COMPTE RENDU, Festival. LE CROISIC, festival Tempo piano : 10-13 mai 2018. Il ne faut pas s’y tromper: classique, mais pas seulement! Piano, mais pas uniquement! Le festival Tempo Piano Classique du Croisic fêtait, du 10 au 13 mai, son dixième anniversaire, avec une programmation hors normes et audacieuse, concoctée par le pianiste Romain David, son directeur artistique. Décliné en cinq concerts, le festival a pris en dix ans une dimension qui va aujourd’hui bien au-delà du récital de piano de ses débuts. Retour sur cet évènement.

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Festival Tempo Piano Classique du Croisic:
10 ans de fêtes musicales

Le moment de l’Ascension est un temps fort de la vie musicale croisicaise. À en juger par la file qui s’allonge sur plusieurs mètres le long du quai quelques quarts d’heures avant chaque concert, la réputation de Tempo Piano Classique n’est plus à faire, et ce festival est très prisé du public local, fidèle. L’ancienne criée du Croisic, magnifique bâtiment daté de 1878, orné d’armoiries à l’hermine bretonne, ne résonne plus depuis 1982 des cris des marchands de poissons. En proue sur l’océan, entourée de gréements au mouillage, elle vibre à présent des musiques qu’elle abrite le temps de ce festival. Cette dixième édition a été des plus festives et des plus vivantes: Romain David peut se féliciter de sa réussite, qu’il doit à son esprit d’unité et son éclectisme tout à la fois,  à son ouverture sur des esthétiques et des genres éloignés du répertoire à proprement parler « classique », et enfin à son choix éclairé et exigeant de musiciens de très haut niveau.

Un duo de haut vol ouvrait l’édition, avec un premier concert à deux pianos. La grand-voile hissée en fond de scène et éclairée d’un bleu profond (dispositif acoustique en même temps qu’une belle évocation plastique) Adam Laloum et Tristan Raës ont tenu les barres de leurs pianos respectifs pour un voyage au long cours de Mozart à Poulenc, traversant Brahms et Rachmaninov. De Mozart, la sonate pour deux pianos K.448 alliait deux musiciens aux personnalités très différentes, et néanmoins en parfait dialogue: le toucher rond et chaleureux de Raës, son jeu toujours chantant, composant avec celui de Laloum, clair et vif, usant moins de la pédale. La sonate pour deux pianos de Poulenc, achevée en 1953, suivait avec ses contrastes, entre lenteur mélancolique et allure encanaillée. En deuxième partie Tristan Raës partageait le clavier d’Adam Laloum avec Brahms et ses danses, avant de regagner son piano pour la 2ème suite opus 17 de Rachmaninov: un festival de couleurs que cette œuvre sous leurs doigts, qui s’est finie en apothéose avec sa Tarentelle embrasée à la dimension orchestrale. En bis, quel bonheur d’entendre à nouveau la musique de Poulenc, avec son Élégie, magnifique de lyrisme et d’exaltation!

Le lendemain le quintette Syntonia formé de Thibault Noally (violon), Stéphanie Moraly (violon), Romain David (piano), Caroline Donin (alto), Patrick Langot (violoncelle) donnait un programme inédit et passionnant avec la soprano Maya Villanueva, puisqu’il comportait en première partie le Prélude à l’après-midi d’un faune de Debussy, dans sa transcription pour quintette avec piano du compositeur Benoît Menut. Suivait de Koechlin, ce compositeur contemporain de Debussy, le 3ème mouvement de son quintette, œuvre centrale du dernier CD de l’ensemble, qui notons-le, a été couronné des plus belles récompenses. L’exécution en concert n’a pas démenti ce succès. Maya Villanueva, soprano, interprétait ensuite trois mélodies de Debussy avec charme et délicatesse, en plus d’une diction parfaite, sur le superbe nuancier sonore du piano de Romain David. Le concert s’achevait sur le Quintette de Franck, que Debussy appréciait particulièrement, joué avec bel engagement.

Inviter Thomas Enhco et Vassilena Serafimova, c’est plus que céder à l’engouement – légitime – général pour cet extraordinaire duo, au sens propre du terme. C’est proposer d’emprunter les traverses du temps, c’est mettre des bottes de sept lieues pour parcourir le monde musical, de Bach à Jagger, en passant par Mozart, Fauré, la tradition bulgare, Piazzola, et tant d’autres encore. Tout cela dans un grand esprit de liberté, celui de l’improvisation, où ces deux musiciens atteignent des sommets d’excellence. Tout cela dans le mariage ô combien original et heureux des sonorités chaudes et colorées du marimba et des timbres du piano. Ce fut le « Texto concert » du samedi 12 mai, concert passerelle entre classique et jazz.

Le soir, d’autres harmonies venues d’ailleurs, avec le Concert des Lumières. On découvrait avec bonheur le talent de Keyvan Chemirami, et ses percussions traditionnelles persanes, en dialogue avec le piano de Shani Diluka. Rencontre orient-occident entre la musique de Bach, intemporelle, universelle, et la musique « savante » persane, si proches par leurs métriques bien qu’éloignées par leurs langages, sur la scène transformée en diwân, ce lieu de débats et de confrontation des idées et des cultures, matérialisé ici par les tapis persans disposés au sol. Un choix de vers de Goethe et Hâfez dits par les musiciens ponctuait les pièces pour clavier de Bach père et fils (C.P.E . Bach), et les rythmes souvent virtuoses et textures variées des zarb, santour et daf, les percussions en question, alternant ou se mariant avec le piano. Etonnant et magnifique programme, qui par sa poésie et la profondeur de son propos, autant que par l’émotion musicale qui s’en dégageait, sut toucher un public des plus réceptifs. Le bis? un texte d’Aimé Césaire et l’aria des variations Goldberg de Bach, orné d’une improvisation au daf…et d’un discret chant de mouette venu du dehors!

Le dimanche était le jour de clôture. Quoi de plus festif qu’un concert rassemblant l’ensemble, ou presque, des artistes invités au festival? La tradition y veut que celui-ci se termine par un concert-brunch, éclatant bouquet final de la manifestation. Ce fut en effet deux heures de musique bourrées de joyeuses surprises puisque le programme n’était pas écrit, présenté par Laure Mézan. Un voyage autour du monde avec des mélodies et les chansons argentines de Ginastera, la ballade pour piano du turc Fazil Say, la danse rituelle du feu de de Falla, l’esprit du nord dans un extrait du quintette avec piano de Brahms, Mare a Mare de V. Serafimova, La Chaconne en ré mineur de Bach-Busoni et pour finir, la musique traditionnelle des Balkans dans un finale survolté aux piano et marimba, avec la participation impromptue du daf!  Quelle fête!

Interview et compte-rendu, concert. PARIS, TCE, le 28 mars 2018, Orch de Chambre de Paris, François-Frédéric Guy, direction et piano. Le pianiste François-Frédéric Guy, qui se produira à Hong Kong en mai, puis à Barcelone et Tenerife en juin, après une tournée en Belgique et en Allemagne le mois dernier, a emporté dans ses valises pas moins des cinq concertos de Beethoven, qu’il joue et dirige du piano, et comme il y avait encore de la place, le 2ème concerto de Brahms. Une actualité riche et abondante pour cet artiste français dont la carrière ne cesse de se développer autant à l’étranger qu’en France. L’occasion d’une interview nous permet de revenir sur le concert du 28 mars dernier au Théâtre des Champs-Élysées. Exceptionnel de par sa forme et sa qualité, son programme articulait le trio « Gassenhauer” opus 11, le Triple Concerto pour violon, violoncelle et piano opus 56, et la cinquième symphonie opus 67, dans une homogénéité d’approche que l’on doit au talent de ce musicien, tour à tour partenaire chambriste, soliste-chef, et enfin chef tout court devant la phalange parisienne.

Beethoven en une trilogie, par François-Frédéric Guy et l’OCP

Dans le trio opus 11, on a aimé entendre la musique circuler du clavier aux cordes dans une conversation des plus vivantes, sans cesse animée et relancée par les élans dynamiques du piano, et le soyeux legato de la violoniste Lena Neudauer qui trouvait son expression dans son adagio, répondant à la mélodie tendrement énoncée par le violoncelle de Xavier Phillips. Comment passe-t-on en un seul concert, de chambriste, puis soliste, à chef? FFG:« On reste avant tout musicien et on montre ainsi qu’il n’y a aucune hiérarchie et que c’est toujours servir la musique et la servir, si je puis dire, au public avec humilité mais intensité. Cela reste cependant un défi physique et intellectuel ». L’orchestre rejoignit le trio pour l’œuvre de Beethoven sans doute la plus atypique, en tout cas unique en son genre: le Triple concerto en ut majeur opus 56. François-Frédéric Guy dirigeait du clavier une partition de chambre XXL, à moins que ce ne fût une symphonie concertante. En fait l’œuvre est inclassable, et la dimension donnée ici n’eut rien de la trop brillante performance, où chacun tirerait la couverture à soi, mais tint plutôt d’un dialogue harmonieux entre les solistes d’une part mais aussi entre eux-mêmes et l’orchestre, les voix s’échangeant dans la fluidité et l’écoute mutuelle. En connexion parfaite avec les musiciens, le pianiste-chef donnait cohésion et équilibre à l’ensemble, insufflant une belle énergie dans le final. Le joué-dirigé induit-il une approche chambriste du concerto? FFG: « Oui et non. Il inclut davantage le soliste dans le groupe orchestral d’autant que je place le piano dos au public et qu’il rentre littéralement « dans » l’orchestre. Mais la pensée musicale et les décisions importantes sont décidées par le soliste-chef qui de surcroît dirige les tutti debout comme dans une symphonie ». Le défi fut relevé avec brio par cet artiste parfaitement à l’aise dans l’exercice, qu’il maîtrise depuis de nombreuses années. Dans le répertoire du concerto peut-on tout diriger du piano? FFG: « Qui sait? Au début on privilégiait Mozart et Beethoven dont les concertos ont été conçus pour être dirigés du piano. Mais on s’aventure davantage dans le romantisme (Schumann Grieg même Ravel, son concerto en sol que Bernstein dirigeait du piano) car les musiciens d’orchestre ont acquis un niveau et une autonomie exceptionnelle. Je donnerai moi-même les deux concertos de Brahms dirigés du piano au TCE la saison prochaine avec l’OCP ».

De la 5ème Symphonie, deuxième partie de ce concert, il existe foule de versions dont certaines aux antipodes. A tel point que parfois on aurait presque le sentiment d’entendre des œuvres différentes. A commencer par le tempo, déterminant. Entre la lenteur grave voulue par Barenboïm et la fébrilité d’Harnoncourt, pour ne citer qu’eux, il y a une galaxie! François-Frédéric Guy prit cette fois l’habit de chef à part entière. Le pianiste est-il déjà en puissance un chef d’orchestre? FFG: « Certainement! Le chef d’orchestre est un peu l’homo erectus par rapport au pianiste!! Il se redresse et se lève ! Sérieusement, il doit posséder cette capacité de synthèse entre l’individualité et le groupe, mais avec en plus la science du « son » et de l’attaque du son si différente du piano ». Autant dire que les premières mesures ont saisi l’auditoire, avec leurs deux motifs de quatre notes assénés coup sur coup, le premier point d’orgue réduit à sa plus simple expression, à sa durée la plus minimale. Pas le temps de se laisser choir sous leur poids! Dans un tempo rapide, parfaitement assumé, François-Frédéric Guy donna de cette œuvre mythique une version toute en énergie, et s’affaira à la soulever, d’un bout à l’autre, ne laissant jamais rien retomber de son éloquence, de son souffle, dans une respiration serrée, courte. Une forme d’urgence dans ce premier mouvement, qui ne céda pas au pathos. L’intermède de l’andante développait ses lignes amples et la chaleur des timbres des violoncelles. L’allegro et le finale enchaînés retrouvèrent la vivacité du début: le tempo de l’allegro à nouveau très rapide requiert une précision des archets dans les différents pupitres de cordes, une articulation vigoureuse et nette parfois inégalement atteinte d’un pupitre à l’autre. On salua bien bas celui des contrebasses, particulièrement efficace ici, et tellement essentiel à la tenue de l’ensemble. Entendit-on un orchestre symphonique? C’est pourtant bien l’orchestre de chambre de Paris qui triompha, dans une envergure sonore q’on ne lui soupçonnait pas. A propos de la 5ème symphonie, FFG: « C’est la première œuvre que j’ai dirigé! Elle a constitué la passerelle naturelle entre ma carrière de pianiste et celle, naissante de chef d’orchestre. D’énormes défis sont toujours présents lorsqu’on dirige ne serait-ce que le début de la 5ème, mais l’énergie vitale qu’elle contient est irrésistible et en fait le marqueur définitif du génie Beethovenien. En 2019 je partirai à la conquête de l’Heroïque dans un programme qui inclura également les variations « Eroïca »pour piano solo. »

Propos rapportés recueillis le 23 avril 2018, par Jany Campello. Illustration : FFGuy par Caroline Doutre.

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Interview et compte-rendu, concert. PARIS, Théâtre des Champs-Élysées, le 28 mars 2018, Orchestre de Chambre de Paris, François-Frédéric Guy, direction et piano / Lena Neudauer, violon et  Xavier Phillips, violoncelle.

Compte-rendu critique, Théâtre des Champs-Élysées, mardi 3 avril 2018, Fazil Say, piano, Camille Thomas, violoncelle, Orchestre de Chambre de Paris, direction Douglas Boyd. Sortir d’un concert irradié de bonheur, c’est chose rare à ce point! Et pourtant c’est ce qui se produisit en quittant le Théâtre des Champs Élysées, ce soir du 3 avril, après le concert si attendu réunissant le pianiste Fazil Say, la violoncelliste Camille Thomas, et l’Orchestre de Chambre de Paris (OCP) dirigé par Douglas Boyd. De Beethoven et son troisième concerto opus 37 dont Fazil Say se fait l’ambassadeur depuis plus de quinze ans, de Fazil Say lui-même compositeur dont on entendit Never give up, son concerto pour violoncelle en création mondiale, par Camille Thomas, à Haydn enfin, et sa symphonie n°86, enjouée sous la baguette de Douglas Boyd, ce plateau de musiciens d’exception n’a cessé de nous réjouir, de nous émouvoir, d’illuminer nos regards et nos âmes: n’est-ce pas là la plus belle réussite d’un concert?

Beethoven, Say, Haydn: soirée de lumière au TCE

Il est justice de rendre hommage à Fazil Say, à ce musicien accompli et authentique, cet artiste engagé et vrai, généreux et libre. Et l’opportunité nous en est donnée ici: quelle éclatante vitalité dans ce troisième concerto de Beethoven! Sur scène la figure de Fazil Say ne se réduit pas à une théâtrale apparence, quoiqu’elle puisse y faire penser; elle est présence vivante, et sa gestique est indissociable de la musique, au service de celle-ci. Avec l’OCP, il instaure un dialogue des plus conviviaux, des plus riches en couleurs et en humeurs. Son buste par moments est tourné vers l’orchestre pendant sa longue introduction, et puis souvent par la suite, pour lui laisser la parole, l’inviter à répondre à ses tirades poétiques et expressives: « qu’est-ce que vous dîtes de ça? je vous écoute maintenant! », semble-t-il dire aux musiciens. On lit sur son visage ouvert et mobile tantôt l’approbation, l’empathie, l’objection parfois, ou l’interrogation. Sa main gauche lorsqu’elle est libérée du jeu semble être le prolongement de sa pensée musicale, s’élevant au-dessus d’elle elle accompagne le phrasé de la main droite comme un chanteur guiderait ainsi sa conduite vocale. Fazil Say joue et donne avec fougue. La confidentialité, pas pour lui! D’une sincérité sans égal, tout comme sa nature généreuse, il ne retient pas la musique, et surtout pas par calcul ou stratégie, il n’est pas dans ce rapport humain avec son public. Du plaisir qu’il savoure en jouant, il fait une affaire collective, et l’orchestre n’a pas de mal à s’entendre avec lui dans cet heureux partage. Le piano et l’orchestre sonnent de conserve, avec verve et enthousiasme. Quel moment!

« Ne jamais renoncer », telle est la traduction de Never give up, le titre donné au concerto pour violoncelle de Fazil Say. Le pianiste-compositeur vient élargir son catalogue avec cette pièce de grande dimension, au thème on ne peut plus explicite et militant. D’une écriture fournie et inventive, ce concerto à la riche orchestration n’en est pas moins accessible, et immédiatement intelligible, appréhendable par l’oreille. De construction classique, en trois mouvements, dont le second est un adagio, les sonorités, le propos, l’utilisation du violoncelle sont beaucoup moins conventionnels. Le premier mouvement commence par des bruissements, des bribes sonores éparses, et évolue de façon organique vers une sorte de danse scandée que le violoncelle initie à l’orchestre après la longue plainte d’une mélodie semblant sans fin. Le deuxième mouvement très figuratif dépeint un paysage de désolation, de désespérance, où la violence brute des armes se fait entendre par les percussions, où le violoncelle soutient un long et fragile chant, dans un filet de son tendu admirablement par l’archet de Camille Thomas. Le finale s’éclaire de chants d’oiseaux et de bruits de sources, répond au premier mouvement par une danse de plus en plus effrénée, dans un regain vital porté haut par le jeu bondissant de la violoncelliste, dont on mesure l’aisance virtuose, faisant corps avec les scansions de l’orchestre, serrées, et l’euphorie des rythmes et des couleurs. Le succès est sans réserve, l’émotion à son comble, et cette jeune violoncelliste dans sa robe de soleil peut être fière aux côtés de Fazil Say. Ce soir-là, elle a magistralement servi le compositeur, son œuvre, mais aussi elle a fait honneur à son commanditaire, Bernard Magrez, dont l’Institut Culturel lui a également confié ce magnifique instrument de Ferdinand Gagliano datant de 1788.

Après une telle première partie, on aurait pu légitimement s’inquiéter de l’intérêt de la seconde, paraissant un peu « light » avec une symphonie de Haydn inscrite sur le programme. C’eut été négliger le peps d’un orchestre qui sous la houlette de son chef sut donner une interprétation brillante et de très haute tenue de cette 86ème symphonie à la tonalité pimpante de ré majeur. Une formation idéale qui plus est pour ce répertoire. Saluons la direction de Douglas Boyd, précise, fine, nuancée, insufflant à l’œuvre clarté, esprit et humour, en plus de l’élégance. Ainsi Haydn n’eut pas à souffrir de son imposant voisinage, et son œuvre en quatre mouvements fut plus qu’une cerise sur le gâteau: le couronnement d’une soirée de lumière! Ci dessus : Douglas Boyd (© JB Millot).

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Compte-rendu critique, Théâtre des Champs-Élysées, mardi 3 avril 2018, Fazil Say, piano, Camille Thomas, violoncelle, Orchestre de Chambre de Paris, direction Douglas Boyd.

Compte-rendu critique, salle Gaveau, Paris. 27 mars 2018. récital Ivo Pogorelich, piano.  Venir écouter Ivo Pogorelich naît d’une démarche, qui peut relever de la quête d’un graal musical dont on forme le vœu qu’il apparaîtra, puissant et grandiose, comme un vestige intact surgi de ruines, à l’instant le plus imprévisible. Oh ce ne sont pas les compositeurs, les œuvres – ce soir du 27 mars à la salle Gaveau, on venait entendre de Mozart sa Fantaisie en do mineur, la sonate Appassionata de Beethoven, la troisième ballade de Chopin, des études d’exécution transcendante de Liszt et enfin la Valse de Ravel, bref du connu, et oserions-nous dire « la monnaie courante » du répertoire pianistique – mais ce sont leur métamorphose, leur transfiguration au sens christique du terme, bien que souvent inversé, qui interpèlent, parfois révulsent, ou a contrario forcent l’admiration. Venir écouter ce musicien, c’est accepter d’être dérouté de son écoute, des codes, c’est accepter la déstabilisation elle-même, l’inconfort, et une autre temporalité, c’est s’attendre à basculer dans un autre monde que celui légué, a priori, par les compositeurs: le Nirvâna d’Ivo Pogorelich.

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Le Nirvâna d’Ivo Pogorelich

Dans la pénombre, la silhouette du pianiste s’avance en ombre chinoise sur le fond blanc de la scène. On distingue à peine son visage. Il joue partitions sous les yeux, mais que voit-il d’elles, du clavier lui-même? Sans doute nous voit-il…Fantaisie en do mineur K475 de Mozart. Les avis sont partagés, comme toujours, et les débats animeront l’entracte. Une autre temporalité disions-nous. Oui, ici, avec Mozart. Les premières notes dans le grave, semblent provenir d’une caverne et contrastent avec les accords grêles qui les ponctuent. Puis le thème avance lentement dans une courbe ample, d’une beauté hors du temps, dans la longueur du son. Peut-être ici n’est-ce pas Mozart, mais en revanche quel musicien! Il nous impose la lenteur: lâchez prise avec votre propre énergie, votre volonté, et laissez-vous couler dans le corps musicien de ce pianiste, dans son rythme intérieur…l’expérience commence, et elle n’est pas seulement musicale. Pogorelich découd cette Fantaisie pour en accentuer davantage son opératique dramaturgie, nous y plonge mais en nous perdant dans ses circonvolutions.

Difficile de discerner l’architecture du premier mouvement Allegro assai de la sonate opus 57 de Beethoven. Très contenu, il progresse comme habité de doutes, se cogne à des murs invisibles. Le pianiste fait saillir à l’obsession les note tonique et dominante dans l’Andante con moto, cassant toute fluidité, créant une espèce de bancal ostinato. Et puis arrive le final. Voici qu’il nous aspire dans des tréfonds, par les basses qu’il creuse et noircit toujours davantage, les doubles croches dans l’aigu ne devenant plus que les fantômes d’elles-mêmes. Le presto se mue en un tourbillon macabre et plombé. L’ensemble est saisissant, tiendrait presque du génie. Pogorelich joue un anti-Beethoven, qui ne serait pas attiré par les étoiles, qui ne s’élèverait pas vers la lumière, toujours plus haut dans le ciel tel un aigle, mais qui s’enfoncerait toujours plus bas, aimanté par des ténèbres abyssales,Thanatos versus Hélios.

La deuxième partie du programme commence avec une troisième Ballade de Chopin opus 47 décantée et lente à l’extrême. Il lui manque d’emblée la tendre ardeur, « l’heureuse expansion d’un bonheur juvénile » selon les commentaires de Cortot. Dans cette retenue, elle apparaît figée, morcelée. Il faut attendre la dernière page de l’œuvre pour entendre soudain un élan, une exaltation qui prend une allure de folie tragique. Les trois études d’exécution transcendante de Liszt, Allegro Agitato (n°10), Feux Follets (n°5) et WildeJagd (n°8), apportent enfin le lyrisme, le souffle – la vie en somme – et l’ivresse de la virtuosité extrême. La dernière s’achève dans un sentiment dramatique sublime et bouleversant.

De la valse, que reste-t-il dans celle de Ravel? Démontée, c’est à peine si on en distingue les lambeaux épars. Les hémioles caractéristiques du rythme ne sont plus que relents. La Valse se désagrège, se déglingue même par moments, et dans cette mise en pièces, Pogorelich réussit le prodige d’en restituer l’atmosphère. Dans le grave du clavier ce sont les ombres de fantômes qui se meuvent et nous frôlent, nous tiennent enlisés dans les entrailles visqueuses d’un monde d’au-delà, trouble et morbide (les glissendi embourbent tant ils sont ralentis). De cette gangue informe s’élève le tourbillon final, venu de loin, très loin, comme une pulsion effroyable, et la Valse se fracasse dans une tension inouïe, médusant le public, sous le choc.

Compte-rendu critique, salle Gaveau, Paris. 27 mars 2018. récital Ivo Pogorelich, piano.

COMPTE-RENDU, concert. PARIS, Philharmonie, les 17 et 18 mars 2018. WE « Les Oiseaux », orchestre Pasdeloup, E. Schwarz, direction, D. Bismuth, V.Warnier, H. Demarquette… L’hiver n’avait pas encore mis les voiles pour l’autre hémisphère, ce samedi 17 mars, et il fallut affronter une tempête de neige bien peu ordinaire pour regagner la Philharmonie et sa grande salle Pierre Boulez, où tous les oiseaux parisiens et d’ailleurs, ayant déserté les arbres et pour cause, s’étaient réfugiés. Telle une immense volière, les virtuels volatiles semblaient y trouver aise pour ainsi joyeusement gazouiller via les bandes enregistrées. Un charmant accueil réservé au public, augurant, le temps d’un concert, bien des moments de grâce. On y entendit aussi le lendemain, ce concert en hommage à Olivier Messiaen, avec au programme son Livre d’orgue, et le Quatuor pour la fin du Temps.

Les oiseaux nichent à la Philharmonie…

Oiseaux de feu – en ce 17 mars, on ne saurait que remercier Marianne Rivière pour son heureuse idée qui a donné naissance à ce très beau programme musical, réunissant l’orchestre Pasdeloup sous la baguette de la talentueuse Elena Schwarz (photo ci contre / © P Ketterer), et le pianiste David Bismuth, avec la participation de Fernand Deroussen (sons) et de Guilhem Lesaffre (textes lus). Sur fond de chants d’oiseaux enregistrés, lumière de printemps offerte en refuge ce jour de froidure, la musique émerge, paisible, avec un premier extrait: l’Envol de l’Alouette (The Lark Ascending) du compositeur britannique Ralph Vaughan Williams. Cette pièce bucolique interprétée avec grande finesse sous une direction précise et sensible, met en valeur le jeu souple et aérien du violoniste Arnaud Nuvolone, violon solo de l’orchestre. La Grive des bois succède au petit passereau, cette fois au son de la flûte et du cor: court extrait des Canyons aux Étoiles d’Olivier Messiaen (1971-74), magnifique fresque orchestrale dont l’intégralité des douze mouvements furent donnés la veille par l’Ensemble Intercontemporain et l’Ensemble of the Lucerne Festival Alumni, sous la direction de Matthias Pintscher. Ce vrai bijou de timbres, ciselé à merveille, ouvre son bouquet de couleurs sur l’espace d’une autre grande fresque, celle de la troisième symphonie de Brahms, opus 90, composée un siècle plus tôt. On entend son troisième mouvement « poco allegretto », à la douce mélancolie, joué ample, dans la respiration large et pleine du pupitre des violoncelles. Et comme un Brahms n’en cache pas un autre, David Bismuth s’empare du piano et rejoint l’orchestre dans le finale de son deuxième concerto opus 83, lumineux, éclairé de bonne humeur et de légèreté, avec la complicité d’ Elena Schwarz. Un régal! On n’aurait pu imaginer pareil programme ornithologique sans Rautavaara et son fameux Cantus Arcticus (1972), « concerto pour oiseaux et orchestre ». L’alouette revient, mais celle des étendues polaires, avec Melankolia. Ici la bande magnétique mêle les véritables chants d’oiseaux aux cordes, qui parviennent à dessiner les lignes d’une immensité en une fraction de minutes, dans la plus pure poésie. Quittant le Grand Nord, nous suivons le rossignol dans sa migration jusqu’aux Pins de Rome, de Respighi (1923). Son ambiance nocturne prélude à l’œuvre de Stravinski couronnant le concert, l’Oiseau de Feu. Elena Schwarz dirige avec précision et éclat la seconde suite tirée de la musique du ballet. Le bonheur se lit sur tous les visages, du public et des musiciens, qui ont fait le printemps par ce jour bien gris, tandis que dehors la neige recouvre les pavés.

Le lendemain (18 mars), la thématique trouvait une autre suite, l’après-midi, avec un concert d’hommage à Olivier Messiaen. De caractère plus austère, il réunissait deux œuvres monumentales du compositeur: en première partie son Livre d’orgue (créé en 1952), intégralement donné sur l’orgue Rieger de la Philharmonie, par l’organiste Vincent Warnier, titulaire de la tribune de Saint-Étienne-du-Mont à Paris, puis après l’entracte, le Quatuor pour la fin du Temps, interprété par quatre musiciens d’exception: Henri Demarquette au violoncelle, Eric Le Sage au piano, Paul Meyer à la clarinette, et Daishin Kashimoto au violon. La console munie de ses claviers et de son pédalier donne au début un peu de fil à retordre à notre organiste, produisant à sa mise en route, inopinément une note continue. Un cornement, lié à un problème électronique, nous explique Vincent Warnier, sans perdre son sang froid. La solution est rapidement trouvée qui rend l’instrument plus docile, et apte à obéir au jeu du musicien. Bien qu’il fasse référence à la musique liturgique d’autrefois, le Livre d’orgue de Messiaen n’est pas destiné à l’office. Formé de sept pièces, il est avant tout un « lieu » de recherche d’un langage musical poussée à l’extrême, utilisant l’atonalité, et explorant une liberté rythmique au-delà de la métrique classique. Vincent Warnier en exprime toute sa force, tant dans les pièces les plus arides et les plus abstraites (Reprise par interversion, par exemple), que dans celles empreintes du mystère divin (Pièce en trio) ou faisant référence aux oiseaux (Chants d’oiseaux). Il se joue de toutes les difficultés de ses pièces, et Dieu sait ce qu’elles requièrent de maîtrise technique tout autant que de concentration, notamment la dernière, véritable explosion rythmique, si difficile à appréhender par l’oreille. Enfin ce n’est pas un « petit » bis qu’il offre, avec Dieu parmi nous, extrait de la Nativité du Seigneur. Chapeau bas à ce musicien qui nous aura tant impressionné!

Ecrit en captivité en 1940, le Quatuor pour la fin du Temps, est une œuvre inclassable en huit mouvements, inspirée de l’Apocalypse de Saint-Jean. On est là aussi impressionné par le niveau de l’interprétation et l’excellence de ces musiciens hors pair, exigée par la partition qui met à nu chaque instrument. On pense notamment au solo de la clarinette dans l’Abîme aux oiseaux, virtuose et poétique, aux inflexions inspirées et à la mystique profondeur du violoncelle, aux accords immatériels du piano.

Ce concert ne laissa pas indemne. Il rendit bien difficile le retour à la vie ordinaire, au pavé parisien, mais avec le cœur et l’esprit baignés de couleurs intemporelles.

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COMPTE-RENDU, concert. PARIS, Philharmonie, les 17 et 18 mars 2018. WE « Les Oiseaux », orchestre Pasdeloup, E. Schwarz, direction, D. Bismuth, V.Warnier, H. Demarquette…