CD coffret événement, critique, annonce. ALICIA DE LARROCHA, complete Decca Recordings (41 cd Decca, sept 2018). Décédée dans sa ville natale, au cœur de la Catalogne ibérique, Alicia de Larrocha est morte à Barcelone, le 25 septembre 2009…à 86 ans. A la vue de ses petits doigts, et de ses mains fragiles, on douterait qu’elle fut l’une des plus grandes pianistes du XXè, enregistrant pour Decca près de 30 années durant, dont témoigne ce fabuleux coffret de 41 cd. ALICIA DE LARROCHA (1923-2009) demeure l’interprète, funambule, sincère, simple c’est à dire bouleversante des espagnols romantiques, soit Granados et Albéniz. Elle enregistre pour la première fois les Goyescas dès 1963 à l’âge de 40 ans. Servante de leur hispanisme authentique, Alicia la grande, fut capable de les extirper du maniérisme folklorique et de pacotille auquel tous les pianistes jusque là les associaient. Telle la sibylle imprévue incarnant la dignité et la poésie à la fois tragique et nostalgique de Goya et de Velasquez, Alicia de Larrocha dévoile chez l’un comme chez l’autre, un nouvelle intensité méconnue, un feu fantastique et onirique d’une irrépressible séduction. Ses lectures scintillantes et sobres révèlent chez Granados entre autres, son activité lyrique schumanienne, quand il s’agissait simplement de comprendre chez Albéniz le moderne, l’incroyable vitalité suggestive d’un vrai grand maître du XXè, l’égal ibérique d’un Ravel.
Rien de moins.
A Barcelone, où elle était reconnue dès ses 8 ans telle une enfant prodige, elle suivait les leçons de Frank Marshall, un disciple de Granados. D’où une maîtrise à servir le Schumann ibérique avec cette évidence depuis demeurée légendaire. Alicia d’une loyauté artistique inébranlable dirigera ensuite l’école fondée par son maître.
Albeniz, Granados : les deux compositeurs sont au cœur de son répertoire et continuent de marquer son approche esthétique. Ainsi dans le présent coffret DECCA, c’est Granados, son compositeur emblématique qui suscite le plus d’enregistrements : Goyescas, cd 19 / Tonadillas & canciones cd 20 / Danzas españolas cd 25 / Allegro de concierto, Escenas romanticas, cd 33 /…

FALLA (cd 15), MOMPOU et les autres… Mais la Barcelonaise, admiratrice de Rubinstein qu’elle pu approcher en de nombreuses occasions, a aussi déclaré sa flamme si particulière à Falla (Nuits dans les jardins d’Espagne : cd 3 et 34), à Mompou (cd 32). L’orfèvre des phrasés et du son a suscité l’admiration en retour de Nelson Freire, autre pianiste au tempérament aussi latin qu’intérieur, qui disait de son clavier qu’il était aérien et qu’il parlait comme elle, « sans fard », avec simplicité et humanité. Le pianiste brésilien fut aussi désigné par l’Espagnole comme son seul égal digne de jouer comme elle, Iberia et Goyescas. Une reconnaissance et une filiation qui valent adoubement affectueux. Dans l’économie de sa gestuelle, la précision et le sens de la couleur intérieure, Freire est bien de la même veine que son ainée, Alicia de Larrocha.

Ses Beethoven (Concerto L’Empereur, Mehta, cd 23 / intégrale des Concertos avec Chailly : cd 29 à 31) sont d’une simplicité jamais appuyée : à l’inverse de la tendance après elle. Alicia sut toujours cultiver une conception intimiste des œuvres dont l’intonation a toujours préféré la confidence, jamais la démonstration autobiographique… même ses Schumann suivent telle ciselure intérieure (cd 5, 6 et 7). Même atténuation poétique dans ses Schubert à redécouvrir absolument (cd 28 : Sonates D 664 et D 960).

Ses Mozart qui accompagnent ses débuts et concluent sa carrière (dont pour une bonne part au USA dès le milieu des années 1960), chantent (Concertos n°19, 22, cd 27 ; n°24 à 27, Solti, cd 21, 22 / Sonates et fantaisies cd 12 – 14)…

La modeste interprète à l’allure fébrile (du haut de son mètre 50), savait aussi oser et surprendre, relevant le défi des grandes oeuvres du répertoire, tels la Sonate en si de Liszt (cd8) ; le Concerto pour la main gauche, de Ravel (cd9), les Variations Symphoniques de Franck (F de Burgos, cd 8), les Concertos n°2 et 3 de Rachmaninov (Dutoit, cd17), ou encore le Concerto de Khachaturian (cd 8), le Concertos n°2 de Chopin(cd3), sans omettre ceux de JS Bach (Zinman, cd 24).
Eclectique, sensible, aux éclairs intérieurs irrésistibles, Alicia de Larrocha avant les Argerich ou Grimaud d’aujourd’hui, a su jalonner la scène pianistique de sublimes réalisations. Coffret événement. CLIC de CLASSIQUENEWS de septembre 2018.

——————————————————————————————————————————————————

CD coffret événement, critique, annonce. ALICIA DE LARROCHA, complete Decca Recordings (41 cd Decca, sept 2018)

CD événement, critique. VINCI / HANDEL : DIDONE ABBANDONATA (1737) — 2 cd DHM (nov 2016). Jeu de styles, apport du « Pasticcio », admiration haendélienne … admirateur de son prédécesseur à Naples, Leonardo Vinci (comme le peintre de la Renaissance mais sans la particule), Haendel reprend et adapte à Londres, l’opéra primitif de Vinci, sa Didone Abbandonata / Didon abandonnée, tragédie sentimentale dont il fait une synthèse de l’amour tragique en 1737 (pour l’audience londonienne de Covent Garden). La production ici enregistrée à Berlin en nov 2016, a été présentée dans le cadre de « l’Hiver Baroque de Schwetzingen » (dont le chef fondateur de Lautten Compagney, Wolfgang Katschner fut le directeur de 2012 à 2016). Son ensemble berlinois Lautten Compagney dont le sens de la brillance et de la fluidité dramatique fait merveille, confirme une évidente affinité avec l’opéra baroque napolitain et haendélien.

On connaissait la Didone de Jommelli (compositeur napolitain du plein XVIIIè, qui admiré de Balzac, allait reprendre le même livret de Metastase) ; voici celle antérieure de Vinci (Rome, 1726), d’une subtilité inouïe, servie par une sensualité et un sens des affects dont on comprend qu’ils aient tant plu à Haendel lui-même. C’est une relecture, et une réappropriation dramatique très intelligemment pilotée par Haendel à Londres en 1737, alors que Paris assiste à la révolution lyrique menée par Rameau (création scandaleuse d’Hippolyte et Aricie en 1733) : à l’image de la couverture, quand Handel redécouvre Vinci, William Turner au XIXè revisite les paysages marins du classique français, Claude Lorrain, ce qui lui inspire une sublime recréation originale sur le thème de la Didon bâtisseuse, fondatrice de Carthage (voir la couverture du présent coffret). Voici donc ce style déjà « galant », et préclassique, qui allait définitivement étouffé l’opéra vénitien expirant (avec Vivaldi, impuissant bien que très actif), soit le standard napolitain destiné à régner sur l’Europe pendant tout le XVIIIè. Haendel allait imposer sa « marque » comme impresario et grand connaisseur du seria italien, avec ce pasticcio (dans lequel il place des airs de Hasse, Vivaldi… aux côtés de ses arrangements persos et des airs écrits par Vinci) ; pour triompher, – goût de l’époque oblige, Haendel invite à Londres, deux chanteurs vedettes dans les deux rôles principaux : Didon et Enée, soit la soprano fétiche Anna Maria Strada del Po (Vinci avait confié le rôle au castrat Giacinto Fontana dit il Farfallino), et le castrat alto Gioachino Conti (venu de Dresde). Haendel n’en est pas à son premier “Vinci” : il s’est très largement inspiré de la Partenope du Napolitain pour composer la sienne (1730). De fait, il y a bien chez Vinci, – maître de Pergolèse, un sens inné de la vibration émotionnelle, une franchise de ton qui n’appartient qu’à lui et qui a probablement marqué et inspiré continûment Haendel tout au long de son travail ; en particulier dans les années 1730, où le Saxon tente d’établir un festival permanent d’opéra seria italien à Londres…

Somptueuse résurrection

Révélée par Haendel, la Didone de Vinci
rayonne, servie par l’ensemble LAUTTEN COMPAGNEY

Comme connaisseur et collectionneur avisé et génial de sentiments humains, le quinqua Haendel, spécialiste de l’opéra italien, coupe et va à l’essentiel, réalisant de l’opus de Vinci, créé originellement à Rome en 1726, soit 10 années avant l’opération du Saxon, un drame prenant, percutant, où file la course impuissante et sublime qui mène la Reine de Carthage, Didon, d’un amour embrasé pour Enée (le Troyen en exil, destiné à fondé Rome) vers un suicide enténébré. Illustrations : à gauche, HAENDEL / à droite : Leo VINC). En cet hiver berlinois de 2016, la réalisation musicale et stylistique menée par Wolfgang Katschner est en tout point admirable : elle témoigne de l’engouement de Haendel en terre italienne ; son affection pour l’expressivité opératique de l’Italie contemporaine (ou quasi), son adhésion à l’esthétique napolitaine qui privilégie l’exaltation des passions et des affects, – exacerbés par le culte de la vocalise acrobatique, cependant « adoucie » par un raffinement nouveau dans l’essor mélodique et l’écriture pour l’orchestre. En génie comptable du drame, Haendel raccourcit les récitatifs originaux ; il s’intéresse principalement au réalisme de chaque situation psychologique ; il en ressort une galerie de portraits particulièrement caractérisés où perce la dignité tragique et très humaine de Didon (Robin Johannsen, au timbre flûté, plutôt étroit comme un castrat masculin, mais percutant, référence évidente à la figure du castrat très applaudi à la création romaine, Giacinto Fontana), le profil inflexible et héroïquement intouchable de l’Enée travesti de la mezzo Olivia Vermeulen ; Vinci et son librettiste ont ajouté un couple supplémentaire qui vient « parasiter » et aussi exacerber celui principal (Didon / Enée), soit Iarba et Selene (chacun amoureux respectivement des deux premiers) : Antonio Giovannini, haute contre énergique et précis au très bel abattage ; Julia Böhme, timbre ample et velouté, affirmant l’intensité du désir… servis par des chanteurs d’un haut niveau (précision, intelligibilité, articulation, intonation…), le drame psychologique gagne une acuité frappante qui renouvelle la perception du drame antique.
Seul ombre au tableau, car en dessous de ses partenaires sur le plan vocal, le ténor japonais Namwon Huh (Araspe), certes doté d’un beau timbre, mais au style réduit et répétitif, au maniérisme hors sujet, et à l’articulation de l’italien bien peu orthodoxe (avec des fins de phrases d’une flottante imprécision, et des aigus trop tendus) ; de toute évidence, voilà un jeune chanteur trop tôt poussé sur les planches et qui devrait revoir sa technique. De fait, son niveau rend instable une distribution qui était en tous points très cohérente.

La tenue de l’ensemble sur instruments anciens Lautten Compagney / Compagnie du luth, nouveau collectif berlinois, sait tisser la plus belle étoffe pour ce Vinci révisé / énergisé par Haendel ; du tact, de la nervosité, de la finesse pour une partition exemplaire, devenue standard du bon goût, élu par le Saxon, meilleur connaisseur de l’opéra italien à son époque, et de l’opéra tout court. De sorte que Vinci ne pouvait trouver meilleur adoubement et reconnaissance dans une version et lecture à laquelle le chef Wolfgang Katschner, serviteur zélé et inspiré de Porpora ou de Traetta – autres figures napolitaines-, apporte toute l’intelligence instrumentale et la sensibilité expressive nécessaire.

DHM Deutsche Harmonia Mundi a bien raison d’éditer cet enregistrement qui montre à Berlin, un regain d’activité sur la scène baroque. Le label nous offre de suivre aussi les réalisations d’un autre ensemble d’outre-Rhin, né en 2004, L’Arte del Mondo (Leverkussen) dirigé par le chef colonais Werner Ehrhardt (Lire notre compte rendu critique complet de l’opéra oublié, mais perle comique : La Scuola de’Gelosi de Salieri, 1783 – pendant du Cosi fan tutte mozartien
http://www.classiquenews.com/cd-compte-rendu-critique-salieri-la-scuola-degelosi-werner-ehrahardt-3-cd-dhm-2015/
Il reste essentiel grâce au disque de découvrir ce que les meilleurs interprètes « osent » ressusciter et défendre hors de l’Hexagone. Un vent rafraîchissant où en France où tend à répéter toujours les mêmes oeuvres défendues par les mêmes interprètes… Ce Vinci version Haëndel est une excellente surprise, le cd événement de l’été 2018, dans nos rayonnages baroques.

 
En savoir plus sur l’ensemble LAUTTEN COMPAGNEY
http://www.lauttencompagney.de/index.php?m=77&f=05_personendetail&ID_Person=7

CD, critique. RACHMANINOV : Symphonies, Danses Symphoniques… (3 cd, 1 blu ray LSO LIVE – Valery Gergiev). A l’écoute, la première Symphonie du jeune chef-compositeur de 24 ans, frais moulu du Conservatoire de Moscou (où il fut élève de Arensky et Taneiev) sonne certes parfois épaisse, grave, lugubre, mais rien ne peut justifier l’échec à sa création en 1897, jetant Rachma au fond d’un gouffre dépressif dont il ne se remettra qu’en 1901, soit après 3 années de retraite et d’interrogation totalement stérile. A la tête du prodigieux LSO, Valery Gergiev varie le caractère des séquences, prenant un tempo volontiers mesuré voire ralenti parfois, comme pour mieux creuser le souffle languissant fantastique, surtout dans l’Allegro animato (II) où passe le motif du Dies Irae médiéval (que l’on retrouvera encore dans la 3è symphonie), mêlé au motif tzigane du violon solo. Même le Larghetto est sombre (malgré l’ivresse presque insouciante de la mélodie réservée à la clarinette). Dans le dernier mouvement Allegro con fuoco, Gergiev souligne la vitalité tendue, âpre de la chevauchée parfois massive par ses traits cuivrés; marqué par la fatalité, l’impuissance d’un magma bouillonnant, la 1ère Symphonie affirme une belle puissance de feu qui démontre la connaissance du dernier Tchaikovski, le plus désespéré comme le plus lucide.

Dans la seconde en mi mineur opus 27, également propre à la période russe de Sergueï, l’auteur affirme une toute autre plénitude, en liaison avec son Concerto pour piano n°3, majestueux, lyrique, généreux. Rachmaninov l’écrit à Dresde en 1907 et la dirige lui-même à St-Petersbourg en janvier 1908. La diversité des thèmes réunis en grandes phrases lyriques s’apparente parfois à Sibelius ; plus dense, plus resserrée, la 2è semble mieux canaliser les tensions et les conflits qui s’exposent avec fureur et confrontations impétueuses dans l’esprit du compositeur. Plus mûr, Rachmaninov élabore surtout un Adagio (III) d’une profondeur pudique irrésistible avec sa cantilène, emblématique de toute l’écriture d’un postromantique. Gergiev parvient à insuffler une énergie souterraine qui porte tout l’édifice en particulier dans le dernier mouvement (Allegro vivace) dans lequel il sait attiser la brillance finale d’un espoir lumineux.
Enfin la 3è symphonie est la pénultième oeuvre du compositeur et s’inscrit dans son exil américain de Philadelphie où elle est créée le 6 nov 1936 sous la baguette de Leopold Stokowski. L’instrumentarium très divers (célesta, deux harpes, xylophone, percussion augmentée…) affirme la volonté de couleurs et de texture de timbres, moins d’architecture et d’effet de masse : ce que comprend très bien Gergiev qui avance, détaille aussi le formidable miroitement instrumental qui est constant d’un mouvement à l’autre. Proche des avancées et de l’esprit de synthèse d’un chercheur contemporain, de l’autre côté de l’Atlantique, Sibelius en Finlande, Rachmaninov opte aussi pour un canevas épuré, un développement réduit à l’essentiel… Gergiev y expose et travaille la matière des seulement trois mouvements (autour de 40 mn en générale) avec une acuité du trait plus dense encore, répondant à cette économie de l’énergie du dernier Rachma. La versatilité de l’orchestre redouble de vivacité, entre références aux motifs du terroir russe, et tendresse lumineuse. L’Adagio est le plus « américain », au sentimentalisme éperdu, sincère et direct, dont la langueur contraste avec le scherzo haché à la Prokofiev. Puis Gergiev éclaire dans le dernier épisode (Allegro) tout ce que Rachma doit à Borodine, son allant, sa transe populaire et noble, son nerf chorégraphique. surgit le Dies Irae médiéval puis l’écriture se fait plus légère, dynamique, brillante dans laquelle le chef sait faire scintiller l’orchestration particulièrement fertile.

Les Danses Symphoniques de 1940, ultime ouvrage orchestral, comporte le testament musical, esthétique et spirituel de l’auteur. Gergiev a bien raison de les inscrire dans ce cycle orchestral des plus complets : ne manquerait en définitif que L’île des morts opus 29 de 1909, et le tour aurait été exhaustif s’agissant du Rachmaninov purement orchestral. Comme la 3è Symphonie, le dernier volet symphonique est créé à Philadelphie (en janvier 1941), au cœur de la tourmente européenne : le plan initial comportait un autre titre, plus révélateur de l’inspiration poétique de l’auteur, dans l’esprit d’une synthèse de la vie terrestre : « danses fantastiques », conçues comme miroir de la destinée humaine, à la fois espérance et tragédie : « « jour, crépuscule, minuit ». Rachmaninov recycle en réalité la matière de son ballet antérieur Les Scythes de 1915. Ce qui touche ici c’est la fusion modernité / romantisme, sublimé par un esprit synthétique qui resserre le développement formel selon l’intention du souffle poétique. L’architecture y est des mieux équilibrées et conçues de toute la littérature russe du XXè : le premier « non allegro » cultive l’ambivalence du caractère, à la fois jaillissant et de plus en plus cynique / mordant. Gergiev en exprime le galop infernal quand surgit au saxo solo, une cantilène amoureuse et nostalgique (jaillissement de l’âme russe). Le 2è mouvement noté Andante con moto, tempo di valse, souligne un départ de valse mais décalé, comme retardé (faux départ), finalement démantelé scrupuleusement par un orchestre indomptable, destructeur, animé par cette flamme du chaos (dyonisaque) que Gergiev saisit et sait sculpter avec beaucoup de finesse nerveuse. D’autant que le geste détaille aussi les nombreuses références aux plasticiens français de l’orchestre, Debussy et surtout Ravel. C’est le mouvement le plus convaincant du triptyque. Puis dans l’ultime séquence, « lento assai – allegro vivace », Gergiev prépare l’exposition du Dies Irae, moto du destin, présent dans toute la musique symphonique de l’auteur : il en sculpte là encore la vive opposition avec le 2è thème liturgique (air orthodoxe : « Bénis-sois-tu Seigneur ») dernière supplique et prière où s’entrechoque avec fureur et impétuosité, la furià imaginative d’un Rachmaninov (percussions éruptives et finement dessinées) qui n’a jamais perdu sa fertile narrativité de la jeunesse, celle des ses opéras à redécouvrir de toute urgence. Ici Gergiev nous montre clairement que Rachmaninov n’est pas lyrique, mais percutant, incisif, parfois amer mais âpre et révolté ; il est foncièrement fantastique : la présence des ténèbres est exaltée par l’ivresse et le vertige des rayonnements célestes. Très bonne intégrale symphonique Rachmaninov. Les compléments : signés Balakirev, le fondateur du Groupe des 5, militant pour une école nationale russe, montre le chemin parcouru entre le fondateur jusqu’à Rachma, vrai dernier romantique russe au XXè, à l’époque de Prokofiev. Tamara, sommet de 1883, d’après Lermontov, inscrit la sensualité terrifiante de l’héroïne dans l’imaginaire des compositeurs après lui : le venin de la malédiction, l’amour et la mort, le destin, fatum irréductible, indomptable sont nés chez Balakirev, cultivés, prospères chez Rachma. Belle filiation que met en avant Gergiev et qui souligne aussi dans la comparaison, le tempérament puissant et original de Rachmaninov.

————————————————————————————————————————

CD,critique, coffret événement. RACHMANINOV : Intégrale des Symphonies, Danses Symphoniques. Mily Balakirev : Tamara. LSO. Valery Gergiev (3 cd, 1 bluray LSO live 2008 – 2015)

CD, critique. RAMEAU : NAÏS (1749). György Vashegyi / Orfeo orchestra. Dollié, Martin… 2 cd Glossa, MUPA, Budapest, mars 2017). Dans ce nouvel album de musique baroque française plein XVIIIè, – Naïs appartient à la colonie d’oeuvres raméliennes propres aux années 1740 (1749 précisément s’agissant de la partition créée à Paris), où le Dijonais au sommet de ses possibilités et de son imagination, favorisé par la Cour de Louis XV dont il est compositeur officiel, sait renouveler un genre naturellement enclin à s’asphyxier, l’opéra de cour, versaillais. Dans le geste majestueux, souple, dramatique de Gyögy Vashegy, se dévoile le pur tempérament atmosphérique, spatial d’un Rameau tout à fait inclassable à son époque : il porte le genre lyrique à son meilleur, égalant ce que fit Lully au siècle précédent pour Louis XIV. Outre nos réserves concernant les chanteurs (les deux protagonistes de cette fable amoureuse : Naïs et Neptune, lire ci après), il s’agit d’une réussite totale pour le chef hongrois, à classer dans la suite de son précédent cd dédié aux Grands Motets.

D’emblée, ce qui frappe c’est le sens des couleurs et des respirations, une capacité à rétablir ce Rameau architecte et peintre, d’une modernité inouïe : grand faiseur de magie sonore, passionné par le Baroque Français XVIIIè, le chef György Vashegy se montre digne d’un Gardiner dont il fut l’assistant, apprenant cette langue précise, somptueusement majestueuse et pourtant expressive et humaine, comme ce goût des timbres. La cohérence et l’assise de sa direction affirment une indiscutable maîtrise.

Naïs par le hongrois György Vashegyi
Direction magistrale, élégante, musclée, intense et dramatique

Comme c’est le cas de nombreuses productions récentes, c’est la direction artistique imposant des choix de chanteurs pas toujours pertinents qui malheureusement atténue la remarquable acuité de l’orchestre Orfeo et du choeur d’une impeccable force de précision. Ainsi Flore (Danielle Skorka) déçoit : pas très juste, elle rate ce fabuleux contraste où nous fait passer Rameau : après la déflagration des éléments primordiaux (Prélude : l’accord des Dieux) – terre, onde, ciel : soit Pluton, Neptune (ténor), Jupiter, se précise ensuite et se révèle dans une candeur retrouvée, ce paradisiaque élégiaque, dont le chef rétablit avec une élégance galbée, le raffinement de l’écriture. L’âpreté aigre du timbre de la soprano manque de corps dans son articulation. Dommage car l’évocation du printemps souverain y éblouit par ses couleurs : plus que jamais ici, Rameau semble connecté avec la magie sonore des sphères, la puissante ivresse des saisons, le mystère flottant des délices naturels (belle jubilation pastorale de la gavotte, plage 18) qui du reste dévoile la vivacité du trait défendu par l’excellent Orfeo Orchestra. Vashegy y ajoute une acuité mordante et un parfum de fébrilité martiale (non encore totalement assagi par la présence de Flore) ; une vision, un geste qui convainquent totalement. Mieux que Rousset souvent raide et méticuleux, mieux que Niquet démonstratif et empoulé, le Hongrois serait-il le ramélien actuel le plus convaincant ?
Ce nouvel accomplissement le laisse penser… On s’étonne qu’en France, aucun directeur de salle n’ait encore inviter chef, orchestre et choeur pour faire découvrir cette sonorité et cette pulsion exceptionnellement abouties.
Quel manque de curiosité. Et une absence navrante pour le public français privé d’une belle opportunité pour apprendre à aimer et redécouvrir les joyeux de son patrimoine baroque.

En bâtisseur des mieux inspirés, György Vashegyi sait articuler, varier, contraster et caractériser chaque épisode et ses enjeux émotionnels, d’autant que pour sait le diriger, Rameau éblouit par sa volubilité. La direction sait construire sans atténuer ni la continuité ni la singularité de chaque épisode. Avec aussi une belle ondulation, à la fois hédoniste et toujours d’un dramatisme clair (somptueuse chaconne pour les lutteurs qui suit articulant le dramatisme du I, plage 38, par exemple où règnent le fabuleux galbe des bassons et des hautbois : plus de 6mn de liberté et d’imagination, orchestralement fabuleuses). Le Rameau poète, ciselant la soierie de son orchestre, se dévoile totalement ici. Il n’y a guère avant lui que Bruggen dans une suite magistrale, à posséder le nerf et l’ondulation, la fragmentation et la cohésion de Rameau.

Comme dans ses précédents cd baroques – Motets du Dijonais, Isbé de Mondonville (lire notre critique de la création au MUPA de Badupest / mars 2016, puis du cd qui a été édité dans le prolongement de cette fabuleuse recréation), le maestro établi à Budapest maîtrise les étagements et la structure, c’est à dire le sens architectural et spatial de la musique ramélienne, tout en accordant un relief d’une précision souvent royale à la caractérisation instrumentale de chaque situation. Voilà pour la maestrià du chef.

Tristes chanteurs

Dans une parure instrumentale aussi raffinée et aboutie, certains solistes ternissent le tableau : en une langueur à peine appuyée au début de l’acte I, le ténor Reinoud von Mechelen, malgré la beauté du timbre, la séduction de son émission, nous afflige d’une élégance un peu creuse qui pourtant doit exprimer le mystère de l’amour : de volage, il est en esclavage, totalement saisi. Quoi de plus fascinant qu’une déité éprouvée, bouleversée par le sentiment pur d’un amour mortel ? Alors surgit Naïs comme une flèche enivrée, babillant, nymphe comète (son apparition est une création très réussie dans le théâtre de Rameau) à laquelle le soprano minaudant et inarticulée de Chantal Santon n’apporte qu’une pâle et inaboutie incarnation. Comme pour Flore, là encore quel dommage. Voilà deux chanteuses mal choisies.
Elle aussi, dans son air isolé (« Tendres oiseaux »…), en dialogue avec les flûtes ornementées, suaves, piquantes, exprime ce même alanguissement à la fois impuissant et démuni face à un amour qui la désarçonne (il ne prodigue que des peines et des plaisirs absents). Difficile de croire à ce qu’en fait la chanteuse qui expédie toutes les nuances.
Plus convaincants car d’une sobriété qui les honore : les deux chanteurs graves : Thomas Dolié (Télénus, Pluton dans le Prologue), d’une noirceur qui souffre : simple, articulé, proche du texte (son Adamas, dans Isbé dirigé / révélé par le même chef avait marqué la production de mars 2016). Même appréciation pour le Palémon, froid, distant, et lui aussi très articulé, parfaitement linguistique, de l’excellent Philippe-Nicolas Martin dont nous suivons pas à pas les prises de rôles. Il fut un héraut bien chantant, dans Lohengrin de Wagner donné à Nantes, d’une même précision juste et sans artifice (septembre 2016).

La scène 8 permet à Rameau d’atteindre une profondeur tragique, un chambrisme théâtral proche de Lully que beaucoup de commentateurs refusent de reconnaître chez le Dijonais : c’est un huit clos entre les deux âmes amoureuses languissantes, envoûtées l’une par l’autre Naïs et Neptune (ici le ténor s’améliore dans le sens d’une intention plus sobre et moins maniérée : il gagne en profondeur et en sincérité / air « Au dieu des mers, voulez vous plaire ? »).

En d’autres termes, le plateau vocal réunit reste bancal : les personnages clés de l’intrigue sentimentale, d’abord tragique puis heureuse et libre (scène 5 de l’acte III quand Neptune et Naïs se révèlent l’un à l’autre) sont trop lisses, polis, « jolis », affichant clairement un Rameau incapable de nuances et de profondeur psychologique (quel contresens) : les deux solistes sont trop maniérés. Leur style contredit et la musique de Rameau, et l’excellente vision du chef, carrée, raffinée, nerveuse.

De fait, l’opéra catégorisé « Pastorale héroïque », saisit par la force tellurique de l’orchestre qui convoque les dieux majeurs de l’Olympe, Neptune, Pluton, Jupiter. L’intelligence de György Vashegyi redouble de séduction dans ce drame à la fois spectaculaire et intimiste dont Rameau a le secret et le génie.
Dommage que la direction artistique quand au choix des deux chanteurs (sans omettre Flore inaboutie) atténue notre enthousiasme (un vrai coaching vocal, spécialisé dans l’articulation du français baroque s’impose). Après tant de générations d’interprètes, après la Révolution baroqueuse, défendre encore ce style vocal dans le répertoire baroque où tout doit être intelligible, où la virtuosité vocale ne doit pas sacrifier la vraisemblance ni la justesse expressive, est un contresens malheureux. Mais sur le sujet de la déclamation française propre à Rameau, il est vrai que le défi est de taille. Et peu de chanteurs sont capables de le maîtriser. Heureusement deux chanteurs sauvent la mise ici : Thomas Dollié, – désormais aguerri à la caractérisation la plus nuancée, et son confrère, Philippe-Nicolas Martin.

Pour les amateurs, ciselant la partition de Naïs, un même engagement orchestral aussi saisissant, a été atteint / enregistré par McGegan (édité chez ERATO, en 1980, à connaître absolument). Avec György Vashegyi, nous tenons là les versions les plus convaincantes d’un ouvrage inclassable, irrésistible, où derrière la trame sentimentale et « pastorale », c’est la voix de l’orchestre que privilégie surtout le poète et le peintre, Rameau. D’abord les instruments, rien que les instruments. L’acuité picturale et le dramatisme fluide que sait instiller et cultiver le chef suscite notre intérêt et justifie malgré nos réserves sur le plan vocal, le CLIC de CLASSIQUENEWS.

—————————

CD, critique. RAMEAU : NAÏS (1749). György Vashegy / Orfeo orchestra. Dollié, Martin… 2 cd Glossa, MUPA, Budapest, mars 2017).

CD, réédition événement. WAGNER : le PARSIFAL sublime et ciselé de Solti (DECCA, 1972). 46 ans après son enregistrement, voici un Parsifal à la fois subtile et profond, dont le chant articulé et jamais appuyé des chanteurs, la couleur transparente, parfois suspendue de l’orchestre (somptueuse philharmonie de Berlin), la lecture affûtée défendue par le geste du maestro (alors à son meilleur car il ne sacrifie jamais l’éloquence sur l’autel de la pure démonstration)… réalisent en définitive une version de référence, légendaire même, avec celle de Karajan. Evidemment le choix des tempéraments lyriques, retenus par le chef hongrois marque profondément la vérité et la sincérité du message musical : brillent par leur humanité d’acteurs nés, au chant ciselé : le Titurel de Hans Hotter (diseur absolu), le Gurnemanz de Gottlob Frick, le Parsifal de René Kollo (dont le timbre a alors cette douceur adolescente très juste) ; l’incroyable Kundry de Christa Ludwig : sirène monstrueuse puis bête perdue, pêcheresse en quête du pardon… L’équilibre expressif, une retenue magicienne dans la direction font surgir ce miracle (cd3 / Acte III) inespéré d’un monde enfin sauvé par le pur et le chaste, celui qui sait compatir et souffrir avec chaque âme en souffrance; par son humanisme sincère.

Au moment où l’Opéra Bastille annonce une nouvelle production de Parsifal à Paris, dans une mise en scène qui ne promet pas d’être un événement (signée Richard Jones, à voir : Paris, Opéra Bastille, du 27 avril au 23 mai 2018), voici DECCA qui nous régale en rééditant en version remastérisée, la lecture du grand magicien du son spatialisé, de l’acuité des timbres, de la séduction « hongroise » en un geste d’une précision toujours très musicale : Georg Solti. A Vienne en mars 1972, dans la Sofiensaal, le maestro complète ainsi son cycle wagnérien au disque, initié de 1958 à 1964 (RING), avec le Philharmonique de Vienne déjà, dans un Ring demeuré historique et visionnaire car ce fut la première intégrale enregistrée en stéréo (faisant alors les délices des mélomanes et le succès de la firme). Chez Solti, la somptuosité sonore est toujours au service de l’intention des situations et du sens profond des scènes. Souple et intérieur, le geste sait dévoiler sans l’épuiser l’activité souterraine (psyché) qui pilote chaque être (ample monologue sur la désolation du monde et de la société des chevaliers, par Gurnemanz au début du III).

Prenons l’exemple du CD3 : D’une grâce absolue et parfois portée par un abandon languissant (chant des filles fleurs prêtes à envoûter le jeune vierge Parsifal) : la seule voix si charnelle et comme blessée de Lucia Popp parmi les créatures de séduction colore toute la séquence d’un parfum d’une humanité inouïe, distillant un charme tenace ; on comprend que l’élu doive s’armer de résistance décuplée… avant sa confrontation avec la femme fatale, Kundry, dernière illusion ourdie par le mage Klingsor). Là encore le choix des voix s’avère profitable : l’acuité expressive de Solti ciselant un duo expressif d’une grande justesse : Christa Ludwig est au sommet de sa maturité vocale / voix mémorielle, voix faussement maternelle destinée à troubler le jeune homme, un temps perdu par cette confrontation imprévue.
Solti décuple un jeu lascif, faisant miroiter les timbres (bois et cordes) d’une subtile et pernicieuse volupté : René Kollo en son timbre d’une douceur angélique exprime alors l’innocence à l’épreuve du désir naissant : c’est pourtant à l’épreuve de ce feu mordant (le baiser de Kundry) que l’élu devient Parsifal, sa conscience aiguisée, sublimée par l’expérience de la compassion, puisqu’alors ayant résisté à l’assaut de la Femme sirène (Ewig ewig von mir ! / morte, morte pour moi), le garçon comprend le sens de la blessure d’Amfortas, le roi-prêtre qui a été faible (Kundry l’a séduit antérieurement)… Parsifal ressent la souffrance de celui dont la douleur le bouleverse.
Puis c’est Kundry la souveraine pêcheresse, créature manipulée de Klingsor qui se repent, succombe face au joyau moral qu’incarne l’élu Parsifal… Un très grand moment de ce Parsifal historique, auquel Solti apporte une cristallisation sonore et musicale dans un chatoiement de couleurs et d’accents permis aussi par les excellents instrumentistes viennois. L’orchestre wagnérien, organe psychologique et émotionnel peut désormais en vagues et vertiges assumés, incarner les tourments de la culpabilité, et aussi, grand thème wagnérien, l’espérance d’une humanité meilleure.
La scène raconte ce grand bouleversement des âmes affrontées, finalement apaisées. Ce cri de Kundry (Ludwig détruite, avant l’immense Waltraud Meieer, son héritière directe) incarne la métamorphose suprême qui est à l’oeuvre : la musique porte et permet un éveil de la conscience, éclaire l’écoute par son appel à la transcendance morale et spirituelle. Solti l’a bien compris qui nuance tout l’orchestre au diapason de cette conception humaniste de l’art musical. MUST ABSOLU et évidemment CLIC de CLASSIQUENEWS du printemps 2018. A réécouter d’urgence si vous comptez aller assister au spectacle / Festival sacré, affiché à Bastille en avril et mai 2018.

____________

CD, compte rendu critique. WAGNER : PARSIFAL. SOLTI, Vienne 1972, réédition version remastérisé 24-Bit 96 Khz. 4 cd + BlurayDisc 483 2510 DECCA. CLIC de classiquenews, printemps 2018

CD, coffret événement, annonce. CLAUDIO ARRAU: COMPLETE PHILIPS RECORDINGS (80 cd DECCA – 1928 – 1991). C’était le temps de Polygram et du label phare du piano, Philips (qiui comprenait alors Arrau, Brendel, Bolet… sans omettre la jeune Uchida). En mars 2018, Universal sort l’intégrale CLAUDIO ARRAU (1903-1991), totalisant depuis 1928, surtout le début des années 1950 jusqu’à sa mort, 4 décades de recherche musicale et pianistique de celui qui fut avec Abbado, le grand Claudio, immense interprète capable d’interroger la forme, le sens du son, questionner le texte musical comme s’il s’agissait d’un texte littéraire. Gageons qu’avec le temps ce sont surtout ses Chopin, Mozart, Liszt, Brahms et Schumann (moins Beethoven malgré ce que l’on peut lire ici et là) qui distinguent ici une conception souveraine, ne sacrifiant rien sur l’autel de la trop futile certes séduisante démonstration virtuose… Celui qui admirait surtout Kempff et le jeune Barenboim (artiste DG exclusif depuis ce même mois de mars 2018), a accompagné à mesure qu’il explorait le son romantique, les avancées et trouvailles de l’industrie discographique et du disc compact. Jusqu’à ses 88 ans, le pianiste chilien a su ciseler une expérience sonore et musicale, arstique et quasi spirituelle de la grâce pianistique avec un tact et une élégance, une probité entière, majeure, radicale qui le mène, conscient de chaque explorations, maître de tous ses effets, jusqu’au terme du voyage terrestre, enregistrant encore l’année de sa disparition en… 1991.

Aujourd’hui, Decca présente la somme de sa production pour Philips et American Decca en une édition limitée de 80 cd, comprenant également l’enregistrement live du 4e concerto pour piano de Beethoven avec Leonard Bernstein pour Deutsche Grammophon. La discographie d’Arrau est dominée par le répertoire classique et romantique : Mozart, Brahms, Schumann, Liszt, Chopin et surtout Beethoven, compositeur auquel le nom d’Arrau reste malgré notre appréciation (forcément subjective) étroitement associé. On y retrouve des collaborations avec Sir Collin Davis, Bernard Haitink, Leonard Bernstein, Henryk Szeryng, János Starker, Arthur Grumiaux.

CONTENU DU COFFRET. Les 80 cd sont classés par compositeurs. La rééédition présente deux interviews inédites avec Claudio Arrau, une introduction aux concertos de Beethoven réalisée à l’occasion de la première parution en 1964 avec l’orchestre du Concertgebouw et Bernard Haitink, et ses réflexions sur les sonates de Beethoven. Le livret trilingue (anglais, allemand, français) de 180 pages comprend un nouvel essai par le producteur Jeremy Hayes (clé pour comprendre l’univers expérimental et élégant du maître pianiste), de nombreuses photos rares des archives Philips et Decca et des reproductions des pochettes originales. Coffret événement : prochaine grande critique dans le mag cd dvd livres de CLASSIQUENEWS. CLIC de CLASSIQUENEWS du printemps 2018 – Sortie : 9 mars 2018

————————————-

En savoir / lire plus sur le site du CLUB DEUTSCHEGRAMMOPHON.COM

CD, coffret événement. CHRISTA LUDWIG : the complete recitals on Warner classics ( 11 cd). Elle aura connu le sommet de sa carrière lyrique dans le rôle de la Teinturière de La Femme sans ombre de R. Strauss (sous la direction de Karl Bohm, pour l’inauguration du Met en 1966), et certainement pas dans le rôle de Brangaine (Tristan) : ennuyeux à mourir ; puis aura failli casser et perdre sa voix en chantant Eboli, pilotée par Karajan en août 1975 à Salzbourg… énérée en Autriche et en Allemagne comme la diva germanique par excellence, Christa Ludwig qui fut donc Cherubino (Le Nozze), le Componist (Ariane Auf Naxos), en particulier Kundry (Parsifal, à Bayreuth), prit sa retraite en 1994. Il n’y eut qu’une seule mezzo, aussi engagée, au moelleux âpre et mordant, articulant comme peu, vraie diablesse dramatique, et tragédienne nuancée : Agnès Baltsa. Et bien sûr Maria Callas, mais Ludwig comme Baltsa ne sont pas des sopranos et ne purent jamais chanté, ni Leonora, Violetta chez Verdi, ni Isolde chez Wagner…
Amoureuse de littérature et de textes poétiques, c’est surtout dans l’univers millimétré du lied que la mezzo devenue légendaire a donné l’ampleur de son génie vocal, soie sensuelle et voluptueuse, flexible et intelligemment incarnée, capable de dire chaque mot, et de faire parler la musique. C’est une diseuse hors pair, véritable poétesse et prophétesse du verbe, dévoilant toute les intentions poétiques du texte, de la phrase, dans un dialogue riche et allusif, éclairant comme jamais toute situation dramatique dans ses enjeux et ses promesses les plus inouïs-, avec le piano et les autres voix. Amoureuse de Goethe, la « diva Ludwig » vénère Hugo Wolf qui le met divinement en musique. L’interprète a toujours défendu d’abord le texte puis la musique. En cela elle s’accorde avec l’esthétisme de Monteverdi (qu’elle n’a pourtant jamais chanté). Née en 1928, WARNER célèbre non sans raison le génie interprétatif d’une mezzo particulièrement identifiable, et qui n’a pas sa langue dans sa poche (pour qui a parlé avec elle : son tempérament et sa franchise, précise, détaillée, argumentée contraste avec le parler insipide, fade et passe partout qui a court aujourd’hui, mondialisation et standardidation obligent ; être bien avec tout le monde partout…).
Dans le coffret WARNER, on y retrouve ainsi le genre que Ludwig a servi avec un tact, une subtilité belcantiste : accordant, contrôlant, adaptant chaque nuance vocal selon le sens du texte. Voici les lieder de Schubert (hélas son cher Winterreise / Voyage d’hiver, en cycle intégral n’est pas présent) ; voici surtout Brahms, et Wolf et Strauss. On reste envoûtés sous le charme de ses mélodies de saint-Saëns (Une flûte invisible) et les Chansons madécasses de Ravel. La France et le français sont comme une seconde patrie car elle a épousé un français (« Paul-Emile »). Outre une quasi intégrale des lieder de Brahms, le coffret réunit ses meilleurs accomplissements dans le genre du lied avec orchestre : Wagner (Wesendonck-lieder), Mahler (Lieder eines fahrender gesellen, Kindertotenlieder, et bien sûr, le légendaire Chant de la terre (Das Lied von des Erde).
Parmi les inédits mémorables qui ajoutent encore à la valeur de cet héritage inestimable : Lieder de Berg, Max Reger, Wagner (Wesendonck-lieder), sans omettre eux de Wolf, un air de Gluck, plusieurs Brahms dont le récital enregistré (et donc jamais publié jusqu’à ce jour) avec son premier mari, Walter Berry…

——————————————

Christa Ludwig (mezzo-soprano) : « The Complete Recitals on Warner Classics » (Coffret 11 CD Warner)

SOUVENIRS, SOUVENIRS…. il y a 10 ans déjà en 2008, pour ses 80 ans, Christa Ludwig faisait l’objet sur CLASSIQUENEWS d’une page dédiée, synthétisant un cycle de rééditions cd et dvd LIRE les 80 ans de Christa Ludwig.

CD, compte rendu critique. FRANCO FAGIOLI, contre ténor : Handel Arias (1 cd Deutsche Grammophon). Parmi les contre ténors actuels, ceux qui savent caractériser un personnage, au lieu de déployer toujours la même technique, l’argentin Franco Fagioli réalise une belle prouesse, sur le sillon de son aîné Max Emanuel Cencic, qui lui accuse les signes inquiétants de son âge vocal : medium certes élargi mais aigus inexistants, et couleurs générales de plus en plus ternes. A contrario de Jaroussky qui chante tout de la même façon, l’alternative Fagioli s’affirme avec cran et panache même, capable mieux que ses confrères, d’incarner sur la scène un caractère : si la voix était petite sur les planches de Garnier, son Eliogabalo de Cavalli à Paris (Palais Garnier, septembre 2016) avait une présence monstrueuse voire démoniaque irrésistible (avec ses bains d’or liquide!), douée d’une plasticité vocale très palpitante.
Ici, le chanteur fait montre de ses possibilités chez Haendel où la virtuosité ne doit pas être un but mais le moyen de caractériser et nuancer chaque personnage, saisi dans une situation particulière.

Maîtrise haendélienne

En verve, pulpeux, gras, le grain de sa voix, qui évoque le mezzo de Cecilia Bartoli sait fusionner agilité et coloratoure, mais aussi épaisseur psycholoqique, comme en témoignent les deux airs d’Ariodante (un talent d’acteur qui reste étranger à Jaroussky par exemple… lequel montre ses limites dans les opéras mis en scène). Même ses aigus sont perçants, habités par la réelle envie d’en découdre car ce garçon a du chien et du mordant y compris dans la tessiture haute de son instrument (Venti, turbini de Rinaldo).
Gravé en mars 2017, l’album alterne airs extatiques et guerriers, conquérants ou amoureux (le fameux aveu / confession de Serse : Ombra mai fu d’une grande délicatesse de ton), d’une vélocité enviable (Oreste), avec un sens du risque et de l’expressivité souvent convaincant.
Plus introspectif et d’une gravité soudaine presque hallucinée, son Cara sposa de Rinaldo éclaire la lyre hallucinée, vaincue d’une âme amoureuse, perdue, en panique, terriblement dépressive. Bel accomplissement et confirmation d’une réelle sensibilité dramatique. A suivre

———————————

CD, compte rendu critique. FRANCO FAGIOLI, contre ténor : Handel Arias (1 cd Deutsche Grammophon). Il Pomo d’Oro / Zefira Valova, direction. Mars 2017.

CD, compte rendu critique. STRAVINSKY : Le chant funèbre, Le Sacre (Chailly, 1 cd Decca 2017). Avouons notre plein enthousiasme pour l’élément moteur de cet album : Le Chant Funèbre … sombre et grave, et même lugubre, dès son début, la partition cultive le mystère à la façon d’une marche envoûtée. Puis surgit une mélopée sinueuse à peine éclaircie par la flûte et les violons, comme un dernier râle. La rythmique un rien sèche, abrupte n’a pas encore la souple volupté à la fois incisive et mordante du Stravinsky mûr. C’est une étape qui doit encore beaucoup à l’esprit de malédiction, épais et sirupeux de L’Oiseau de feu, mais la magie aérienne en moins. Et pourtant en un ruban sensuel et comme empoisonné, le jeune Stravinsky a le génie de la couleur et des atmosphères souterraines (montées harmoniques en orgue), … ce pourrait être un poème dramatique, halluciné entre Rachmaninov, le Tchaikovski le plus échevelé, Liszt et Scriabine, entre torpeur, ivresse, féerie mortifère. L’application qu’y développe Chailly est passionnante : le geste rend justice à une partition (opus 5) il est vrai, clé.

Même exubérance lugubre et d’une orchestration si riche qu’elle en sonne comme saturée, dans Feux d’artifice opus 4 (2).
Tandis que le Scherzo semble prolonger l’infini imaginatif d’un Dukas de plus en plus enivré (L’Apprenti sorcier), déroulant une palette de sonorités et de timbres flamboyants et fantastiques, littéralement. Séquentiels, virevoltants, les volets intenses déclament, rugissent, ils annoncent cette implosion de la structure et du développement bientôt réalisé en son point d’accomplissement dans le Sacre de 1913. C’est peu dire que Stravinsky semble exploiter chaque famille d’instruments dans toute sa gamme expressive, avec un goût déjà prononcé pour la polyrythmie. Ivresse et plénitude qui frôlent souvent l’éclatement formel. Quel génie à l’oeuvre on entend ici.

Le triptyque opus 2 Le Faune et La bergère, est l’autre découverte majeure de ce disque : révélant en français, l’atmosphère narrative envoûtante là encore d’un Stravinksy très maîtrisé dans l’art des atmosphères et de l’action plus impressionniste voire symboliste que fantastique. La parure orchestrale est le vrai sujet des 3 poèmes (La Bergère, Le Faune, Le Torrent), d’autant que le mezzo de Koch a du mal à articuler : trop sombre, épais, engorgé. Dommage vocal.

Enfin, les deux parties du Sacre montrent toute la fièvre et l’envoûtement, la sauvagerie millimétrée, la transe à la fois guerrière et païenne qui forcent en 1913, toute action classique. Tout implose, tout flambe et se cambre en une série de convulsions animales et souverainement félines. Du grand art, qui montre l’intervalle finalement très court au terme duquel, Stravinsky apprenant de ses maîtres, avec la vitalité fulgurante de l’éclair, permet comme Picasso en peinture, l’immersion brutale de l’art du XXè dans la pleine et fracassante modernité. Disque d’une rare cohésion, révélateur sur l’évolution de Stravinsky au début du XXè. Programme plus qu’intéressant : révélateur à l’endroit du génie de Stravinsky, de la jeunesse qui tâtone au coup de maître du Sacre.

—————————

Approfondir
LIRE aussi notre annonce du cd Le Chant funèbre de Stravinsky par Riccardo CHailly (Lucerne, 2017) : première discographique (1 cd DECCA).
http://www.classiquenews.com/cd-evenement-annonce-stravinksy-chant-funebre-premiere-discographique-par-riccardo-chailly-1-cd-decca/

COFFRET LUCIANO PAVAROTTI, analyse, présentation : the complete operas (DG, DECCA). VOL. 1 / 4. Classiquenews suit les éditions discographiques majeures. Ce coffret de l’intégrale des opéras enregistrés par le ténor légendaire Luciano Pavarotti, édité pour les 10 ans de sa disparition (septembre 2007) constitue une somme dont la valeur artistique et esthétique demeure essentielle. La Rédaction de CLASSIQUENEWS présente et analyse ce en quoi chacun des 4 lots de cd constituant cette intégrale en 101 cd a réalisé des enregistrements exemplaires, proposant toujours des perles lyriques dont il faut écouter et récouter le sens et le raffinement formel… A noter, si le coffret au phénoménal apport s’intitule “the complete opéra recordings”, il contient aussi les enregistrements des partitions sacrées tels le Requiem de Verdi, ou déjà dans ce premier lot, le Stabat Mater de Rossini…

PAVAROTTI : the complee opera for DG and DECCA. Volume 1 / 4. On ne saurait trop souligner la valeur du coffret édité par Decca Deutsche Gramophone totalisant les grands rôles qui ont marqué la carrière du ténor Luciano Pavarotti… Ses débuts comme bel cantiste aux côtés de Joan Sutherland sous la baguette de l époux de cette dernière Richard Bonynge : déjà y rayonne un timbre exception taille comme un diamant pour l’expressivité subtile, l’art des phrasés faciles naturels d’une chaleur dans l’aigu et le suraigu sans équivalent alors.
Le bellinien et le donizettien (qu’il restera toute sa vie) allait devenir par cette maestria linguistique et poétique un verdien ardent un Puccini en éloquent et profond comme en témoigne déjà le contenu du premier volet d’enregistrements ici présentés analysés.

DEBUTS BELLINIENS DU JEUNE TRENTENAIRE… Les 2 premiers enregistrements londoniens sous la baguette de Richard Bonynge et aux côtés de la stratosphérique Sutherland… attestent de la subtilité première du chant de Luciano Pavarotti, alors jeune trentenaire (il est né le 12 octobre 1935 à Modène). Dans Beatrice di Tenda (1966), son Orombello captive par sa tendresse solaire et le sentiment de compassion directe, sincère pour la diva sacrifiée.

Dans La Fille du Régiment (1967), même délicatesse incisive, et intensité franche pour son Tonio, de surcroît chanté en français : incandescence du timbre, ardeur et agilité des aigus enfilés en un legato souverain et continu d’une musicalité impériale jamais forcée ni prise en défaut, ni négociée et contournée… Sa prestation pour le finale du I, « Ah mes amis », est portée par une ivresse jubilatoire car le timbre brille… palpite, frétille. La santé vocale et la juvénilité triomphe, mais sans artifices.

En 1968, il se prête à la réhabilitation de L’Amico Fritz de Mascagni, comédie sentimentale, dans le sillon tracé par l’inusable Bohème de Puccini, pour lequel, Pavarotti retrouvera bientôt sa fidèle partenaire (avec Joan Sutherland) : Mirella Freni. Ici à Londres aussi, Pavarotti prête sa voix ardente au rôle-titre, Fritz Kobus. Derrière la figure du personnage, le timbre coloré, nuancé, clair exprime les sentiments de l’individu.

Pour sa part, le Requiem de Verdi, version Solti en octobre 1967 est capté dans la Sofiensaal de Vienne ; – comme le visuel de couverture de cette version à la fois incisive et organiquement exaltée, le chef d’origine hongrois allie avec une force nuancée, la pointe sèche, linéaire, cursive du dessin de Michel Ange (le Jugement dernier de la Sixtine) et aussi sa formidable musculature nerveuse et plastique : lui répond le sens du legato et de la couleur du ténor dans son fameux solo : «  Ingemisco » (cd 5, plage 8 : 3mn36) où le timbre souffle les braises…

DER ROSENKAVALIER, version Solti, 1968… L’hédonisme détaillé, la finesse du trait et la nostalgie viennoise qui regarde vers l’opulence mozartienne de Johann Strauss, le faiseur de valse, mais revivifiée par le génie chromatique de Richard Strauss, éblouissent grâce à la baguette somptueusement flexible et suavement dramatique de Solti, maître de cérémonie à Vienne pour ce Rosenkavalier de référence (Sofiensaal, novembre 1968)… Après le réveil de la Maréchale et de son amant, soit la divine Régine Crespin et son Oktavian (Yvonne Minton, le mezzo qu’adulait Solti et qu’il associa à ses lieder de Mahler), voici, en guest star invité, le jeune et luxueux « singer » de Luciano Pavarotti, qui tient remarquablement son office de jeune stentor italianissime, à la flamme ardente, réchauffant le décor rococo de la Maréchale à son lever, un tableau chamarré, pétulant, digne de Versailles. Là encore le legato, le phrasé de ce chanteur alla veneziana brûle d’une ardeur… irrésistible. Pavarotti met le feu…

En 1970, Luciano Pavarotti retrouve à Londres, ses partenaires belcantistes habituels, soit le duo Joan Sutherland et le chef Richard Bonynge, dans la comédie L’ELISIR D’AMORE de Donizetti : l’abattage, la finesse percutante du timbre, le legato qui semble infini assurent à son Nemorino, un tempérament dramatique à l’ardeur permanente. Alors, quand surgit, après la scène collective à perdre l’esprit (d’une ivresse rossinienne), son air solitaire du II « Una Furtiva lagrima », en sa profonde gravité (initié par le chant du basson), soudain surgit dans ce chant direct, une prière déchirante dont la justesse d’intonation atteint le tragique le plus sincère : un diamant bouleversant au sein d’une farce équivoque où semblait vaincre les faux semblants et l’apparente insouciance. Sobre, presque dépouillé de tout artifice, et d’une franchise instrumentale qui fait surgir, l’effroi glaçant de la sincérité, le timbre saisit par sa vérité émotionnelle. Un must absolu. On ne trouvera pareille authenticité qu’avec son incarnation de Paillasse… autre figure comique et tragique, dont la double nature produit la séduction.

Le premier RICCARDO du BALLO. En 1970 toujours, le premier Riccardo du Bal Masqué (un Ballo in maschera de Verdi) de Pavarotti séduit par son ardeur, sa coupe fiévreuse, celui du jeune souverain épris malgré lui, et en dépit de ses valeurs de loyauté, de la femme de son meilleur ami (Renato : impeccable et noble Sherill Milnes). Pavarotti offre cette lumière ardente de son timbre solaire au personnage qui a choisi malgré lui, malgré la dignité de sa fonction royale, de suivre les élans de son coeur. Une prise de rôle époustouflante qui assurera par la suite, la réussite de ses reprises sur scène et les réalisations plus récentes au disque (dont celle à Londres dirigé par Solti, 12 ans plus tard, en 1982). On y voit clairement la mystique instrumentale de Verdi qui d’abord par le violoncelle (comme dans Don Carlo pour Felipe II) exprime les tourments du destin le plus éprouvant, puis réalise l’apothéose du héros sur le volant souple de la clarinette. Riccardo pourra ainsi dire adieu à son aimée, affronter la mort qu’on lui avait prédit, accepter la vengeance de son ami Renato, dans un renoncement ultime et le sacrifice de sa propre vie dans le respect de son amitié à Renato. Le roi accepte de payer le tribut de cet amour interdit qu’il a fait sien malgré lui. Avant Pavarotti, aucun ténor n’avait à ce point fouillé la psyché du personnage, dévoré entre son désir, son devoir, ses valeurs.

Et enfin MACDUFF supplante MACBETH.. Du roman noir, des ténèbres de l’horreur tirés du drame originel de Shakespeare, Verdi fait surgir d’abord l’espoir du chœur des opprimés (début du IV), puis la lumière, tel un poignard vengeur et vainqueur, du chant déchirant d’humanité du ténor, ici Macduff qui chante la vertu de la résistance et de la lutte (contre le couple Macbeth qui a tué sa femme et ses enfants). Il n’en fallait pas moins pour exalter parmi l’assistance, les patriotes italiens, et faire de Verdi, le compositeur de l’unité italienne contre l’Autriche. Avant Domingo dans le même rôle, Pavarotti à l’été 1970, à Londres fait valoir son diamant vocal iridescent et roboratif, en une prière ardente, humaniste contre toutes les tyrannies («  O figli, figli miei. »)… Un seul air suffit à comprendre l’enjeu de son personnage (le cri d’un père et d’un mari endeuillé et détruit), et l’horreur d’un opéra qui voudrait victimiser le couple des bourreaux. Rien ne peut effacer les crimes commis au nom du pouvoir. La présence de Dietrich Fischer Dieskau et de la Souliotis dans les rôles du couple Macbeth, accrédite encore la valeur de l’enregistrement piloté par le chef efficace mais peu détaillé : Lamberto Gardelli.

Autre registre sous la baguette racée, éruptive et incisive, formidablement précise et spirituelle d’Ivan Kertesz, à Londres toujours en 1970 et 1971, dans un Stabat Mater de Rossini, inscrit dans une vision d’apocalypse où le chant des solistes perce comme des lueurs d’espoir, incarnés, fortement individualisés, implorant la rémission et le grand pardon… Dans le premier air, « Cujus animam », Pavarotti colore son intensité au diapason d’une humanité maudite en quête de salut justement… à écouter d’urgence.

4 PERSONNAGES CLÉS : Le duc, Edgardo, Rodolfo, Calaf… De linsouciance cynique à l’amour éperdu le plus suave. Les 4 derniers ouvrages de ce premier lot (sur les 4 au total de l’intégrale des opéras enregistrés par Luciano Pavarotti), soulignent les affinités en terme de caractère du ténor, avec 3 personnages clés de sa carrière, – après les Riccardo et Nemorino : le Duc de Mantoue (et sa romance solaire aux aigus sublimement tenus : « La donna è mobile », déclaration cynique au III, qui justifie son insouciance criminelle (Rigoletto de Verdi, direction : Richard Bonynge Londres 1971). Pavarotti cristalise la fragilité presque touchante de ce prince qui ne cultive que la satisfaction de son désir et demeure totalement sourd au tragique du couple Rigoletto / Gilda. Qu’il a de classe, de tempérament, félin, ardent au charme irrésistible, grâce à un chant tout en clarté et legato, franchise de l’émission et aigus d’une richesse harmonique jamais entendue avant lui. La présence de Joan Sutherland dans le rôle de Gilda, de Sherill Milnes dans celui de Rigoletto ajoute au crédit de cette version typique du début des années 1970.

C’est ensuite, un retour au belcanto romantique le plus pur : celui de Lucia di Lammermoor de Donizetti, avec les mêmes : Sutherland (Lucia) et Richard Bonynge, à Londres en juin 1971 également (quelle santé vocale pour le ténor qui enchaîne les rôles importants) : ici, son Edgardo Rawenswood brille d’une humanité, faite loyauté et compassion, d’une gravitas – sobre, recueillie, pudique, qui assure à la fin de l’ouvrage la couleur funèbre, inéluctable de la partition ; car ici, le fiancé qui s’est éloigné, comprend que Lucia son aimée est morte… (« Tombe degli avi miei… » ). Solitude endeuillée, impuissante fureur… l’amant dépossédé tel Orphée ne peut que chanter sa (sublime) prière face au destin indifférent. La ligne, les phrasés, le soutien, le style, l’articulation (sans aucun effet artificiel), le sens de l’intensité expressive… outre la qualité du timbre et l’ampleur de la technique, sa sûreté comme sa « facilité », son naturel,… font de Luciano Pavarotti un belcantiste affûté. Qualité qui assure à ses Verdi et Puccini, leur finesse de phrasé.

Divin RODOLFO dans LA BOHEME, version Karajan (oct 1972).
Cette première moisson riche en accomplissements, s’achève avec ses deux Puccini, propres au début des 1970’ies. D’abord son Calaf, anthologique sous la direction de Zubin Mehta, TURANDOT, à Londres, été 1972 (avec Sutherland dans le rôle titre, et la Caballe en Liù..) ; enfin, en octobre 1972, LA BOHEME où son Rodolfo brille d’une poésie qui régénère l’approche d’un Carlo Bergonzi : poète et chanteur, nouvel Orphée parisien sous les combles romantiques de la misère artistique, cette Bohème qui ne cesse de pleurer et de s’émouvoir mais avec quel tact et quel style : Luciano Pavarotti trouve une partenaire idéale en Mirella Freni dans le rôle de Mimi (version Karajan, – à Berlin avec les Philharmoniker, qui parviennent à exprimer tout ce qu’a d’onirique et de rugissant l’orchestration de Puccini). Un must absolu.

—————

A suivre… COFFRET PAVAROTTI / The complete operas recordings / for DG et DECCA. Volume 2 / 4.

LIRE aussi notre présentation du coffret PAVAROTTI / The complete operas recordings for DG et DECCA (101 cd), paru en octobre 2017, pour les 10 ans de la mort de Luciano Pavarotti. Idéal cadeau de Noël 2017, le coffret représente à ce jour une somme inestimable pour tout amateur de lyrique, en particulier d’opéras italiens romantiques, de Rossini, Bellini, Donizetti, aux plus tardifs, Verdi, Puccini sans omettre les véristes : Mascagni, Giordano, Leoncavallo, Cilea…etc… Must absolu et coffret au très riche contenu, de surcroît comme nous le précisions dans notre présentation générique, idéalement éditorialisé, avec photos, illustrations (des enregistrements) et présentation des ouvrages et intégrales ainsi rééditées et pour certains titres présentés en BLU RAY PURE AUDIO.

CD, opéra événement, annonce. DEBUSSY : PELLEAS ET MELISANDE. Rattle, LSO (Londres, 2016). LE PELLEAS ATMOSPHERIQUE, ENIGMATIQUE DE RATTLE. Opéra impressionniste, opéra atmosphérique, opéra climatique : la transparence et la fluidité tour à tour aérienne, empoisonnée, énigmatique que Simon Rattle sait distiller à la tête du LSO, faisant miroiter toutes les qualités suggestives de l’orchestre londonien, affirment ici une réelle maîtrise et orchestrale et dramatique. Les cordes ont une tension parsifalienne (surtout dans les préludes des derniers actes), les flûtes à la fois légères, lumineuses et profondément mystérieuses expriment avec une grande élégance, la compréhension du chef et des instrumentistes vis à vis du sommet lyrique français postromantique. Le timbre épais, au grain tendre de la mezzo Magdalena Kozena (Madame Rattle à la ville) ajoute à cette conception inscrite, magnifiquement repliée dans le mystère et l’imprécision temporelle. La lecture mérite absolument cet enregistrement capté sur le vif au Barbican de Londres en janvier 2016. D’autant qu’un diseur alchimiste narrateur dans le lied, Christian Gerhaher se prête à la prosodie spécifique du français de Debussy… Voilà qui confirme l’affinité bienheureuse des Britanniques à l’endroit du romantisme français. Il y avait Colin Davis chez Berlioz; y aurait-il à présent, maîtrisant les effectifs du LSO, Rattle chez Debussy ? Must absolu et prochaine grande critique le 6 octobre 2017, dans le mag cd, dvd livres de classiquenews.

————————

CD, opéra événement, annonce. DEBUSSY : PELLEAS ET MELISANDE. Rattle, LSO (Londres, janvier 2016 – 3 SACD + 1 disc Pure Audio Blu-ray / LSO live). London Symphony Orchestra, London Symphony Chorus. Avec : Magdalena Kožená (Mélisande), Christian Gerhaher (Pelléas), Gerald Finley (Golaud), Bernarda Fink, Franz-Josef Selig, Joshua Bloom, Elias Madlër. Sir Simon Rattle, direction.

LIRE AUSSI
Autre cd LSO critiqué par classiquenews : Schuman : Das Paradies und die Peri / La Paradis et la Péri / Rattle…
http://www.classiquenews.com/cd-compte-rendu-critique-schumann-das-paradies-und-die-peri-rattle-lso-live-2015/

——————

Coffret événement, annonce. SEIJI OZAWA : The complete RCA recordings (6cd RCA Red Seal / Sony classical). Directeur musical du Symphonique de Chicago (Chicago Symphony Orchestra), Seija Ozawa délivre au cours des années 1960, l’essence de son art de maestro électrique, intérieur, halluciné. Voici 6 cd qui de 1965 à 1969 ressuscite la maîtrise convaincante du chef trentenaire, en particulier dans le cadre du festival de Ravinia qui lui permet d’enregistrer pour RCA, nombre d’opus majeurs de Beethoven (Symphonie n°5), Stravinsky (Le Sacre du printemps, Chicago, 1968), Moussorgski (sublimes et presque terrifiants Tableaux d’une exposition de 1867) à Schoenberg (Concerto pour piano, Fantaisie pour violon … – Peter Serkin, piano), Tchaikovsky (Symphonie n°5) et Bartok (Concertos pour piano n°1 &3 – Peter Serkin, piano, 1965-1966)… sans omettre Schubert (Symphonie n°8) ou Britten (The Young Personn’s Guide to the orchestra).
L’héritage artistique est inestimable, très révélateur de l’engagement d’un jeune chef japonais, au talent fièvreux autant que dramatiquement abouti, d’autant plus révélé que Sony réédite les 6 enregistrements en juin 2017 en version remastérisée. Coffret événement. Prochaine critique développée à venir dans le mag cd dvd livres de classiquenew.com. A suivre.

____________________
Coffret événement, annonce. SEIJI OZAWA : The complete RCA recordings (6cd RCA Red Seal / Sony classical) — CLIC de CLASSIQUENEWS de l’été 2017.