CD, compte-rendu critique. Quatuor MORPHING : RAVEL, MENDELSSOHN (Saxophones, 1 cd KLARTHE). Pari risqué, inédit, original. Surtout réalisation réfléchie et convaincante. Dédié à Fauré, le quatuor de Ravel est une oeuvre de jeunesse qui portée par une fougue nerveuse, virile, musclée, va plus loin que son aîné. Créée à Paris en mars 1904, à l’initiative de la très chauvine « Société nationale », la partition saisit par sa versatilité, ses contrastes, sa très forte caractérisation à travers ses 4 mouvements ; autant de qualités expressives et poétiques qui dévoilent au début du siècle, le génie de Ravel alors âgé de 29 ans. Le presque trentenaire affirme une volonté élégante, parfois affleurant un certain maniérisme mais jamais artificiel. C’est un charme subtil qui polit la forme ; presque secret qui s’écoule pourtant avec une force d’autant plus flexible qu’elle est idéalement restituée par les timbres des 4 saxophones, ici en place du quatuor à cordes traditionnel : chacun y défend une âpreté douce, un mordant velouté qui sied parfaitement à l’esprit de salon, à la convulsion silencieuse, – sensualité souple et voilée, qui détient la clé de ce premier mouvement si coulant et énigmatique du jeune Ravel (deux motifs de l’Allegro moderato).
Plus fougueux, le 2è mouvement en la mineur (assez vif très rythmé), – proche de celui de Debussy, explose littéralement la mécanique vibratile ravélienne, à nouveau très flexible et aussi incroyablement caractérisée. Les hanches renforcent les aspérités de la sonorité, le caquetage ondulant des timbres mêlés, le rire presque ironique des pizzicati. Brillant contraste avec l’Adagio qui suit (très lent), plus onctueux encore que le premier mouvement. Enfin, les saxos sculptent entre volupté, sarcasmes, plénitude âpre l’énergie parfois cursive du dernier « Vif et agité », dont ils font un crépitement perpétuel. Audace d’une juvénilité qui fait rupture, l’écriture du premier Ravel affirme un tempérament d’acier, angulaire et structuré, pourtant d’un éclat et d’une fluidité remarquables. Les saxophones ne font pas que relire un texte très vu et compris ; ils en révèlent son esprit fougueux ; sa nature étincelante et fuselée grâce à la couleur et au seul grain de chaque instrument. On s’offre ainsi une réécoute qui dépoussière les préjugés et les idées reçues : l’âpreté qui s’en dégage renforce les qualités expressives, la lisibilité des sections rythmiques, l’intelligence du plan et la fabuleuse logique développée par le jeune compositeur.
Dans les pièces de Mendelssohn, le jeu et la complicité des quatre instrumentistes se fluidifient encore davantage (belles nuances du cantabile), intégrant cette joie lumineuse qui fonde aussi l’insouciance jaillissante de l’auteur de Songe d’une nuit d’été. Les quatre épisodes constituant ses Pièces pour Quatuor à cordes opus 81, gagnent dans cette transcription subtile, une énergie à l’expressivité aussi coulante que mordante en particulier dans les deux derniers morceaux : Capriccio puis Fugue, d’une lisibilité contrapuntique idéale. La sûreté stylistique des quatre musiciens du QUATUOR MORPHING, leur évidente complicité touchent et ensorcèlent. Adolphe Sax l’inventeur et l’esthète bien connu, père des instruments aurait été comblé comme nous par l’approche : la rondeur cuivrée, boisée, intense (si caractérisée en timbre et intensité) de chaque saxo offre désormais de nouvelles perspectives et potentialités au monde de la transcription. Les partitions ainsi régénérées vivent une seconde existence. Belle réalisation pour un nouveau type de quatuor instrumental. A suivre évidemment.

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CD, compte rendu critique. QUATUOR MORPHING (saxophones soprano, alto, ténor et basse). Ravel, Mendelssohn (1 cd KLARTHE records) — enregistrement réalisé à la ferme de Villefavard en novembre 2015. CLIC de CLASSIQUENEWS de février 2018.

Quatuor à cordes en fa majeur opus 35 – Maurice Ravel
Quatre pièces pour quatuor à cordes opus 81 – Felix Mendelssohn

Quatuor Morphing
Saxophone soprano : Christophe Grèzes
Saxophone alto : Eddy Lopez
Saxophone ténor : Anthony Malkoun-Henrion
Saxophone baryton : Matthieu Delage

Cd, compte rendu critique. FRANCOIS COUPERIN (1668 – 1733) : Pièces de clavecin, IIIè Livre (13 et 18è Ordes). Blandine Verlet, clavecin (1 cd Aparté). BLANDINE VERLET dévoile Le CLAVECIN DE COUPERIN. Après deux précédents (1713, puis 1716), Couperin publie son 3è Livre de pièces de clavecin en 1722, dont les fameux Concerts royaux. Très méticuleux, l’auteur annote, indique précisément les enjeux esthétiques et les nuances expressives comme le dispositif essentiel qui démontrent une pensée expérimentale, laquelle n’aura été jamais aussi ludique, imaginative, et toujours très juste dans les réglages poétiques : il expose ainsi le principe des « pièces croisées » (accouplement des claviers), et un nouvel ornement, sorte de respiration articulant la ligne vocale. Couperin glisse aussi quelques références à l’actualité politique, révérence à ses employeurs : ainsi les « lys naissants » (en style luthé si raffiné), ouvrant son 23è Ordre, font clairement référence à l’avènement du jeune Louis XV.
Au diapason de cette conception millimétrée des nuances expressives, les doigts enchantés, suggestifs et eux aussi rêveurs (mais si précis) de “la fée Blondine”, excellent à démêler et caractériser tout ce qui compose la palette poétique du grand alchimiste et magicien Couperin ; d’autant qu’en 1722, – une page s’étant tournée (celle du Grand Siècle, pompe et grandeur du Louis XIV versaillais), le compositeur est lui aussi dans la dernière courbe expressive de son immense talent, et chaque accent, intonation, connotation, pèse, exprime, imprime sa marque spécifique. Il enrichit et ponctue le flux musical sans amoindrir ni ralentir son allant organique. Elle nous avait ravis en 2012 dans un précédent Couperin, idéalement abouti, allusivement rêveur et suggestif. C’était alors sur un clavecin Hemsch 1751. Ici, 6 ans plus tard, la claveciniste, douairière des clavecinistes françaises, préfère le son serré, précis, ciselé d’une copie d’un clavecin Ruckers de 1636 (avec ravalement par Hemsch de 1763)…

Le nuancier que défend la claveciniste qui n’en est pas à son premier Couperin, se montre à la hauteur d’une partition inouïe par son raffinement et sa délicatesse pudique, par sa versatilité hyperélégante. L’art du rien dire, en apparence, le détaché, le délié, le lâcher prise ; c’est évidemment un art du dessin, et des ombres suggestives plutôt que de la ligne trop appuyée, ou des couleurs mal fondues et enchaînées.
Rêvons ainsi dans la fragilité des « Roseaux », sublime évocation de la Nature (avant Rameau) ; sachons aussi relever le sens plus nerveux de la bambochade, dans les portraits riches en caractère de l’Engageante ou de l’Âme en péril (en réalité : « L’Âme en peine »… vertiges émotionnels garantis, qui concluent les 12 Dominos, hauts en couleurs).
Ainsi, inspirés par les Folies d’Espagne, et leur caractère dansé et masqué, les Dominos, soit 12 séquences conçues comme autant de drames instrumentaux, idéalement ciselés eux aussi, et doués de grande variations poétiques, dévoilent concrètement la science d’un Couperin touché par la grâce, entre divertissement, galanterie, raffinement et pudeur (elle-même citée, parmi les Fidélité, Virginité, Persévérance, Ardeur, Coquetterie, Frénésie…). Dans le sillon d’un La Bruyère, c’est à dire lecteur et critique d’un Saint-Simon trop hautain, Couperin l’analyste et l’observateur se fait sociologue d’une Cour (Versaillaise ?), polluée, colorée de caricatures humaines parfaitement ridicules (Coucous bénévoles : cocus ? , et ailleurs, en leur livrée « pourpre », Vieux Galants acoquinés aux Trésorières surannées…).
Couplés chacun à une couleur, les épisodes permettent de varier les caractères – en une Suite réinventée, fresque et kaléidoscope instrumentaux, où Couperin s’amuse en finesse et subtilité : gracieusement, tendrement, animé, gaiement, affectueusement, tendrement, gaiement, gravement… etc, et à l’envi, offrant, grâce à l’engagement idéalement articulé et investi de la claveciniste, cette forme devenue mythe musical, de la « Suite à la française ».

Le propre de Couperin est sa profondeur malgré ses mondanités. Le 18è Ordre, qui conclue ici le programme, d’un classicisme impérial et souverain, c’est à dire toujours allusivement poétique, offre ce mariage réussi de la description et de la justesse, expression intime et éloquence raffinée. Eclectique et synthétique, le compositeur use d’une Allemande première, d’ouverture pour peindre et portraiturer la présence d’un ami, protecteur ? : Verneuil, dont la fille devenue Verneuillette a toutes les grâces de la jeunesse insouciante. Ainsi surgissent en leur vérité primitive, le joyeux et naïf « Turbulent », et la plus sombre et mélancolique « Attendrissante ». Avant Rameau, il semble que le clavecin soit pour Couperin, l’instrument roi pour portraiturer en finesse et vérité les proches qu’il a connus. Ainsi ferment la surprenante et captivante galerie de portraits humains : le Gaillard boiteux, au burlesque mordant, avec pour point final, l’admirable Chaconne dite « La Favorite » (ne l’était-elle pas sous le règne de Lully ?), empruntée au Premier Livre de 1713. Ainsi la boucle est-elle bouclée. Sans réserve, le clavecin de Blandine Verlet est né pour exprimer la grâce de François Couperin. Album majeur en cette année Couperin 2018 (né en 1668, Couperin fête donc en 2018 son 350è anniversaire).

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Cd, compte rendu critique. FRANCOIS COUPERIN (1668 – 1733) : Pièces de clavecin, IIIè Livre (13 et 18è Ordes) — enregistrement réalisé à Paris en mai 2017. CLIC de CLASSIQUENEWS de février 2018. EN complément au cd, l’éditeur publie aussi un texte inédit de Blandine Verlet elle-même, « récit » intitulé « La Compositrice ». Confession indirecte, nouvelle à clés, de la page 12 à la page 70, certainement le volet complémentaire à la somme Couperin qui précède. A lire immanquablement.

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PRECEDENT CD François COUPERIN par Blondine VERLET (2012), soit il y an 6 ans… Un précédent déjà salué par la Rédaction de CLASSIQUENEWS alors …

CD critique. ANGELA GHEORGHIU : ETERNAMENTE ( 1 cd Warner classics). Les habits véristes vont-ils bien à Angela Gheorghiu ? Celle qui a chanté Adriana Lecouvreur avec le tact et l’instinct que l’on sait ne seront pas déçus dans ce nouvel album qui doit sa réussite à l’engagement expressif de la chanteuse et aussi (surtout) complicité et apport de plus en plus rare dans ce type de projet, la coopération toute en finesse du chef, aussi détaillé que mesuré dans ses effets (et dieu sait que dans le registre vériste il faut avoir de la mesure, au risque de sombrer dans la guimauve superfétatoire) : l’excellent Emmanuel Villaume dirigeant le PKF Prague Philharmonia. De surcroît la prise de son est fine et précise; magnifiquement réverbérée (plage 3 : 3è séquence de Cavalleria Rusticana, avec un partenaire de luxe, le ténor maltais Joseph Calleja). On sait que la diva n’est pas belcantiste : aucun agilité, aucune virtuosité technique dans les vocalises,… MAIS un velours vocal, une fragilité incandescente qui s’affirme dès les deux premiers airs du même Cavalleria : sur le fil, dans une articulation qui n’est pas toujours parfaite, la couleur du chant, sa tendresse et ses aigus toujours admirablement couverts rendent idéale son incarnation des héroïnes amoureuses, ivres de leur propre passion, sacrifiées, radicales. Voilà pourquoi sa Traviata (comme sa Manon puccinienne) dont elle fait une femme très incarnée, – avec ce ruban miellé à la douceur d’une extrême pudeur dans l’émission, a toujours séduit. Une conception hyperféminine, d’une infinie tendresse, dans le sillon d’une Renée Fleming mais en plus fragile encore.
Ici, donc d’abord sa Santuzza bouleverse par la justesse d’émission si humaine et pourtant radicale : bien dans le respect de la rage jusqu’au boutiste du drame génial conçu par Mascagni en 1890. Véritable manifeste de la nouvelle école lyrique italienne en cette fin du XIXè.

Gioconda saisissante, LA GHEORGHIU
cultive et embrase sa fibre de tragédienne vériste

Plus contournée et moins sobre dans ses « effets », le Donaudy (O bel mio amato ben) ne laisse pas un souvenir impérissable : l’écriture est boursouflée et la ligne prévisible, sans les harmonies audacieuses ou les intervalles parfois surprenants des plus grands véristes.

En 1900, Puccini étonne, saisit dans sa Tosca, d’une ivresse inquiète et ici, filigranée, presque en panique, … celle d’une âme toujours fervente, pieuse qui ne comprends pas comment Dieu la récompense ainsi, en lui refusant le bonheur. La vibration nuancée là encore, cette extrême tendresse fragile s’avèrent particulièrement justes et troublantes pour cette séquence qui demeure la grande prière de Tosca. Les sons filés, les piani soutenus avec une force caressante, la gestion parfaite du souffle et la richesse dynamique de l’intention sont la signature d’une exceptionnelle diva, chanteuse et actrice. Comme Callas. Rien de moins.

Belle découverte que celle de l’extrait de Mefistofele d’Arrigo Boito : « Spunta l’aurora pallida »… à l’acte III, dans ce second air de Marguerite, « La Gheorghiu » dévoile son incandescence versatile, capable de passer d’un sentiment à l’autre, d’autant que l’orchestre, voile fantastique et surnaturelle (Boito comme personne après Berlioz n’a su mieux comprendre le surnaturel glaçant du Faust de Goethe), suit la même voie harmoniquement insidieuse et ascendante ; sacrifiée, ardente, Marguerite prête à mourir, supplie Dieu de la pardonner. L’efficacité dramatique, la sidération et le vertige dans les contrastes d’atmosphères sont très réussis, de la part de la soliste comme du chef là encore.

Minaudant et d’une fausse candeur, « Eternamente » d’Angelo Mascheroni qui donne le titre à ce récital très impliqué, est comme le Donaudy : il ne laisse pas un caractère immortel, en dépit de l’intensité que sait lui apporter la diva surpersensible.

Plus touchante, car plus dépouillée, la prière inscrite dans la pudeur intime, « Ombra di nube » de Licinio Refice touche autrement que les minauderies précitées (qualité et tenue du vibrato : peu de divas savent contrôler ainsi mezza voce et bouche fermée).
On gagne un degré dans ce réalisme à la fois noir et brutal avec Ponchielli : « Suicidio » de La Gioconda idéalement campée, avec un orchestre sobre, précis, parfaitement calibré (bravo au chef là encore) ; radicale, tendre, Angela Gheorghiu ajoute les couleurs qui lui sont chères, celles de l’hallucination au diapason d’une situation littéralement insupportable. Jamais les graves chantés, énoncés n’ont paru aussi chargés de dégoût, de rancoeur impuissante… celle de l’héroïne condamnée, piégée par son bourreau auquel elle doit se donner (comme Tosca d’ailleurs, vis à vis de l’infect Scarpia). Situation insupportable, crapuleuse… la soprano s’y montre irrésistible.

Dans un chant quasi parlando, entre prière et imprécation – si favorisé par les véristes, l’air suivant confirme les mêmes qualités d’actrice subtile de la diva roumaine (« No! se un pensier tortura » de Siberia de Giordano). Leoncavallo a écrit aux côtés de celle de Puccini, sa Bohème (piquante), et tout autant moins connu, Zingari dont la cantatrice chante la chanson hongroise de la pulpeuse et ardente Fleana : une sœur de la Carmen de Bizet, car la jeune femme avoue à son protecteur l’aristocrate Radu, qu’elle s’est lassée de lui et en aime déjà un autre. Féline, sensuelle, Angela Gheorghiu séduit dans un air qui appelle la redécouverte intégrale de l’opéra.

Enfin parmi les meilleurs épisodes, le dernier extrait d’Andrea Chénier de Giordano (acte I : « Partigi! ») conclut ce récital au constant intérêt. Certes Calleja apporte la séduction tendre lui aussi de son timbre amoureux (quoique parfois instable), mais c’est la Maddalena d’Angela Gheorghiu, son timbre en tension permanente, vibrée sans déformation, sa ligne, son souffle admirable, enfin la finesse de son intonation qui enchantent, et confèrent au duo du poète et de celle qui a décidé de mourir avec lui, son intensité. L’écriture n’est pas aussi raffinée que celle de Puccini et l’on peine à croire qu’il s’agit du plus beau duo vériste de l’histoire de l’opéra, comme on peut le lire dans le livret qui accompagne le cd… mais force est de constater que les deux chanteurs savent exprimer la volonté et le courage des deux amants qui s’apprêtent à mourir. Féroces jusque dans la mort.
Dans le sillon d’une Mirella Freni, de Tebaldi aussi (dans Adriana Lecouvreur), de Callas surtout, Angela Gheorghiu nous montre sans forcer combien elle a l’étoffe d’une tragédienne vériste (Gioconda).

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CD événement, critique. ANGELA GHEORGHIU, soprano : ETERNAMENTE. The Verismo album. PKF Prague Philharmonia – Emmaneul Villaume / 1 cd WARNER classics – enregistré à Prague, en novembre et décembre 2016.

Dossier cadeaux de NOËL 2017 : les articles événements parus récemment, nos meilleurs cd, dvd, livres à offrir et à partager. Quels titres édités pendant l’année 2017 ou plus récemment sont-ils absolument à offrir et à partager ? La Rédaction de classiquenews a sélectionné le meilleur pour des instants hautement musicaux… Et là encore, notre label “CLIC” de CLASSIQUENEWS distingue l’exceptionnel parmi la multitude d’éditions… Consultez ce dossier régulièrement d’ici les fêtes de fin d’année 2017 : nous actualisons notre sélection au fur et à mesure des titres reçus et distingués.

COFFRETS CD événements : nos valeurs sûres

SOLTI : les années CHICAGO

CD coffret événement : SOLTI – CHICAGO (coffret DECCA). Sir Georg Solti à Chicago. L’édition Decca SOLTI / CHICAGO – éditée pour les fêtes de fin d’année 2017-, dresse un tour d’horizon incontournable de ce que fut l’activité et l’oeuvre du plus félin des chefs du XXè, Georg Solti à la tête du Chicago Symphony Orchestra, à partir de 1969. Hongrois naturalisé britannique, le chef s’affirme ici en une suractivité à l’échelle planétaire : il confirme les affinités de la phalange avec le grand répertoire (germanique romantique), de Beethoven à Brahms, sans omettre Mahler : car Solti est un cerveau qui aime les étagements démultipliés auxquels il sait réserver une attention détaillée et précise d’une indiscutable beauté sonore. CHICAGO, 1969 : les débuts d’une formidable épopée artistique et… discographique. L’époque de son arrivée est celle d’une « belle endormie », l’équivalent d’un meuble de prestige à peine exploité et qui n’était guère connu aux USA et dans le monde. Au mérite de Solti revient sa notoriété démultipliée, en partie grâce à une politique de tournées (surtout en Europe, en Asie et en Australie), événement dans l’histoire de la phalange américaine : avant Solti, le Chicago Symphony Orchestra (CSO) restait le seul orchestre parmi les Big 5 américains à ne pas avoir traverser l’océan… Une situation de repli et d’auto célébration, devenue stérile qui n’attendait que son pétulant nouveau directeur musical pour rayonner à travers le monde. EN LIRE +

LA REINE REGINE…

CD coffret événement, annonce. REGINE CRESPIN : a tribute / un hommage (1927-2007) / 1950-1989 – 10 cd WARNER classics. Pour ses 90 ans, et 10 ans après sa mort (le 5 juillet 2007), Warner Classics célèbre le génie lyrique de Régine Crespin, soprano française qui fit carrière simultanément à Maria Callas, comme cette dernière débutant véritablement à la fin des années 1940 et s’affirmant dans les trois décennies qui suivent : 1950, 1960, 1970. Diva à la distinction légendaire, au timbre de diamant, capable d’articuler comme personne avant elle, « La Crespin » incarne l’apogée du style élégant, intelligible, dôté d’un soprano clair et puissant, qui lui a permis de chanter, – rareté mémorable-, les grands rôles wagnériens dont Brünnhilde, Elsa, Kundry, et les Wesendoncl lieder (en témoigne par exemple le CD2 qui concentre ses Wagner de 1961 sous la direction de Georges Prêtre, chef familier de Maria Callas aussi). Douée pour l’allemand, Régine Crespin fut aux côtés de la Schwazkopf, sa rivale germanique, une Maréchale tout aussi exquise et troublante dans Der Rosenkavalier de Richard Strauss (comme le rappelle à juste titre le choix du visuel de couverture du coffret : y paraît sa Maréchale de 1964 au Met de New York). EN LIRE +

LA VOIX D’OR : PAVAROTTI FOREVER AND EVER…

CD, coffret événement, annonce. NOEL 2017. LUCIANO PAVAROTTI, the complete opera recordings, DECCA – 95 cd + 6 blu ray pure audio). Avant notre grande critique et notre cycle de focus et analyses du coffret événement PAVAROTTI (3 feuilletons thématisés à venir), classiquenews souligne la valeur du legs discographique édité par DECCA, pour les 10 ans de la mort de Luciano Pavarotti. En éditant en version remastérisée avec un riche livret illustré expliquant l’ampleur de l’héritage musical du plus grand ténor du XXè, Decca a bien raison de proposer pour les fêtes ce coffret événement, comme il s’en était agi des sublimes coffrets Deutsche Grammophon synthétisant en 3 coffrets événements eux aussi, le legs KARAJAN. Ici, le ténor, artiste phénoménal, incarne un âge d’or du Bel canto, en particulier italien, serviteur élégantissime au timbre brillant, solaire, des héros de Bellini, Donizetti, Verdi et jusqu’au Puccini (Calaf). La musicalité, l’agilité, l’intensité, la technique accordée à une grande intelligence psychologique, d’autant plus sidérante quand on sait que l’artiste était piètre acteur ; car ici tout passe par la finesse et le contrôle total des moyens vocaux. Luciano Pavarotti incarne les années glorieuses de l’ère du compact disque, soit les années 1980. Ses partenaires féminines représentent aussi l’âge d’or du chant bellinien et verdien : Joan Sutherland, Mirella Freni, … Le chant souverain, impérial s’impose encore à nous comme celui de Callas (autre grande belcantiste). Aucun doute que Luciano Pavarotti n’a pas usurpé son immense rayonnement planétaire : son art se manifeste dans sa justesse, sa précision, sa vérité. Un idéal que recherche tout chanteur digne de ce nom. LIRE notre présentation du coffret Pavarotti événement

LIRE aussi notre feuilleton en 4 parties, présentant, analysant tout ce qui fait la pertinence du coffret exceptionnel LUCIANO PAVAROTTI 2017 / The complete opera recordings – 101 cd / DECCA, DEUTSCHE GRAMMOPHON : Feuilleton 1 /

CD, coffret événement. CLAUDIO ABBADO : THE OPERA EDITION (60 cd Deutsche Grammophon). Voici un coffret à offrir et à partager pour Noël et les Fêtes de la fin 2017. Décédé à 80 ans en 2014, Claudio Abbado incarne l’élégance, l’humilité, la grâce habitée en une direction à la fois claire et concentrée qui recherche le frémissement intérieure, la finesse introspective : avec lui, c’est peu dire que les Berliner Philharmoniker, sous sa direction transcendante, ont égalé la subtilité magicienne des Wiener Philharmoniker, innervant dans la puissance et l’énergie des berlinois, cette élégance sonore qui est à la fois vérité et abandon. Ses derniers Mahler, ou Bruckner (Symphonie n°9, Lucerne, 2013), véritables testaments artistiques sont illuminés par une grâce intérieure spectaculaire. Pour Noël 2017, Deutsche Grammophon édite en 60 cd tous les opéras gravés pour Deutsche Grammophon (et Decca), soit 20 opéras ici enregistrés entre 1970 (premières expériences scaligènes / à La Scala), et 2010 (Fidelio , live de Lucerne), éclairant ce souffle symphonique et l’ampleur d’une pensée lyrique, où le drame ne signifie pas, surtout pas, extériorité mais accomplissement d’un parcours intérieur. Voilà une conception personnelle, très spécifique, qui détermine la singularité du maestro dont le coffret permet de mesurer la génie lyrique et dramatique. Pendant 40 ans, 40 décades, Claudio Abbado atteint des sommets d’élégance et de vérité expressive, réalisations plus poétiques que démonstratives… Et si  Claudio Abbado était le plus grand chef lyrique de la seconde moitié du XXè ? Grande critique développée à venir en janvier 2018 dans notre magazine cd dvd livres de CLASSIQUENEWS. EN LIRE +

CD de NOËL 2017

CD événement, récital lyrique, compte rendu critique. JUAN DIEGO-FLOREZ : MOZART (La Scintilla, Minesi, 2016, 1 cd SONY classical). COUP DE TONNERRE sur la planète lyrique et révélation inouïe (l’événement le plus intéressant en cette rentrée lyrique 2017) : le rossinien déjà divin, Juan Diego-Florez, se révèle mozartien miraculeux. Dès le début du programme, la saisissante suractivité de l’orchestre, scintillante et rafraîchissante retient l’attention tout d’abord, dans une prise réverbérée comme il faut, où jaillit comme un torrent doué d’une irrésistible et saine vitalité, le ténor Juan Diego-Florez, puissant, articulé et naturel, soutenu idéalement, au legato impériale. Face à son…

CD, compte rendu critique. MARIN MARAIS : Folies d’Espagne. Jay Bernfeld, Fuoco E Cenere (1 cd Paraty, juin 2016).  MARAIS élucidé. On ne saurait exprimer précisément la satisfaction que procure l’écoute de ce programme enchanteur dédié au compositeur et gambiste Marin Marais (1656-1728). Il résoud de loin et à très haut niveau, le mouvement et l’esprit, l’expressivité et l’intériorité. Plus de 350 ans ont passé mais le flambeau est ravivé intact dans le jeu intense, intérieur, élégant, naturel de Jay Bernfeld, fondateur de son propre ensemble, Fuoco e Cenere. Le feu, la cendre (si l’on reprend le titre du collectif),… 

LIRE aussi notre dossier cd dvd livres de NOËL 2016

CD, compte rendu, critique. Tchaikovski : MANFRED (Bychkov, 1 cd Decca). Créé à Moscou en 1886, la partition est inspirée d’un prétexte transmis par Balakirev. Les quatre parties devaient aussi inspirer à Berlioz l’architecture de sa Symphonie fantastique et celle d’Harold en Italie. Chaque séquence/mouvement est habité(e) par une même « idée fixe », et Tchaikovski retient aussi l’idée de Balakirev de joindre l’orgue dans le finale (pour l’apothéose du héros).
Dans la première partie, Manfred erre dans les Alpes, poursuivi par le remords d’avoir fait périr son aimée, Astarté. Culpabilité, frustration, impuissance : le lento lugubre dès la première morsure amère des somptueux bassons (et cors), exprime la solitude et la mélancolie dépressive, grave et sombre qui tiraille le héros (caractérisé par son propre thème à la clarinette basse). Bychkov étire la matière sonore, souligne tout ce qu’a de profondément noire et ténébreux, la lave orchestrale. Une immersion dans les tréfonds d’une psyché atteinte, défaite et détruite. Jamais Tchaikovski n’avait été aussi loin dans l’exploration d’un esprit définitivement dépressif et condamnné. Piotr Illiytch fait siennes toutes les défaites et tourments du héros de Lord Byron (Manfred, 1817) qui lui-même s’inspirait du Faust de Goethe. Il faut écouter le chant sombre et lyrique des violoncelles pour mesurer la désespérance à l’œuvre dans le coeur du pauvre Manfred. La solitude du héros incompris et maudit inspire à Tchaikovski l’une de ses partitions certes les plus noires mais aussi les plus saisissantes par sa justesse. Bychkov trouve les accents et les couleurs idoines, éclairant de l’intérieur, dans l’ombre, cette lente et inéluctable déréliction. Le compositeur parvient à exprimer ce qui le tenaille viscéralement : l’abandon de la grâce, aux sources de sa propre malédiction intime (chant de la clarinette en fin d’épisode, faisant surgir une lueur improbable mais réelle et tenue, qui s’inscrit dans les arpèges d’une harpe salvatrice…). La tempête orchestrale qui s’abat enfin sur le héros montre l’ampleur de sa quête irrésolue et totalement impuissante. Un vide exprimé par une déflagration aussi bouillonnante et radicale que les accents fulgurants de ses symphonies spirituelles n°5 et 6. Fascinante submersion intime. Le tissu symphonique de Tchaikovski est l’un des plus autobiographiques qui soient : un théâtre éloquent de la pensée en action, dans ses doutes (gouffres amères) et ses réflexions contradictoires.

BYCHKOV TROUVE LES ACCENTS JUSTES D’UN TCHAIKOVSKI SAISI PAR LE SENTIMENT DE DERELICTION…

Au II, la texture sonore convoque le surnaturel et le fantastique quand la fée paraît à Manfred dans un arc en ciel. Ici le ciel semble s’ouvrir, permettant un temps de reconstruction apaisé : transparence et suprême ton d’une narration enchantée, ivre de sa propre candeur recouvrée, la direction de Bychkov séduit, captive, touche par sa sensibilité sans affectation. Ce Vivace spirito est constamment électrisé dans la légèreté évanescente. Elle porte toutes les audaces du héros qui croyait les avoir perdus.

La Pastorale qui suit (III) énoncé par le hautbois impose une pause poétique (andante con moto), onirique d’un abandon qui souligne là encore l’aspiration impossible de Manfred à l’oubli, l’insouciance, la pureté, l’innocence. Son âme peut-elle être sauvée ? Cette nouvelle incursion à la fois sereine et méditative ne peut être dissociée du souvenir de celle qu’il a perdue et tuée malgré lui… Bychkov déroule le fil de cette réitération à la fois tendre et douloureuse.

IV. Dans la partie la plus dramatique qui dénoue le fil maudit, Tchaikovski se souvient de Berlioz (Songe d’une nuit de Sabbat) : la Bacchanale s’impose alors (fugato terrifiant et obsessionnel), puis le thème de Manfred introduit celui de l’ombre d’Astarté qui pardonne au héros, lequel peut enfin mourir (choral de l’orgue) : en réservant à Manfred, une fin libérée, apaisée, spirituelle, Tchaokovski fait sa révérence à Liszt. Chef et orchestre cultivent alors une allure plus efficace, coupe mordante et affûtée, en particulier dans les lignes répétées des cordes et cuivres, insistantes et grimaçantes. L’équilibre des pupitres, le format sonore, la balance rend justice ici à l’ampleur du format symphonique (Lisztéen).
A torts considérée comme inclassable dans le reste du catalogue, voire faible car trop redevable à Berlioz (dont il est vrai Tchaikovski fait sa principale source), la partition de Manfred s’impose par son sens suggestif, une remarquable orchestration qui recherche non pas à narrer ni décrire, mais exprimer l’essence du rêve, du destin, d’abord le sceau inextricable d’une fatalité presque insupportable, puis le sentiment inespéré de délivrance finale. Semyon Bychkov se hisse à la hauteur de tous les enjeux. Ce projet Tchaikovski qui s’amorce ainsi chez DECCA, s’avère de plus en plus passionnant. Révélant, la gravité et la haute spiritualité, l’exigence morale aussi qui soustend tout l’oeuvre symphonique de Piotr Illyitch. A suivre.

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CD, compte rendu, critique. Tchaikovski : MANFRED symphony / The Tchaikovsky project — Czech Philharmonic, Semyon Bychkov, 1 cd Decca classics 4832320). Parution le 25 août 2017. CLIC de CLASSIQUENEWS.

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CD, compte rendu critique. KISSIN : Beethoven – Lives 2006 -2016 (2 cd Deutsche Grammophon). Rien ne remplace la tension et les conditions « sans filets » du live : le concert et le récital offrent ici un écrin stimulant pour l’inventivité sensible du pianiste Kissin qui publie pour Deutsche Grammophon, 2 cd exclusivement dédiés au génie libertaire, révolutionnaire, inclassable, – prométhéen-, du grand Ludwig. Le cd 1 fait valoir la saisissante ductilité du toucher de Kissin, sa qualité à varier, caractériser, investir chaque séquence, malgré une vertigineuse diversité de rythmes comme d’atmosphères. La n°3 opus 2.3 (Séoul, 2006), diffuse une expressivité facétieuse, enjouée entre Mozart et le premier Beethoven (effervescence et électisation de son finale : Allegro assai).

Plus encore fougueux dans une ivresse et radicalité aux contrastes parfois violents et râgeurs, les 32 Variations de 1807 (Montpellier, 2007), accroche constamment l’écoute et l’attention par leur frénésie ivre et vertigineuse, où le toucher ose toutes les émotions, vrai creuset de sentiments et humeurs les plus variés : Kissin met sa formidable implication et éloquence digitale au service des 32 séquences qui montrent l’étendue de l’imagination beethovénienne. Sidérant. Enregistrée plus récemment à Carnegie Hall en 2012, La Clair de lune (1801), en prise plus lointaine et presque diluée et fantomatique enchante par la souplesse caressante, infiniment nostalgique de ses tempi, dès le premier épisode (Adagio sostenuto) et sa rêverie à la fois hallucinée et blessée. L’Allegretto et le Trio qui composent le second mouvement captivent par leur juvénilité et leur insouciance, nettoyées de toutes tension. Puis le Presto agitato, abordé stricto sensu, impose un rythme endiablé à l’irrépressible précipitation, – une urgence inextinguible, -vraie course délirante dont la motricité laisse déconcerté par la charge violente qui s’est libérée soudainement sous les doigts fabuleux du pianiste habité. La pensée de l’interprète dessine des cheminements absolument fascinants, assumés, et même terrifiant par le extrême intensité. Magistral.

Le cd2 est emblématique de la fureur articulée toujours éminament méditative et intérieure dont est capable le Kissin d’aujourd’hui, jamais épais ni large, malgré sa filiation avec l’école russe de piano ; mais d’une vibrante sensibilité, sachant fusionner articulation et puissance. Très récente (Concertgebouw Amsterdam, 2016), l’Appassionata (1805), crépite, se tend, bondit, – véritable félin, plus guépard muscles saillants que lutin enchanteur, Kissin moderne affirme
une énergie radicale qui réinvente totalement la puissance architectonique de la Sonate Beethovénienne. Il en traverse et en exprime toutes les perspectives et audaces avec une fureur à peine masquée, mais ô combien maîtrisée, toujours colorée, galbée avec un esprit crépusculaire, hautement romantique : vif argent, à la volonté et à l’ambition exacerbées. D’une radicalité à la fois expérimentale et révolutionnaire. Beethoven se dresse alors en guide, visionnaire, agent, acteur d’un nouveau monde. Ligne et cri à la fois, Kissin fait surgir hors de la partition toute la force d’un génie qui fait exploser le cadre. Magistrale hauteur de vue (Allegro assai initial). Bâtisseur et non destructeur, l’autorité poétique qui pilote et conduit l’Andante con moto frappe par sa largeur de vue là encore.

10 années d’analyse Beethovénienne livrent aujourd’hui ce
BEETHOVEN INCANDESCENT
sous les doigts prophétiques, vif-argent du prométhéen Evgeny Kissin

Le pianiste moscovite, naturalisé anglais et israélien (2013), né en 1971, force l’admiration par l’autorité d’un jeu qui sait construire, voit grand, frémit de nuances soujacentes littéralement captivantes. Et comme une lave nerveuse, féline encore, le flux impétueux du dernier mouvement Allegro ma non troppo se gorge d’une vitalité primitive qui réactive la force d’un commencement du monde ; Kissin trouve par une digitalité fluide, éruptive, incandescente, le jaillissement premier d’une aube où se love la promesse d’une ère nouvelle. Crépitements, espoirs, scintillements et cris : la palette du pianiste ose tous les contrastes rétablissant dans ce finale en forme de course et de tumulte, l’énergie première, préalable à une reconstruction salvatrice. Le pianiste quadragénaire semble y vaincre toutes les forces contraires, redessinant les frontières d’un nouvel espace. Volonté, imagination, autorité, extrême précision : l’interprète a tout. Dans ce combat de titans, émane une énergie souvent irrésistible. 10 ans auparavant, Les Adieux (1810), au Musikverein de Vienne (2006), ont déjà ce goût pour le risque, les vertiges abrupts, le crépitement sinueux mais d’une claire intention motrice qui affirme un tempérament doué d’une extrême clairvoyance. Le Beethoven de Kissin est exalté, autoritaire, d’une infaillible expressivité, jamais bavard ni narratif ; vrai et sincère. Les Adieux en leur premier mouvement, installe une hypersensibilité presque inquiète et frémissante qui s’avère parfaitement cohérente au titre. Puis le mouvement suivant « L’Absence » résonne d’une douleur secrète et sourde, énoncée comme une tendre réitération d’un séjour bienheureux et perdu : Kissin se fond dans le labyrinthe intime d’un Beethoven qui souffre, saigne mais demeure pourtant d’une pudeur inaltérable. Nuances, phrasés enchantent s’il n’était évidemment, – live oblige-, les toux et nuisances multiples du public. Le jeu du pianiste impose un tout autre monde, une conscience qui déjà s’inscrit dans une métaphysique de la rédemption (l’amertume y est recyclée en force absolue). Le Retour confirme la totale victoire, l’exaltation irrépressible d’un coeur comblé, éperdu, d’une joie échevelée. Kissin, génial, fait de cette trilogie, un opéra du cœur, un drame aux rebondissements, éclairs, scintillements d’une volubilité là aussi stupéfiante de fluidité comme d’éloquence. La dynamique requise « Vivacissimamente », unique dans la catalogue poétique de Ludwig exige un talent … prométhéen, qui jongle climats et caractères avec une insolente et bouleversante continuité. Tout le talent du Kissin enchanteur et profond est là, dans ce Retour d’une ineffable joie spirituelle.

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CD, compte rendu critique. EVGENY KISSIN : BEETHOVEN. Sonates n°3, n°14 « Clair de lune », n°23 « Appassionata », n°26 « Les Adieux », n°32. 32 Varations en ut mineur. Evgeny Kissin, piano (Lives, 2006-2016). 2 cd Deutsche Grammophon – CLIC de CLASSIQUENEWS.COM de septembre 2017.