hamelin et l’O.S. d’Odense…

Avant-dernier jour du festival: grand concert symphonique le soir avec la rencontre de l’Orchestre Symphonique d’Odense, phalange danoise, sous la baguette de son chef Alexander Vedernikov, et du pianiste montréalais Marc-André Hamelin. Au programme le 1er concerto de Brahms, en ré mineur opus 15, suivi de sa quatrième symphonie en mi mineur opus 98. Une alliance absolument remarquable d’un orchestre de très haute tenue, et d’un des plus grands pianistes de sa génération, trop rare sur les scènes françaises.

On ne saura que chaudement remercier René Martin de l’avoir imposé dans sa programmation. L’entente est parfaite entre le soliste et le chef, qui dirige avec une efficace économie de gestes un orchestre aux pupitres équilibrés, dans une symbiose avec le piano. Quel bonheur que d’entendre l’instrument roi enchâssé dans le tissu orchestral, faisant corps avec lui, et non pas en rapport de domination! Hamelin a cette intelligence, cette étique musicale et humaine, de placer son jeu toujours au bon endroit, inspiré, habité, et en même temps sobre et sans ego. L’œuvre de jeunesse de Brahms devient alors partition symphonique, sa toute première en somme, bien avant l’écriture de ses quatre symphonies. Le pianiste dans une concentration de tous les instants semble laisser la musique couler de source, tant elle sort naturellement sous ses doigts. Elle sonne juste, dans une parfaite maîtrise de l’expression. Hamelin en n’en faisant jamais trop, et jamais trop peu non plus, va à l’essence même de la musique. Tout est là, et l’orchestre le lui rend admirablement dans l’adagio, s’effaçant lorsqu’il le faut pour laisser passer ses pianissimi magnifiques. Ils se font complices dans la jubilation sonore du 3ème mouvement, emportant l’adhésion sans réserve du public. Hamelin jouera en bis « En avril à Paris » de Trénet, arrangé par Weissenberg, puis l’impromptu n°2 D 935 de Schubert, dans une profondeur de sentiment rarement atteinte. Grand voyage dans le temps musical brahmsien, qui nous transporte dans sa quatrième symphonie opus 98, l’ultime. Belle interprétation de l’orchestre, aux lignes mélodiques amples et généreuses, dans une plénitude harmonique qui s’accommode si bien des grands espaces naturels, et en son finale, le développement des variations quasi organique sous la conduite à la fois souple et tenue de Vedernikov.

Quel vœu former après une telle soirée, sinon celui ardent de retrouver et le pianiste, et cet orchestre dans la prochaine édition du festival? Son grand ordonnateur puisse-t-il nous écouter! Illustrations : © Ch. Gremiot / La Roque d’Anthéron 2018 – Clément Lefebvre, Serguei Babayan, Pierre-André Hamelin

ENTRETIEN – PORTRAIT DE FRANÇOIS-XAVIER SZYMCZAK – Producteur à FRANCE MUSIQUE. Le producteur de France Musique François-Xavier Szymczak, entré à Radio France il y a 22 ans, vient d’être nommé Chevalier des Arts et des Lettres par Françoise Nyssen, ministre de la culture, « pour sa contribution et son engagement au service de la culture de son pays ». Un homme au regard clair et au sourire enthousiaste, qui aime communiquer et partager sa soif de culture. Une rencontre passionnante réalisée par notre rédactrice JANY CAMPELLO.

François-Xavier SZYMCZAK
Entretien — Portrait

Vous venez d’être nommé Chevalier des Arts et des Lettres par madame Françoise Nyssen, ministre de la culture. Que représente cette distinction pour vous? 

Ce fut une grande surprise! On m’a téléphoné pour me demander mon accord, car vous savez, on a le droit de refuser. Léo Ferré avait refusé. Comme je ne suis pas Léo Ferré, j’ai accepté! Cette distinction est une vraie marque de reconnaissance. Je viens d’une famille d’origine polonaise établie dans le Nord-Pas-de-Calais, qui attache beaucoup d’importance aux valeurs de la République. Ma mère ne m’a pas donné ce prénom « François-Xavier », par hasard. Elle l’a choisi pour sa racine, « France », par volonté d’intégration, par gratitude envers la République Française. Travailler sur France Musique représente un grand honneur, et recevoir cette décoration m’a procuré une joie que j’ai partagée avec mes proches, mais que je souhaite aussi partager avec mes auditeurs, pour les remercier. Et enfin, disons-le, j’en ressens une grande fierté!

Parlons de vos racines et de votre parcours. Comment vous êtes-vous orienté vers la musique? 

La musique était présente dans ma famille, mais pas de façon savante. Mon grand-père jouait de la mandoline sans avoir jamais appris à lire la musique. Il était très jovial, aimait la fidélité en amitié, et témoignait d’une époque où la musique populaire était charnelle: on la faisait soi-même. Aujourd’hui les gens du peuple n’ont plus de contact avec les instruments de musique. Ils leur ont été volés d’une certaine manière. Ce lien a disparu, c’est un constat. Mon grand-père représentait une façon de partager la musique. On jouait en famille, entre amis…forts de ce souvenir, mes parents qui étaient mélomanes sans plus – on avait seulement une poignée de disques à la maison, et Brahms y côtoyait Brel et Presley – ont voulu que j’apprenne la musique et à sept ans j’ai choisi le violon.

Vos origines polonaises ont-elles orienté vos goûts? 

Mes parents se sont rencontrés à Douai, mais nous allions très souvent en vacances en Pologne. Là-bas, les fêtes, notamment celles de Noël, étaient associées à un groupe qui s’appelle Masowsze. Tous ces rythme dansants, sautillants, les contretemps de cette musique, ont forgé ma passion pour les musiques populaires d’Europe centrale, et en particulier celle des Balkans.  Avec tout cela, la figure de Chopin a toujours été présente. Mes parents m’ont emmené voir sa tombe au Père Lachaise, et une image de sa statue à Varsovie était accrochée au mur du salon!
 

Avez-vous un compositeur préféré?

Un jour un professeur m’a fait découvrir les duos de Bartók. Je devais avoir onze ans. Ce fut une révélation. Je me suis mis à comprendre pourquoi je travaillais dur tous les jours! Avec Bartók, j’ai trouvé la jubilation dans la musique.

Quelle autre musique vous a procuré cette jubilation? 

Le jazz!  À treize ans mon professeur de solfège m’emmène dans sa voiture et me dit: « je vais te faire découvrir quelque chose que tu ne connais pas ». C’était le jazz. C’était Miles Davis! Le choc absolu! Je suis immédiatement devenu fan. J’ai tapissé ma chambre de posters de Miles Davis, je l’ai vu en concert en 1989, j’ai pleuré comme une Madeleine quand ma sœur est venue m’annoncer sa mort. Sa musique des années 60-70 m’a beaucoup marqué. Celle de Coltrane aussi. J’ai de nombreuses lacunes dans le jazz, mais je suis très sensible à cette musique et je lui serai toujours fidèle.

Pourquoi n’êtes-vous pas devenu violoniste professionnel?

Arrivé à Paris, j ‘ai réalisé que bien que violoniste de bon niveau, j’étais loin d’être le meilleur. J’ai continué à jouer en orchestre, à pratiquer la musique de chambre, j’ai fait mes études de musicologie à la Sorbonne, et j’ai compris qu’il ne fallait pas rater la marche. A ce moment-là je suis entré à France Musique. Ce fut la grande chance de ma vie.

Vous êtes entré à France Musique, et vous n’en êtes jamais ressorti…

C’est vrai. Mes premiers pas dans la Maison ronde datent d’il y a plus de vingt ans. Je m’en souviens encore parfaitement. C’était en novembre 1995, j’ai été recruté comme assistant dans l’émission « Dépêches notes ». A partir de là, on m’a proposé une interview, puis une autre, et de fil en aiguille je me suis rapproché du micro. Ensuite j’ai été appelé sous les drapeaux. Une parenthèse étonnante, puisque Jean-Pierre Rousseau, actuellement directeur du Festival Montpellier-Occitanie, mais à l’époque directeur de la chaîne, a bien compris que l’armée n’était pas mon choix, et m’a engagé. Je me suis ainsi retrouvé, la semaine, « bidasse », et le week-end, producteur sur France Musique, où je présentais les concerts du dimanche soir. Puis on m’a confié les matinales d’août deux étés consécutifs. En 1999, Pierre Bouteiller m’a demandé de réaliser une émission quotidienne. Elle a duré cinq ans. Ensuite j’ai eu mes enfants, et comme je suis papa-poule, je suis passé à un rythme hebdomadaire avec l’émission  « Le Jardin des Dieux ».

Quelle sens avez-vous donné à cette émission religieuse? 

Il était de tradition de diffuser sur l’antenne de la musique sacrée le dimanche matin. J’ai pensé que dans le contexte de la sécularisation de notre société il pouvait être intéressant de parler d’autres religions, et même de mythologie. La musique chrétienne était évidemment bien représentée, mais il était aussi question d’Apollon, de Jupiter, de l’Islam, et même de l’athéisme. Cette émission a également duré cinq ans. Ensuite je suis revenu à une quotidienne, avec ce qui est ma marque de fabrique, la conception d’une émission autour d’un thème.

C’est aussi le principe de votre émission actuelle, « Arabesques »…

Tout à fait. J’ai réalisé beaucoup de présentations de concerts, et une émission qui s’appelait « À portée de mots » construite sur des interviews, mais la fabrication d’une émission autour d’un thème m’a toujours séduit. Lorsque l’on m’a donné carte blanche pour la matinale en 1999, c’est ce que j’ai proposé. Aujourd’hui avec Arabesques, je développe en général un sujet par semaine. Notre directeur Marc Voinchet m’a proposé ce pari un peu fou de doubler le temps de l’émission: elle est passée à deux heures. Accepter n’a pas été sans une certaine appréhension! Le travail que cela représente, ce n’est pas le problème de l’auditeur: il faut fournir du contenu intéressant!  Il faut que l’émission soit captivante, qu’elle apporte de l’évasion, et qu’elle permette d’apprendre! Apprendre: voilà une motivation très forte pour moi! Tous les jours, en préparant cette émission, j’apprends quelque chose. Je ne suis jamais dans la routine!

Faîtes-vous beaucoup de recherches en amont? 

Oui, et plus j’apprends, plus je me rends compte de l’étendue de mon ignorance! Un exemple: j’ai traité récemment un sujet qui ne m’était pas vraiment familier, la musique de ballet. Vertigineux! J’ai réalisé à quel point mon ignorance était grande dans ce domaine. Mais j’ai pris ce constat avec jubilation. J’ai appris énormément!

Comment choisissez-vous vos thèmes? 

Le choix de la musique de ballet a été fait en partenariat avec l’opération « Tous à l’opéra » dont la marraine est Aurélie Dupont. Stéphane Grant m’en avait suggéré l’opportunité. L’émission est la plupart du temps détachée de l’actualité et porte le plus souvent sur les grands anniversaires. Ici il s’agissait de la musique de ballet au XIXe siècle. Ce qui était en soi plus que copieux pour dix heures d’antenne. J’ai découvert à mon grand étonnement que les danseurs de l’ancien régime devaient être masqués et coiffés de perruques sur scène, et qu’un des premiers danseurs français à se présenter sans masque et sans perruque a, au XVIIIe siècle, choqué l’assistance. Il faut réfléchir en amont à la pertinence d’un thème, et évaluer s’il va tenir dix heures. Parfois on a des surprises. Je me souviens d’une émission qui s’appelait « Par les rues,  par les chemins », dans laquelle j’avais voulu parler de la musique à Lisbonne, mais en laissant de côté le fado. Je me disais que j’allais certainement trouver des choses fascinantes sur le sujet, en particulier sur la musique baroque. Or, en 1755, il y eut un tremblement de terre à Lisbonne: toutes les archives ont été perdues! Cette amnésie sur la musique portugaise ne m’a pas permis de faire autant d’émissions que j’avais imaginé. A l’inverse, Copenhague, et le monde de la musique danoise que je connaissais très mal,  ont été une découverte fascinante! J’ai réalisé huit émissions!  Avec l’expérience, je parviens maintenant à pressentir ce que je vais pouvoir faire d’un sujet.

Quels objectifs vous donnez-vous avec « Arabesques »? 

L’émission a un double cahier des charges: d’abord faire plaisir aux auditeurs. Il ne s’agit surtout pas de faire des conférences. Nous sommes là d’abord pour que l’auditeur écoute des musiques qui lui plaisent, qui l’interpellent et qui lui procurent une émotion. Ensuite il faut lui donner du grain à moudre, il faut de la matière. Personnellement je désire traverser avec lui non seulement l’histoire de la musique, mais aussi l’histoire tout court, celle de la danse, de la littérature, du cinéma, de la peinture…Aujourd’hui, l’émission portait sur les grandes révolutions de l’antiquité, en écho aux évènements de mai 68. J’ai évoqué Spartacus, avec la musique du film de Stanley Kubrick, mais aussi des héros comme Hermann (Arminius), très connu des allemands, et Boudicca (Boadicée), une grande héroïne anglaise qui a sa statue à Londres, et que l’on retrouve dans l’opéra. Une bonne occasion de les faire connaître. Une façon de sortir des sentiers battus tout en diffusant aussi des tubes. Cette démarche thématique me permet de diffuser des musiques ultra connues dans des contextes inattendus. Une approche trop musicologique rebuterait beaucoup d’auditeurs! L’émission est aussi prétexte au décloisonnement de la musique. On aurait tendance à tout mettre dans des cases: le jazz, la variété, le classique: vous savez comme moi combien ce terme est problématique, c’est un terme qui désigne une période très courte de l’histoire de la musique, alors qu’on l’utilise comme un terme générique! La Rhapsodie in blue par exemple:  jazz ou classique? Les partitions de Gunther Schuller: classique ou jazz? J’aime la porosité des frontières en musique; elle permet une véritable évasion.

Vous tendez des passerelles entre les différentes formes d’art…

Je n’ai pas une passion exclusive pour la musique. Adolescent j’enregistrais systématiquement le Cinéclub et le Cinéma de Minuit. Je passais des nuits blanches avec les films d’Antonioni, de Visconti ou de Bergman. J’adore l’histoire et la géopolitique. En musicologie je me suis passionné pour l’histoire de l’art; j’ai appris à regarder la peinture, l’architecture. Un compositeur n’est pas né sur une île déserte. Il a côtoyé des peintres, des hommes de lettres, des généraux d’Empire…Cette approche est pour moi naturelle, et importante pour les mélomanes, et pour ceux en devenir. Par celle-ci, je suis persuadé que l’on peut faire venir à la musique des personnes qui ont des réticences, qui craignent l’ennui ou qui se croient indifférentes. J’ai eu l’occasion d’être récitant lors d’un concert autour de Tolkien. Je connaissais le Seigneur des Anneaux par le cinéma. Crayon à la main, j’ai essayé d’imaginer à quoi me faisait penser les différentes scènes. J’ai trouvé des correspondances, avec le Roi des Aulnes de Schubert par exemple. Avec Wilhem Latchoumia, j’ai alors conçu un programme composé de lectures ponctuées de pièces pour piano de Schumann et de Debussy comme par exemple Des pas sur la neige. Les passionnés de Tolkien, et les passionnés de musique se sont rencontrés à ce concert. Ce fut un bon moyen de toucher un nouveau public. Il en est de même pour mon émission: il s’agit de capter d’autres auditeurs en parlant aussi de César, de Spartacus, de l’amour…consacrer une semaine sur le thème du sexe et de l’érotisme, tiens pourquoi pas? Parler de la vie, quoi! De la vie en musique!

Vous abordez aussi la spiritualité: avez-vous un lien personnel, intime avec la religion?

J’ai eu une éducation catholique. Comme beaucoup mon parcours avec la foi a été chaotique, mais lorsque j’entre dans une église, je me sens dans mon monde. J’ai vécu des périodes de rejet, d’attraction, mais jamais d’indifférence. Le Jardin des Dieux m’a permis d’approcher d’autres spiritualités, d’autres mondes: le monde de l’Inde est impressionnant de profondeur, de complexité. Six vies ne suffiraient pas pour connaître à peu près correctement l’univers de la spiritualité indienne. J’ai également conçu une émission sur l’Islam, considérant le rapport complexe des musulmans à la musique. Je suis parti d’une sourate du Coran assez obscure, et je me suis demandé comment en interpréter le sens, alors que certains se fondent sur celle-ci pour bannir la musique en terre islamique. J’ai fait appel à des musulmans musiciens qui non seulement avaient une autre lecture de cette sourate, mais en plus chantaient Mahomet et Dieu en musique, et célébraient leur foi ainsi. Ce fut un tour du monde du Maroc jusqu’en Indonésie, avec des musiques religieuses musulmanes, ponctuées par des extraits d’opéras où il était question d’appels du Muezzin. Cette émission a été un enrichissement!

Vous évoquez le tour du monde: Voyagez-vous aussi autrement qu’avec la musique?

Je n’en ai malheureusement pas le temps! je ne suis pas un grand voyageur, cependant récemment je suis parti en vacances en Italie du Nord, et j’ai pu me trouver dans cet endroit merveilleux qu’est le Lac de Garde. Je suis allé voir la maison de d’Annunzio à Gardone, puis la chapelle des Scrovegni à Padoue, et Venise. J’ai beaucoup voyagé au début de ma carrière, en particulier au Mexique et au Guatemala, des pays où la spiritualité est très forte, fondée sur la rencontre du christianisme et des rites indiens. Ce que  j’adore dans les voyages, ce sont les langues étrangères. Je suis captivé par leur musique, et j’en parle quelques unes assez bien. Quand je suis dans le Nord, j’écoute des radios flamandes, bien que je ne comprenne rien à la langue! Quand je vais en Bretagne, j’écoute France bleue Breizh Izel! J’éprouve un plaisir à bien prononcer les mots et les noms étrangers. Si je dois citer un compositeur norvégien dans mon émission, je vais téléphoner à l’ambassade de Norvège pour connaître la prononciation correcte. Ce n’est pas par snobisme, j’aime ça tout simplement! J’ai parfois des échanges passionnants avec les auditeurs à propos de la prononciation.

Connaissez-vous votre auditoire?

J’ai des auditeurs un peu partout dans le monde. Ils m’écrivent facilement. Internet y est évidemment pour quelque chose. Ils apprécient la ligne directrice de l’émission, les œuvres connues diffusées, et celles qu’on n’entend pratiquement jamais. Combien de gens écoutent? C’est une question importante, que bien évidemment nos patrons et les responsables politiques se posent. Celle qui m’intéresse en priorité est « qui nous écoute? ». Il est alors difficile de se positionner: est-ce que je m’adresse au musicologue, au spécialiste ou à celui qui n’a pas une grande connaissance de la musique? Comment dois-je parler? Il y a un équilibre délicat à trouver. Les auditeurs ou même les techniciens qui m’entourent réagissent parfois. On peut me reprocher de fournir trop d’informations. C’est souvent mon travers, j’ai tellement de choses à dire! Alors pour rendre le propos intelligible, il faut veiller à une certaine parcimonie de parole devant le micro.

Que faîtes-vous à l’extérieur de la Maison de la Radio? 

Je continue mes activités de récitant auxquelles je suis très attaché: j’aime beaucoup la scène et le rapport direct au public. La présentation des concerts est un des aspects de la scène qui me plait aussi beaucoup. On me demande de plus en plus d’intervenir sur des conférences audiovisuelles. J’ai proposé des thèmes pour ces conférences, tels que la pianiste Blanche Selva, Cendrillon, les pianistes de Debussy, les Tableaux d’une exposition de Moussorgski, où j’ai associé des versions de tous genres: piano, orchestre, rock, jazz..etc. Je suis très attaché à ces expressions actuelles: la vidéo et l’image sont importantes pour le public d’aujourd’hui et permettent d’établir d’autres correspondances avec la musique. Une opportunité supplémentaire en faveur de celle-ci!

Propos recueillis par JANY CAMPELLO en mai 2018

François-Xavier Szymczak en quelques dates:

1996: débuts dans l’émission Dépêches notes.

août 1997 et 1998: présentation des matinales de France Musique.
1998-1999: reportages pour les émissions « Musique Matin » et « Ondes de choc »
De septembre 1999 à juin 2004: assure le rendez-vous quotidien de 17 h avec “Au rythme du siècle” (rétrospective musicale du XXème siècle mélangeant classique, jazz, rock), “Métamorphoses” (variations autour d’un thème) puis “Ottocento” (l’histoire de la musique au XIXème siècle année par année).
De 2004 à 2008: émission “Par les rues, par les chemins”, tour du monde des grands lieux musicaux.
De 2008 à 2013: émission “Le Jardin des Dieux », le dimanche matin, où musique et spiritualité se retrouvent dans le répertoire judéo-chrétien, mais également dans d’autres religions ou mythologies.
2013-2014:  émission « Les Joueurs de Quartes »
2014-2016: émission « Dans l’air du soir »
Depuis septembre 2016, émission « Arabesques » sur des programmations thématiques variées.

Compte-rendu, concert. PARIS, TCE, le 17 mars 2018. SCHUBERT, RACHMANINOV… Récital d’Andrei Korobeinikov, piano. Serait-ce le dernier assaut de l’hiver qui provoqua le 17 mars un exaspérant concert de toux au Théâtre des Champs-Élysées? Toujours est-il que nous y étions pour entendre le pianiste russe Andréï Korobeinikov, seulement lui, sans cette regrettable orchestration. Lauréat de plus de vingt prix, ce musicien surdoué ne laisse pas indifférent celui qui se donne la peine de l’ écouter. Si ses partis pris interprétatifs et stylistiques peuvent dérouter, il ne lasse jamais. La musique est là, présente dans les moindres recoins, servie par une technique éblouissante et une aisance incomparable. Nous pûmes le constater ce samedi soir, dans un programme qui lui est désormais familier: Schubert, Rachmaninov, et Liszt.

ANDREÏ KOROBEINIKOV AU TCE

La musique ne saurait attendre: un salut rapidement esquissé et le pianiste sitôt assis commence l’impromptu varié de Schubert D.935, opus 142 n°3 en si bémol majeur. Le pas est plutôt décidé, qui lui permet de prendre ses aises dans les respirations, et le piano chantant. Son interprétation n’a ni la simplicité lumineuse et élégante de celle de Zimmerman, ni l’intériorité et la tendre poésie de celle de Maria João Pires, ni même la droiture et le classicisme indémodable de Brendel. Il l’imprègne, pourrait-on dire, d’une vague romantique, notamment par l’emploi par endroits d’un léger rubato, et par des effets dynamiques parfois un peu grossis. Elle n’en est pas moins captivante, notamment dans les reprises et leurs subtils changements d’expression, donnant une inflexion différente au propos. La dernière variation surprend par sa rapidité d’exécution, qui nous donne l’illusion d’entendre des glissendi. Les doigts sont si véloces que le perlé du jeu en est gommé, qui prend une tournure lisztienne. On retrouve dans l’impromptu N°1 du même opus, en fa mineur, cette même inclination à grossir le trait, accentuant le côté dramatique des accords introductifs, le caractère obsessionnel des notes répétées, voire parfois martelées, et les basses particulièrement timbrées, qui nous entraîne déjà dans le noir univers du Erlkönig (le Roi des Aulnes). L’opus 90 n°2, en mi bémol majeur reste dans la même lignée, les gammes jouées dans l’élan et la prestesse plus que dessinées et phrasées, le jeu vigoureux et contrasté, aux accents dramatiques dans les accords.

Dans sa tonalité homonyme, celle de mi bémol mineur, l’Elégie opus 3 n°1 de Rachmaninov succède harmonieusement à l’impromptu de Schubert. Korobeinikov nous en donne toute sa dimension lyrique et son éperdue nostalgie. Cette œuvre lui sied comme un gant, tant dans l’art de suspendre les phrases, ou de les tendre vers des sommets d’exaltation, jusqu’à la déchirure, que dans celui des couleurs. Les Variations sur un thème de Corelli opus 42 de Rachmaninov, sont de la même veine, travaillées de l’intérieur. Composées en France, et au nombre de vingt, elles ressemblent pour la plupart à des improvisations écrites, animées de contrastes rythmiques et dynamiques, et de résonances extrêmes. Pas de quoi ennuyer, surtout ce soir-là avec cet artiste-là…et pourtant les toux redoublent dans l’orchestre. C’est à croire que cette œuvre les attire, à en juger par les propos du compositeur lui-même: « Je les ai jouées une quinzaine de fois, mais jamais dans leur continuité. Je me suis guidé sur les toux du public. S’ils toussaient de plus en plus, je sautais la variation suivante. S’ils cessaient de tousser, je jouais normalement. A un concert, je ne me souviens plus lequel – c’était dans une petite ville -, ils toussaient tellement que je n’ai pu jouer que 10 variations (sur les 20). J’ai atteint mon record à New York, où j’en ai joué 182. » Fort heureusement Korobeinikov ne se laisse pas infléchir et nous les livre intégralement. Le thème énoncé comme avec des coups d’archets, dans une nudité sidérante, s’anime peu à peu et ouvre sur les humeurs des variations, brillamment rendues par le pianiste, qui fait sonner là les basses comme un glas, ici en crie la désespérance, en fait jaillir les accents, en épanouit la splendeur des chants, dans des contrastes saisissants.

La deuxième partie du concert est consacrée à Liszt. En écho à la première, les trois lieder de Schubert transcrits par Liszt, Sei mir gegrüsst, au magnifique sotte voce, Auf dem Wasser zu singen, très contenu et davantage schubertien que lisztien, et un effroyable Erlkönig, précèdent la Sonate en si mineur de Liszt. L’œuvre emblématique du compositeur hongrois est ici coulée dans un moule qui n’appartient qu’à lui: dira-t-on qu’il exagère, qu’il en fait trop, au détriment de l’unité? N’empêche que là encore sa conception porte sur les oppositions, qu’il pousse à l’extrême, entre les tensions et les détentes, les accords compacts dans le grave, et le souple délié des lignes de chant dans l’aigu, les tornades foudroyantes et la méditation céleste. Si son style est parfois un peu complaisant, cet
artiste a au moins une vision loin de l’abstraction sonore. Elle n’aura cependant pas eu raison du concert de toux. Sensible à cette participation sonore du public, répondant aux rappels, il lui offre de bonne grâce en premier bis un espace d’expression privilégié et unique: le fameux 4’33’’ de John Cage! On passera sur les réactions multiples et successives d’un public médusé dans un premier temps, puis agacé et impatient, durant ces longues minutes de …silence. On aura surtout apprécié l’humour d’un musicien sans rancune, qui ensuite généreusement offrira trois études-tableaux et un prélude de Rachmaninov, et pour boucler le concert, l’impromptu hongrois de Schubert. Rien que ça!

——————————

Compte-rendu, concert. PARIS, TCE, le 17 mars 2018. Récital d’Andrei Korobeinikov, piano. Illustration : © Irène Zandel

Programme :

Schubert: Trois Impromptus op. 142 n°s 3 et 1, op. 90 n° 2
Rachmaninov: Elégie op. 3 n° 1,
Variations sur un thème de Corelli op. 42
Schubert-Liszt: Sei mir gegrüßt, Auf dem Wasser zu singen, Erlkönig
Liszt: Sonate en si mineur