Author Archives: Camille De Joyeuse

CD, critique. RAMEAU : Le Temple de la Gloire (McGegan, Berkeley, 2017 – 2 cd Philharmonia Baroque Orchestra)

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CD, critique. RAMEAU : Le Temple de la Gloire (McGegan, Berkeley, 2017 – 2 cd Philharmonia Baroque Orchestra). Concernant un précédent enregistrement haendélien celui-là, et réalisé en 2005 (Atalanta), nous avions déjà souligné la saisissante activité dont était capable la direction de Nicholas McGegan : un vent de renouveau semblant souffler sur les œuvres baroques françaises et européennes, dont l’activité, l’expressivité, le frémissement spontané… contrastaient nettement avec ses homologues français en particulier.
rameau temple de la gloire temple of glory cd review cd critique par classiquenews mcgegan philharmonia baroque orchestra cd MI0004433611D’emblée ce qui frappe dans cette lecture du Temple de la Gloire, c’est l’éloquente naïveté et la fraîcheur qui sonnent comme improvisées et donnent l’impression délectable que la musique qui s’écoule, se fait au moment de la représentation…
D’autant qu’il s’agit d’un live, saisi sur le vif avec les applaudissements du public américain, et ses réactions en cours de spectacle. La sensibilité intacte du chef britannique porte tout l’édifice. Cette candeur qui s’efforce à chaque mesure, restitue l’étonnante vitalité suggestive d’une musique qui est poétique de la tendresse et de la sensualité ; qui s’exprime à part, essentiellement instrumentalement, quand Rameau, génie de l’orchestration, diffuse sa mystique de la danse… là où les français cérébralisent, se figent, voire se pétrifient souvent dans une raideur mécanique, – trait remarqué chez beaucoup de chefs actuels, ou se cantonnent à un paraître rigide et corseté.
Il y a bien deux visions de Rameau qui se cristallisent dans la comparaison entre la France et ses interprètes baroqueux, et ce que réalise ici le chef né en 1950, Nicholas McGegan, infatigable ramélien. Pulsion électrique, sens de la phrase, rebonds et couleurs, sans omettre comme on l’a dit, le génie de la danse et le relief des timbres instrumentaux dans chaque intermède ou épisode « orchestral » qui complètent l’action proprement dite…
Voilà qui atteste une étonnante régénération de l‘approche ramiste, … désormais et souvent « hors Hexagone », comme en témoigne aussi l’excellente compréhension actuelle du hongrois Gyorgyi Vasgehyi (depuis Budapest).

En Californie, les troupes du Philharmonia Baroque Orchestra…
McGEGAN : le vent nouveau américain au service du Baroque français

Flûtes et cors, cordes et vents s’enivrent, s’exaltent dans cette esthétique infiniment pastorale qui s’autorise d’amples développements purement orchestraux, dont seul Rameau a le secret : l’ouverture et les tableaux de glorification de Trajan (III) l’expriment totalement : le Dijonais aime surtout s’alanguir et s’épancher à l’évocation d’une nature idyllique préfigurant en ses miracles panthéistes Haydn … et sa Création.

Comme il faut bien débuter dans la ténèbre jalouse, Rameau imagine dans le prologue un formidable combat ; celui déjà conditionné entre l’Envie, rageuse, haineuse et Apollon, magnifique astre solaire qui est ici à la cour de Louis XV, une belle référence à Louis XIV, son arrière grand père, et le créateur au siècle précédent du Versailles palatial, éclatant.
La fièvre de Rameau, son éloquence dramatique sont inscrits par un relief saisissant que McGegan réactive à chaque mesure, sachant s’approfondir et se précipiter. Tout le drame qui va se jouer, justifie l’édification du temple éblouissant, apollinien, celui tant convoité de la gloire ; car va paraître le héros que le monde attend et qui se révélera dans l’acte III (sous la figure de Trajan, mais un Trajan, égal de Titus, et comme lui digne de clémence, vertu des plus sages).

Rares les héros dignes de l’édifice et de sa symbolique vertueuse. Au premier acte paraît le vaniteux Belus (impeccable et convaincant Philippe-Nicolas MARTIN), vainqueur des peuples de Lydie laquelle pourtant l’aime (comme Elvira aime Don Giovanni : d’une passion quasi masochiste). C’est que le héros ici vainqueur a perdu toute humanité. Il est devenu barbare, véritable tyran ; verrue immonde et arrogante… qu’Apollon foudroie illico en lui refusant l’accès au Temple de la gloire. Ainsi sont châtiés, les faux héros qui ne sont que banals, misérables, furieux.

Les chœurs soignent leur articulation ; les instrumentistes du Philharmonia Baroque redouble de rondeur heureuse, de vitalité nourrie de saine tendresse et de fraîche aspérités qui colorent la restitution de la version originale de 1745 avec une sincérité stimulante.

Aux portes du temple de la gloire, le grand prêtre surveille les entrées. Même Bacchus (acte II) si fier et fanfaron (un peu juste Artavazd Sargsyan) ne peut y pénétrer : trop de raillerie, de suffisant orgueil, lui aussi, de suffisance méprisable, et de certitude affichée, quand bien même, il est adoré par Érigone, le dieu des plaisirs n’est pas persona grata. Lui aussi est écarté du Temple… Presque à défaut et de façon expéditive, la gloire lui rend ses hommages, en fin d’action, reconnaissant cependant que son ivresse procure aux mortels le pur bonheur terrestre. Mais cela ne suffit.

L’acte III apporte la clé d’un ouvrage faussement disparate dont les actes si divers en vérité se répondent.
Pour mériter la gloire immortelle et non les vaines grandeurs, le héros vainqueur et triomphant doit être Clément ; ainsi Trajan (efficace Aaron Sheehen) soumettant les 5 Parthes à Artaxarte sait leur pardonner et susciter les palmes de la gloire qui descend des cieux et couronne enfin celui qu’on attendait (soit Louis XV commanditaire et protecteur de Rameau en 1745).
nicholas_mcgeganPour lui l’admiration des peuples vainqueurs et vaincus, l’amour de Plautine. Ainsi, déjà au milieu du siècle, les Lumières éblouissant à Versailles dans cette leçon de sagesse où Rameau et son librettiste en toute fantaisie font un Trajan proche de… Titus (le délice du genre humain et du monde) : celui-la même qui en 1791 à l’extrémité du cycle, inspire Mozart pour son ultime seria (la bien nommée « Clémence de Titus »). Ainsi un seul héros, Louis XV, fait le bonheur du monde et vertueux parmi les héros, a la capacité de pénétrer dans le Temple tant désiré. Nicholas McGegan défend cette fresque versaillaise antiquisante et très morale avec le feu, le panache et la tendre générosité qui l’inspire, du début à la fin : en particulier dans les danses si nombreuses ici et qui portent l’émancipation et la volonté de prééminence de la musique pure sur le drame qui n’est que prétexte. Palpitant.

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VOIR aussi le reportage vidéo du Temple de la Gloire de Rameau à Berkeley, en avril 2017, par Nicholas McGegan
https://www.youtube.com/watch?time_continue=14&v=bmSzNDLmSMY

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CD, critique. RAMEAU : Le Temple de la Gloire (McGegan, Berkeley, 2017 – 2 cd Philharmonia Baroque Orchestra)

JEAN-PHILIPPE RAMEAU
Le Temple de la Gloire
(The Temple of Glory)

Opera in three acts with a prologue
Libretto by Voltaire
Original 1745 Version

PHILHARMONIA BAROQUE ORCHESTRA & CHORALE
Nicholas McGegan, music director and conductor
Bruce Lamott, chorale director

Marc Labonnette, baritone
Philippe-Nicolas Martin, baritone
Camille Ortiz, soprano
Gabrielle Philiponet, soprano
Chantal Santon-Jeffery, soprano
Artavazd Sargsyan, haute-contre
Aaron Sheehan, haute-contre
Tonia d’Amelio, soprano

Recorded live at Cal Performances, Zellerbach Hall, U.C. Berkeley, CA | April 28, 29 & 30, 2017. © and 2018 Philharmonia Baroque Productions™

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CD, critique. SALIERI : Les Horaces (Les Talens Lyriques, 2 cd Aparté – 2016)

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salieri les horaces talens lyriques rousset critique opera critique cd cd review par classiquenews CLIC de classiquenews AP185-2-3000-1024x1024CD, critique. SALIERI : Les Horaces (Les Talens Lyriques, 2 cd Aparté – 2016). Versailles, 1780… Un certain engouement défendu par le milieu parisien et versaillais, s’est récemment porté (avec plus ou moins de réussites) sur les opéras créés à Versailles sous le règne si court de Louis XVI et Marie-Antoinette ; soit pendant les années 1780 (décennie faste il est vrai, pour les arts du spectacle / comme si avant la révolution à venir, au bord du gouffre, les patriciens et les nantis de l’ancien régime, s’en donnaient à cœur joie dans une ivresse aussi intense qu’insouciante). L’époque est au grand spectacle, avec tableaux spectaculaires voire terrifiants, ballet développé et aussi intrigue sentimentale qui « humanise » tout cela.
Nous avions déjà pu mesurer dans le cadre du même courant de résurrections, les fameuses Danaïdes, opéra antérieur du même Salieri, créé en 1784 à Versailles également mais sur un sujet tiré de l’Antiquité (certes la plus sanglante et tragique : car il y est question d’un massacre en bonne et due forme… LIRE ici notre critique des Danaïdes de Salieri, également restitué par Les Talens lyriques en 2013 et une partie de la distribution des Horaces…).
http://www.classiquenews.com/cd-compte-rendu-critique-salieri-les-danaides-christoyannis-van-wanroij-rousset-2013/

 

 

 

Versailles, 1786
Les Horaces… la tragédie cornélienne selon Salieri

 

 

 

salieri-portrait-classiquenews-les-danaides-1784-antonio-salieriAvant le « grand opéra romantique » (fixé au siècle suivant par Spontini et Meyerbeer, dans la suite de Rossini (on le voit : que des étrangers), le XVIIIè français, sait lui aussi s’ouvrir à la diversité et aux talents extérieurs, puisque après Rameau (le dernier grand génie lyrique hexagonal, après Lully), c’est le Chevalier Gluck qui opère la réforme de l’opéra français au début des années 1770 : pour revitaliser un genre qui se sclérosait, – la tragédie en musique (hérité de Lully), Rameau d’abord, puis Gluck, puis à partir des années 1780, une colonie de compositeurs étrangers paraissent à la Cour et présentent leur conception du drame lyrique. Gossec, Vogel, Johann Christian Bach, mais aussi les Napolitains (Sachini, Piccinni), puis Salieri, autorité européenne, surtout viennoise, apportent chacun leur éclairage à l’édifice lyrique français.
Avant la Révolution et comme les prémices du chaos à venir, la nervosité, une certaine frénésie (gluckiste) se mêlent alors à la ciselure nouvelle des affects, au moment où la notion de sentimentalité s’impose et avec elle, les germes du romantisme.
Après donc Les Danaïdes, opéra sanglant dont le tableau du massacre perpétré par les vierges Danaïdes état un prétexte spectaculaire, voici (avant Tarare, perle lyrique des Lumières, bientôt abordé dans la suite du visionnaire en la matière, Jean-Claude Malgoire), Les Horaces, créé en 1786, au moment où David fixe pour Louis XVI, les règles nouvelles de l’art pictural, ce néoclassicisme à la clarté expressionniste, elle aussi nerveuse et immédiatement intelligible (Le Serment des Horaces, présenté au Salon de 1784). 

 

 

NEOCLASSICISME TRAGIQUE… C’est la période où il n’est pas d’acte héroïque s’il ne produit pas de sacrifice. Du peintre au compositeur, circule une évidente célébration du radicalisme héroïque, à peine tempéré ou adouci par la tendresse de quelque personnage isolé (ainsi sœur d’Horace, Camille dont l’amour sincère infléchit réellement le cœur du Curiace… mais en vain). Ici, la destinée individuelle est broyée par la machine de l’implacable Histoire : les pères (le vieil Horace, obstiné, suicidaire) transmettent aux fils, l’esprit de haine et de vengeance, faisant peser la menace de l’extinction de la race. Meurtre, tuerie, vengeance et jalouse haine, hargne, possession, déraison… sont les ferments des livrets d’alors, prétextes évidemment à de passionnantes mises en musique.
Avec Salieri (sur les traces de Corneille), qu’en est-il ?

On ne saurait trop louer l’effort qui produit cette résurrection salutaire, indice d’une époque lyrique qui pourrait pas sa diversité et les profils invités, être présenté comme un véritable âge d’or du spectacle lyrique en France. 10 ans avant la Révolution, la Cour de France produit quantité d’ouvrages les uns plus passionnants et saisissants que les autres. Ce n’est pas ces Horaces qui contredisent la tendance. La grandeur morale de chaque figure, et dans chaque clan opposé, incarne un idéal louable.
A l’heure où l’opéra français tente de se réinventer, en particulier comme dans le cas des Horaces, en revisitant les textes classiques du siècle précédent, ici, celui de Corneille, Salieri s’attèle à une tragédie romaine au français le plus noble, porteur de sentiments exacerbés.
Las, la tension essentielle et sa forme expressive première : la langue est malheureusement bien mal défendue dans cette interprétation qui recherche surtout la nervosité et l’expressivité : rares sont les chanteurs, malgré la qualité de leur timbre et une certaine élégance de style, à savoir maitriser totalement la courbe tendue du verbe cornélien : une seule chanteuse suffit à démontrer ce qui fait les limites et une certaine séduction : Judith van Wanroij, qui a fait des héroïnes altières ou princières, sa spécialité, mais si discutable quand on l’écoute yeux fermés, tentant – vainement de deviner ce qu’elle dit : c’est tout le relief sémantique d’un Corneille plutôt inspiré alors (Les Horaces, 1640) qui disparaît de façon dommageable. Clarté, déclamation tendue et naturelle, ferme et tendre, héroïque et tragique doivent évidemment inféodé tout l’édifice à l’orchestre comme de la part de chaque soliste. Quel plaisir alors d’écouter la fine fleur des ténors français actuels : Cyrille Dubois (Curiace), Julien Dran (Horace) : leur intelligibilité rend encore plus exaltant le relief d’un texte nerveux, musclé qui les affronte sans ménagement, jusqu’à la mort. Pour les deux voix masculines, le présent album mérite tous les suffrages. Quel nerf et quel style ! D’autant que l’orchestre sert cette frénésie postgluckistes avec une tension permanente. Même engagé articulé et bien déclamé de la part de Jean-Sébastien Bou qui fait un vieil Horace, animé par la vengeance.
C’est du David sur scène, une peinture vivante et palpitante du mot déclamé, la claire et noble expression des passions les plus rivales et les plus extrémistes.
Salieri a le sens du rythme : scènes de foule et bataille, attendrissement tendre (duo Camille / Curiace), cas de conscience de Curiace, entre loi et devoir, sentiment et désir, le théâtre lyrique s’exalte, s’embrase même. Il reste incompréhensible qu’au moment de la création, une partie du public ait ri plutôt qu’il ait été touché par cette lyre abrupte et acerbe où coule un sang facile, et se dressent des orgueils pourtant sincères et chacun légitime… les interprètes à la création furent-ils en dessous des défis conçus par Salieri ?Après 3 représentations en décembre 1786, le second opéra de Salieri en France disparut totalement. Belle recréation.

 

 

 

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Antonio Salieri (1750-1825) : Les Horaces

Judith Van Wanroij, Camille
Cyrille Dubois, Curiace
Julien Dran, le jeune Horace
Jean-Sébastien Bou, le vieil Horace
Philippe-Nicolas Martin, L’Oracle, un Albain, Valère, un Romain
Andrew Foster-Williams, Le Grand-Prêtre, le Grand-Sacrificateur
Eugénie Lefebvre, Une suivante de Camille
Les Chantres du Centre de musique baroque de Versailles
Olivier Schneebeli, direction
Les Talens Lyriques / Christophe Rousset, direction

2 cd APARTE AP185 – enregistrement réalisé en 2016. CD1 : 55’33
/ CD2 : 30’10

 

 

 

CD, critique. HANDEL Atalanta, HWV35 (McGegan, 2005 – 2 cd Philharmonia Baroque)

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Atalanta-web-cover cd critique cd review McGegan clic de classiquenewsCD, critique. HANDEL Atalanta, HWV35 (McGegan, 2005 – 2 cd Philharmonia Baroque). Quel rafraîchissement stimulant apporte aujourd’hui le collectif réuni et porté par le chef Nicholas McGegan, en Californie (Berkeley), lequel inspirant ses troupes outre-Atlantiques du Philharmonia Baroque (orchestre et chœur), s’ingénie à défendre une vision gorgée de verve et de franche sincérité, à mille lieues des directions franco-françoises, souvent trop cérébrales et corsetées qui ont oubliées depuis des décennies de dictat en tous genres, l’esprit du Baroque : son caractère certes discursif mais surtout improvisé. La liberté du geste telle qu’elle est aujourd’hui défendue par McGegan incarne une direction pour nous salutaire dans l’interprétation baroque, d’autant que depuis les années 1990/2000, nombre de chefs autoproclamés experts en la matière, distille chacun un système et un type directionnel bien identifiable et parfaitement mécanisé. Faisant oublié, la caractère essentiel de la révolution baroqueuse défendue depuis les années 1970, l’audace, le risque, l’expressionnisme. A croire que l’intensité défricheuse des Harnoncourt et Malgoire, puis Jacobs et Goebel, … est devenue lettre morte.

 

 

Nicholas McGegan :
le souffle nouveau, revivifiant du Baroque
venu de Californie

 

 

Rien de tel avec le Britannique McGegan qui grâce à une politique avisée de publications discographiques, entretient la mémoire de son approche avec un discernement et une activité constante que beaucoup peuvent lui envier. D’emblée, c’est la preuve de la vitalité du courant et de l’interprétation baroque en CALIFORNIE…
Voyez cette ATALANTA enregistrée à Berkeley (Californie), en septembre 2005.

haendel handel classiquenewsPASTORALE AMOUREUSE... La partition a été rarement jouée et cette résurrection complète, très historiée, fait tout le mérite du chef. Créée le 12 mai 1736 – avec feu d’artifice final, pour célébrer les noces du Prince de Galles et de la princesse Augusta de Saxe-Gotha, l’œuvre est ici enregistrée sur le vif et comme « chauffée », après une série de représentations scéniques données auparavant au Göttingen Handel Festival. McGegan officie avec un instinct véritable, une intuition de l’instant qui aiguise l’acuité des accents et réussit la caractérisation des personnages de cette Arcadie lyrique. Séduire une beauté glaçante est un défi souvent relevé qui honore d’autant mieux celui qui sort victorieux ; ainsi l’histoire léguée par la mythologie grecque, celle d’Atalante, qui au préalable dédaigne les avances du beau Méléagre (le frère de Déjanire), préférant les plaisirs de la chasse aux délices plus subtils de l’amour… Mais voilà, pendant la chasse du monstrueux sanglier de Calydon, Atalante et Méléagre croisent leurs regards.
En maître des passions humaines, chasseur / révélateur du sentiment enfoui, Haëndel sait développer le vertige profond, en particulier celui qui inspire à Atalante (très convaincante Dominique Labelle) son grand monologue du II (« ‘Lassa! ch’io t’ho perduta »), où la jeune chasseresse exprime son trouble et ses tiraillements car elle comprend qu’elle se ment à elle-même, foudroyée en vérité par le jeune Méléagre. Il est vrai que face au Méléagre, toute tendresse et séduction de la seconde soprano, Susanne Rydén, tout cœur ne saurait demeurer de pierre… l’optimisme lumineux du timbre renforce l’attractivité du jeune guerrier.
Aux côtés des amoureux principaux, l’assemblée des bergers tel Aminta (excellent Michael Slattery) et son aimée Irene (superbe air, plein de juvénile ardeur : « Come alla tortorella », parfaite et sensuelle Cécile van de Sant) enrichit la partition d’une myriade d’émotions vraies dont Haendel a le secret.

CLIC_macaron_2014Le Philharmonia Baroque Orchestra démontre d’étonnantes affinités dans l’art d’ornementer et de caractériser, selon le souci de fluidité et d’éloquence, de dramastisme et d’élégance, souhaité manifestement par le chef. Voilà qui surclasse évidemment sa première approche de l’oeuvre de Haendel, qui remonte à 1984 avec une équipe bien moins engagée et ciselée.

 

 

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CD, critique. HANDEL Atalanta, HWV35 (McGegan, 2005 – 2 cd Philharmonia Baroque)

Distribution
Dominique Labelle, soprano
Susanne Ryden, soprano
Cecile van de Sant, mezzo-soprano
Michael Slattery, tenor
Philip Cutlip, baritone
Corey McKern, baritone
Philharmonia Chorale – Bruce Lamott, director
Philharmonia Baroque Orchestra
Nicholas McGegan, conductor
Philharmonia Baroque Productions™

Achetez ce cd édité par le label fondé par Nicholas McGEGAN
https://philharmonia.org/product/handel-atalanta-2/

 

 

 

CD événement, annonce. CALDARA : Maddalena ai piedi di Cristo (1 cd Alpha, Damien Guillon, 2017)

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maddalena ai piedi di cristo caldaia damien guillon cd critique par classiquenewsCD événement, annonce. CALDARA : Maddalena ai piedi di Cristo (1 cd Alpha, Damien Guillon, 2017). Damien Guillon et son Banquet Céleste revisitent avec une acuité palpitante voire mordante la brûlante ferveur de Madeleine, telle que l’a magnifiquement exprimée et mise en musique, le Vénitien Antonio Caldara, né sur la lagune vers 1670. Caldara à l’égal d’un Cavalli plus tardif et montéverdien, incarne le second âge d’or de l’opéra vénitien au XVIIè. C’est le maillon manquant entre Monteverdi et ses élèves, et Vivaldi.

Maître exceptionnel de l’opéra comme de l’oratorio, il offre à Barcelone le premier opéra en terre catalane, Il più bel nome (1708), commande de son futur patron Charles VI, auprès duquel il s’installera, à Vienne, en 1716. Caldara, dont la catalogue totalise environ trois mille œuvres à son actif, décède dans la capitale Habsbourg en 1736 (dans la même Kärtnerstrasse que Vivaldi…) et comme le Pretre Rosso, dans l’oubli et la misère. Johann Mattheson l’admire à le place à l’égal de Haendel et de Vivaldi.
Dans le genre créé à Rome, au moment de la Contre-Réforme, par Carissimi et Landi, Caldara éblouit l’histoire musicale dans sa Maddalena ai piedi di Cristo, oratorio « volgare », c’est-à-dire récité en italien […] soit en langue vernaculaire et non en latin.
Les 6 protagonistes se partagent la Terre et le Ciel : Marthe, Madeleine et un Pharisien ; Jésus, l’Amour Terrestre et l’Amour Céleste. En trente-trois airs et ensembles, de forme récitatif-aria, chacun témoigne de sa ferveur et de son trouble confronté au Sacrifice de Jésus sur la Croix. Après un enregistrement légendaire signé rené Jacobs (qui a donc ressuscité et dévoilé la puissance incantatoire et sensuelle de ce sommet musical), voici la nouvelle génération baroqueuse prête à relever les défis de ce sommet de la ferveur italienne baroque. Grande critique cd à venir dans la mag cd dvd livres de classiquenews.com

 

VOIR Damien Guillon et Le Banquet Céleste interpréter l’oratorio de Caldara : Maddalena ai piedi di Cristo (été 2017)

https://www.youtube.com/watch?time_continue=233&v=9MnmL7b1qPQ

CD, critique. WA MOZART : Bastien und Bastienne (v 1768), Classical Opera, Ian Page (1 cd Signum)

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grabmusik bastien bastienne mozart ian page classical opera the cd review critique cd par classiquenews CLIC de classiquenewsCD, critique. WA MOZART : Bastien und Bastienne (v 1768), Classical Opera, Ian Page (1 cd Signum). Ce disque très finement articulé éclaire les débuts de Wolfgang Mozart, alors âgé de 11 et 12 ans ; son écriture ciselée en matière d’ornementation, une maturité dramatique et poétique déjà confondante ; certes dans son cas unique, l’expérience et la maîtrise n’attendent pas l’âge des années ; le jeune compositeur dans GRABMUSIK, synthèse d’oratorio, – dans sa version originelle de 1767, s’inscrit dans le style Empfindsamkeit, post gluckiste, en une expressivité et des formules napolitaines très proches des Italiens de Paris, dans les années 1780 : Piccinni et Sachini. C’est dire déjà la synthèse visionnaire qu’opère alors le jeune Mozart, plus d’une décennie avant eux. La force expressive et la souplesse émotionnelle de sa manière suggèrent avec une étonnante efficacité les élans de l’âme du pêcheur, perdu, errant, inquiet. Puis c’est toute la tendresse compatissante de l’Ange qui affirme ce en quoi excelle Wolfgang : son empathie fraternelle, sa grande et irrésistible tendresse.
Le baryton Jacques Imbrailo sait nuancer et rendre palpitante sa partie marquée par le doute et l’aveuglement presque terrifié, quand l’Ange de la soprano Anna Lucia Richter parfois un peu âpre et raide, exprime cette compassion qui envahit l’être de lumière au contact du Pêcheur perdu. On reste saisi et convaincu par la justesse des chanteurs et de l’orchestre, admirables ambassadeurs de cette pudeur tendre qui fait la marque du jeune Mozart, en rien aussi compassé et mécanique que ses contemporains alors.
Mozart-Launch-1La date de la GRABMUSIK justifie ensuite que l’on joue son premier opéra, BASTIEN UND BASTIENNE, chanté en allemand, destiné à un cercle privé (le théâtre du jardin de Mesmer à Vienne), et restitué dans sa version première de 1768. Toute la tendresse de Mozart se déploie dans ce minidrame pastorale où Bastienne délaissée, désireuse de retrouver l’amour de Bastien, feint, ment, dissimule et affiche l’indifférence afin que son aimé brûle à nouveau de ce premier désir dont elle est nostalgique : pour gravir les étapes de ce rituel sentimental qui est une reconquête amoureuse, Bastienne est aidée du mage et sage Colas. Déjà percent ici dissimulation, manipulation, serments et parodie des sentiments, tels qu’ils seront amplifiés à la fin de sa courte existence, dans Cosi fan tutte. Mozart se montre manifestement inspiré par Rousseau dont Le devin du village a inspiré la trame de Bastien et Bastienne. L’ouvrage est ainsi célébré par le collectif britannique pour ses 250 ans (après sa création de 1768).
Classical OperaLe londonien Ian Page et son orch Classical Opera, ainsi que les trois chanteurs requis, peaufinent, articulent, cisèlent toutes les nuances d’une partition tissée dans la tendresse la plus simple et la plus raffinée. Au service du premier singspiel de Mozart, le geste subtil et nerveux de Ian Page fait ici toute la différence et place son collectif musical parmi les meilleurs interprètes de Mozart aujourd’hui. Tout au moins s’agissant de ses premiers drames lyriques. L’enregistrement s’inscrit dans un vaste cycle artistique intitulé MOZART 250 qui englobe un vaste choix de pièces dramatiques et lyriques. La réalisation est indiscutable par sa cohérence et sa grande élégance. D’autant que le chef et son orchestre (classical opera et the Mozartists) ont précédemment joué et pour certains ouvrages, enregistré Il Sogno di Scipione, Zaide, Il re pastore, Mitridate, Die Schuldigkeit der ersten gebots (Le devoir du premier ordre), Apollo et Hyacinthus… CLIC de CLASSIQUENEWS de septembre 2018.

 

 

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CLIC D'OR macaron 200CD, critique. WA MOZART : GrabMusik (1767), Bastien und Bastienne (v 1768), Anna Lucia Richter, Alessandro Fisher, Jacques Imbrailo, Darren Jeffery / Classical Opera / Ian Page, direction (1 cd Signum). CLIC de CLASSIQUENEWS de septembre 2018 / Parution annoncée le 14 sept 2018

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AGENDA, à NOTER : Ian Page et Classical Opera donnent Bastien et Bastienne, dans le prolongement de leur enregistrement en concert à Londres, Wigmore Hall, le 18 sept 2018 à 19h30
Plus d’infos ici :
http://www.classicalopera.co.uk/whats_on/bastien-und-bastienne/

VOIR l’enregistrement de Bastien et Bastienne / Entretien avec Ian Page
http://www.classicalopera.co.uk/videos/recording-mozarts-grabmusik-and-bastien-und-bastienne/

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CD événement, critique. HOMMAGE A VIVALDI. VIVICA GENAUX, Mezzo. Bach consort Wien, Rubén Dubrovsky (1 cd Sony classical, 2015)

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vivaldi hommage a vivica genaux ruben dubrovsky sony classical cd review cd critique par classiquenews CLIC de classiquenews de septembre 2018CD événement, critique. HOMMAGE A VIVALDI. VIVICA GENAUX, Mezzo. Bach consort Wien, Rubén Dubrovsky (1 cd Sony classical, 2015). C’est une excellente idée que de souligner le génie de Vivaldi à Vienne, capitale de la pompe impériale Habsbourg où il mourut en 1741, quasiment oublié de tous. Certes le Vénitien incarne l’essor de la furià baroque au début du XVIIIè avec l’énergie et la poésie que l’on sait, instrumentalement et opératiquement. Du reste la redécouverte de sa verve lyrique reste la découverte la plus importante sur le plan musicologique des 20 dernières années. Ruben Dubrovski cisèle un orchestre pétillant et un choeur très impliqué, mais sans maniérisme aucun, revitalisant un style très identifiable, encore baroqueux en plein essor du préclassicisme (début des années 1740) : le Pretre Rosso a été à Venise même déclassé par les Napolitains, nouveaux champions de l’opéra. Mais s’il s’agissait de souligner le génie éruptif et introspectif du Vénitien, le défi est amplement relevé et réussi : les interprètes sont au niveau de l’enjeu, à commencer par l’impeccable mezzo américaine Vivica Genaux, diva de Fairfbanks (Alaska), rompue à l’exercice redoutable des vocalises acrobatiques, comme à la science de la couleur et des nuances expressives les plus ténues. Il n’y a qu’une seule autre mezzo à l’égaler dans ce type de répertoire : Ann Hallenberg. Elle aussi passionnante vivaldienne (et qui a elle aussi dédier plusieurs récitals à la légende des castrats).
CLIC D'OR macaron 200Le choix des œuvres ici abordées évoque l’âge d’or de Vivaldi à Venise, alors (en 1715), « maestro di viola all’inglese, à l’Ospedale della Pietà, sur la rive lagunaire. Sa verve quasi opératique à l’église (cf ses deux motets chantées par la mezzo : In tubato mare irato RV 627 / Sum in Medio tempestatum RV 632) impose le tempérament très contrasté d’un génie de la musique quand dans le même instant, à Vienne, Fux devient Kapellmeister à la cathédrale Saint-Etienne de Vienne…
Constamment inspirée et juste expressivement, Vivica Genaux saisit la certitude  fervente du motet d’ouverture (RV 627) avec un aplomb dramatique idéal pour des pièces qui certes sont pour l’église da chiesa mais exige un investissement total ; déjà dans le morceau préliminaire (« In tubato mare irato « ), d’une agilité redoutable puis dans le III « Resplende bella Divina stella », plage 3 où la chanteuse creuse la mystique plus sombre et sereine du texte. Entre murmure et hallucination, le verbe articulé, se colore de nuances infimes, qui affirment la sensibilité de la diva canadienne.

 

 

 

En 2015, la mezzo américaine enregistre un programme Vivaldi somptueusement chanté :
Vivica Genaux est la diva Vivaldienne d’aujourd’hui

Vivica / Vivaldi : double V gagnant !

 

 

 

L’Alleluia final, introduit alors le choeur très souple et investi fusionnant avec un continuo souple et fleuri.
Même sentiment dans la Kyrie RV 587, dont l’Allegro (plage 6) fait écouter le choeur d’enfants à la fois tendre et d’une intonation simple. La sûreté comme la musicalité du geste choral suscite l’enthousiasme.
Voilà une franchise de ton que n’a pas l’intégrale en cours de Naïve, à notre avis, au style plus sec et tendu (cf Biondi, Alessandrini). Ce qu’apporte Dubrovski chez Vivaldi, c’est une détente qui prend soin de l’équilibre des pupitres / parties et du détail dans la restitution des couleurs du continuo.
Le dernier épisode plus audacieux encore (second Allegro, plage 7) dans ses vagues harmoniques ascendantes, élabore une architecture ample ; c’est la cathédrale vivaldienne baignée de lumière (de soleil) et d’électricité que le chef fait irradier avec un naturel très appréciable.

Le cœur poétique du programme, encadré par les 2 motets, reste le NISI DOMINUS (ailleurs traité par tous les haute contre parmi les plus célèbres dont évidemment Andreas Scholl qui en avait laissé une sublime version avec 415, Chiara Banchini). Dubrovsky et Vivica Genaux soignent l’intensité poétique de chaque section, le geste et les accents du chef, s’inspirant directement du chant ciselé de la diva. Vitalité et nervosité sont idéales, élaborant un Nisi dominus à la fois plein de certitude et de simplicité grave.
VIVICA GENAUX, sublime vivaldienne !Vivica Genaux éblouit par un timbre souple, agile, riche en couleurs, une intelligence des nuances dont la palette en passages raffinés surclasse tous ces alters égos masculins lesquels n’ont pas son agilité ni sa articulation millimétrée du verbe (tels les Cencic, Jaroussky, Fagioli… au delà de la question de la tessiture, nous parlons surtout de la question du style et des nuances vocales : sur ces deux derniers points, la tenue de l’Américaine est exceptionnelle). Une telle articulation rend immédiatement passionnants, la projection et le sens du texte. La mezzo de Fairbanks (où elle est née en 1969) en a encore à nous apprendre sur l’arche palpitante d’un Vivaldi touché par la grâce.

Le sublime III (Surgite, presto, plage 10) cultive les agissements étatiques d’une magicienne enivrée, douée de mille séductions, d’autant que le continuo la suit ensuite dans une traversée hallucinée et nocturne d’un engagement purement poétique (captivant Andante : Cum dederit, le morceau le plus long du cycle) où Vivaldi tire la pâte instrumentale et la corde vocale en une suspension d’essence fantastique à laquelle la mezzo inspirée, enchantée, déploie sa science des nuances introspectives, des couleurs ténues, rares.
Qui aujourd’hui peut l’égaler dans cet art majeur de la couleur, du legato, de l’intonation ? Aucun haute contre actuel (y compris le splus célèbres): c’est dire sa maestrià.

Le Credo RV 591 est une belle réalisation dont le chef interroge avec un choeur nuancé là encore, la courbe énigmatique (Et incarnatus est) ; ciselant même en une coupe sèche parfaite, le rythme plus narratif du Crucifixus, tel un balancement inquiet et dramatique pourtant de plus en plus serein à mesure que le grand choeur s’en empare…
La prise de son, l’impact très contrôlé du collectif (bien électrisé par le chef) donnent l’impression d’une célébration heureuse et investie saisie sur le vif dans l’espace de l’église (en réalité l’enregistrement a eu lieu en mars 2015 à la Chapelle de Hofburg à Vienne, haut lieu impérial viennois).

On ne peut s’empêcher de songer à l’opéra dans le second et dernier motet (RV632 : « Sum in medio Tempestatum »), tant le timbre élargi et généreux, souple et royalement agile de la mezzo enchante par sa justesse acrobatique. Évidement le premier épisode est uniquement de virtuosité mais d’une superbe affirmation textuelle, et linguistique. Comme on l’a dit précédemment : qui chante ainsi aujourd’hui ? Répond à ce préliminaire pétaradant, la séquence introspective plus grave et sombre, d’une noblesse de ton presque élégiaque : « Semper maesta,sconsolata ».
L’intonation de l’orchestre comme de la soliste sont superlatifs :
ce Vivaldi est stupende / c’est une formidable réalisation qui brille par son intelligence, sa nervosité, son engagement, sa subtilité. Portée par un collectif qui partage sa finesse, Vivica Genaux est aujourd’hui, – avec Ann Hallenberg, la mezzo vivaldienne la plus convaincante de l’heure. Superbe récital. CLIC de classiquenews de septembre 2018.

 

 

 

 

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CD événement, critique. HOMMAGE A VIVALDI. VIVICA GENAUX, Mezzo. Bach consort Wien, Rubén Dubrovsky (1 cd Sony classical, 2015)

 

 

 

 

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Engagements de Vivica Genaux d’ici le printemps 2019
Une diva à suivre
Ressource : http://www.vivicagenaux.com

15 septembre 2018, Festival de Fénétrange (France) : airs d’opéras de Vivaldi
7 et 8 octobre 2018 : Vivaldi, Gloria et Imeneo (Madrid, Auditorio nacional de Musica)

20 – 30 octobre 2018 : Ljubljana (Slovenie) : SERSE (Arsamene) de Haendel – production reprise au

Capitole de TOULOUSE, les 7 et 9 novembre 2018

Prise de rôle
ARTASERSE de HASSE (Mandane)
Sydney (Australie) / Pinchgut Opera
29 nov – 5 décembre 2018

+ d’infos : visiter le site officiel de Vivica Geanux
http://www.vivicagenaux.com/engagements.html

 

 

 

 

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A NOTER : Vivica Genaux reprendra en concert son programme déjà enregistré déidé à Farinelli, au prochian Festival international de Musique Baroque de La Valette à Malte, « BROSCHI, Handel : hommage à Farinelli », Teatru Manoel, Valletta, le 11 janvier 2019

CD, critique. CONTINUUM : JUSTIN TAYLOR, clavecin. D. Scarlatti / Ligeti (1 cd Alpha déc 2017)

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TAYLOR JUSTIN continuum cd critique cd review CLIC de CLASSIQUENEWS 2018 26536ee4-2102-4ddd-b930-73dc3bd23b63CD, critique. CONTINUUM : JUSTIN TAYLOR, clavecin. D. Scarlatti / Ligeti (1 cd Alpha déc 2017). Né en Angers en 1993, Justin Taylor se distingue comme son confrère Julien Wolfs  (de l’ensemble Les Timbres, – autre virtuose habité du clavecin)  parmi les clavecinistes actuels les plus inspirés ; non pas les plus doués, techniquement souverains : ils sont nombreux, mais avec ce supplément d’âme qui fait du clavecin, l’instrument du souffle et des affects baroques, comme on dit du piano, qu’il est le chant du sentiment romantique… Digitalité filigranée grâce à un clavecin précis, d’une rare éloquence cristalline (un Ruckers-Hemsch 1636-1763), et surtout un rubato qui architecte l’écoulement dès les premiers Scarlatti, le jeu et l’approche du jeune Taylor ne cesse de nous éblouir. Il échafaude tout un jardin musical où le sens de la construction sait aussi respirer et articuler avec une clarification énergisante. Qu’il s’agisse de morceau de trépidation (première Sonate K141) ou dans l’extase à peine marquée, d’une suspension rêveuse (l’aria qui suit K32), le jeune claveciniste montre une aisance technicienne associée à une superbe intelligence poétique.

Justin Taylor ose de nouveaux mondes sonores, de Scarlatti II à Ligeti

Tous les horizons du clavecin,
machine exploratoire

TAYLOR Justin clavecin par classiquenews compte rendu critique concertTaylor construit un programme qui fait dialoguer Scarlatti et Ligeti, passage des styles a priori abrupt voire acrobatique mais d’une grande évidence en réalité dans ce jeu sonore qui place le clavecin au centre d’une réflexion plus critique sur l’instrument et ses ressources abstraites, expressives, poétiques. Qu’ont à faire ensemble, ainsi réunis en une arène improbable, le protégé de son père Alessandro, et bientôt favori de la Reine Maria Barbara à Madrid, et l’exilé, entravé, interdit d’instrument, Ligeti passant de Transylvanie à la Roumanie ? Le Napolitain séduit par sa virtuosité immédiate, solaire, embrasée ; l’Autrichien ne cesse de saisir par son questionnement visionnaire et prophétique auquel le son pincé du clavecin apporte une résonance inquiète, tendue, faussement abandonnée… D’un côté l’exaltation rêveuse de Scarlatti (dans ses rythmes impossibles, plus ibériques qu’italiens et qui citent souvent le fandango de la guitare), de l’autre l’interrogation permanente de Ligeti, âme sans attaches, plutôt conscience universelle qui trace de nouvelles frontières? Mais entre eux, se développe au delà de la forme, l’imaginaire voire le délire d’une question toujours posée : cf la Passacaille ungherese (décembre 1978), qui combine baroque et tension hongroise, comme l’équation inextricable d’un doute, d’un sentiment d’indécision continu. Il est fascinant d’écouter le bavardage presque envahissant de Scarlatti qui suit dont les passages harmoniques et les séries de grilles tentent aussi à ce questionnement hors du temps.
Dans Hungarian rock, intitulé aussi Chaconne, nouvelle révérence au Baroque, Ligeti atteint une transcendance du rythme et de la danse qui construisent au final une déconstruction consciente de la forme musicale : là encore se développe cette question : où vais-je ? pourquoi ? comment ? Dans ce sens critique et expérimental où rien ne semble figé, Ligeti va plus loin encore dans « Continuum » (1968) justement qui donne son titre à l’album de Justin Taylor : la répétition apparemment statique et régulière, produit une vibration qui est le souffle même des métamorphoses, tissant in fine ce continuum presque linéaire où Ligeti voyait une poétique de la mécanique (celle de l’imprimerie de son oncle) : on reste convaincu par la maîtrise nuancée et hagogique du claviériste, qui semble totalement séduit par ce jeu sonore et technique, lequel questionne dans toutes les directions possibles (et audibles), les ressources de l’instrument.

 

 

 

CLIC D'OR macaron 200Au terme de ce voyage sonore en immersion dans la mécanique et la sonorité du clavecin baroque, Justin Taylor trouve ce point de partage qui relie Scarlatti II à Ligeti, unis au delà des siècles par une même pensée critique sur la sonorité du clavecin. L’audace et la justesse du programme sont remarquables. Car il ne s’agit pas de savoir bien jouer. Il faut encore pour servir la musique, oser toujours de nouvelles perspectives qui élargissent l’expérience de la musique, au disque et au concert. Bravo l’artiste !

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CD, critique. CONTINUUM : JUSTIN TAYLOR, clavecin. D. Scarlatti / Ligeti (1 cd Alpha déc 2017). CLIC de CLASSIQUENEWS de l’été 2018.

COMPTE-RENDU, ORATORIO. BEAUNE, le 15 juillet 2018. HAYDN : Les Saisons, GABRIELI Ch, con & pl. PAUL McCREESH

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COMPTE-RENDU, ORATORIO. BEAUNE, le 15 juillet 2018. HAYDN : Les Saisons, GABRIELI Ch, con & pl. PAUL McCREESH, direction. L’oratorio de Haydn occupait l’affiche à Beaune 2018 : La Création tout d’abord le 13 juillet (assez terne et tendue sous la direction plus méticuleuse que naturelle et flexible de Laurence Equilbey), surtout le moins estimé Les Saisons de 1801, ce 15 juillet donc, point culminant pourtant d’une réflexion active voire surinspirée par Haydn sur le genre et aussi d’après le poème panthéiste, naturaliste et religieux d’un certain James Thomson (poème The Seasons, vers 1730).

mc-creesh-oratorios-ahendel-Paul-McCreesh_0335_credit-Ben-WrightDans le cas du britannique Paul McCreesh, le geste est autrement plus sûr et visionnaire, généreux et architecturé, avec une attention très fine pour les détails et ici, emblème d’un auteur qui fut autant génial dans le quatuor que la Symphonie (deux genres qu’il « inventa » littéralement), les timbres orchestraux. Les Saisons sont d’abord une partition pour les instruments, capables sous la direction de McCreesh, d’exprimer le souffle, les mouvements, spectaculaires et intimes, de la miraculeuse Nature, à travers l’enchantement des saisons. En leur succession, porteuse de variété et d’éloquente caractérisation. Paul McCreeesh, ardent défenseur de la partition après le non moins sublime Nikolaus Harnoncourt, dévoile cependant sa propre traduction en anglais, écartant la piètre mise en poésie en allemand par Swieten d’après le texte originel anglais. Est ce pour cela que connaissant dans le moindre détail littéraire, l’ouvrage du dernier Haydn, le chef en exprime toute la dimension émerveillée et spirituelle avec autant de franchise et d’intensité? Il y a un fossé entre la conception efficace mais sans âme d’Equilbey et l’ivresse sensorielle, un appel à la contemplation partagée que proclame Mc Creesh.
Le séjour londonien (où il a un véritable public) de Haydn (1791-1795) lui permet d’approfondir encore sa connaissance de la source première de l’oratorio anglais : Haendel. Après La Création, coup de mâitre de 1799, voici donc Les Saisons de 1801 où le vieux compositeur, comme Rubens en fin de carrière, décuple d’audace formelle, de verve et d’imagination. Le plat qu’en délivre McCreesh est à la fois copieux et admirablement détaillé.
Les Gabrieli Choir, Consort & Players sont à leur aise, dans cette fresque opératique de 3h de musique continue : où en particulier dans l’Automne, se développent dans une verve inédite, les tableaux (délirants) de la chasse et surtout des vendanges. L’été est plus amoureux (mettant en avant le couple désirant, sensuels de la soprano et du ténor solistes) ; l’hiver dévoile la morale du cycle à travers les frimats et l’impuissance solitaire de l’homme face à ce paysage saisissant de glace et de neige (somptueuse introduction orchestrale, d’une force poétique aussi impressionnante que le début de La Création : son chaos primordial). Les interprètes indiquent tout ce que la partition a de poésie, non descriptive mais évocatoire, au sens d’une écriture moins narrative que poétique qui annonce évidemment la 6è Symphonie « Pastorale » de Beethoven, créée 7 annnées plus tard en 1808. Simon le fermier (basse), sa fille Hannah et le fiancé de cette dernière, Lucas, agrémente le tableau, chacun témoignant de son expérience et aussi de la bienveillante nature, elle même emblème du miracle divin. Comme le dit McCreesh, Les Saisons sont l’oeuvre la plus écologiste du XVIIIIè, une défense enivrée, parfois délirante, célébrant l’harmonie et la perfection de la Nature.
Dans cette tapisserie scintillante où l’orchestre récapitule les enchantements du monde, – surgissement du soleil à l’été, chasse à l’automne où brâment d’éloquents et rutilants cors (spacialisés), avant l’ivresse collective du tableau des vendanges, – pièce maîtresse et défi relevé par le choeur qui conclut dans le délire le plus truculent l’Automne. Les 3 solistes redoublent de précision et de justesse expressive : à Simon (impeccable Ashley Riches) dans l’Hiver, revient le dévoilement de la leçon ainsi développée pendant 3h : les Saisons récapitulent une existence humaine. Et l’homme à l’hiver de sa vie ne peut que remercier le destin et dieu de l’avoir ainsi réconcilier avec le monde et la miraculeuse nature.
MCcreesh paul gstaad menuhin festival par classiquenews 02_dsc_1701_fuer_newsticker-465L’élégance de Hadyn, sa verve et son sens du drame non dénué d’humour font les délices de cette lecture inspirée, stylée, … marquée par la question du tempérament et de la vivacité, clairs éléments définissant aujourd’hui l’approche du collectif Gabrieli. A Paul McCreesh, infatigable meneur de troupes, revient le mérite de comprendre une œuvre révélée avant lui par Harnoncourt (excellent enregistrement chez Sony) : McCreesh, plus britannique qu’aucun autre, cisèle, sculpte le raffinement viennois de Haydn avec un savoureux naturel proche de l’opéra. Avant Beaune, le chef a pu diriger la partition lors du premier week end inaugural du Festival Menuhin de GSTAAD (Suisse, Saanenland), le 14 juillet dernier, jalon remarqué de la 62è édition de l’événement fondé par Yehudi Menuhin en 1957.

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COMPTE-RENDU, ORATORIO. BEAUNE, le 15 juillet 2018. HAYDN : Les Saisons, 1801. Hanna : Carolyn Sampson, soprano — Lucas : Jeremy Ovenden, ténor — Simon : Ashley Riches, basse. GABRIELI CHOIR, CONSORT & PLAYERS. PAUL McCREESH, direction.

CD, critique. JS BACH : Daniel Lozakovich, violon (Concertos BWV 1042, 1041 – Partita n°2 BWV 1004 – DG Deutsche Grammophon 4799372)

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LOZAKOVICH daniel JS BACH violons concertos nos1 et 2 PARTITA N2 critique cd cd review par classiquenewsCD, critique. JS BACH : Daniel Lozakovich, violon (Concertos BWV 1042, 1041 – Partita n°2 BWV 1004 – DG Deutsche Grammophon 4799372).  Il n’avait que 17 ans… Il est encore un enfant mais comme chez … Mozart, il y a une grâce enfantine qui d’emblée pose et affirme l’artiste. Malgré son très jeune âge, le violoniste prodige Daniel Lozakovich (né suédois, en 2001 à Stockholm) impressionne par sa grande maturité artistique, une musicalité inouïe qui creuse la puissance sonore a contrario des bateleurs démonstratifs et un rien agités que l’on entendait jusque là : son intériorité et sa gestion d’un temps émotionnel, nous touchent infiniement; une telle économie pourtant éloquente et véhémente irradie dans la Partita n°2, jouée évidemment solo, dont l’exposition du jeu solitaire, sans aucun artifice subjugue de bout en bout. La lumière irradiante qui émane de son archet, sa pudeur incandescente, la tenue et la ligne de sa sonorité en font l’égal de Menuhin immédiatement mais avec une sensibilité, et une pensée qui renouvellent aussi considérablement le geste violonistique, la projection du son, comme l’énoncé des phrases. Sa Chaconne en ré mineur du même Bach avait impressionné par la hauteur de la conception, la fragilité vibratile de l’émission, l’intensité d’un geste habité, souverain, non par sa certitude mais sa justesse et sa vérité (Verbier été 2016).

 
 
 

Daniel Lozakovitch, le Menuhin du XXIè ?
Premier cd d’un déjà très grand du violon

 
 

CLIC_macaron_2014Tout découle d’une conscience ample, et d’une compréhension parfaite de l’architecture des oeuvres. En signature exclusive pour 3 albums chez DG (contrat signé en juin 2016), voici donc le premier album de la série : jouer JS BACH en ouverture est un pari fou à son âge mais totalement réussi, si l’on en juge par les idées que le jeune interprète nous transmet. La maîtrise et la retenue distante que le jeune inteprrète sait maintenir dans son jeu lui évite minauderie, détails, maniérisme et démonstration de toute sorte.
La probité distingue son jeu d’une clarté et d’une simplicité exceptionnelles. N’écoutez que les 5 épisodes enchainés de la Partita BWV 1004 : l’enchaînement des deux derniers est à pleurer par le miracle d’une lecture évidente, habitée, d’une flexibilité émotionnelle sans fard (Gigue puis Chaconne). Ce premier disque est celui d’un futur très grand du violon. Et l’on se félicite qu’un si grand artiste, n’ait pas suivi le voeu de ses parents qui voulaient en faire un tennisman.

 
 
 

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CD, critique. JS BACH : Daniel Lozakovich, violon (Concertos BWV 1042, 1041 – Partita n°2 BWV 1004 – DG Deutsche Grammophon 4799372). Parution : le 8 juin 2018

 
 
 
 

CD critique. GLUCK : ORFEO (Naples 1774),Jaroussky,I Barrochisti, Fasolis 1cd Erato 2016-2017).

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GLUCK ORFEO napoli 1774 fasolis jaroussky forsythe cd erato cd review critique cd par classiquenewsCD critique. GLUCK : ORFEO (Naples 1774),Jaroussky,I Barrochisti, Fasolis 1cd Erato 2016-2017). VERSION NAPOLITAINE. Diego Fasolis, en maestro inspiré nous dévoile une version peu connue de l’Orfeo gluckiste donnée triomphalement à Naples (après sa création originelle à Vienne en 1762) avec danses et arrangements spécifiques pour réussir sa création au moment du carnaval de 1774. D’emblée la tenue magistrale de l’orchestre sur instruments anciens, détaillée, colorée, vive et subtilement énoncée impose une parure idéale à cette version historiquement informée de l’Orfeo de GLUCK à la mode napolitaine. L’activité de l’orchestre, très fluide et nerveux, mais sans sécheresse s’impose de bout en bout. Le dramatisme rond jamais véritablement mordant mais parfaitement équilibré dans sa caractérisation demeure l’atout majeur de cette lecture très aboutie voire ciselée : elle n’a pas encore la force décuplée de la version parisienne une décennie plus tard (entre autres grâce au morceau qu’ajoute alors Gluck, la fameuse danse des Furies, d’une frénésie hallucinée/nante) mais ici, le souffle que projette dans le tableau des furies justement, et que doit assagir et séduire l’endeuillé Orphée (scène III, entrée aux enfers) le maestro maître des rebonds élégiaques (évocations des ombres heureuses aux Champs-Elysées, scène V) ou donc tragiques, Diego Fasolis, suscite notre plein enthousiasme.
Il s’agit de la version pour voix de contre ténor aigu à laquelle il n’est pas certain que le chant de Philippe Jaroussky, tout en acidité (souvent peu contrôlée) et en intonation univoque, malheureusement toujours égale apportent l’éclairage idéal: on sait la séduction du timbre du français mais force est de constater l’usure d’une voix de plus en plus aigre aux aigus tirés dont le médium préserve désormais la tessiture inégale et pleine de contorsions linguistiques assez surprenante.

Face à ce chant limité et artificiel, l’amour de la soprano Emöke Barath séduit, envoûte. De même, l’Euridice d’Amanda Forsythe est d’une élégance mozartienne et l’adjonction de son grand air de bravoure (pour satisfaire les caprices narcissiques de la prima donna et aussi satisfaire aux canons de l’opéra italien soit l’air peu joué ailleurs signé Lasnel / Naselli: « tu sospiri ») apporte un éclairage premier, majeur, grâce au timbre suave et idéalement incarné de la soprano : voilà qui donne une épaisseur inédite au personnage d’Euridice ; on comprend mieux que dans la scène VI, la ressuscitée confrontée à l’apparente froideur de son aimé, provoque son retournement fatal en pleine ascension salvatrice. La jeune soprano vole la vedette au contre-ténor français. Son chant reste sincère et juste malgré l’écriture ornementée, un rien bavarde de Lasnel. L’expression de l’amoureuse perdue, démunie, déconcertée est totalement réussie.
Le choeur demeure honnête parfois appliqué mais articulé. Les vrais protagonistes restent les instruments anciens, idéalement canalisés sous la baguette d’un orfèvre épris de sensualité tragique : maestro Fasolis. Pilotant avec flexibilité et efficacité ses I Barrochisti, le chef diseur et lui aussi poète, souligne ce qui fait la force de l’opéra révolutionnaire de GLUCK aidé de son librettiste Cazalbigi, sa grande cohésion continue, son souffle unitaire : un chef d’œuvre et une épure dramatico tragique conçue selon les divines proportions d’un relief antique.

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CD, critique. GLUCK : ORFEO (Naples 1774),Philippe Jaroussky, Emöke Barath, Amanda Forsythe, I Barrochisti, Diego Fasolis, 1cd Erato 2016-2017)

CD, critique. MUSICA NOVA : Jordi Savall (viole soprano) et Hespèrion XXI (1 cd Alia Vox)

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ALIA-VOX-critique-cd-classiquenews-MUSICA-NOVA-savall-review-cdCD, critique. MUSICA NOVA : Jordi Savall (viole soprano) et Hespèrion XXI (1 cd Alia Vox). En préambule de ce programme admirable, la notice rédigée par l’éditeur ALIAX VOX, elle-même très claire : «  Peut-être tout a-t-il commencé, dans les premiers jours du siècle naissant, ou peut-être au milieu d’une obscure nuit d’hiver de la belle année 1400. Un siècle où l’on commençait à connaître les merveilleuses histoires et les odyssées d’une ancienne civilisation millénaire redécouverte, celles de temps antiques (NDLR : l’Antiquité gréco romaine, à travers les vestiges et ruines patrimoniales toujours en place) dans lesquels les philosophes étaient des maîtres de sagesse et d’humanité et où la musique, entre les mains d’Orphée était capable d’amadouer les fauves les plus sauvages. Au milieu de tant de nouveautés et de merveilles, il n’est pas étonnant que quelque vieux ménestrel ait pu imaginer sur son instrument à corde, un son nouveau plus riche et plus expressif, en pensant à une musique nouvelle, une ’musica nova’ qui permettrait de fusionner sur un seul instrument le chant amoureux de l’ancienne fidula d’arc, du rebab ou du rebec des troubadours avec les douces pulsations du vieux luth mauresque, porteur de belles harmonies et de rythmes pleins de joie. Ce luth mauresque, un instrument qui fut remplacé par la vihuela de mano ou viole de main, après les successives expulsions d’Espagne des Juifs en 1492 et des Maures en 1609. »
Voilà posée l’équation d’un phénomène qui a marqué le renouveau des arts et de la culture en Europe au XVè : la Renaissance ou la redécouverte de l’Antiquité, de ses proportions harmoniques, de sa philosophie et de son esthétique d’une beauté à couper le souffle.
Sur les traces de ce nouveau langage qui évidemment concerne l’écriture musicale et surtout l’instrumentarium ainsi réinventé, Jordi Savall restitue ce consort de violes qui représente l’idéal sonore d’un temps de redécouverte. Ainsi naît la viole Renaissance (6 cordes / 7 frettes) dont les premières images sont produite à Valence et Barcelone, en terres catalanes pour le plus grand plaisir du chef natif, à la fin du XVè…
CONSORT DE VIOLES à 5 instruments : La musique nouvelle depuis 1400, s’affirme alors, en véritable chambrisme où, ici, dialoguent, s’écoutent, répondent les 5 instruments à cordes : violes de gambes soprano (Savall et Pierlot), viole ténor (Casademunt), basse de viole (Duftschmid), sans omettre le violone (Puertas)… soit un quintette qui rétablit la présence vibratile, poétique d’un chœur instrumental qui a posé dès le XVè à travers l’expérience collective canalisée, les fondements de notre musique de chambre européenne. Aux cordes résonantes solistes, s’invitent selon les pièces, les percus (Estevan), l’archiluth (Solinis), le théorbe et la guitare (Diaz-Latorre). C’est donc aussi un collectif d’individualités au tempérament et à la personnalité très affinée, mais ouverte à l’autre, qui incarne une odyssée humaine, car ces musiciens là, réunis autour de leur pair (et non pas chef : il faut assister à un concert d’Hesperion XXI pour mesurer l’humilité fraternelle qui rayonne du geste intérieur et bienveillant de Jordi Savall à l’adresse de ses complices), réalise aussi une utopie collégiale d’une rare entente. Complicité, égalité composent ici un tout autre fonctionnement musical et interprétatif qui fait rupture avec le dispositif hyper conventionnel du concert traditionnel, où un musicien autocélébré chef, « dirige » les autres. A travers cette fraternité musicienne, Jordi Savall a toujours défendu l’idée d’un vivre ensemble, d’un penser ensemble concret, vivant, accessible, grâce à la pratique musicale. Une réalité qui fait exemple et modèle aujourd’hui.

 
 
 

Jordi Savall et Hespérion XXI ressuscitent la magie du consort de violes

Joyaux chambristes des XVIè et XVIIè siècles

 
 
 

savall-festival-fontfroideAvec la viole Renaissance, se précise le chant spécifique de l’instrument, cordes résonantes et expressives désormais dont l’âme propre exprime une individualité instrumentale inédite. A Venise dès 1540 (recueil « Musica Nova » édité alors, et qui donne son titre au présent album), se développe une riche littérature de manuscrits pour instruments seuls, sans la voix. les Canzone per sonare régénèrent et réinventent les danses, la complexité contrapuntique. Le parcours passionnant du programme débute logiquement à Venise en 1500 (série de 4 danses vénitiennes : Pavanne royal, gaillarde, el todescho, Saltarello), passe entre autres par un Ricercar d’Andrea Gabrielli (musicien à Venise), puis en vaste tour d’Europe, réssuscite l’Angleterre elisabetaine et jacobéenne de Dowland, Gibbons, William Brade… ; fait escale à Hambourg en terre germanique (Paduan, dolorasa, Allemande (évidemment) et Gaillarde de Samuel Scheidt (intériorité à la fois spirituelle et sensuelle du premier Baroque) ; puis, préparé par La Cetra du vénitien (toujours) Legrenzi, transporte en France, à la Cour de Versailles, (1680) où sous Louis XIV, Marc Antoine Charpentier écrit sa conception d’une conversation pour violes : Concert pour quatre parties de violes (H 545). Soit 6 sections d’un cycle lumineux et ciselé qui compte 2 gigues (anglaise et française) et s’achève par une Passacaille. Enfin, source d’une fierté native bien légitime, l’Espagne baroque finit la boucle dans Folias & Danzas ibéricas (1680-1700), complétant une traversée qui s’achève avant l’avènement du XVIIIè : San Lorenzo, Araujo et surtout Joan Cabanilles que Savall s’est ingénié à ressusciter de concerts en cd : sa « Corrente italiana » palpite et s’embrase à travers l’intimité collective des fameux 5 instruments à cordes, auxquels s’ajoutent théorbe et tambour. Le visuel de couverture, les fameuses Noces de Cana de Véronèse souligne cette apothéose du chambrisme Renaissance où les musiciens de cette philosophie appliquée sont placés au centre, et au premier plan de la toile spectaculaire.
CLIC_macaron_2014Méditatifs, jusqu’à être vaporeux et évanescents, en maîtres de l’ombre et de lumière, expressifs mais mesurés et nuancés, les instrumentistes d’Hesperion XXI subliment cet essor révélé de la musique de chambre, déjà pratiquée à très haut niveau au XVIè et XVIIè siècle. Un modèle du genre, que perpétuent aujourdh’ui, d’une génération à l’autre, le jeune ensemble sur instruments anciens, Les Timbres (remarquable cd des Concerts royaux de François Couperin, édité simultanément au printemps 2018, et comme MUSICA NOVA de Jordi Savall, élu CLIC de CLASSIQUENEWS de mai 2018).

 
 
 
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Track listing MUSICA NOVA :
1500 DANZE VENEZIANE :
1-4. Anonimo Pavana del Re – Galliarda la Traditora – El Todescho – Saltarello 6’06

1540 MUSICA NOVA
5. Hieronimus Parabosco Ricercare XIV « Da Pacem »
2’16

1589 RICERCARI & CAPRICCI
6. Giovanni Battista Grillo
Capriccio V
2’27

7. Andrea Gabrieli Ricercar VII
2’38

1612 ELIZABETHAN & JACOBEAN CONSORT MUSIC
8. John Dowland Lacrimae Pavan 3’43
9. John Dowland The King of Denmark Galliard 1’32
10. Orlando Gibbons In Nomine a 4 2’21
11. William Brade Ein Schottisch Tanz 2’53

1621 LUDI MUSICI. HAMBURG
12-15. Samuel Scheidt
Paduan V – Courant Dolorosa –Allemande XVI – Galliard Battaglia XXI 13’18

1644 CORONA MELODICA
16. Biagio Marini Passacaglia à 4 3’11

1673 LA CETRA17. Giovanni Legrenzi Sonata sesta a 4 Viole da gamba 5’42

1680 LE CONCERT DE VIOLES À LA COUR DE LOUIS XIV
Marc-Antoine Charpentier : Concert pour quatre Violes (H.545)
18-23. Prélude – Allemande – Rondeau – Gigue anglaise – Gigue française – Passecaille 21’24

1680-1700
FOLÍAS & DANZAS IBÉRICAS
24. Pedro de San Lorenzo Folia (Obra de 1er Tono, N. 10) 3’32
25. Pedro de Araujo Consonancias de 1º Tom 2’56
26. Joan Cabanilles Corrente italiana 3’16

 
 
 

distribution :
HESPÈRION XXI
Philippe Pierlot, Sergi Casademunt, Lorenz Duftschmid, violes de gambe
Xavier Puertas, violone · Xavier Díaz-Latorre, archiluth, théorbe & guitare ·
Enrike Solinis, archiluth . Pedro Estevan, percussion
Jordi Savall viole de gambe (soprano) et direction

Enregistrement les 6 et 7 d’avril à la Collégiale de Cardona (Catalogne) par Manuel Mohino.Montage et Masterisation SACD : Manuel Mohino (Arsaltis)

 
 
 

CLIC de CLASSIQUENEWS de mai 2018

CD, critique. MUSICA NOVA : Jordi Savall (viole soprano) et Hesprion XXI (1 cd Alia Vox)  
 
 
https://www.alia-vox.com/fr/catalogue/musica-nova/
 
 
 

CD, compte rendu critique. LA REVEUSE : MARIN MARAIS, Pièces de viole (1 cd Mirare, 2016 et 2017).

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MARAIS MARIN pieces de viole cd la reveuse critique cd review cd par classiquenews 927bce66-9c57-41c3-ad24-f59205758d34CD, compte rendu critique. LA REVEUSE : MARIN MARAIS, Pièces de viole (enregistré en 2016 et 2017). La Rêveuse choisit une collection de pièces de violes parmi les deux derniers Livres de Marin Marais, publiés en 1717 et 1725. A l’heure où l’histoire semble se précipiter (mort de Louis XIV en 1715, régence de Philippe d’Orléans, puis avènement du jeune Louis XV en 1723 à 14 ans), Marin Marais impose une virtuosité pour la viole inégalable : il a pour seul rival Forqueray. On aime souvent opposer la rondeur mondaine et opportuniste de Marais, au feu passionné, sauvage de Forqueray.

Sur les traces de ces deux étoiles de la viole baroque française, (l’Ange et le Démon), La Rêveuse trouve l’élégance du geste juste, la vérité des accents les plus nuancés pour exprimer tout ce que fait le charme et la séduction de l’écriture de Marais.
Un laisser agir, une grâce faite d’abandon et de tension, qui se rapproche de fait de cette « sprezzatura » ou naturel, grâce auquel, la difficulté s’efface sous l’illusion de la facilité.
Tout en ciselant cette grâce du geste qui distingue Marais en son temps, à la fois, compositeur et interprète, La Rêveuse éclaire aussi sa sensibilité pour la couleur et les tonalités (comme le précise avec raison Florence Bolton dans le texte très bien argumenté de la notice accompagnant le cd).

L’ELOQUENTE POESIE DE MARIN MARAIS

Les instrumentistes montrent ici combien dans ses 2 derniers Livres, Marais aime caresser et modeler avec un sens nouveau de la transition et des nuances. En cela, les interprètes soulignent l’apport de la facture française propre aux recherches de Marais : manche renversé, surtout 7è corde, grave, propre à faire vibrer l’humeur mélancolique.
Flattant et cultivant la pénombre et les zones instables, Marais favorise un imaginaire nouveau, plus allusif et poétique que démonstratif et virtuose : tel est l’enjeu et le caractère du Badinage par exemple (au fa dièse fragile et presque inquiet) où la voix basse doit murmurer littéralement (dans l’esprit des amants du peintre Watteau – en couverture du cd-, nostalgiques, saturniens, presque dépressifs).

Eloquents et flexibles, les instrumentistes de la Rêveuse savent faire chanter et même parler violes, clavecin et théorbe au diapason de cette palette de l’introspection. Une esthétique qui s’appuie aussi sur la précision presque maniaque avec laquelle Marais (comme François Couperin au même moment) note les « agréments » (nuances et accents requis pour respecter l’esprit et le caractère de chaque pièce). Même « batterie de signes » chez Marais, à l’esprit pointilleux car il sait l’enchantement et l’ivresse même que peuvent produire ses pièces si l’on respecte ses indications à la lettre (et jusqu’à la ponctuation chez Couperin) : la collection que nous proposent les musiciens de la Rêveuse le démontre à l’envi.

Exigeant et défricheur voire expérimental, Marais nous stupéfie totalement dans le livre V par exemple où règne Le Tact, qui révèle un nouveau pizzicato de la main gauche…
Comme Couperin, Marais réinvente la notion de Suite, qu’il écarte à la faveur d’une suite de Caractères, autant d’épisodes investis dramatiquement comme autant de miniatures spécifiquement caractérisées. Couperin est aussi présent à travers deux pièces transposées pour le théorbe (pratique attestée par Robert de Visée et qui témoignent du succès des oeuvres pour clavecin de Couperin). Portrait émotionnel, séquence dramatique liée à une expérience particulière (vraies scènes de genre, comme en écho à la vie sociale du compositeur…, à la Cour, à la ville…) ; ainsi Le jeu du volant (ancêtre du Badminton… mais pratiqué au sein des classes les plus aisées); de même, sont brossés avec une nouvelle intensité poétique (et grand naturel technicien) : la vivante Biscayenne, le Doucereux, La Provençale, et dernier opus de la collection, La Rêveuse, divin miroir de la Mélancolie. Mais parmi les paysages climatiques et sociétaux, distinguons l’inénarrable Fête Champêtre, évocation quasi picturale, avec ses seconds plans sonores où résonnent selon le goût d’alors, la musette et le tambourin, qui font fureur à la ville. Subtile, doués d’une sonorité enchanteresse, les instrumentistes de La Rêveuse composent ici l’un de leurs meilleurs programmes dédiés aux poètes coloristes baroques : Couperin et Marais évidemment. Magistral sélection, geste convaincant. CLIC de CLASSIQUENEWS de janvier 2018.

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CLIC_macaron_2014CD, compte rendu critique. LA REVEUSE : MARIN MARAIS, Pièces de viole — 1 cd Mirare, enregistré en 2016 et 2017. CLIC de CLASSIQUENEWS de février 2018.

RINALDO de HAENDEL (1711)

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Bruxelles : Tamerlano et AlcinaANGERS NANTES OPERA. HAENDEL : Rinaldo, 24 janv – 6 fév 2018. Un couple brillant s’impose ici, Rinaldo / Renaud et Almirena, la fille de Goffredo, le chef des armées des croisés venues assiéger et conquérir Jérusalem. Dans la cité occupée par les musulmans, Argante tente vainement de sauver son trône et ses privilèges grâce à la magie de son amante la perfide et fourbe Armida (figure emblématique des sorcières baroques, noires et manipulatrices). La force de la partition de Haendel est de marier l’héroïque et le fantastique, labyrinthe poétique propre à régénérer le genre de l’opera seria moribond et trop mécanique ; les failles qu’il sait y développer offrent par instants, de superbes portraits individuels où percent la folie et la vulnérabilité maladie des hommes. L’Amour est un poison délicieux et mortel. Même si l’amour et la vertu triomphent, il faut que les héros passent par l’épreuve du doute, du soupçon, de la haine et de la trahison.
Avec Rinaldo (1711), le jeune Haendel, saxon âgé de 26 ans, qui vient de finir son tour italien, offre son premier opéra italien à Londres. Le triomphe est total : il scelle d’heureuses noces entre l’étranger et la public londonien. Haendel apporte tout à Angleterre : l’opéra seria et bientôt l’oratorio d’abord italien, ensuite spécifiquement anglais… une trajectoire inouïe dans l’histoire de l’opéra baroque et dans l’Histoire musicale tout court.

Présentation de Rinaldo de Haendel sur le site d’Angers Nantes Opéra :

« En ce début de XVIIIe siècle à Londres, on craignait Georg Friedrich Haendel autantrinaldo qu’on l’admirait. Celui qu’on avait surnommé le grand ours parce qu’il était grand et massif, était célèbre pour ses colères. Ne l’avait-on pas vu donner des coups de pied à ses musiciens inattentifs ou leur jeter leurs instruments à la figure quand ils ne parvenaient pas à suivre ses indications ? Force de la nature, glouton et solitaire, souvent débraillé, déambulant dans les rues en parlant à haute voix, Haendel n’avait rien d’un gentleman mais avait conservé sa rudesse allemande et l’héritage d’érudition de sa ville natale, l’universitaire Halle.
Sa puissance physique, son caractère volontaire, rigoureux, il les mit entièrement au profit de son oeuvre et de son ambition, de Halle, où il se forme, à Hambourg où il se révèle à dix-huit ans avant que d’y créer son premier opéra, Almira, à tout juste vingt ans. Puis en Italie dans laquelle son talent brille à Florence, Rome, Naples et Venise où son opéra Agrippina connaît un tel triomphe qu’il peut s’en servir comme d’un prestigieux marchepied pour atteindre, conquérir Londres, qu’il désire, à seulement vingt-cinq ans.
Bourreau de travail, sans autres plaisirs connus que ceux de la musique et de la table, passant rarement plus de trois semaines pour composer un opéra ou un oratorio, capable de corriger ses erreurs en trois nuits si le public n’est pas aussitôt conquis, le jeune prodige fascine le beau monde, est introduit à la Cour d’Angleterre où la reine Anne le reçoit avec enthousiasme. On l’admire brillant claveciniste et organiste, on savoure la rigueur architecturale de ses compositions, on s’extasie de sa maîtrise de l’art du théâtre, on aime son exotique parfum musical qu’il a importé d’Italie. On espère aussi son autorité salvatrice.
Et, en effet, la brutalité de Haendel apporta le salut tant désiré à la scène londonienne, menacée de périr quand la mode de l’opéra italien, en gloire depuis 1706, aurait fini par disparaître de ses excentricités. Car les divas que sacrait cet opéra multipliaient les caprices, ne voulaient plus chanter qu’à prix d’or, exigeaient crânement qu’on réécrive leurs rôles pour mieux servir leur talent… et leur prétention. Haendel remit de l’ordre, voulut même passer par la fenêtre une prima Donna qui refusait sa partition. Les mélomanes anglais avaient longtemps espéré, attendu un maître digne de remplacer Henry Purcell, Haendel leur a offert plus qu’ils n’espéraient, lui qui, même vieillissant, même devenu aveugle, continua de composer, demeurant fidèle à sa patrie d’adoption jusqu’à sa mort à l’âge de soixante-quatorze ans.”

 
 
 

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RINALDO de HAENDEL par ANGERS NANTES OPERA
OPERIA SERIA – EN TROIS ACTES.
Livret de Aaron Hill et Giacomo Rossi. Créé au Queen’s Theater de Londres le 24 février 1711.

 
 

NANTES THÉÂTRE GRASLIN
mercredi 24, vendredi 26,
dimanche 28, lundi 29, mercredi 31 janvier 2018

 

ANGERS GRAND THÉÂTRE
dimanche 4, mardi 6 février 2018

en semaine à 20h, le dimanche à 14h30

 
 

RESERVER VOTRE PLACE
http://www.angers-nantes-opera.com/rinaldo.html

 
 
 

distribution :

DIRECTION MUSICALE BERTRAND CUILLER
MISE EN SCÈNE ET SCÉNOGRAPHIE CLAIRE DANCOISNE

AVEC
Paul-Antoine Bénos, Rinaldo 
Lucile Richardot, Goffredo 
Emmanuelle de Negri, Almirena 
Aurore Bucher, Armida 
Thomas Dolié, Argante

Ensemble Le Caravansérail
Bertrand Cuiller (direction)

CD, compte rendu, critique. BERLIOZ : Les Troyens. John Nelson (4 cd + 1 dvd / ERATO – enregistré en avril 2017 à Strasbourg)

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berlioz-les-troyens-didonato-spyres-nelson-3-cd-ERATO-annonce-cd-premieres-impressions-par-classiquenewsCD, compte rendu, critique. BERLIOZ : Les Troyens. John Nelson (4 cd + 1 dvd / ERATO – enregistré en avril 2017 à Strasbourg). Saluons d’emblée le courage de cette intégrale lyrique, en plein marasme de l’industrie discographique, laquelle ne cesse de perdre des acheteurs… Ce type de réalisation pourrait bien relancer l’attractivité de l’offre, car le résultat de ces Troyens répond aux attentes, l’ambition du projet, les effectifs requis pour la production n’affaiblissant en rien la pertinence du geste collectif, de surcroit piloté par la clarté et le souci dramatique du chef architecte, John Nelson. Le plateau réunit au moment de l’enregistrement live à Strasbourg convoque les meilleurs chanteurs de l’heure Spyres DiDonato, Crebassa, Degout, Dubois… Petite réserve cependant pour Marie-Nicole Lemieux qui s’implique certes, mais ne contrôle plus la précision de son émission (en Cassandre), diluant un français qui demeure, hélas, incompréhensible. Même DiDonato d’une justesse émotionnelle exemplaire, peine elle aussi : ainsi en est-il de notre perfection linguistique. Le Français de Berlioz vaut bien celui de Lully et de Rameau : il exige une articulation lumineuse.
La Chute de Troie convoque des personnages qui se font individualités fortes : désespérée, mais sublimes (selon l’idéal de Berlioz qui recherche chez Gluck, la grandeur humaine, la noblesse morale quelque soit la situation et le destin) : ainsi le Chorèbe de Stéphane Degout, hier servi avec peut-être plus de distinction encore, par l’inusable et altier Ludovic Tézier ; idem dans la seconde et dernière partie, Les Troyens à Carthage dont l’orchestre sait aussi sculpter avec une volupté lascive, les couleurs africaines.
A défaut d’un français parfait, le sens commun resserre la cohésion de l’équipe dans l’exactitude du sentiment et du caractère de chaque scène. Saluons après un Jon Vickers légendaire sous la direction de Colin Davis (référence absolue), l’américain Michael Spyres (qui aux côtés d’Enée, chante aussi chez Berlioz, un remarquable et très humain, Faust). La ligne, la pureté du style le distinguent de ses partenaires. Torche vivante, embrasée, amoureuse passionnée qui se consume totalement, la Didon de Joyce DD marque les esprits par la vérité de son incarnation, moins l’éloquence linguistique de son personnage. Elle est donc plus organique et féline, sauvage mais princière qu’aristocratique par un verbe ciselé. Mais les nuances et les couleurs fauves d’une grande tragédienne sont bien là : proches du sublime.
Le soin apporté aux « seconds rôles » fait les grandes réalisations. Saluons aussi le Narbal épatant de Nicolas Courjal, comme l’HyIas de Stanislas de Barbeyrac, le Iopas de Cyrille Dubois, deux figures montantes du chant français (baroque autant que romantique), de même la sentinelle très juste de Richard Rittelmann au tout début de l’épopée…

CD. BERLIOZ : Les Troyens maîtrisés de John NelsonArchitecte, soucieux de la direction globale comme de la grande lisibilité des scènes, entre l’individuel (qui prime dans le destin tragique du couple Didon / Enée dans la seconde partie), et la flamme collective où souffle le vent de la fresque virgilienne, John Nelson réalise une approche plutôt sérieuse et construite. Pourtant sans atteindre la vérité et la profondeur de Colin Davis, Nelson accomplit une lecture structurée, construite où s’assume aussi la belle présence des choeurs requis pour l’expérience strasbourgeoise. Du beau métier, solide et expressif. Mais… reconnaissons que le français et sa lisibilité continuelle manquent cruellement ici. En 1969, Colin Davis savait autrement maîtriser l’éloquence déclamatoire mais si naturelle du texte berliozien, d’une grandeur humaine, juste et poétique. Nonobstant nos infimes réserves, la lecture de Nelson 2017 s’impose par son nerf, sa franchise expressive, son relief dramatique global; l’engagement des chanteurs, prêts à caractériser leur partie, malgré un français vraiment inintelligible pour certains. Même perfectible, cette version est une production lyrique ambitieuse, qui dans sa version enregistrée, alliant l’audio et la vidéo, – 4cd et 1 dvd-, doit être soulignée en gras, – nouveau fleuron Erato, élément moteur qui régénère l’industrie du disque en pleine crise.

 

 

 

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CD, compte rendu, critique. BERLIOZ : Les Troyens. John Nelson (4 cd + 1 dvd de 1h25mn / ERATO – enregistré en avril 2017 à Strasbourg).

CLIC_macaron_2014BERLIOZ : LES TROYENS. Opéra en 5 actes et 2 parties : La Prise de Troie et Les Troyens à Carthage. Livret du compositeur, d’après L’Énéide de Virgile. Création en allemand à Karlsruhe au Hoftheater le 6 et 7 décembre 1890 — Première partie créée en français, le 4 novembre 1863 à Paris, au Théâtre Lyrique / Seconde partie créée en français, le 28 janvier 1891 à Nice, au Théâtre municipal

 

 

Par ordre d’apparition :

 

 

Un soldat (acte I), un capitaine grec (acte II) : Richard Rittelmann
Cassandre : Marie-Nicole Lemieux
Chorèbe : Stéphane Degout
Enée : Michael Spyres
Ascagne : Marianne Crebassa
Panthée : Philippe Sly
Hélènus, Hylas : Stanislas de Barbeyrac
Priam : Bertrand Grunenwald
Hécube : Agnieszka Sławińska
Ombre d’Hector, Mercure : Jean Teitgen

Didon : Joyce Di Donato
Anna : Hanna Hipp
Iopas : Cyrille Dubois
Narbal : Nicolas Courjal
Sentinelle I : Jérôme Varnier
Sentinelle II : Frédéric Caton

Chœur de l’Opéra national du Rhin
Direction : Sandrine Abello

Badischer Staatsopernchor
Chef du chœur : Ulrich Wagner

Chœur philharmonique de Strasbourg
Chef du chœur : Catherine Bolzinger

Orchestre Philharmonique de Strasbourg
Direction musicale : John Nelson

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CD événement, critique: DOLCE DUELLO (Decca). Cecilia Bartoli et Sol Gabetta

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Dolce-Duello-Edition-limiteeCD critique : DOLCE DUELLO (Decca). Cecilia Bartoli et Sol Gabetta. Deux tempéraments féminins s’accordent ici pour partager un goût d’une ineffable finesse, associant virtuosité et expressivité dans une série d’arches de plus en plus languissantes et sensuelles. Classiquenews avait relevé l’esprit napolitain, le piquant ensoleillé du visuel de couverture où les deux stars associées se tenant sous l’ombrelle, tout en enfourchant leurs Vespas emblématiques…. tout signifie ici car tout est cohérent. Il souffle une ivresse très latine, piquante, agile, plus rauque qu’auparavant, moins élastique peut-être, mais toujours remarquablement véloce et d’une belle intensité chez la mezzo romaine Cecilia Bartoli. Lui donne la réplique avec souplesse et finesse, le jeu tout en intelligence mordorée de la violoncelliste argentine Sol Gabetta. La sélection a retenu des airs lyriques extraits d’opéras dont plusieurs premières, avec violoncelle obligé : ce sont deux voix pour un chant d’une volupté ardente, vive, palpitante, combinant vocalité du violoncelle, chaleur ambrée et chaleureuse de la voix. Le programme avait été lancé / créé au dernier festival estival de Gstaad en Suisse, fin août 2017, où rayonnait la complicité des deux personnalités. Sol Gabetta n’en est pas à sa première expérience : on se souvient d’un disque d’une même eau complice réalisé avec le piano d’Hélène Grimaud.

A 2 voix égales, Cecilia Bartoli, Sol Gambetta

Sous l’ombrelle, 2 Lolitas s’alanguissent et palpitent…

Ici règne ce mélange ensorcelant d’agilité, et d’abandon, de nerf et de tendresse, diversemment mesurés, déployés avec l’instinct musical et l’intelligence de deux authentiques divas de l’intention et de la finesse, sachant l’une comme l’autre nuancer, colorer, moduler pour exprimer non plus la séduction de la musique, mais son sens sur le plan émotionnel.

GABETTA BARTOLI dolce duello cd DECCA presentation impression par classiquenewsSur la trace des castrats créateurs de la plupart des airs ici restitués (en première mondiale pour certains), Cecilia Bartoli a sélectionné en complicité avec Sol Gabetta plusieurs airs d’une langueur virtuose rare : celle du vénitien du XVIIè, Antonio Caldara dont deux airs sont retenus ; mais aussi paraissent Domenico Gabrielli – ici la révélation de l’album dans « Aure voi de’ miei sospiri« , Air d’Inomenia extrait de San Sigismondo, re di Borgogna (1687), mais aussi Haendel ou Vivaldi dont Cecilia Bartoli incarne les tiraillements de Vitellia du Tito Manlio (acte I)…, – certains autres airs, réalisant l’équation délicate de l’agilité et la sincérité expressive. La tristesse et la profondeur funèbre d’Alceste de l’Arianna in Creta de Haendel, se déploie dans les mélismes et du violoncelle et de la maezzo suave, alangie (1734). Mais c’est certainement dans la gestion de la ligne vocal, sur le souffle, que Bartoli s’affirme dans Nitocri de Caldara (un inédit de 1722), qui ouvre ce formidable programme, équilibré et progressif tout en soignant la contraste des séquences dramatiques. Du Vénitien, Gianguir de 1724 permet non pas un duel, mais la confrontation de deux intensités éperdues, frénétiques, violoncelle et voix, très subtilement imbriqués. Du bel ouvrage pour des partitions méconnues qui trouvent deux ambassadrices au charme convaincant.
Sol Gabetta, en conclusion du programme, joue le Concerto opus 34 de Luigi Boccherini, d’une virtuosité là encore intérieure ; la soliste toujours très subtile, éclaire le parcours sentimental et émotionnel avec les instrumentistes de Cappella Gabetta (Andres Gabetta, direction). De sorte que ce bouillonnement tendre et sculpté avec finesse, double sur le plan purement instrumental, l’éclat, la brillance et la sincérité des tourments et extases précédemment incarnés sur le plan vocal. Belle et tendre association.

Programme du cd Dolce Duello :

01. Antonio Caldara : « Fortuna e speranza« , Air de Emirena extrait de Nitocri (1722)
02. Tomaso Albinoni : « Aure andate e baciate« , Air de Zefiro extrait de Il nascimento dell’Aurora (1710)
03. Domenico Gabrielli : « Aure voi de’ miei sospiri« , Air de Inomenia extrait de San Sigismondo, re di Borgogna (1687)
04. Antonio Vivaldi : « Di verde olivo », Air de Vitellia extrait de Tito Manlio (1719)
05. Georg Friedrich Haendel : « What passion cannot Music raise and quell!« , Air extrait de Ode for St. Cecilia’s Day (1739)
06. Antonio Caldara : “Tanto e con sì gran pena », Air extrait de Asaf extrait Gianguir (1724)
07. Georg Friedrich Haendel : « Son qual stanco pellegrino« , Air d’Alceste extrait de Arianna in Creta (1734)
08. Nicola Porpora : « Giusto Amor, tu che m’accendi », Air d’Adone extrait de Gli Orti esperidi (1721)
09-11. Luigi Boccherini : Concerto pour violoncelle, op. 34

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CLIC_macaron_2014CD événement, critique : DOLCE DUELLO (Decca). Cecilia Bartoli et Sol Gabetta – Parution le 10 novembre 2017. Prochaine grande critique du cd Dolce Duello le jour de la parution du cd – Gradn entretien exclusif avec Sol Gabetta à venir sur CLASSIQUENEWS.COM

LIRE aussi notre dépêche annonce du cd DOLCE DUELLO par Cecilia Bartoli et Sol Gabetta

CD événement, annonce. JS BACH : BRANDENBURG CONCERTOS / REINHARD GOEBEL (2 cd SONY classical, 2016).

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BACH JS BRANDEBOURG CONCERTOS berliner barock solisten reinhard goebel 2 cd sony classical critique cd review cd presentation par classiquenews CLIC de classiquenews decembre 2017 cadeau de NOEL 2017 dossier cd de NOEL 2017 le must to share._SX522_CD événement, annonce. JS BACH : BRANDENBURG CONCERTOS / REINHARD GOEBEL (2 cd SONY classical, 2016). Reprise réjouissante. 30 années après avoir gravé une première et légendaire approche sur instruments d’époque des Concertos Brandebourgeois , – alors avec son ensemble aujourd’hui disparu Musica Antiqua Köln, le violoniste ressuscité, plus inspiré et chantant que jamais, Reinhard Goebel, devenu chef, propose (ici fin 2016) une nouvelle version juvénile, superlative du cycle flamboyant signé par un Bach des plus aimables et mondains. Le chef a réuni un collectif d’instrumentistes épatants qui savent mêler virtuosité, finesse, total engagement et précision. On croirait qu’ils viennent d’exhumer la partition et la lire avec un enthousiasme premier.
Les 6 Concertos mythiques, complété par la sinfonia BWV 174 – aux deux mouvements où les cordes décollent et s’embrasent en une chorégraphie en lévitation, illustrent avec éloquence et entrain tout ce que l’intelligence musicale peut accomplir, décidant des partis interprétatifs. Il en résulte une lecture qui saisit par sa coupe nerveuse et tonique, un bain d’énergie et un festival de timbres (cordes, vents et cuivres d’une santé concurrentielle) qui est aussi vivier de nuances en constante réinvention.
Avec un nouvel ensemble berlinois – Berliner Barock Solisten, le père de la révolution baroque après Harnoncourt, renoue avec ce qui manque chez beaucoup de virtuoses de la jeune génération baroqueuse actuelle, le sens du risque, le goût de l’expérimentation, profitant de ce que le Baroque proche de l’improvisation, permet une infinité d’options possibles dans la résolutions des phrasés, de la dynamique, de la balance, de l’articulation, de l’équilibre instrumental…
Force est de constater que le « vétéran » Goebel regorge aujourd’hui d’idées, cultive une imagination jamais au repos, préfère comme ici, repousser encore les limites de l’expressivité surprenante. Parmi d’autres joyaux accomplis, le pétulant BWV 1048, n°3, regorge et d’allant, d’articulationet de fluidité impérieuse. La frénésie et l’élégance sont idéalement canalisées au service de la jubilation.
Voici assurément le triomphe de l’imagination, de la liberté servie par une expérience, une vision, un engagement de premier fervent. C’est bien d’une seconde jeunesse, passionnante par les chemins de traverse qu’il nous fait découvrir s’agissant d’un cycle que l’on croyait connaître de fond en comble. Lecture jubilatoire. Prochaine grande critique dans le mag cd dvd livres de classiquenews

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CLIC D'OR macaron 200CD événement, annonce. JS BACH : BRANDENBURG CONCERTOS / REINHARD GOEBEL (2 cd SONY classical, 2016) – enregistrement réalisé à Berlin, diapason 442, en juillet et décembre 2016. CLIC de classiquenews de novembre et décembre 2017.

CD événement, annonce. In Excelsis Deo. Desmarest / Valls (2 sacd Alia Vox – Jordi Savall, 2016)

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CD ALIA VOX critique annonce presentation review in exelcis deo jordi savall valls desmaret compte rendu critique review cd classiquenewsCD événement, annonce. In Excelsis Deo. Desmarest / Valls (2 sacd Alia Vox – Jordi Savall, 2016). Voici un disque éloquent, solennel qui replace avec quel sens de l’actualité brûlante (hasard heureux / malheureux du calendrier) la question de l’identité catalane (ici baroque). En exhumant la Missa Scala Aretina du catalan Francesc Valls (1671-1747), créée en pleine Guerre de succesison d’Espagne, à Barcelone en 1702, Jordi Savall et ses troupes catalanes sur instruments d’époque, souligne cette spécificité artistique, esthétique qui place Barcelone au début du XVIIIè au rang des capitales ferventes les plus démonstratives, mais aussi les mieux caractérisées. Un disque à l’indiscutable valeur artistique qui pose avec raison la question de la singularité culturelle catalane dans le contexte indépendantiste de cette fin 2017.
La Missa Scala Aretina (1702) révèle une connaissance approfondie des styles français, italien, germanique, ce à une époque située avant la résolution spectaculaire de la guerre de succession d’Espagne, survenue avec la chute de Barcelone, le 11 septembre 1714. Valls se rapproche ainsi d’un certain Biber, autre compositeur du XVIIè – mais qui précède Valls, habile dans le traitement des effectifs multiples sous la voûte (pour Biber, celle de la cathédrale ou Dom de Salzbourg), et en particulier de sa Messe Bruxellensis à 23 parties (dont 2 choeurs de 4 chanteurs distincts) que Jordi Savall a abordé dans un autre enregistrement. Ecrite pour 11 parties, la Missa Scala Aretina engage 3 choeurs (de 3, 4 et 4 solistes) plus 2 violons (doublés par les hautbois), 1 violoncelle, 2 orgues, 1 harpe and 2 trompettes (plus 1 violone et 1 trombone, ajouté selon l’usage avéré de l’époque).
Ce qui frappe immédiatement ici c’est la franchise du style, portée par une joie irrépressible et inexorable, riches en effets et contrastes, le développement d’un contrepoint complexe, aux architectures savantes, qui comprend des passages concertants d’une belle intériorité, ce malgré les cuivres (trompettes) au chant d’une solennité permanente. Se distinguent les sextuors du Qui tollis peccata mundi, les quatuors de l’Et incarnatus est où s’affirment a contrario chaleur et tendresse. Mais c’est essentiellement le parcours des dissonances si personnelles (début de l’Agnus Dei) qui caractérise l’écriture de Valls, dont la ferveur s’écarte d’une majesté uniquement superfétatoire : l’atténuation et la délicatesse intérieure que sait y déployer chef et musiciens, servent le dévoilement du génie catalan baroque, dans les dernières années du règne de Louis XIV.
CLIC_macaron_2014SAVALL-582-390-jordi-savall-l-orfeo-reeditionCouplée à la Messe à deux choeurs de Desmarets (Versailles, 1704) donc crée deux années plus tard, la Missa de Valls rend justice à une maturité musicale qui renforce de facto l’idée d’une spécificité catalane. Plus de 300 ans après sa création, la partition porte fièrement l’acuité stylistique d’un compositeur dont on peut plus gommer l’originalité. Il est passionnant de comparer les deux oeuvres et les climats distincts qu’elle permettent d’identifier : la sonorité ample, voluptueuse des accents choraux de Desmarest renseigne parfaitement cette couleur versaillaise propre au Grand Siècle, où domine la marque de l’orchestre lullyste, à la fois solennel, grandiose et aussi d’une tendresse spécifiquement française.

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CD CLIC de CLASSIQUENEWS de novembre 2017. Grande critique à venir dans le mag cd dvd livres de classiquenews.com – enregistré à Versailles en juillet 2016. 2 SACD ALIA VOX

CD, annonce, premières impressions. HANDEL : SHADES OF LOVE / ANNA KASYAN, soprano (1 cd evidence)

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kasyan-anna-diva-chez-handel-critique-par-classiquenews-582-594-evcd038-couv-HD-3000-700x700CD, annonce, premières impressions. HANDEL : SHADES OF LOVE / ANNA KASYAN, soprano (1 cd evidence). Classiquenews suit la soprano Anna Kasyan depuis plusieurs années, en particulier depuis sa participation au Concours international de belcanto Vincenzo Bellini où par une incroyable justesse dramatique, inféodant sa technique et ses moyens vocaux à la seule pureté de l’expression, comme soignant aussi la finesse de son articulation, elle remportait alors, à Paris au CNR, rue de Madrid en 2013, le Premier Prix. Ici la Bellinienne se fait ambassadrice baroque, au service de l’amour haendélien, dans une sélection de cantates tragiques et sentimentales, dramatiques et sensuelles que le divin Saxon a écrit pour soprano et continuo ; d’où le titre « Shades of love » : ombres de l’amour :… invitation aux nuances souterraines les plus intenses. Voici avant notre critique développée, les premières impressions de ce disque qui s’affirme comme un recentrage stylistique bienheureux dans la carrière de la jeune diva : confrontée à un texte qui doit s’incarner sans être dilué, la soprano démontre ses qualités de diseuse et d’actrice nuancée.

PREMIERES IMPRESSIONS.
kassian annaEn quatre arias, – le premier air étant le plus long jusqu’à 6mn-, entrecoupées de récitatifs, la Cantate Lucrezia affirme dans un parcours harmonique très subtil, les tiraillements d’une âme éprouvée, sommée de résoudre l’insupportable ; celle d’une femme violée malgré elle et qui horrifiée par l’acte commis, se donne la mort. Coupable alors qu’elle est victime, la jeune épouse au corps humilié et sali, se tue non sans avoir aussi maudit son violeur… Incroyable situation dramatique qui est un vrai défi interprétatif pour toute diva : Anna Kasyan est une belcantiste avérée, confirmée par le premier prix du concours Bellini 2013. Elle a participé aux Mozart de Currentzis à Perm, incarnant une piquante et passionnante Despina (Cosi fan tutte : lire ici notre critique du cd Cosi fan tute de Mozart par Currentzis avec Anna Kasyan, 2013).
Avouons d’abord notre légère déception au début de Lucrezia : voix instable, coloratoure et vocalises en perte de justesse et articulation pas toujours exacte. Mais dans les 3 dernières sections l’intonation se stabilise, le verbe fusionne avec les accents vocaux, la technique et l’émission se clarifient, au service de couleurs intérieures totalement juste. La tenue plus syllabique et rythmique, sur des brèves pointées, le débit raisonné et juste… affirment un nerf ferme, soutenu, une projection nerveuse qui incarne la dernière Lucrezia, soudainement déterminée, qui en enfer, accomplira sa juste vengeance.

Très ornemenéee, Se pari è la tua fe est une cantate qui frappe par sa coupe rythmique, son intensité, ses contrastes d’une finesse calibrée : la diva conquiert ce terrain guerrier où le chant amoureux devient transe solitaire pour laquelle la soprano Kasyan défend avec un bel aplomb l’espoir que suscite l’amour croissant. Agile, soucieuse de la couleur comme du caractère de la scène, la soprano gagne en assurance.

 

 

 

Belcantiste distinguée, Anna Kasyan cisèle la lyre amoureuse Haendelienne

 

 

anna-kassian-chante-imogene-bellini-2013Puis, la voilà très à son aise dès le début de Clori: émission nuancée et sûre, aigus tendres et parfaitement couverts, voilà une évidente maîtrise, apte à exprimer cette extase languissante d’un cœur aimant qui craint d’être écarté et trahi (13). L’intonation est idéale et rappelle le don de la chanteuse pour l’incarnation dramatique tel qu’il s’était révélé dans son air de finale pour le Concours Bellini 2013 : la fameuse scène d’Imogène du Pirate de Bellini et qui lui valut de remporter le premier prix (voir notre captation vidéo de la scène d’Imogene d’il Pirata).

 

La Kasyan parvient idéalement à rendre vertiges, panique, fragilité hallucinée d’un amour éperdu mais inquiet, à juste titre : les vocalises sont dessinées sur le souffle, en lignes maîtrisées, longues, amples, au caractère juste car toujours soucieuse de l’articulation du texte (15).

Même travail sur les couleurs justes produites par le sens du texte dans la plus languissante et douloureuse « Sento là que ristretto » / j’entends que là bas… Dont le largo s’apparente à un lamento grave et profond où le cœur qui souffre s’embrase littéralement : le soprano canalisé, filigrané, aux très belles nuances d’une dépression éperdue, se déploie naturellement, en lignes vocales et respirations parfaitement négociées. Articulée, soucieuse là encore du sens de chaque mot, Anna Kasyan fait montre de son talent de diseuse. L’art de la vocalise et du lamento haendéliens s’avère comme c’est le cas de Mozart, une pratique et un parcours salvateurs pour la voix : recentrée sur la juste projection du texte, le chant gagne en précision et en exactitude expressive, débarrassant l’approche de tout ce qu’elle peut avoir d’artificiel comme d’accessoire. La juste couleur au juste moment textuel. Rien de tel pour recentrer la voix et le style sur ce qui nous intéresse réellement : la vérité du chant.

De ce point de vue, encore perfectible certes, Anna Kasyan nous régale dans ce disque recommandable. Dommage que le continuo trop en retrait et parfois lisse, sans guère de richesse dynamique, n’ose pas vraiment dialoguer avec la diva nuancée, volubile. A suivre d’ici le 20 novembre 2017, notre grande critique dans le mag cd dvd livres de classiquenews…

 

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CLIC_macaron_2014CD, annonce, premières impressions. HANDEL : SHADES OF LOVE / ANNA KASYAN, soprano (1 cd evidence). Grande critique développée à venir dans le mag cd dvd livres de classiquenews

 

 

SHADES OF LOVE : Anna Kasyan (soprano)
Cantates de Georg Friedrich Haendel (1685-1759)

Lucrezia, HWV.145
1. O Numi eterni! recitativo 0’58
2. Già superbo del mio affanno aria 6’06
3. Ma voi forse nel Cielo recitativo 0’44
4. Il suol che preme aria 2’44
5. Ah! che ancor nell’abiso recitativo 0’41
6. Questi la disperata furioso 0’35
7. Alla salma infedel aria 3’10
8. A voi, a voi, padre recitativo 1’10
9. Già nel seno arioso 1’44
Se pari è la tua fè, HWV.158a
10. Se pari è la tua fè aria 2’31
11. Sì, sì, questa sia solo recitativo | Non s’afferra d’amore aria 2’40

Clori, mia bella Clori, HWV.92
12. Clori, mia bella Clori recitativo 0’51
13. Chiari lumi aria 4’33
14. Temo ma pure io spero recitativo 0’39
15. Ne’ gigli e nelle rose aria 1’51
16. Non è pèro che non molesta e grave recitativo 0’30
17. Mie pupille aria 4’06
18. Tu nobil alma, in tanto recitativo 0’27
19. Di gelosia il timore aria 2’13

Sento là che ristretto, HWV.161b
20. Sento là che ristretto recitativo 1’20
21. Mormorando esclaman l’onde aria 7’00
22. Son io Nice, il ruscello recitativo 0’59
23. Se un sol momento aria 3’22

Crudel tiranno Amor, HWV.97
24. Crudel tiranno Amor aria 3’57
25. Ma tu mandi al mio core recitativo 0’23
26. O dolce mia speranza aria 7’33
27. Senza te, dolce spene recitativo 0’27
28. O cara spene, del mio diletto aria 3’15

Durée total : 1h06mn
1 cd evidence ref. : EVCD038 / sortie le 3 novembre 2017.

http://evidenceclassics.com/discography/handel-shades-of-love/

Continuo :

Ophélie Gaillard (cello)
Jorge Jimenez (violin)
Anastasia Shapoval (violin)
Michel Renard (viola)
Jory Vinikour (harpsichord)

 

 

 

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Présentation par le label evidence :
kasyan-anna-diva-chez-handel-critique-par-classiquenews-582-594-evcd038-couv-HD-3000-700x700Composées lors du séjour italien de Haendel au début du XVIIIe siècle, les cantates interprétées par la soprano Anna Kasyan dessinent une cartographie nuancée du coeur des héroïnes d’opéra. Ce sont alors les castrats qui brûlent les planches des scènes italiennes mais quelques cantatrices se font tout de même entendre. Ces cantates italiennes furent ainsi exécutées en leur temps par Margherita Durastanti. Anna Kasyan prend le relai de la prima donna et fait revivre avec passion les tourments de ces figures déchirées entre amour et devoir. Mélange d’histoire et de mythologie, les livrets des cantates – comme ceux des opéras – font la part belle aux personnages féminins dont Lucrèce est ici le plus parfait modèle.
En réunissant ces partitions, Anna Kasyan offre un programme dramatique et virtuose. Grand prix du concours de belcanto Vincenzo Bellini, elle met sa technique au service de l’expression en renouvelant sans cesse les ornements et en soignant le phrasé au plus prêt du texte et des affects qu’il exprime.
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Composed during his Italian stay at the beginning of the 18th century, Handel’s cantatas, interpreted by the soprano Anna Kasyan, draw a nuanced picture of opera heroin’s heart. At this time, women were not often allowed to appear in front of an audience. However, the Italian prima donna Margherita Durastanti, one of the few professional female singers of the period, delighted listeners with her brilliant interpretations of Handel’s cantatas. Besides, their librettos favor female characters such as Lucrezia, and describe the dilemma of love against duty. It’s now up to Anna Kasyan to express the multiple shades of a woman’s emotional life in this theatrical and virtuoso program. Crowned at the Vincenzo Bellini Belcanto Competition, she shows great technique in the ornamentation, and polishes the phrasing at the nearest of the text and affects.
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CD, coffret événement, annonce. NOEL 2017. LUCIANO PAVAROTTI, the complete opera recordings, DECCA

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Pavarotti-complete-opera-recordings-coffret-edition-limitee-Decca-DG-2017CD, coffret événement, annonce. NOEL 2017. LUCIANO PAVAROTTI, the complete opera recordings, DECCA – 95 cd + 6 blu ray pure audio). Avant notre grande critique et notre cycle de focus et analyses du coffret événement PAVAROTTI (3 feuilletons thématisés à venir), classiquenews souligne la valeur du legs discographique édité par DECCA, pour les 10 ans de la mort de Luciano Pavarotti. En éditant en version remastérisée avec un riche livret illustré expliquant l’ampleur de l’héritage musical du plus grand ténor du XXè, Decca a bien raison de proposer pour les fêtes ce coffret événement, comme il s’en était agi des sublimes coffrets Deutsche Grammophon synthétisant en 3 coffrets événements eux aussi, le legs KARAJAN. Ici, le ténor, artiste phénoménal, incarne un âge d’or du Bel canto, en particulier italien, serviteur élégantissime au timbre brillant, solaire, des héros de Bellini, Donizetti, Verdi et jusqu’au Puccini (Calaf). La musicalité, l’agilité, l’intensité, la technique accordée à une grande intelligence psychologique, d’autant plus sidérante quand on sait que l’artiste était piètre acteur ; car ici tout passe par la finesse et le contrôle total des moyens vocaux. Luciano Pavarotti incarne les années glorieuses de l’ère du compact disque, soit les années 1980. Ses partenaires féminines représentent aussi l’âge d’or du chant bellinien et verdien : Joan Sutherland, Mirella Freni, … Le chant souverain, impérial s’impose encore à nous comme celui de Callas (autre grande belcantiste). Aucun doute que Luciano Pavarotti n’a pas usurpé son immense rayonnement planétaire : son art se manifeste dans sa justesse, sa précision, sa vérité. Un idéal que recherche tout chanteur digne de ce nom.

 

 

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PAVAAROTTI the complete opera recordings decca coffret box set review presentation by par classiquenewsCLIC D'OR macaron 200CD, coffret événement annonce. LUCIANO PAVAROTTI, the complete opera recordings / Decca – intégrale des opéras pour le disque / Decca. Le spectre ainsi recomposé récapitule les grandes intégrales lyriques pour le studio Decca, depuis La Fille du régiment de Donizetti sous la direction de Richard Bonynge (aux côtés de l’épouse de ce dernier, Joan Sutherland, Londres, juillet 1967) jusqu’au mythique I Lombardi de Verdi (Oronte, au Met de New York en 1996). Soit 3 décades d’un engagement lyrique exceptionnel. Bonus : sa Bohème d’avril 1961 à Modène… au total, 101 galettes à la valeur artistique inestimable. Prochaine grande critique à venir dans le mag cd dvd livres de classiquenews / puis cycle de 3 volets analyses sur le contenu du coffret événement. Coffret élu CLIC de classiquenews d’octobre 2017.

 

 

Contenu :Luciano-Pavarotti
95 cd + 6 Blu-ray AUdio discs dans leur jacquette d’origine
Présentation de chaque prise de rôle
Intégrale des opéras enregistrés pour Decca, Philips, Deutsche Grammophon
Dont deux opéras enregistrés par Warner classics/EMI : L’Amico Fritz, Don Carlo
34 opéras ainsi enregistrés, mais aussi les reprises réalisées par le ténor
Remastérisation des enregistrements aux studio Abbey Road : transfert des bandes analogiques en 24 bit
Débuts de Luciano Pavarotti dans La Bohème (Modène, 1961)
BONUS : 6 enregistrements légendaires en 24 bits (Blu-ray Audio)
Livre notice comprenant un essai de James Jolly, nombreuses photographies évoquant les épisodes de la carrière dont des témoignages de sa collaboration avec les chefs Solti, Karajan, Mehta, Levine… et avec ses partenaires dont Mirella Freni…

 

 

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english version :

CD, set box : LUCIANO PAVAROTTI, the complete opera recordigs / DECCA. 2017 is the tenth anniversary of the passing of the 20th Century’s most famous tenor – Decca marks this occasion to marvel once again at the sheer quality of the voice of ‘The People’s Tenor’ with a 101-disc collection presenting every role he ever recorded and performed. Every role since his debut recording of La Bohème in 1961 is included, allowing critics, collectors and opera lovers once more to appreciate his truly exceptional gifts. Every single opera is presented in the best possible audio quality, remastered at Abbey Road under the supervision of former Decca engineers.

• 95 CDs + 6 Blu-ray Audio discs in original jackets
• Presenting EVERY role ever performed, brought together for the first time
• Complete opera recordings from Decca, DG and Philips
• Includes two opera recordings from EMI/Warner Classics: L’amico Fritz and Don Carlo
• 34 complete operas PLUS a number of operas he recorded more than once
• Also included are the stellar recordings of Verdi’s Requiem and Rossini’s Stabat Mater
• Recordings remastered at Abbey Road and presented in the best possible quality. 21 analogue recordings now in definitive 24-bit transfers
• Includes his debut performance of La Bohème, Modena, 1961
• PLUS Six iconic performances in true 24-bit (Blu-ray Audio)
• Hardback book with new essay by James Jolly, numerous photographs from his career, press clippings and reminiscences from collaborators such as Zubin Mehta and Mirella Freni

 

 

 

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Précédents cd de Luciano PAVAROTTI, annoncés, distingués par CLASSIQUENEWS :

PAVAROTTI sony classical coffret review cd critique par classiquenews The-Great-Luciano-Pavarotti-CoffretCD, coffret, compte rendu critique. THE GREAT LUCIANO PAVAROTTI (3 cd Sony classical). Le coffret qu’édite pour l’anniversaire de la mort de Luciano Pavarotti, – ce 6 septembre 2017 marque les 10 ans de sa mort-, Sony classical vaut bien des archives majeures dévoilant l’exceptionnel instinct dramatique du ténor légendaire décédé en 2007. Le triple coffret se rend même indispensable pour tous ceux qui souhaitent encore découvrir et explorer ce répertoire ciselé par le ténorissimo italien. De fait aux côtés de ses Donizetti et Bellini d’anthologie, il restera toujours ses premiers Verdi, avec ici un chef digne de sa lyre solaire, de son timbre stylé, de ses phrasés uniques, de son legato irradiant et incandescent, de sa souveraine musicalité, de sa justesse exemplaire, de son vibrato si finement contrôlé… Voici donc en volet 1 (cd1), un récital anthologique qui vaut autant pour l’intelligence solarisée d’un timbre verdien de première qualité, que par le tempérament orchestral et dramatique … EN LIRE +


DECCA luciano pavarotti homage to pavarotti and a tribute to pavarotti cd decca celebration septembre 2017 announce review par classiquenewsSONY classical et DECCA fête celui qui reste 10 ans après sa mort, l’astre étincelant de l’opéra (avec MARIA CALLAS dont le 16 septembre 2017 marque le 40è anniversaire de la disparition). Legato de rêve, style nuancé en vrai belcantiste, timbre solaire, articulation de l’italien somptueuse… Luciano Pavarotti avait tout. Certes le corps impressionnant du géant au mouchoir blanc en faisait un piètre acteur sur la scène, mais la voix incarnait totalement l’enjeu dramatique de chaque air.

 

 

 

CD, compte-rendu critique. VOX LUMINIS : MAGNIFICAT de JS BACH / DIXIT DOMINUS de HANDEL (1 cd Alpha).

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alpha BACH HANDEL dixit dominus lionel meunier vox luminis cd alpha critique cd review cd critique par classiquenews cd alpha370CD, compte-rendu critique. VOX LUMINIS : MAGNIFICAT de JS BACH / DIXIT DOMINUS de HANDEL (1 cd Alpha). Le dernier cd de Vox Luminis, choeur que l’on ne présente plus, et qui s’agrandit ici de son propre orchestre sur instruments anciens, met en miroir assez légitimement d’ailleurs, l’inspiration sacrée de JS Bach et de GF Handel ; le premier auteur du Magnificat dans les années 1720, alors qu’il a quitté ses fonctions de musicien de cour pour celui de Cantor à Leipzig, – pour y perfectionner les chœurs et fournir toute la musique chorale pour chaque dimanche ; le second, compositeur du Dixit Dominus, mais au début des années 1700, à Rome, où en séducteur saxon frappé et inspiré par la virtuosité italienne, il conquiert en mondain confirmé, les plus hautes autorités ecclésiastiques et politiques. En plus de l’articulation du texte, ils partagent tout deux une même origine, celle d’Allemagne centrale, et logiquement, une même expertise : l’écriture du contrepoint. De l’un à l’autre, c’est bien la complexité spectaculaire de l’architecture contrapuntique que nous fait entendre et que rend vivante le choeur belge Vox Luminis, voix des anges, voix des croyants, – peuple qui doute et espère chez Bach ; armée dramatique voire opératique chez Handel qui pourtant jeune, « ose » un style qui frappe par sa véhémence, exigeant l’impossible des chanteurs. Mais le défi est totalement relevé ; et la tenue des voix claires, individualisées et pourtant fédérées (avant dernier choeur du Dixit, plage 21) saisit par sa force et sa précision expressive. C’est dire le niveau atteint par Vox Luminis, le meilleur choeur actuel désigné pour les plus fines et vertigineuses cathédrales chorales jamais écrites au XVIIIè. Tout en exprimant les vertiges de la prière, qu’elle soit douloureuse, introspective, déclamatoires et victorieuse, les interprètes savent aussi ciseler un discours oratoire dont la charge millimétrée, fascine du début à la fin.

Dès les premières mesures du Magnificat de Bach, la sincérité collective, voix blanches directes, si proches de l’allant du texte, s’avère d’une belle et tonique santé vertueuse ; cela avance comme une irrépressible action de grâce (Et Exsultavit), et aussi un temps préservé de réflexion plus méditative (hautbois obligé : Quia respexit), – un temps d’accomplissement qui cultive aussi… le mystère. A travers une voix quasi enfantine, apportant en plus de l’ivresse spirituelle, une couleur de fragilité tendrement humaine.

Lionel Meunier ralentit le tempo (dans le choeur qui enchaîne aussitôt, Omnes generationes, creusant, ciselant, l’incise du mystère qui semble envelopper et inspirer tout le choeur, tel l’assemblée vivante des croyants.

Suspendu, interrogatif, l’admirable duetto « Et misericordia », le plus déchirant, se fait prière pour le Sauveur en vu de l’obtention du salut… fine ciselure, d’une sobriété désarmante.

Puis la ligne des trompettes fait surgir l’immensité glorieuse de la voûte céleste pour le choeur victorieux : Fecit potentiam (somptueuse conclusion âpre et majestueuse).

Très dramatique, Deposuit potentes, défendu par un ténor presque énervé et linguistiquement excellent (Robert Bukcland) exprime la puissance divine qui s’abat.

Avec flûtes obligées, d’une douceur planante, Esurientes implevit bonis pour alto répand l’esprit sûr, serein de pleine justice.

Contrastée et profonde, l’approche atteint les sphères célestes et la grâce des anges dans le terzetto, Suscepit Israel. Les qualités de Vox Luminis se confirment : finesse, clarté, élocution sobre, humaine, directe et sincère du portail contrapuntique défendu par le choeur Sicut Locutus (avec orgue seul) : le relief détaillé de chaque voix dans ce choeur capital, subjugue.

Et pour exprimer la gloire éternelle de Dieu, le dernier choeur Gloria Patri (Gloire au père…), la clarté agissante et magnifiquement articulé du choeur se déploie soulignant toutes les qualités superlatives de Vox Luminis : sa santé rayonnante, ses rebonds précis, affûtés, sa vivacité linguistique. Un modèle actuel.

 

 

 

Magnificat de JS Bach, Dixit Dominus de Handel

La versatilité habitée de Vox Luminis emporte jusqu’au ciel…

 

 

Après un Bach aussi précis et ciselé, la fluidité haendélienne du Dixit, très vivaldienne, paraît presque trop mondaine, et d’une sensualité presque trop profane (l’entrée des voix solistes du 21), mais dès les premiers mots, la vitalité serrée, active, affûtée de Vox Luminis restitue à l’allant de la partition du Saxon, sa tonicité plus expressive que séduisante. Les interprètes sauvent la virtuosité parfois trop démonstrative de la partition par leur nerf, une fougue et une énergie qui s’économise et ne se détend jamais si elle ne sert pas le texte. Haendel développe davantage au risque de … la longueur ; il n’atteint pas la concision ni l’éllipse de Bach, si fulgurant, si essentiel. Et son style plus opératique (Virgam virtutis tuae pour alto) perd de son impact à cause de sa durée. Déjà dans ce Dixit des origines, se profile toute l’esthétique des futurs oratorios londoniens et anglais : plus dramatiques que spirituels.

Même ivresse suave, très lyrique, dans l’air pour soprano qui suit Tecum Principium…, Caroline Weynants que l’on connaît bien, ayant chanté à Namur, et sous la baguette de Alarcon, séduit par la chair angélique de son magnifique timbre lyrique, toujours très proche du texte, et surtout sans aucun effet vibré, ni suraccentué. Là encore un modèle de vertu vocale, d’intégrité stylistique et musicale.

La précision et l’articulation fascinent encore dans les 4 choeurs qui suivent où l’équilibre des voix s’avère d’une éloquence éblouissante, restituant au verbe musical choral, sa fonction première qui est discours. Mais un acte qui fait sens et est incarné avec une énergie collective que peu de choeurs actuels peuvent offrir.

Le 3è de la série Dominus a dextris tuis, gagne un relief trépidant, véritable chevauchée fantastique qui évidemment souligne la verve opératique d’un Haendel rénovateur de l’opéra sacré et de l’oratorio anglais. La nervosité sanguine doublée d’une articulation exemplaire construisent ici un tableau collectif impressionnant par sa puissance doxologique, celle d’un Dieu de justice capable de foudroyer les puissants, fussent-ils rois. Le Conquassabit et ses notes pointées, saccadées d’une précision dramatique spectaculaire éclaire encore la capacité expressive du choeur. Autant de démonstration théâtrale pour préparer au mystère du duetto quasi final (pénultième) : De Torrente : accomplissement plus intérieur, aux accents suspendus.

Artisan du détail, le collectif veille aussi à la gradation progressive qui assure la cohérence globale.

CLIC_macaron_2014La vision de Vox Luminis observe une mise en forme de plus en plus serrée de la langue Haendélienne, naturellement promise à l’éclat voire à la pompe (toujours élégante), mais ici comme recentrée sur sa formidable élocution discursive (en cela la boucle est bouclée, proche de Bach). Le dernier choeur, le plus développé du cycle et d’un contrepoint redoutable quant à la mise en place, affirme une lisibilité idéale, une intensité aiguë, un sens linguistique sans effet : « un parler-chanter » à l’échelle du choeur. Gageure incroyable à écouter et pourtant bien accompli par Vox Luminis. La force et la violence déterminée qui s’en dégage sont jubilatoires.

La vérité victorieuse se dégage du choeur, formidable armée d’archanges et de prophètes inspirés. Tout ici relève d’une cohérence en partage, d’un seul souffle et aussi d’un sens rare de la caractérisation individuelle. L’abattage du texte, la clarté du contrepoint, le caractère intense et exalté, serviteur des sentiments que véhicule et nuance le texte : tout indique une maîtrise remarquable. Victoire de plus en plus lumineuse du Magnificat ; élan et progression de plus en plus précise et dramatique du Dixit. Un nouveau cd à ranger parmi les meilleures réalisations du choeur Vox Luminis (avec leur avant dernier ACTUS TRAGICUS, qui avait obtenu lui aussi la distinction suprême, le CLIC de CLASSIQUENEWS de décembre 2016.

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CD, compte-rendu critique. VOX LUMINIS : DIXIT DOMINUS. JS BACH / HANDEL (1 cd Alpha).

CD évènement, compte rendu critique. FROBERGER par Julien Wolfs, clavecin (1 cd Musica Flora)

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wolfs-julien-clavecin-froberger-cd-flora-annonce-presentation-critique-par-classiquenewsCD évènement, compte rendu critique. FROBERGER par Julien Wolfs, clavecin (1 cd Musica Flora). Secret, savant, complexe… Johann Jacob Froberger souffre d’une considération injustement nébuleuse (pour nous mystérieuse et d’autant plus fascinante) que cet album jubilatoire efface radicalement … tant le jeu et le toucher supérieurs du jeune claveciniste belge Julien Wolfs d’une clarté rayonnante et sensuelle, restent constamment vivants et d’une saine franchise. Le claveciniste, né en 1983, humanise et incarne avec une finesse réjouissante une écriture à torts réputée conceptuelle voire cryptée. Rien d’inaccessible ici sous les doigts humbles et virtuoses de Julien Wolfs dont l’articulation souveraine et un sens inouï de la flexibilité réinscrivent la quête musicale de Froberger dans une interrogation légitime sur la vie, le monde, la recherche musicale et esthétique réconciliés avec les aspirations d’un homme sincère et prodigieusement juste dans ses expérimentations stylistiques. L’un des acteurs de la réhabilitation spectaculaire opérée par le festival Musique & Mémoire en juillet 2016 (VOIR notre reportage vidéo Les Cyclopes jouent Froberger), Julien Wolfs qui créait justement ce programme pour Musique & Mémoire 2016, s’affirme aujourd’hui comme un pilier de la nouvelle génération de clavecinistes. Parmi les plus doués et probablement le plus subtil et le mieux inspiré. Vous n’écouterez jamais plus Froberger de la même façon, après l’écoute de ce nouvel album captivant.

 

Le Clavecin virtuose de Julien Wolfs

En dédiant ce programme aux mondes esthétiques de Froberger, le claveciniste belge Julien Wolfs offre le plus bel hommage au génie musical pour clavier du xviie

L’écriture trahit une pensée qui augure des plus grands, à la fois musique pure, jeu formel et interrogation générale sur l’architecture et son développement. Froberger, virtuose et intérieur préfigure le génie de JS BACH, c’est dire. Ici la complexité du contrepoint généreux autant que sinueux expriment une volonté expérimentale sur le sens même de l’écoulement sonore et de la  temporalité : admirablement composé le programme met en ouverture le génie du bâtisseur Froberger, capable de dérouler des cathédrales contrapuntiques d’une géométrie puissante et abstraite… Toccata II et Canzon II.
Mais apport des grands interprètes, Julien Wolfs évite toute sécheresse et déploie le sens le plus profond comme le plus grave dans l’étonnante Méditation faite sur ma mort, momento mori de 1660,- soit 7 avant d’expirer, dont le jeune claveciniste fait une prière pleine de séduction sereine, un renoncement flamboyant de grandeur et d’allusive poésie. La technique suprême se fait oublier tant les intentions et la réalisation éclairent le raffinement de l’écriture et sa grande vérité.
Place à la construction affirmée des danses françaises ensuite, Froberger n’a til pas été l’inventeur probable du stilus fantasticus comme celui qui invente le principe des Suites.
La Gigue emporte par son allant printanier, la courante vagabonde, la sarabande saisit par sa grâce et sa retenue d’une noblesse imperturbable.
Mort à Héricourt (Franche-Comté, Haute Saône), alors proche de son élève et patronne Sybille de Wurtenberg, Froberger est un esprit à la fois agile, inquiet, d’une éloquence intense qui sait éviter tout bavardage. Son style demeure concis, dense, resserré, d’une étonnante exactitude. Osant aussi des dissonances critiques qui renseignent beaucoup sur sa propre conception de l’architecture et du développement (somptueuse virtuosité de la Toccata IX).

Froberger, génie européen, approcha le virtuose Frescobaldi à Rome dont il partage la science défricheuse comme la pensée analytique, comme en témoigne l’interrogation toute en retenue grave voire lugubre des “Affligée et Tombeau sur la mort de Monsieur Blanrocher”, soit 8mn de pure récréation temporelle et harmonique dont Julien Wolfs exprime vertiges et basculements d’un parcours formel à la fois imprévu et étrange, vrai miroir d’une âme amie en compassion. La puissance qui émane de ce suprême morceau sonore est l’autre sommet de ce disque superlatif. Et l’une des bornes « funèbrement légères » qui émaillent ce programme équilibré.
Compositeur diplomate, secret agent de son mécène l’empereur Ferdinand IV, Froberger connut bien des vicissitudes sur les chemins de ses missions dont témoignent les accents narratifs de cette Allemande tendue, nerveuse, “faite en passant le Rhin dans une barque en grand péril”… la somptueuse matière expressive dont Julien Wolfs sait canaliser le fil dramatique, plein de subtiles allusions, laisse déconcerté : l’auditeur est saisi par tant de finesse dans un jeu qui aurait comme chez beaucoup basculer dans la mécanique et la sécheresse.
La Sarabande qui suit est Majesté retenue, et la Gigue suivante, d’une agilité mélancolique… En définitive belles introductions au volet central du programme qui est le lamento sur la mort du protecteur Ferdinand IV, hommage éternel dont Julien Wolfs articule avec une grâce infinie l’arabesque suspendue.
Le jeu d’un calibre arachnéen, communique et le deuil qui étreint et l’intensité d’une prière qui touche par sa sincérité sur tout le spectre du clavier jusqu’en ses ultimes aigus. La note ultime prolongée au delà du mot, dans l’infini de la perte et de la peine qui en découle.
Chaque Gigue est un espoir, une reconstruction dont le claveciniste exprime le miracle d’un flux jaillissant (somptueuse plage 17), puis la Courante volubile joue des deux claviers, la Sarabande ouvre un portique grandiose jamais envisagé jusque là.
La dernière Toccata (X) éblouit par sa finesse poétique, surtout par le souffle que lui prodigue l’éloquence virtuose du jeune claveciniste. Dans cette architecture contrapuntique se dessine et se précise une véritable cité idéale, qui résout temps, espace, conscience.

wolfs julien clavecinFlamboyant par sa vivacité digitale, Julien Wolfs rétablit la place de l’humain et du sens, celui des Vanités universelles et donc de la mort. Il sublime l’instant musical et son déroulement en une épiphanie d’une prodigieuse intensité comme en témoigne la Lamentation pour le protecteur ami, Ferdinand III qui fut capable en connaisseur et mélomane avisé, de comprendre et  d’encourager la verve et l’alchimie de son prodigieux compositeur.
La vision et la maîtrise qu’en offre le claveciniste forcent l’admiration tant son éloquence digitale se fait allusion poétique. Tout mélomane doit aujourd’hui posséder et écouter ce disque virtuose, écrin de poésie sonore et de sincérité musicale pour se réconcilier définitivement avec le clavecin. Julien Wolfs ne maîtrise pas seulement le clavier, il instaure un format sonore et donc une écoute partagée, d’un équilibre et d’un format idéal.
Voici donc un premier récital majeur révélant l’un des clavecinistes les plus miraculeusement inspirés de sa génération. Le fabuleux instrument retenu enrichit aussi la beauté envoûtante et enivrante de ce programme à la fois virtuose, profond, bouleversant. Clic de Classiquenews de l’automne 2017.

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CLIC_macaron_2014CD événement, critique. Froberger par Julien Wolfs, Clavecin. 1 cd musica Flora-parution en octobre 2017. Parution annoncée le 20 octobre 2017. Publication incontournable. CLIC de CLASSIQUENEWS automne 2017.

VOIR aussi notre reportage vidéo Les Cyclopes jouent Froberger pour ses 400 ans, à l’été 2016, – Festival Musique et Mémoire

LIRE aussi notre compte rendu critique du cd de Julien WOLFS édité chez PARATY

LIRE notre dépêche annonce du cd événement FROBERGER par Julien WOLFS

AVIGNON. Musiques médiévale pour claviers au Palais des Papes

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avignon baroque en avignon musique baroque en avignon festival saison 2017 2018 coup de coeur de classiquenews 20664797_1482893888453523_2776363418729602027_nAVIGNON, le 28 octobre 2017. Au Palais des Papes, DUO MESCOLANZA. Ce duo surprend d’abord par son alliage inédit de timbres instrumentaux, qui étonne aujourd’hui, mais qui au Moyen Age, en Avignon et précisément à la Cour pontificale au XIVè, était très apprécié des puissants et riches politiques. Ainsi logiquement dans un lieu emblématique de ce courant artistique et musical, la Grande Chapelle du Palais des Papes en Avignon, Christina Alis Rauch et Julien Ferrando tiennent l’affiche du 2è concert de la nouvelle saison 2017-2018 du festival MUSIQUE BAROQUE EN AVIGNON. Les deux artistes expriment la vitalité de la musique pour clavier des XIV et XVè siècle en France et en Italie du nord, soit un voyage musical (et organologique) réalisé d’après les principales sources historiques encore accessibles, telles que le codex Faenza et le livre d’orgue buxheimer orgelbuch. il s’agit entre autres de se (re)familiariser avec les performances acoustiques et sonores des instruments emblématiques des recherches du Duo Mescolanza : le clavicytherium médiéval et l’organetto. Avec d’autant plus d’intérêt que les œuvres sont jouées dans le lieu même où elles ont été écrites. Le concert n’est pas seulement la découverte de timbres oubliés, c’est aussi une formidable expérience sonore où les instruments résonnent dans l’espace pour lequel ils ont été produits.

 

 

 

boutonreservationSamedi 28 octobre 2017
Palais des Papes / Grande Chapelle à 20h30
DUO MESCOLANZA
CHRISTINA ALIS RAUCH et JULIEN FERRANDO
clavicythériums – orgues portatifs

 

 

Tarif : à partir de 8 €
Billetterie sur http://www.operagrandavignon.fr, à l’Opéra Grand Avignon, et sur place le soir du concert.

 
 

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Programme :

 «Musica instrumentalis tactuum»

Musiques pour clavier XIVème et XVème siècles en France et Italie du nord

Au temps des polyphonies de Saint-Martial et de l’ars antiqua …
De l’autre côté du Rhone… la cour de France I.
Les cours italiennes
De l’autre côté du Rhone… la cour de France II.
La fin du Schisme et le concile de Constance…
La cour d’Aragon

 

 

 

CONFERENCE. Concert précédé par une conférence donnée par Cristina Alis Raurich et Julien Ferrando, le même jour, samedi 28 octobre à 11h salle du Trésorier, Centre de congrès du Palais des papes : Ars Tatoris Instrumentorum ou l’art de la musique pour clavier au XIVème et XVème.
Entre le XIVème et le XVème siècle, la musique instrumentale et plus particulièrement la musique pour clavier (Orgues,  Clavicymbalium et Clavicytherium) se développe dans les plus grandes cours d’Europe. Ces répertoires sont issus d’une expérience musicale qui remonte bien au-delà de cette période et plus précisément dès le IXème siècle à l’époque de l’arrivée de l’orgue byzantin dans l’Europe Carolingienne. La conférence propose d’explorer les pratiques et les gestes musicaux du Moyen-Âge, mais également les instruments et leurs répertoires qui seront le terreau des plus grands compositeurs de la Renaissance et du Baroque tels que Sweelinck et Frescobaldi.

 

 

 

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PORTRAIT. Le Duo Mescolanza dédie son activité musicale et scientifique au répertoire instrumental médiéval du XIVe au XVe siècle. Il est dirigé par le musicologue et claviériste Julien Ferrando. Les parcours musicaux diversifiés et les instruments anciens des artistes qui le composent permettent à Mescolanza d’offrir des programmes d’une grande richesse musicale et interprétative autour de la musique médiévale : proposer des « relectures » des musiques patrimoniales entre interprétation et recréation, reconstruction instrumentale. Autour des pièces pour le clavier et pour la voix des XIVème et XVème siècles, le Duo propose ainsi la recréation d’un instrumentarium principal tel que le clavicytherium médiéval et l’organetto. Mescolanza cultive de nouveaux métissages entre l’improvisation, la musique contemporaine, les nouvelles technologies.

En 2017, l’organiste catalane Cristina Alis Raurich, chercheuse et spécialiste de la musique médiévale, collabore avec Julien Ferrando et compose avec lui, le Duo Mescolanza, autour d’un programme sur la musique pour clavier au temps des Papes d’Avignon. Sa spécialisation, son parcours et son talent de claviériste enrichit le travail musical amorcé avec son partenaire. Les deux artistes ont réalisé une résidence à l’abbaye de Royaumont.

Passionné par la musique ancienne, Julien Ferrando s’est très vite orienté vers l’étude du clavecin et de la musique baroque. Dans un esprit de recherche et d’expérimentation ; il fonde avec Jean-Marc Montera, le Groupe de Recherche et d’Improvisation musicales de Marseille et avec Jean-Michel Robert, un trio d’improvisation contemporaine qui mêle pratiques anciennes et actuelles. Il crée le Duo Mescolanza en 2009.

 

 

 

La nouvelle saison BAROQUE EN AVIGNON, 9 concerts d’exception jusqu’au 13 mai 2018.
Prochain concert : samedi 28 octobre 2017 – 20h30 Palais des Papes / Grande Chapelle : DUO MESCOLANZA /CHRISTINA ALIS RAUCH , JULIEN FERRANDO, clavicythériums – orgues portatifs. Au programme, musique des XIVè et XVème siècle à la Cour des Papes en Avignon (certaines pièces ont été créées pour la Chapelle avignonaise).

 

 

 

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CD, annonce. HANDEL : MESSIAH, Le Messie, version 1754 (Hervé Niquet, Alpha)

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handel par niquet messiah 1754 cd annonce par classiquenews prochaine critique cd classiquenews 59ce4d81da552CD, annonce. HANDEL : MESSIAH, Le Messie, version 1754 (Hervé Niquet, Alpha). Encore un nouveau Messie ! Celui là devrait se distinguer… par la version retenue, à 5 solistes, selon l’adaptation que fit Haendel lui-même en 1754 pour le Founding Hospital de Londres… Fresque plus spirituelle et évocatoire que dramatique, Le Messie de Haendel est au Saxon, ce qu’est la Messe en si chez Bach : un absolu d’abord poétique avant d’être sacré. Toute la langue et la syntaxe les plus raffinées dont est capable le compositeur baroque germanique sont inféodées au texte, son articulation, sa clarté à la fois rhétorique et signifiante. Ici le geste sert le sens. Que nous dit le chef : « … le compositeur devait absolument faire jouer ses oeuvres et engranger un bénéfice sur la soirée. L’idée de ne pas retoucher son oeuvre pour ne pas l’abîmer ou la dénaturer est une idée totalement contemporaine. Il doit exister une douzaine de versions du Messie, je ne les ai pas toutes répertoriées ; celle de 1754 est rarement jouée parce qu’elle exige cinq solistes : deux sopranos, alto, ténor et basse (…) Je prends le parti ici d’une version opératique, modelée dans le drame qu’est cette histoire de la vie du Christ. »
handel-haendel-portrait-classiquenewsAprès tant de versions superlatives (Gardiner, Christie, McCreesh…) qui ont réussi le délicat équilibre entre drame et ferveur, entree opéra et oratorio… que donnera cette nouvelle lecture ? Dans les années 1750 à  Londres, Handel a perfectionné un nouveau genre musical et expressif sur un livret en anglais et un sujet sacré. Le défi est total, c’est une question de style et d’intonation : ne pas sombrer dans l’opéra et le tout théâtral, ne pas trop désincarné pour autant. Quelle voie est ici défendue ? Réponse le 13 octobre, grande critique du cd Messiah 1754 de Handel par H Niquet dans le mag cd dvd livres de classiquenews.

LIRE aussi notre dossier Le Messie / Messiah de HANDEL / Haendel

CD évènement, annonce. FROBERGER révélé / sublimé par Julien Wolfs, clavecin (1 cd FLORA, à venir le 20 octobre 2017)

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ENSEMBLE MAGICIEN : Les Timbres, trio enchanteurCD évènement, annonce. FROBERGER par Julien Wolfs, clavecin (1 cd FLORA). Secret, savant, complexe… Johann Jacob Froberger souffre d’une considération complexe (pour nous mystérieuse et d’autant plus fascinante) que cet album jubilatoire efface radicalement … tant le jeu et le toucher supérieurs de Julien Wolfs d’une clarté rayonnante et sensuelle restent constamment vivants et d’une saine franchise. Le jeune claveciniste d’origine belge, né en 1983, humanise et incarne avec une finesse réjouissante une écriture à torts réputée conceptuelle voire cryptée. Rien d’inaccessible ici sous les doigts humbles et virtuoses de Julien Wolfs qui est aussi le claveciniste cofondateur de l’excellent ensemble Les Timbres (notre photo)… ici, son articulation souveraine et un sens inouï de la flexibilité réinscrivent la quête musicale de Froberger dans une interrogation légitime sur la vie, le monde, la recherche musicale et esthétique réconciliés avec les aspirations d’un homme sincère et prodigieusement juste dans ses expérimentations stylistiques. L’un des acteurs de la réhabilitation spectaculaire opérée par le festival Musique & Mémoire en juillet 2016 (VOIR notre reportage vidéo Les Cyclopes jouent Froberger : lien ci après), Julien Wolfs qui créait justement ce programme pour Musique & Mémoire 2016, s’affirme aujourd’hui comme un pilier de la nouvelle génération de clavecinistes. Vous n’écouterez jamais plus Froberger de la même façon après une écoute de ce nouvel album captivant.
Grande critique à venir dans le mag cd dvd livres de classiquenews, le jour de la publication du cd, à paraître : le 20 octobre 2017.

 

 

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Approfondir
VOIR aussi notre reportage dédié aux 400 ans de FROBERGER, Festival Musique & Mémoire 2016

VOIR : Julien Wolfs en 2014, explique aux enfants la mécanique du clavecin : comment le plectre et la corde produisent le son ? Captivant à 25’34 / lien Les Timbres sur YOUTUBE : https://www.youtube.com/watch?v=uQzzqluTkEg

Le volet AUTUMN du spectacle THE WAY TO PARADISE (création au Festival Musique & Mémoire / été 2016) / Les Timbres, Julien Wolfs (clavecin) : langueurs, extase, désir, mélancolie des compositeurs baroque britanniques du XVIIè

CD, annonce. MARIN MARAIS par Jay BERNFELD, Fuoco e Cenere (1 cd Paraty, à paraître le 29 septembre 2017). VIOLE ENCHANTERESSE

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marais-marin-jay-bernfeld-fuoco-e-cenere-viole-cd-paraty-presentation-announce-review-critique-cd-par-classiquenews-29-septembre-2017CD, annonce. MARIN MARAIS par Jay BERNFELD, Fuoco e Cenere (1 cd Paraty, à paraître le 29 septembre 2017). VIOLE ENCHANTERESSE. Si l’on parle du piano de Chopin, on évoque plus rarement la viole de gambe de Marin Marais (1656-1728) qui en était au XVIIè, le virtuose en titre. Il y eut certes le film « Tous les matins du monde » (film signé en 1991 Alain Corneau, d’après le roman de Pascal Quignard publié la même année), mais la personnalité et le profil sonore du compositeur parisien se sont tus presque immédiatement après un succès cinématographique et planétaire retentissant.
Aujourd’hui, chez l’éditeur PARATY, le gambiste Jay Bernfeld resssuscite le chant enivré, nostalgique, sincère de Marin Marais, comptant sur son instrument, la viole de gambe dont il fait ici, un ambassadeur à la vibrante vérité. Jay Bernfeld connaît d’autant mieux la musique de Marais qu’il l’a pratique depuis bientôt quarante ans. Pour le fondateur de l’ensemble Fuoco e Cenere dont les membres se joignent à lui, dans ce voyage à la fois épuré, essentiel, d’une insondable richesse, c’est un retour aux sources ; d’autant plus marquant que le collectif sur instruments anciens n’a cessé depuis plusieurs années de diversifier ses programmes, osant souvent des dispositifs inédits.
Dans ce nouvel album, deux gambistes dialoguent et se retrouvent à travers les siècles, grâce au chant d’un instrument roi, que chacun à son époque a su faire vibrer comme peu. Le nouvel album discographique à paraître le 29 septembre 2017, comprend 3 cycles musicaux parmi les plus inspirés de Marais : les Suites en Ré majeur et en Sol mineur (issus respectivement des Livres III et V – 1711 et 1725), puis, surtout la libre syntaxe d’une frappante imagination et d’un rare feu intérieur des fameuses Folies d’Espagne (Livre II de 1701).
Outre l’énergie incroyable et la flamme des passions de l’âme que distille une musique franche et essentielle, Jay Bernfel a aussi à cœur d’évoquer de Marais, l’instrumentiste virtuose, remarqué et encouragé par Sainte-Colombe, le compositeur « mondain » comblé par le pouvoir (Louis XIV), l’habitant du quartier Mouffetard, surtout le créateur qui dans ses Livre de Pièces de viole n’ a cessé d’exprimer sa conception très originale et puissante d’un idéal musical, ainsi développé, approfondi, et comme ciselé simultanément à sa carrière de courtisan et son oeuvre de compositeur d’opéras. Le sujet de l’album n’est pas seulement un formidable portrait de Marin Marais, c’est aussi une immersion puissante dans une écriture flamboyante qui a su atteindre jusqu’au dépouillement le plus authentique : fulgurance de la passion, profondeur de l’ascèse… en somme, une musique au diapason de l’intériorité et de l’éloquence. Dans ce voyage singulier, Jay Bernfeld est accompagné par Ronald Martin Alonso (viole de gambe 2), André Henrich (théorbe), Bertrand Cuiller (clavecin). Prochaine critique développée le 29 septembre, date de la parution du disque : « MARIN MARAIS : Folies d’Espagne » par Jay Bernfeld / Fuoco e Cenere (1 cd PARATY).

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CD événement, annonce. MARIN MARAIS : Folies d’Espagne. Fuoco e Cenere / Jay Bernfeld, viole de gambe et direction (1 cd Paraty — parution annoncée le 29 septembre 2017). Enregistré en juin 2016 en l’église de Lassay-sur-Croisne.

 

 

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 Jay Bernfeld et sa viole magique (© Uit Bé Studio)

 

CD, compte-rendu, critique. WILLIAM BYRD : Virginals & Consorts / SKIP SEMPÉ, Capriccio Stravagante (1 cd Paradizo, PA 0015)

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BYRD skip sempe capriccio stravagante cd annonce presentation critique review cd par classiquenews 1505121919_coverCD, compte-rendu, critique. WILLIAM BYRD : Virginals & Consorts / SKIP SEMPÉ, Capriccio Stravagante (1 cd Paradizo, PA 0015). Alors qu’il s’apprête à ravir les auditeurs parisiens grâce au festival de musique baroque «  TERPSICHORE », 15 sept – 12 oct 2017-, nouvel événement de musique ancienne et baroque dans la Capitale française (un manque enfin comblé), le claveciniste Skip Sempé rend un hommage particulièrement affiné, techniquement, esthétiquement, en l’honneur de son prédécesseur du XVIIè, William Byrd (1539 – 1623), lui-même, souverain du clavier. Il s’agit d’une bande enregistrée en 1997, il y a 20 ans, mais dans une version remastérisée, elle restitue mieux qu’hier, la séduction singulière d’un compositeur, claveciniste d’une qualité supérieure, maître entre Renaissance et premier Baroque. Aborder la musique de consorts de Byrd pose évidemment la question du geste interprétatif, et entre autres de la résolution des ornements, des « agréments » ou des diminutions : à l’interprète, le choix d’opter pour tel ou tel accent, nuance, tour technique… propre à préserver la profonde et ineffable poésie du vivant, léguée par Byrd dans ses partitions.
Intercalés brillamment avec plusieurs Pavanes et Gaillardes (associées en duos réguliers), nerveuses, étincelantes, – magnifiquement choisies pour créer une dramaturgie du mouvement et de l’énergie (à la façon d’une suite de danses, comme en France), de nombreux épisodes musicaux structurent un programme qui retient l’attention par sa diversité et sa grande cohérence. Le cycle ainsi joué par Capriccio Stravagante, célèbre le génie du compositeur britannique William Byrd, prince de l’effusion suggestive voire énigmatique propre à l’extase et cette capacité à l’émerveillement nostalgique de l’Angleterre du XVIIè. Les instrumentistes suivent habilement le claveciniste et directeur musical de l’ensemble dans un souci régénérateur de liberté et d’invention, car Byrd ici fascine dans un jeu virtuose et multiple, proche de la manière italienne contemporaine. La musique céleste (heavenly noise) est ainsi produite par ce jeu à la fois vivant et harmonique, lié à la capacité d’écoute et le désir de fusion collectif ; à cela s’ajoute, l’intention du relief individuel, et cette caractérisation qui permet à chaque session, d’exprimer intentions et sentiments en une sonorité chatoyante, heureusement réverbérée.
Le consort de violes (6) joue en dialogues sensuels parfois extatiques avec le groupe des flûtes (recorders) d’un même effectif, en miroir… Aux deux danses invoquées et donc byrd William_Byrdsubtilement récurrentes (les gaillardes sont remarquablement ciselées par le clavecin soliste de Skip Sempé), l’auditeur goûte ce festin charnel, sensuel et céleste de mélodies probablement tubes à l’époque de Byrd et références très identifiables alors (The Queen’s Alman, The Leaves be green, The Carman’s Whistle, A Fancie, sans omettre la dernière Pavane « Belle qui tiens ma vie »…) soit tout un monde sonore qui murmure, bouillonne, s’enivre et enchante, à la fois nostalgique et extraverti. Le génie de Byrd, « l’un des plus grands parmi les maîtres négligés » (Skip Sempé) ne pouvait trouver meilleur témoignage. Superbe programme. CLIC de CLASSIQUENEWS de septembre 2017, pour cette réédition révélatrice.

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CLIC_macaron_2014Cd, critique. WILLIAM BYRD : Virginals & Consorts. SKip Sempé et Capriccio Stravagante. 1 cd Paradizio PA 0015 — 1h13 — enregistré en 1997 (remastérisé en 2017) — CLIC de classiquenews de septembre 2017

Programme :

1 Fantazia à 6, T. 389
2 Pavan & Galliard, MB 32 “Kinbourough Good” : I.
3 Pavan & Galliard, MB 32 “Kinbourough Good” : II. Galliard
4 The Queen’s Alman – Hugh Ashton’s Ground (MB 20)
5 Pavan and galliard à 6 : I.
6 Pavan and galliard à 6 : II. Galliard
7 Pavane “Mille Regretz”
8 Pavan and Galliard, MB 14 : I.
9 Pavan and Galliard, MB 14 : II. Galliard
10 Browning (The Leaves be Green)
11 Pavan a 5
12 The Carman’s Whistle, MB 36
13 The Irish March, MB 94
14 My Lord of Oxenfords Maske
15 Pavan, MB 17
16 A Fancie, MB 25
17 Praeludium & Ground
18 Pavan & Galliard, MB 60 “Ph. Tregian”, : I.
19 Pavan & Galliard, MB 60 “Ph. Tregian”, : II. Galliard
20 Belle qui tiens ma vie, MB 21 “French Corantos” : I. Pavan

Skip Sempé, clavecin / harpsichord
Capriccio Stravagante

LIRE aussi notre présentation du festival TERPSICHORE à PARIS, du 15 sept au 12 oct 2017
http://www.classiquenews.com/paris-baroque-festival-terpsichore-15-septembre-12-octobre-2017/
Le 28 septembre, concert William Byrd : Consorts privés et publics au Temple de Pentemont

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CD, critique. VIVI FELICE, Sonates de D. Scarlatti. Adeline de Preissac, harpe (1 cd La Simplesse, 2016)

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preissac-adeline-de-harpe-scarlatti-cd-concert-juillet-2017-par-classiquenewsCD, critique. VIVI FELICE, Sonates de D. Scarlatti. Adeline de Preissac (1 cd La Simplesse). Adeline de Preissac éclaire et réécrit la formidable relation voire complicité artistique et musicale qui s’est nouée entre le compositeur napolitain Domenico Scarlatti (1685 – 1757) et son élève (et protectrice) la reine Maria Barbara. D’abord au Portugal (1720) puis en Espagne (1729), Scarlatti écrit toutes les Sonates destinées au plaisir et à la délectation de la Souveraine, claveciniste talentueuse et elle aussi compositrice. Le séjour en Espagne allait encore marquer un cap dans l’élaboration d’une écriture encore plus audacieuse, d’essence expérimentale. L’invention sans limites du créateur sait exploiter toutes les ressources expressives des accords parfaits I, V, IV. Il n’en fallait pas moins pour susciter l’esprit de défi (et d’expérimentaiton recréative) de la harpiste Adeline de Preissac : 11 Sonates dévoile le tissu imprévisible d’un tempérament musical unique à son époque, et aussi la transposition rafraichissante qu’en propose la harpiste.

Fluidité rêveuse, expressivité enivrée : Scarlatti révélé

En dépit des contraintes techniques liées à la digitalité seule, malgré la résonance naturelle de l’instrument, l’interprète sait capter la vitalité et l’urgence de chaque pièce, révélant toujours ce feu à la fois poétique, libre, étonnamment suggestif et volubile d’un compositeur aussi bouillonnant qu’élégant (K 148). Les 11 Sonates réunis dans le disque récemment paru à l’été 2017 soulignent surtout l’expertise et la sensibilité de la harpiste française.  Alors que beaucoup d’élèves harpistes, dans les Conservatoires et pendant leurs études, lors de Concours aussi, apprennent les rudiments de l’instrument, se perfectionnent dans l’interprétation de transcriptions d’après Scarlatti, aucun cd d’importance des Sonates de Domenico Scarlatti n’avait été publié. Voilà une absence réparée d’autant qu’Adeline de Preissac ajoute plusieurs Sonates jamais jouées à la harpe (telles les K434, K232, K148, K239, K302, K201)… A chaque séquence, l’instrument à la fois cristallin et rond affirme une sonorité enivrante qui fait surgir la profondeur et l’imprévu nés de l’intime et de la pudeur (K213). Il faut de la finesse et une expressivité à la fois mordante et précise, accordées à une imagination flexible (chants et contrechants de la dernière K 201), pour exprimer le souffle et la verve de chaque Sonate (K25). De toute évidence, Adeline de Preissac maîtrise les qualités requises qui font le mystère et l’énigme Scarlatti dans l’histoire de la musique. Programme enchanteur, musicalement flamboyant,  techniquement captivant. Bach se joue au piano, sans atténuation de son génie. Il est grand temps de jouer Scarlatti à la harpe pour en saisir différemment le génie protéiforme et volubile. Défi relevé aujourd’hui par Adeline de Preissac.

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CLIC D'OR macaron 200CD, compte rendu critique. VIVI FELICE. 11 Sonates de Domenico Scarlatti. Adeline de Preissac, harpe (1 cd La Simplesse, enregistré en juin 2016). CLIC de CLASSIQUENEWS de l’été 2017.

AGENDA : Adeline de Preissac joue le programme de son disque VIVI FELICE, demain samedi 29 juillet à TOURS :

preissac-adeline-de-harpe-scarlatti-cd-concert-juillet-2017-par-classiquenewsSamedi 29 juillet 2017 : Cloître de la Psalette (Tours) – 14h30
« Vivi Felice » / Sonates de Domenico Scarlatti par Adeline de Preissac, harpe – Rens. : 02 47 47 05 19 - Concert pour la sortie du CD Scarlatti (référence : vivifel12) — LIRE aussi notre entretien avec Adeline de Preissac

 

Compte rendu critique, opéra. Londres, ROH, le 21 juin 2017. VERDI : Otello par Jonas Kaufmann. Pappano / Warner

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Compte rendu critique, opéra. Londres, ROH, le 21 juin 2017. VERDI : Otello par Jonas Kaufmann. Pappano / Warner. Les défis d’Otello. Du studio à la scène, le ténor Kaufmann confirme qu’il est et demeure une valeur sûre ; la promesse et la réalisation d’un chant maîtrisé, malgré une retraite récente obligée (vite surmontée – LIRE notre dépêche « grosse fatigue pour Jonas Kaufmann, octobre 2016).

 

 

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Jonas_Kaufmann_verdi_ album_Sony classicalHier en studio (chez Sony, enregistré en mars 2013, puis publié en octobre 2013), l’interprète, vicissitudes du planning oblige, aura attendu un peu plus de 4 années pour incarner sur la scène, affres et vertiges brûlants de la possession shakespearienne, proposant en ce mois de juin 2017, son premier Otello scénique. Le disque Sony (à l’époque, sobrement intitulé « The Verdi album » avait été élu CLIC de CLASSIQUENEWS, récompense suprême, soulignait alors (dès mars 2013) l’intelligence du chanteur dans l’interprétation d’un rôle parmi les plus complexes du répertoire.
Rien n’est laissé au hasard dans la carrière du plus grand ténor actuel, capable de convaincre chez Wagner comme à présent chez Verdi. Les qualités requises pour réussir le personnage d’Otello de Verdi sont aussi diverses que redoutables (en cela Verdi s’est hissé à la hauteur du génie Shakespearien, comme avant lui Berlioz tout autant passionné, inspiré par la lyre poétique du poète baroque britannique) : aigus claironnants comme le soupçon grandissant ; affûtés comme le poignard, mais aussi couleur sombre de la folie naissante et dévorante, de plus en obsessionnelle jusqu’aux pulsions criminelles qui conduisent le Maure pourtant favori de la Fortune, à assassiner sa propre épouse, Desdémone (à Londres, Maria Agresta, honnête et efficace sans être d’une émotivité mémorable). Si l’emprise du serpent Iago (Marco Vratogna plutôt brut et linéaire, qui remplace Ludovic Tézier souffrant) est évident, c’est essentiellement l’esprit instable d’Otello lui-même qui donne matière à cette course à l’abîme. Trop faible et pourtant guerrier de valeur, la volonté et l’équilibre psychique d’Otello s’effondrent face à l’amour ; ici en rien force d’épanouissement ou de plénitude extatique ; plutôt foyer d’une sourde et douloureuse puis tragique impuissance. Hier Jon Vickers et son timbre de loup halluciné, puis récemment le baryténor Placido Domingo, au génie linguistique irrésistible ont marqué la caractérisation du rôle verdien. Son métal sombre, rauque de félin crépusculaire, dernièrement éprouvé (ce qui lui a causé un repos obligé et l’annulation de plusieurs engagements) vaut aujourd’hui au ténor Jonas Kaufmann, un retour raisonné, plutôt convaincant et de présenter toutes les aptitudes pour incarner Otello : un rôle autant vocal que dramatique. Car ici le chanteur est acteur.

 

 

DU DISQUE A LA SCENE…
L’Otello félin de Jonas Kaufmann

 

 

Son medium large mais timbré a fait la réussite de ses Wagner antérieurs: Lohengrin, Parsifal et aussi Sigmund (La Walkyrie), ce dernier rôle, trop injustement mis de côté au profit des autres mais d’une profondeur inouïe (sous la direction de Claudio Abbado, pour le disque). Jonas Kaufmann comme ses illustres devanciers, sait faire jaillir d’un rôle, une vérité souterraine irrésistible, touchante, proche, troublante.
Au Royal Opera House de Londres (ROH), le ténor munichois s’est montré à la hauteur de ce formidable pari. Du victorieux « Esultate » initial qui impose la figure du général débarquant en pleine tempête à Chypre, à l’extatique duo amoureux (I) : « Già nella notte densa », Kaufmann affirme un chant intense et noble. De plus en intérieur, il éclaire la possession du Maure par le poison du soupçon instillé par Iago au II (« Ora per sempre addio ») : le jeune et beau capitaine Cassio (tendre et lumineux Frédéric Antoun) qu’Otello d’abord protecteur a destitué, courtise Desdémone ; d’ailleurs, le rival possède déjà le mouchoir brodé de la jeune traîtresse. Peu à peu le feu de la tempête qui a accompagné le débarquement du général se meut en torrent de haine et de jalousie ; tempête naturelle, tempête psychique.
Au III, comme embué par ses propres démons soudainement réveillés, Otello / Kaufmann humilie son épouse alors que le ballet (version 1894) indique les artifices de la politique : des ambassadeurs vénitiens représentent le Doge qui rappelle Otello et l’invite à rejoindre Venise… Mais le guerrier frappe publiquement Desdémone.
Enfin c’est l’acte IV, celui du crime : Iago grand manipulateur a obtenu de sa victime Otello, totalement soumis, d’étrangler la traîtresse sur la couche de l’adultère (supposé)… d’une simplicité économe, mais habité par l’illusion fatidique qui inféode le personnage, Kaufmann commet l’irréparable en un naturel théâtral d’une irrésistible progression ; le réveil après avoir tué son épouse dont il comprend qu’elle était innocente, révèle l’horreur de la situation ; il faut un chant dépouillé, franc, direct, d’une ampleur ciselée pour réussir la vraisemblance d’une telle séquence. Kaufmann récidive sur scène ce qu’il avait réussi dans son album discographique édité chez Sony : à l’intelligence du diseur, répond la sobre expressivité de l’acteur, d’une intériorité maîtrisée ; l’acteur rejoint l’acteur et sa sincérité nous touche derechef.

En deça de l’intelligence du ténor vedette, la mise en scène de Keith Warner élude et simplifie, ciblant certes l’explicite, au détriment souvent de l’ambivalence et du réel trouble qui tiraille les personnages.
Quant à la direction d’Antonio Pappano, la lisibilité de la ligne tragique qui enferme peu à peu Otello dans l’aveuglement et la folie sous l’emprise obsessionnelle de Iago, est toujours détectable mais le chef comme un volcan systématique, assène des accoups orchestraux disproportionnés, dont la véhémence soulignée finit par être hors sujet : plus de nuances murmurées, de raffinement intérieur eussent été profitables (le tempête réelle et symbolique ne résonne véritablement qu’au début, même si tout l’opéra en est le prolongement progressif jusqu’à son terme sacrificiel); pourtant le temps musical rejoint le temps dramatique : chant et action doivent fusionner avec ce réalisme insidieux et subtil, superlatif (conçu par Boito librettiste de son aîné Verdi), portant davantage la partie d’Otello dont Kaufmann fait un félin blessé, un homme détruit dès le début, qui malgré son formidable cri de guerre, déchirant la tempête d’ouverture, porte en lui des démons qui ne demandaient qu’à être tirés du sommeil. Ne reste désormais plus qu’un sommet à gravir pour le ténor munichois : le rôle de Tristan de Wagner.

 

 

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Pour tous ceux qui ne peuvent se rendre à Londres, pour l’applaudir dans Otello, les salles de cinéma diffusent en direct la session du 28 juin prochain. Incontournable : ténor, orchestre et chefs pourraient bien encore se bonifier.

LIRE aussi notre dépêche : «  le premier Otello de Jonas Kaufmann, du studio à la scène » : http://www.classiquenews.com/le-premier-otello-de-jonas-kaufmann/

 

LIRE aussi notre critique développée du cd The Verdi Album par Jonas Kaufmann, où dès octobre 2015, le ténor munichois affirmait une compréhension très subtile du rôle verdien, – enregistrement de mars 2013

 

 

Illustration : photo de Jonas Kaufmann / Otello, Londres juin 2017 ROH London © C Ashmore

CD événement, compte-rendu critique. DE CAELIS : LE LIVRE D’ALIENOR (1 cd Bayard musique, 2016)

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CD événement, compte-rendu critique. DE CAELIS : LE LIVRE D’ALIENOR  (1 cd Bayard musique, 2016). Dans ce nouvel album, De Caelis déploie toute la languissante et implorante polyphonie a capella dont l’ensemble de 5 voix de femmes nous a habitué depuis ses débuts, mais avec ici une précision et une écoute collective décuplée, pour faire surgir ce qui pouvait être le texte et ses espoirs du livre d’Aliénor d’Aquitaine (devenue Reine d’Angleterre par son mariage avec Henri II Plantagenêt), tel qu’il figure sur son gisant à Fontevraud.

 
 

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DECAELIS-laurence-brisset-cd-lelivre-d'alienor-cd-classiquenews-critique-review-cdLà repose la mère de Richard Cœur de Lion, couchée avec dans ses mains, un livre de pierre dont le texte et les musiques sont proposées à l’imaginaire de l’auditeur. Géniale introduction à ce voyage vocal enivrant, la pièce commandée au compositeur contemporain Philippe Hersant, qui lui, met en musique, contrepoint et polyphonie arachnéenne, le texte du grand père d’Aliénor, Guillaune d’Aquitaine, premier prince troubadour, texte surprenant qui convoque l’inouï, l’étrange, … le Néant. Sur ce thème qui a inspiré les surréalistes, Hersant joue sur trois notes formant une base mélodique réduite à l’essence, des rythmes, des harmonies, tissant une soie à 5 d’une beauté hypnotique : chant souple et polyphonies enchantées, comme une volière de voix angéliques qui dispersent leurs prières et leurs visions en nuées suspendues. L’ivresse portée par l’ensemble vocal à la fois un et pluriel, d’une sonorité exceptionnellement cohérente, comme très individualisée aussi, accuse le relief de chaque séquence, suivant la succession des 8 groupes de textes de la Chanson de Guillaume. Le caractère des voix, diaphanes, sussurrantes, embrasées, incandescentes (strophe 7 et ses cimes aiguës, languissantes d’une extase scintillante, véritable expression de cet amour de loin où pèse la présence de la Belle inconnue…, référence à l’amour de Jaufré pour la Princesse de Tripoli? dont il est question ensuite) exprime dans un carillon de voix scintillantes, l’hallucination d’un texte poétique qui allie énigme et ravissement, prière et révélation, en un poudroiement sonore.

 
 
 

Dans Le Livre d’Alienor, nouveau cd paru début mai 2017,
l’Ensemble DA CAELIS signe l’un de ses plus beaux albums…

5 magiciennes chantent les 2 Aliénor de Fontevraud
Ivresse, extase, visions du verbe incarné

 
 

CD événement. De Caelis : 5 sirènes enchanteresses ouvrent le Livre des 2 Aliénor

 
 

Le carillon vocal réalisé par De Caelis sait dire aussi la langue de Guillaume le Troubadour, d’une invention prodigieuse, dont les images inédites, portées par un langage en français médiéval, à la fois rustique et naturellement chantant, ne cesse de nous interroger sur le sens profond de ce poème inclassable, fantastique, onirique, à la fois truculent et épique. La dernière strophe referme le livre enchanté sur le mot qui semble en recueillir tout le mystère et le sens caché : «  la contraclau », la contreclé. Quelle est-elle ? Où se trouve-t-elle ? Nul ne le sait, ne l’a su, ne le saura jamais. Pour cristalliser la profonde question que pose ce formidable texte, la musique de Philippe Hersant comble notre frustration et notre attente. Rien que pour ce premier accomplissement de 8 mn, le programme mérite les meilleures louanges.
Puis, les 5 cantatrices accompagnées par l’organetto explore l’ardente et intérieure littérature poétique, écrite par Jaufré Rudel (Quan Lo rios, Lan can li jorn), Guirault de Bornelh (Res glorios), mais aussi les prières et riches espérances musicales contenues dans la collection de pièces du Graduel d’Aliénor de Bretagne (née en 1275). La descendante d’Aliénor d’Aquitaine fut Abbesse à Fontevrault, elle aussi figure majeure, par son esprit, ses actions et tel qu’il en découle du Graduel ainsi restitué, par son goût. Il s’agit de pièces d’une grande séduction et intensité portées essentiellement par la brillance et la précision des voix non vibrées, tenues, d’une infaillible projection, – miroir des constellations célestes (Kyrie, 3 ; Alleluia, 5 : évocation du parfum du Paradis). D’une verve imagée fascinante, le chant a capella de Versus Lilium floruit de Saint-Martial de Limoges , une épisode aux rares splendeurs poétiques, qui convoque les délices (référence florale dont le Lys) de la campagne libanaise en une succession de visions mystiques, pastorales qui rayonnent littéralement dans l’espace idéalement réverbéré de Fontevrault. Tout un monde de raffinement et d’évocations précises, au double voire triple sens, – premier, sacré et mystique, voire courtois et philosophique, empruntant à la nature, célèbre Dieu, Jésus, Marie.

La souplesse et l’intensité nuancée des voix réalisent plusieurs défis sur le plan interprétatif : incarnation charnelle de prières d’essence sacrée, c’est tout le mystère et la fascination du verbe caractérisé par des voix très identifiées (Marie-Georges Monet et Laurence Brisset, solistes alternées dans Jesse virga (6) / La branche de Jessé, texte lui-même sur le mystère de la gestation et de l’enfantement, de la génération, du Mystère et du Miracle divin). Entre intensité et présence d’une narration à l’échelle humaine et chant abstrait qui cible et exprime le concept, De Caelis trouve une voie médiane, idéalement équilibrée, entre suggestivité et individualité ; équation naturelle qui renforce encore l’impact expressif de chaque section. Les voix n’hésitent pas à s’exposer : le soprano clair et cristallin de Caroline Tarrit (Lan can li jorn de Rudel, 7 : nouveau surgissement de l’amour lointain, associé aux oiseaux de mai), associé ensuite à Estelle Nadau (duo bouleversant, hypnotique d’Arce siderea, d’un balancement extatique, plage 8, où les deux voix – chérubins célestes descendus sur terre, racontent le sacrifice de la Mère et de son Fils).

Dans un contrepoint au texte vivant et très narratif (en langue vernaculaire), Conduit Regne de Pite (11) met en avant la précision des voix associées et ce travail particulier sur la sonorité, claire et expressive, très respectueuse des images (multiples, cumulées) d’un texte flamboyant qui célèbre Marie. Quel contraste avec les lignes tendues jusqu’au bout du souffle de Surgens Jhesus (12), – claire évocation de la Résurrection (et qui sur une voyelle, édifie une arabesque vocal à l’infini, en cela proche de l’improvisation dans le plain-chant). L’ultime pièce Res est admirabilis, autre louange au miracle de la maternité de la Vierge, met en avant la force expressive de De Caelis : un son collectif d’une exceptionnelle cohérence, qui n’empêche cependant pas le relief voire l’âpreté de timbres caractérisés : voix angéliques et célestes certes, chant de femmes désirantes, fortes chacune de leur expérience et identité propre, et conquérantes. Le résultat est inouï, comme l’essence du premier poème, la Chanson de Guillaume d’Aquitaine. Programme jubilatoire. Dans ce nouvel album, De Caelis confirme une maestria hypersensible qu’elles sont seules aujourd’hui à défendre, dans un répertoire particulièrement difficile.

 
 

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CLIC_macaron_2014CD événement, compte-rendu critique. DE CAELIS : LE LIVRE D’ALIENOR / D’Aliénor d’Aquitaine (1122/24-1204)  à Aliénor de Bretagne (1275-1342), deux figures de femmes de savoir et de pouvoir à Fautevraud. Plain-Chant et Polyphonies des XIIè et XIIIè siècle / Graduel de Fontevraud et Philippe Hersant — Parution début mai 2017 / CLIC de CLASSIQUENEWS de mai 2017.

 
 

LIRE aussi notre présentation annonce du cd Le Livre d’Aliénor par De Caelis

http://www.classiquenews.com/les-5-chanteuses-de-de-caelis-ouvrent-le-livre-des-2-alienor/

 
 
 

CD, critique. VISIONS. Airs d’oratorios et d’opéras romantiques français / Véronique Gens (1 cd Alpha)

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Visions-VeroniqueGens cd critque classiquenews alpha muncher rund funkorchester cd review classiquenews-300x268CD, critique. VISIONS. Airs d’oratorios et d’opéras romantiques français / Véronique Gens (1 cd Alpha). L’excellente soprano française diseuse et tragédienne distinguée nous offre ici de remarquables « visions » sensuelles / sacrées, qui traversent et incarnent des paysages fantastiques et mystiques du plein romantisme hexagonal. La vision sur la scène lyrique permet l’immersion dans ce surnaturel spectaculaire d’essence poétique que les plus grands compositeurs conçoivent avec plus ou moins de bon goût; académiques séducteurs ou fins bardes visionnaires.

 

 

 

Ivresse, extase de l’opéra et de l’oratorio romantiques français

 

 

Porté par ses visions, l’héroïne ici sublime et exalte un nouveau souffle expressif qui cristallise souvent cette fameuse scène de bascule où toute la psyché révélée, se dévoilant, réussit la métamorphose finale du caractère. Offrant alors une palette extrêmement riche d’affects, l’interprète renouvelle ce qui concentre le projet lyrique, l’incarnation des passions en une catharsis foudroyante, parfois terrifiante, toujours libératrice.
Opéra et oratorio. Mais de l’un à l’autre genre s’écoule la même veine poétique : ainsi La Vierge de Massent (1880) tout en n’évitant pas un style sulpicien, exprime avec justesse (le Puccini français ?), une vérité expressive et passionnelle qui comme Caravage avant lui, « ose » représenter la mort de Marie. Dans l’extase infinie et l’ivresse ascensionnelle.
Exaltation, extase, ravissement, qu’ils soient mystiques ou sensuels emportent l’esprit et le corps et avec eux, l’attention subjuguée des spectateurs (prière de Clotilde de Bizet / Clovis et Clotilde de 1857).

 

 

A l’inverse, les profanes s’enlisent dans un rêve voluptueux qui les attache à ce qui fut mais ne peut plus être. Résistantes et nostalgiques d’une sensualité passée à jamais perdue, ni la Béatrix (Etienne Marcel de Saint-Saëns, 1879), ni Lalla-Roukh de Félicien David (1862) ne peuvent renoncer aux jouissances de la chair sans verser des larmes amères ou une prière parfois déchirante (Lalla-Roukh surtout , cf. : « Sous le feuillage sombre. »)…
franck cesar portrait classiquenewsAvec l’apparition de nature divine, la révélation s’invite dans ce banquet d’effets visuels et dramatiques. Ainsi l’oracle dans La Rédemption (1874 / air de l’archange : « Le flot se lève ») du si mystique et poétique César Franck dont il faudrait un jour consacrer un album entier pour souligner combien le Pater Seraphicus a su renouveler le wagnérisme, l’assimiler et s’en détacher par originalité et puissance. Après Massenet, et pour conjurer les atrocités sociales de la Commune, Franck toujours en narrateur épique, commet Les Béatitudes (1879) dont le parfum d’expiation appelle au pardon général, à la réconciliation unanime autour du visage terrassé, sacrificiel de la Vierge revivant ici la mort du Fils offert en don ultime… « J’offre mon fils en sacrifice au salut de l’humanité ». La générosité du timbre, les aigus tendus (parfois un rien tirés et forcés) mais l’intelligibilité toujours parfaitement préservée soulignent ici comme ailleurs, le métier de la diva qui sait exprimer tout en déclamant. A l’heure où tant de jeunes chanteurs souhaitent percer dans la carrière, profitant de ce regain nouveau pour les recréations romantiques françaises, l’art de “La Gens” demeure exemplaire, car la cantatrice sait chanter, jouer, exprimer, dire … sans perdre une voyelle (vrai défi pour les sopranos), usant de son vibrato comme les chanteurs baroqueux, c’est à dire avec parcimonie et comme d’un effet expressif millimétré.

 

Le portrait des héroïnes, femmes amoureuses, grandes adoratrices, moins pieuses que passionnément converties, bénéficie du soprano « Falcon » de Véronique Gens (du nom de la soprano mythique propre aux années 1830, Cornélie Falcon). La tragédienne qui sait aussi émouvoir en un style aristocratique toujours digne et comme frappé d’élégance, réussit un tour de force. L’accomplissement d’une carrière toute orientée en faveur de l’opéra et de l’oratorio français des années 1850 (Halévy, Bizet), 1860 (Félicien David), 1870 (Saint-Saëns, Franck), 1880 (Bruneau, Godard, Massenet) jusqu’à 1919 avec Gismonda de Février, sans omettre le plus ancien Stradella de 1837 de Niedermeyer (air de Léonor : « Ah quel songe affreux! »). La collection d’airs permet à la diva française d’affirmer son tempérament inégalé actuellement au service des recréations de l’opéra romantique française (et de l’oratorio), encore confirmé par ses récentes incarnations de Proserpine (1887) de Saint-Saëns (récente critique du cd sur CLASSIQUENEWS) et La Reine de Chypre de Halévy (Paris, été 2017).
Belle série de récréations révélant l’exceptionnelle richesse toujours méconnue de notre patrimoine romantique français.

 

 

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CD, critique. VISIONS. Airs d’oratorios et d’opéras romantiques français / Véronique Gens / Orchestre de la Radio de Munich, Münchner Rundfunkorchester, H. Niquet (1 cd Alpha classics / Palazzetto Bru Zane) — enregistrement réalisé à Munich en janvier 2017. Parution annoncée : juin 2017.

Visions : airs d’opéras et d’oratorios
HALÉVY, BRUNEAU, BIZET, DAVID, FÉVRIER, GODARD, FRANCK, MASSENET, NIEDERMEYER,
SAINT-SAËNS

 

 

LIRE aussi notre compte rendu critique complet dédié au cd NEERE, mélodies romantiques françaises par Véronique Gens, album jubilatoire, couronné par un CLIC de CLASSIQUENEWS, édité en octobre 2015.

 

 

CD, compte rendu critique. SALIERI : La Scuola de’Gelosi / Werner Ehrhardt (3 cd DHM – 2015)

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0886445868555_300CD, compte rendu critique. SALIERI : La Scuola de’Gelosi / Werner Ehrhardt (3 cd DHM – 2015). Dès 1778 dans ce joyau comique palpitant, le jeune Salieri à Venise affirme un génie de l’élégance qui porte toutes les situations et aussi le profil de chacun des individus formant les couples amoureux, croisés, éprouvés en un savant marivaudage, cocasse et savoureux. Salieri y recycle toute l’inventivité des Napolitains, acclimatée à une langue très variée, jamais formellement prévisible (ce goût et cette richesse mélodique admirés par Goethe), égalant les opéras toujours trop méconnus et mésestimés de Haydn pour Esterhaza, annonçant directement le meilleur Mozart, celui des Noces de Figaro et de Cosi fan tutte : ici les personnages, pris dans leur propre piège, éprouvent, exultent, s’abandonnent. En maître du théâtre mélodramatique, surtout sentimental, à l’époque où Greuze invente la peinture de genre néoclassique, Salieri conçoit un opéra qui brille par la vivacité des situations, l’esprit comme la grâce des caractères sur le fil. Il est évident que cette Scuola de’Gelosi, annonce 8 ans avant, Les Noces de Figaro (nervosité et élégance), surtout Cosi (vérité et déjà nuance nostalgique et presque sombre dans la coupe des duos et trios, finale du I). A 28 ans, Salieri se montre beaucoup plus libre et pétillant que dans le genre seria : moins contraint et antonio_salieri_1802proche de la vie, enchaînant les perles comiques, véritables pépites théâtrales (sans omettre le surgissement d’une vérité plus sombre et cynique comme l’air de Blasio le précise au II, préfiguration de l’Air de la Calomnie des Noces) : ici s’éprouvent les couples, leur désir ; dans l’abattage prérossinien des recitatifs et des duos, dans la frénésie vertigineuse des finales, s’affirme l’âge d’or du genre buffa. La Scuola de’Gelosi fut un triomphe sur toutes les scènes d’Europe (Dresde, Vienne, Paris, Prague…). Salieri renouvelle alors les triomphes de son prédécesseur comique, Cimarosa On relève surtout l’énergie contradictoire des finales, embrasés par l’implosion du corps social que les intrigues répétées tendent à produire et la résistance à l’inverse que les plus loyaux ne cessent d’affirmer.

Le génie de Salieri, facétieux, libertin, enfin révélé

 

 

Quand Salieri prépare Mozart…

Les Gelosi de Salieri :
Un joyau comique prémozartien

Le génie de Salieri révélé : La Scuola de'gelosi (1779)La valeur de cette captation live (qui assure vie et tension aux côtés de leur implication vocale) tient au profil des chanteurs qui savent idéalement caractériser, en complicité d’élégance (et d’humour) chacun de leur air, chacune des situations : baryton élégantisisme (Florian Götz en Lumaca, rustre mais naturellement raffiné : il pourrait chanter Le Comte et Guglielmo chez Mozart), ténors tout en séduction (Emiliano d’Aguanno en comte, agité par la cabriole / Patrick Vogel en lieutenant, de plus en plus malicieux, manipulateur) ; même esprit piquant et expressif chez les femmes : épatantes, l’Ernesta de Roberta Mameli, comme le rôle clé de la comtesse, Francesca Mazzulli Lombardi : son grand air du II (plus de 6 mn, le plus long de l’ouvrage) indique la profondeur axiale du personnage qui sait répondre à la déloyauté de son époux volage (Ah, sia già de’miei sospiri…).

 

joseph II empereurSous étiquette DHM, cette « école des jaloux » / Scuola de’Gelosi de Salieri (qui annonce l’école des amants, ou Cosi fan tutte de Mozart plus tardif) mérite assurément le meilleur accueil comme il confirme le talent désormais bien installé d’un chef et de son ensemble parmi les nouveaux défenseurs des répertoires baroques, classiques, préromantiques… Voici sans conteste un nouveau joyau lyrique révélé grâce au chef Werner Ehrhardt et son ensemble L’Arte del Mondo; les musiciens poursuivent ainsi un partenariat discographqiue avec DHM / Sony classical, plutôt bénéfique. CLASSIQUENEWS avait distingué d’un CLIC précédent, la Clemenza di Tito (non de Mozart mais de Gluck, enregistré deux ans auparavant en 2013 — lire ci après en bas de page, notre lien vers la critique complète de La Clemenza de Gluck). On retrouve ici, la même pétillance, la poursuite d’un esprit flexible et enjoué qui s’avère des mieux expressifs sur la scène comique ; à l’acuité  bondissante de l’orchestre répond la fine caractérisation des solistes, soucieux d’articulation, ambassadeurs d’un réalisme théâtral qui réjouit. L’opéra napolitain préserve l’expérience scénique aux côtés du chant et dans les situations collectives, – affrontements et confrontations-, se réalise un véritable plaisir théâtral. Ici Werner Ehrhardt reprend la partition vénitienne de 1778 (livret de Caterino Mazzolà) mais plus précisément dans sa version de 1783, dans l’adaptation de Da Ponte, nouvellement venu à Vienne et très recommandé par son maître Mazzola auprès de Salieri : voilà donc toute la grâce de Lorenzo Da Ponte (portait ci dessous) chez Salieri, avant son accomplissement chez Mozart quelques années après. Joseph II opérait ainsi un revirement historique : après l’essai d’un singspiel (opéra en langue allemande) avec la création de l’Enlèvement au sérail, die Entführung aus dem Serail de 1782, un décret impérial rétablissait la primauté de l’opéra italien sur la scène du Burgtheater.
da-ponte-lorenzo-librettiste-mozartDe fait, la création de La Scuola de’Gelosi, perle buffa d’une exceptionnelle élégance, affirme cet essor du parti italien à Vienne. Il en sera bientôt de même à Paris et Versailles, quand Piccinni et surtout Sacchini composeront en France pour Marie-Antoinette, dans les années 1780, réadaptant dans une langue nerveuse, expressive, dramatique (frénétique), la coupe des Lully et de Corneille (voir actuellement en mars 2017, la recréation de Chimène… de Sacchini, également créé en 1783). Dans cet enregistrement de décembre 2015, la verve défendue par Salieri / Da Ponte, – l’activité irrésistible de cette jalousie première, stimulante, sujet de bien des avatars…, ne pouvait trouver meilleurs ambassadeurs (les instrumentistes cordes et vents d’époque de l’ensemble L’Arte del Mundo créé par Werner Ehrhardt en 2014, redoublent de subtilité expressive et de poésie dramatique).

CLIC D'OR macaron 200Découverte totale, dévoilant ce raffinement italien à la Cour de Joseph II à Vienne. Aucun doute à présent : le meilleur Mozart connaissait les derniers aboutissements du Salieri comique, insolent, raffiné. La Scuola de’Gelosi du précurseur contient déjà l’esprit qui fait le miracle des Noces et de Cosi. CLIC de CLASSIQUENEWS de mars 2017.

 

 

 

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SALIERI : La Scuola de’Gelosi, Venise /1778, version viennoise de 1783 (livret de Da Ponte à partir de l’original de Mazzola). Comédie en deux actes.

Emanuele d’Aguanno – Conte/Tenor
Francesca Lombardi Mazzulli – Contessa/Sopran
Federico Sacchi – Blasio/Bass
Roberta Mameli – Ernestina/Sopran
Florian Götz – Lumaca/Bass
Milena Storti – Carlotta/Mezzosopran
Patrick Vogel – Tenente/Tenor
L’arte del mondo / 
Werner Ehrhardt (direction)

 

2 CD DHM / WDR – Sony classical / parution : fin février 2017.

 

 

 

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+ D’INFOS sur l’ensemble Arte del Mundo / Werner Ehrhardt
http://www.lartedelmondo.com/index.php?id=105

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salieri jeune scuola degli amanti gelosiCet enregistrement événement reprécise a contrario de la légende colporté par le cinéma (Amadeus du Tchèque Milos Forman, 1985) et la littérature (roman nouvelle Mozart et Salieri de Pouchkine), la vraie coopération entre Mozart et Salieri à Vienne dans les années 1780. A ce titre, une partition commune a été découverte à Prague en février 2016 : c’est encore Da Ponte qui fait le lien entre eux. Il paraît évident aujourd’hui que les deux compositeurs extrêmement talentueux s’estimaient l’un l’autre et connaissaient précisément leur écriture respective, travaillant ainsi avec le même librettiste et poète, Lorenzo da Ponte (1749-1838).

DVD, compte rendu critique. SALIERI : Europa riconosciuta. Muti, Ronconi (1 dvd Erato)

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salieri europa riconosciuta dvd riccardo muti alla scala ERATO diana damrau classiquenews review dvd critique CLIC de classiquenews 1507-1DVD, compte rendu critique. SALIERI : Europa riconosciuta. Muti, Ronconi (1 dvd Erato). Jeune compositeur frais moulu arrivé à Vienne, depuis son Italie natale, Antonio Salieri (1750-1825), est d’abord formé par Gassmann, dans la capitale autrichienne dès ses 16 ans, puis lui succède comme compositeur de la Cour. Le compositeur italien s’inscrit donc dans la réforme de l’opéra seria telle que l’a accéléré Gluck à Vienne et plus récemment à Paris. Enfin en 1778, déjà très expérimenté en matière de drames lyriques, Salieri livre pour l’Archiduc Ferdinand, grand duc de Toscane, un nouvel opéra destiné à inaugurer le nouveau théâtre milanais alla Scala : il s’agit d’Europa riconosciuta, c’est à dire Europe reconnue. Le sujet est un labyrinthe des coeurs contrariés : Semele a choisi son futur époux, Isseo, auquel elle propose le trône de Tyr. Mais le jeune homme aime Europa, elle-même ancienne prenicessede Tyr, qui est pourtant mariée au crétois Asterio. Or Semele est désiré par Egisto qui est prêt à tout, pour faire empêcher Semele de s’unir à Isseo… Au terme d’avatars et d’épisodes à rebondissements, Isseo tue Egisto, l’agent de la discorde et de la haine, puis grâce à Europa devenue reine de Tyr (en somme la juste réparation de son malheur), peut épouser pour sa plus grande félicité, Semele…

Europe scaligène

Ne vous trompez pas : ce n’est pas un ouvrage sur le continent européen mais l’illustration des amours rocambolesques de la fable amoureuse, entre princes et reines, guerriers et belles féminités, le tout dans des décors et palais somptueux. Pour l’occasion inaugurale, le Teatro scaligène déploie un faste de décors et machineries jamais vus jusque là (conçus par les frères Galliari), composant un écrin destiné à accueillir une action qui déjà renouvelle sensiblement la forme immuable du genre seria : Salieri ose une liberté formelle inédite qui tend à assouplir l’orthodoxie métastasienne, en mêlant sens du drame (avec choeur très dynamique, c’est à dire mouvant et mobile, a contrario du statisme inspiré par le choeur antique-, danses, grandiose héroïque dans le style français) et pure virtuosité vocale à la napolitaine (selon le modèle des Traetta et Jommelli entre autres, cumulant des cascades vocales parfois ahurissantes).
De fait, sur un livret relâché et en manque de cohérence signé Mattia Verazi, le jeune Salieri – pas encore trentenaire, développe en digne gluckiste, une énergie dramatique réelle, souvent irrésistible (à commencer par l’ouverture, véritable tempête qui emporte les spectateurs immédiatement dans le coeur de l’action et du drame : le naufrage des princes crétois Asterio et son épouse Europa), très efficace dans sa coupe plutôt rapide, enchaînant sans temps morts, les séquences de plus en plus expressives et spectaculaires : 2h de durée globale dont presque 25 mn de ballet!
Enfant de son époque, soit musicien des Lumières à l’époque où Mozart redéfinit la grâce opératique, Salieri fourmille d’idées (mais à la manière d’un catalogue, car l’urgence et l’esprit de séquence priment cependant sur un tout unitaire cohérent) ; ici on relève des rapprochements avec Les Nozze di Figaro (où Semele est sœur de la Comtesse) ou Don Giovanni de son génial contemporain…
En place des deux castrats créateurs en 1778 (Isséo et Asterio), Muti préfère ici deux chanteuses agiles et aux timbres caractérisés plutôt que deux contre-ténors : c’est que l’agilité et l’abattage à vocalises sont requis. Percutantes et engagées : Daniela Barcelona et Genia Kühmeier… Aigus présents et couverts, énergique mais parfois imprécise, la Semele de Désirée Rancatore tire son épingle du jeu.
Dans le rôle-titre, Diana Damrau fait le travail : agilité (vocalises inouïes), tension, expression, mais comme l’écriture tend à le privilégier, la pure virtuosité supplante la profondeur et la finesse.
Défenseur redoublé du répertoire napolitain européen, Riccardo Muti s’enflamme, s’embrase, avec un réel sens des contrastes pour un opéra qui rétablit la princesse légitime Europa sur le trône de Tyr: soit une direction vive, affûtée qui s’inscrit telle la meilleure argumentation en faveur de Salieri. Mais, tant de virtuosité démonstrative, reste positivement certes, dans le périmètre de l’artifice : on est quand même bien loin des vertiges émotionnels plus justes, intimes, allusifs et si bouleversants d’un Mozart divinement introspectif (qui a déjà montré son génie du coeur humain et du drame amoureux dans Lucio Silla de 1774, par exemple…). En bonus, Muti rétablit la place du ballet intercalaire à la fin du I : à partir de morceaux du catalogue Salieri, en place de la partition originelle perdue ; s’y distinguent les danseurs scaligènes en grande élégance musclée, nerveuse dont l’Etoile, désormais mémorable de la Scala, Roberto Bolle et sa plasticité d’éphèbe assoupli, acrobatique, ici dans une chorégraphie du splendide chorégraphe Heinz Spörli. Scénographiquement, Luca Ronconi sait exploiter parfois en exagérant, la veine spectaculaire de la production avec toujours des effets collectifs, des mouvements de foule (et de choeur), plutôt surprenants, donc réussis. Les salieristes ne pouvaient trouver meilleurs ambassadeurs de leur cause dans cette captation scaligène de 2004.

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DVD, compte-rendu critique. SALIERI : Europa Riconosciuta, 1778. Riccardo Muti (Scala, décembre 2004). 1 DVD ERATO (parution : février 2017).

SALIERI : EUROPA RICONOSCIUTA
Opéra en 2 actes d’Antonio Salieri
Livret de Mattia Verazi

Mise en scène : Luca Ronconi
Décors et costumes : Pier Luigi Pizzi
Chorégraphie : Heinz Spörli

Europa : Diana Damrau
Semele : Désirée Rancatore
Asterio : Genia Kühmeier
Isseo : Daniela Barcellona
Egisto : Giuseppe Sabbatini

Ballet du Teatro alla Scala
Solistes : Alessandra Ferri et Roberto Bolle
Choeurs et orchestre du Teatro alla Scala
Direction : Riccardo Muti
Milan, Teatro alla Scala, 7 décembre 2004

CD, compte rendu critique. JOYCE DIDONATO : In war & peace (1 cd Erato)

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didonato war and peace cd review critique classiquenews inwarandpieceCD, compte rendu critique. JOYCE DIDONATO : In war & peace (1 cd Erato). LA PAIX EST-ELLE ENCORE DE CE MONDE ? Dans un récital élaboré après les terribles attentats en France, (-enregistré ici en mars 2016, après une tournée de concerts), Joyce DiDonato espère retrouver et diffuser un peu d’apaisement grâce à son chant très habité… – vrai réconfort en terres baroques : sincère, radieux, engagé. Telle une conscience personnelle saisie par l’horreur contemporaine, celle des attentats de Paris en novembre 2015, tout en recueillant la fibre tragique et noire, la diva sait aussi, surtout exprimer l’espoir de mondes meilleurs ; chanter les Ténèbres, délimiter leur périmètre palpitant, pour mieux en déduire la lumière… Tout le récital puise sa (furieuse) énergie, tendue, électrique, voix et orchestre, dans cette exaltation exacerbée, portée vers cette nécessité de la rémission… future.

 

 

 

DIDONATO-Joyce-diva-mezzo-classiquenews-review-cd-critique-cd-war-peace-clic-de-classiquenews-c_simon_pauly_berlin_2016_web_72dpi_1024pxCassandre annonciatrice du Chaos et de l’Apocalypse, la diva frénétique et expressionniste, sait sculpter les contrastes expressifs et poétiques dans 3 airs baroques napolitains qui sont des premières : de Leo et Jommelli (le compositeur dont parle Balzac dans ses nouvelles musicales). Entre tendresse murmurée et fureur déraisonnable, entre tempête et silence émotionnel, la mezzo fait étinceler son timbre cuivré et tendu avec une maîtrise manifeste : Andromaque aux angoisses maternels ; Sesto électrisé par une rage vengeresse … permettent aussi au milieu de cette surenchère radicale, la lyre sensuellement terrassée et enveloppante – d’une douceur nostalgique, du Purcell (prière pacifiste et fraternelle l’Inca Orazia, figure du pardon absolu, pourtant terrassé : quel symbole !) D’autant que la voix se fait caressante et d’une ductilité élégiaque splendide. Qui résisterait à pareille invitation au renoncement total ? Aimant le contraste, voici immédiatement, les cordes hurlantes, tendues là encore du Pensieri d’Aggrippina (Handel, 1709), mère ambitieuse, monstre et femme à la fois, dépeinte ici en un torrent presque insupportable de haine guerrière : pas de repos pour le guerrier. La guerre signifie la négation de l’humain. A méditer donc.
Enfin concluant la première partie « WAR / Guerre », voici l’ineffable abandon de la reine carthaginoise expirant, Didon mourant dans la musique, grâce à Purcell : existe-t-il dans ce contexte contemporain des victimes du terrorisme, pareille déploration à la vie, là aussi renoncement et détachement serein ?
Dans « PEACE / paix », 8 airs pareillement agencés, soignant contrastes et profondeur. Lamento, le dernier visiblement conçu par Purcell en 1695 (Lead me to some peaceful gloom de l’opéra Bonduca/Boadicée) : sens du texte, incarnation ciselée, intériorité hallucinée et ligne d’une sensualité à la fois contournée mais d’une intonation franche et claire, l’imprécation de la mezzo sublime la portée expressive,doloriste du texte ainsi ressuscité (rarement donné). Augelletti de Almirena dans Rinaldo de Handel, chant aux oiseaux, rentre idéalement dans le thème.
CLIC_macaron_2014Le coloratoure du Jommelli qui suit, rien que virtuose et exalté, conquérant, infiniment moins profond que ce qui précède (Sprezza il furor del vento d’Attilio Regolo, 1753), et d’une formulation répétitive, dépare dans ce volet pacifiste.
Frémissantes, à l’écoute des éléments qui rassérènent manifestement : les héroïnes suivantes telles Susanna (1749) chez Handel, puis Penelope chez Monteverdi (Il Ritorno, 1640), allégorie d’une harmonie enfin recouvrée, illustrent la couleur pacifiante de ce dernier volet, le mieux chantant. Le formidable relief linguistique, l’articulation naturelle de la diva baroque séduisent immanquablement, dans un récital conçu avec la sensibilité et la générosité, le tempérament palpitant de la cantatrice américaine. L’accompagnement d’Il Pomodoro a choisi de tendre la corde, parfois, jusqu’à la rupture. Face à cette nervosité constante, le muscle plus incarné, – humain, de la fraternelle diva, apaise, rassure, y compris quand elle s’emporte (mais avec tact et style). Convaincant.

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CD, compte rendu critique. JOYCE DIDONATO, mezzo-soprano : In war & peace (1 cd Erato) — Handel, Leo, Jommelli, Purcell, Monteverdi. Il Pomodoro. Maxim Emelyanychev, direction — enregistré en mars 2016 – Grand Hotel Toblach.

 

 

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Mozart in the Jungle, saison 3

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Télé, série. Mozart in the Jungle, saison 3. OCS City, dès le 12 décembre 2016 : Musique classique et dolce vita ! Saison 3 inédite — À partir du 12 décembre 2016 à 20h50, chaque lundi soir, sur OCS City. Pour sa troisième saison, l’équipe du Symphonique de New York gagne l’Europe, avec une nouvelle star, – lyrique, Monica Bellucci en soprano scarifiée, diva hypnotique et sirène envoûtante, dont le port et l’élégance ne sont pas sans faire référence à Maria Callas, pour laquelle la carrière de la chanteuse et la vie personnelle se sont inextricablement mêlées.

 

 

 

MOZART IN THE JUNGLE, saison 3

 

 

 

OCS-mozart-in-the-jungle-diva-alessandra-monica-bellucci-presentation-review-compte-rendu-critique-classiquenewsDes States à l’Europe, du Symphonique au lyrique… La fin de la saison 2, avec la tourmente collective consécutive à la grève de l’Orchestre, était marqué par le désarroi de chaque protagoniste : chef désorienté, jeune oboïste, l’instrumentiste héroïne Hailey dont le spectateur a suivi chaque évolution de son intégration dans l’orchestre-, en plein doute, et peut-être créatrice de son propre ensemble… La rédemption pour le jeune maestro latino (Gaël Garcia Bernal) pourrait bien revêtir les traits d’Alessandra (Monica Bellucci), soprano hier adulée qui recherche justement un chef audacieux, charismatique pour orchestrer son grand retour sur les scènes lyriques européennes… L’actrice italienne offre un portrait sensible et crédible de la cantatrice pleine d’espérance mais aussi à l’égo hypertrophié, capable du pire comme du meilleur, pour elle-même comme pour ceux qui travaillent avec elle. De toute évidence, les scénaristes renouvellent le paysage amoureux et artistique du jeune chef, passant de la naïve et romantique Hailey, à Alessandra, icône hyperféminine et fatale… Là encore, dans la suite de la saison 2, ce qui fait la force de la nouvelle saison de Mozart in the Jungle, c’est le relief de chaque personnage, véritable portrait psychologique souvent délirant, et l’acuité des situations qui révèle chaque ambition… alors dans les 10 nouveaux épisodes, qui manipule qui ?

 

 

Mozart in the Jungle, Saison 3 (10 épisodes de 30mn) — Etats-Unis, 2016 — Diffusion en France en décembre 2016, Inédit — Série créée par Roman Coppola, Jason Schwartzman, Alex Timbers (à partir du livre « Mozart in the Jungle: Sex, Drugs and Classical Music » de Blair Tindall). Compte rendu critique de la saison 3 de Mozart in the Jungle : LIRE ci après notre “Carnet critique”.

 

 

MOZART IN THE JUNGLE, Saison 3
A partir du 12 décembre 2016, sur OCS city
Tous les lundis à 20h50, diffusion de deux épisodes

 

 

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CARNET CRITIQUE
Que penser du premier épisode de la série “MOZART in the Jungle”, saison 3 ?

 

 

mozart-in-the-jungle-alessandra-diva-et-rodrigo-dans-la-cuisine-seduction-review-report-classiquenews

 

 

FINE ANALYSE PSYCHOLOGIQUE ET HUMOUR GRINCANT… A Venise, le jeune chef accueilli par un agent débraillé excité qui lui recommande surtout de le pas coucher avec elle, découvre la soprano vedette (dite « La Fiamma » / la Flamme) dans son palais historique… traversant les salons majestueux sur la mélodie française « Les filles de Cadix » de l’exquis Delibes chanté au Palais Garnier par son hôtesse (version de Victoria de Los Angeles ? on ne pouvait choisir meilleure lecture)… aimantation, séduction, rencontre finalement électrique entre la cantatrice mûre et le jeune maestro : la cougar et son jeune mâle (qui se souvient être tombé amoureux de sa voix immédiatement après avoir écouté sa Tosca phénoménale).
Pour la diva faussement simple, qui joue les sirènes séductrices auprès de ce jeune homme désirable plutôt idéalement testostéroné, il s’agit de revenir sur la scène lyrique ; du côté du maestro invité, l’admiration pour la cantatrice se mêle à une excitation croissante… à la curiosité succède un trouble d’ordre de plus en plus sexuel… cela est très bien saisi par les scénaristes, et subtilement insinué tout ua long de ce premier épisode. La diva lui fait la cuisine : meilleur moyen pour séduire et convaincre : c’est si juste. Les deux ont une revanche à prendre : elle, reconquérir l’art vocal et passionner le public ; lui, remagnétiser un orchestre, transmettre le feu et le sang, surtout après la débandade vécue à New York avec les musiciens ingrats du Philharmonique.
Puis tout tourne non au vinaigre mais dans la passion exacerbée : la diva étant une folle dingue, à la sensibilité épidermique, pleurant, s’exaltant, exigeant dans un murmure de louve blessée…, exige davantage s’il veut diriger à ses côtés. Dès le début, on sent que cette nouvelle saison nous tiendra en haleine par la fine galerie d’égos susceptibles, extrêmistes, parfois grandguignolesques, tellement réaliste.

 

 

 

LE PREMIER EPISODE DE LA SAISON 3 de « MOZART in the JUNGLE » confirme la réussite et la justesse des scénaristes : entre délire parodique et fragilité à fleur de peau, les épisodes entretiennent un habile dosage qui rend chaque protagoniste, plutôt attachant.

 

 

mozart-in-the-jungle-classiquenews-danseur-arsenal-dragueSATIRE ET VERITÉ… La satire et la parodie vont aussi bon train et la scène où Hailey imite en le caricaturant le chef de leur ensemble (Andrew Walsh Ensemble) qui doit jouer justement dans un festival à Venise, est plutôt hilarante… Ce qui débouche à nouveau sur une confrontation de narcissismes exacerbée. Tout cela est l’aboutissement de séances d’observation très précise, témoignages d’expériences réelles qui viennent évidemment du roman originel dont est issue les épisodes de la série : « Sex, Drugs and Classical Music » de Blair Tindall. La musique est toujours très présente dans chaque séquence (le Fauré pour violoncelle joué par l’ensemble où joue Hailey)… ce qui rétablit régulièrement malgré les situations grinçantes, le quotidien de chacun : servir coûte que coûte la sainte musique. Soit ce qui les unit malgré leurs affrontements.
Venise et ses scènes clichés pour touristes négligents (gondoles, prises de vues des monuments le splus connus de la Sérénissime…) cultive ce factice illusoire de la série, où chacun n’écoute personne, mais toujours et exclusivement son égo blessé, outragé, défié… Les avatars du jeune maestros dans les rues de la Cità, où parait le jeune garçon baroque emperruqué, à la façon du Don Giovanni de Losey mais évidemment en plus léger, est très habilement troussé ; il introduit une autre dimension dans la narration, c’est à dire le jaillissement du poétique dans un agrégat de cynisme délirant : c’est alors une immersion simultanée dans une Venise « historique », où jaillit le gemme fragile, délicat, diamantin de la diva maladive… qui semble comme Antonia des Contes d’Hoffmann, se consumer littéralement quand elle chante. Elle veut chanter puis ne veut plus, s’affirme comme une lionne puis s’efface évanescente… De plus en plus proche du jeune maestro RODRIGO, ALESSANDRA avoue s’être réfugiée après un incident survenu dans sa carrière lyrique, dans un monastère à Venise, une retraite comme nonne… Le jeu de cache cache qu’impose la cantatrice au jeune maestro dont elle entend éprouver la résistance et l’affection déclarée, rétablit aussi la vérité de l’humain, cette fenêtre ouverte sur l’âme, qui confère à la série sa sincérité voire sa profondeur… , aux côtés des scènes plus émoustillantes et sexy (quand par exemple Hailey drague pour le seul garçon de son ensemble, un jeune danseur belge devant l’Arsenal de Venise)… Tout cela est bien dosé et assure à la narration sa richesse émotionnelle, ses contrastes parfois lumineux ; révélant la part d’intimité réelle comme le masque défensif des héros qui se succèdent, y compris chez les musiciens, qui se shootent à la musique et ont comme depuis le début de la série, une libido totalement libérée.

 

 

mozart-in-the-jungle-rodrigo-et-alessandra-dans-rues-de-venise-classiquenews-report-review

 

 

Au Conservatoire (réel) de Venise (la production a choisi de filmer dans les lieux réels) où a été tourné la scène des répétitions avec la diva Alessandra, le propos est tout aussi juste : premiers accrocs sur le choix des pièces jouées pour leur récital à venir. Il lui suggère de chanter les auteurs contemporains, des airs pour mezzos… osant défier l’artiste qui s’en trouve piquée mais stimulée, – osant défier aussi l’agent de la soprano, toujours hystérique et agité, croyant mieux qu’elle, défendre les intérêts de sa poule aux oeufs d’or…
Dans la dernière scène de cet épisode 1, le concert du Walsh Ensemble à San Rocco (sous le plafond noir, enténébré des lumineux Tintoret), auquel se joint Hailey in extremis, est celui d’une crise personnelle pour l’hautboiste ; une catastrophe où la musicienne se lève en plein solo du chef violoncelliste, est virée par ce dernier,.. C’est un crétin finalement gaussé par la diva et le maestro venus assistés à la performance. Les 3 (le Maestro, la diva et la jeune hautboiste) finissent la soirée ensemble sans qu’il soit précisé ce qu’ils font ensuite… De sorte que Venise revêt les apparences d’un labyrinthe psychique où chacun faisant l’expérience de ses propres limites, pourrait ainsi se révéler à lui-même. Et si le vrai personnage central était la ville et ses ruelles étroites ? Le ton est plus intimiste, le scénario semble fouillé davantage la psyché insatisfaite de chacun. Comment tout cela va-t-il s’exprimer et se cristalliser ? On en redemande. A suivre sur CLASSIQUENEWS.COM

 

 

CD, compte rendu, critique. TELEMANN : oeuvres concertantes pour flûte, deux chalumeaux… Il Giardino Armonico. Giovanni Antonini, direction, 1 cd Alpha

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telemann giovanni antonini cd alpha concerto suite chalumeau review critique cd classiquenews 3760014192456_600CD, compte rendu, critique. TELEMANN : oeuvres concertantes pour flûte, deux chalumeaux… Il Giardino Armonico. Giovanni Antonini (1 cd Alpha). Voici en cette fin d’année 2016 et préludant à l’année Telemann 2017 (250ème anniversaire de la mort : LIRE notre dossier spécial Telemann 2017), un disque miraculeux, dédié aux talents multiples du compositeur de Hambourg, lequel dans sa biographie paru dans la ville hanséatique en 1740, alors qu’il en est le directeur de la musique, c’est l’un des postes les plus enviables en Europe-, précise qu’il a « appris avec enthousiasme à jouer des instruments à clavier, du violon, de la flûte. Et à présent, je me consacre à l’apprentissage du hautbois, de la flûte traversière, du chalumeau, de la viole de gambe et même de la contrebasse et du trombone ». Rien de moins. Telemann doué en tout, accomplit des trésors d’inspiration et de raffinement, maître incontesté de l’écriture pour chacun des instruments. Célébrant les facettes multiples du génie de Hambourg, le cd piloté et conçu par le directeur du Giardino Armonico (fondé en 1985, soit il y a plus de 30 ans à présent), Giovanni Antonini rayonne d’un feu raffiné inouï, lui-même à la flûte, dans l’exceptionnellement éclectique et européenne, Suite TWV 55:A2, dont chaque danse et séquence est caractérisée avec une fluidité amoureuse (Air à l’italien : sublime de lâcher prise et d’élégance naturelle) par un orchestre d’une palpitante expressivité : la musicalité rayonnante et nuancée du Giardino Armonico est à son meilleure ; mais aussi le Concerto TWV 51:C1, ou l’ultime Concerto di camera, toujours pour flûte (traverso / recorder), TWV 43:G3. L’intelligence le dispute à l’intériorité ; l’élégance à l’éloquence. Le déconcertant car audacieux morceau pour deux Chalumeaux (ancêtre de la clarinette où le chef doué lui aussi pour les instruments, – il assure  la partie de chalumeau ténor), indique une autre corde à l’arc fabuleusement doué de Telemann :
l’expérimentation esthétique. Telemann innove (pour créer mais en vain, un mythique et toujours inaccessible style germanique : en fait, il synthétise et produit de l’inédit), il ose, et réussit là des alliances de timbres, des frottements expressifs, des climats aussi, d’une poésie remarquable. Voilà en cette fin d’année 2016, un autre joyau musical à classer dans notre rayonnage des incontournables, d’autant plus indiqués pour la prochaine année Telemann 2017. Remarquable.

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CLIC_macaron_2014CD, compte rendu, critique. TELEMANN : oeuvres concertantes pour flûte, deux chalumeaux… Il Giardino Armonico. Giovanni Antonini, direction, 1 cd Alpha classics « baroque », 1h14mn, Alpha 245. Enregistré en 2012 et 2013. CLIC de CLASSIQUENEWS.

 

Baroques et Romantiques Français à Rio

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procopio-bruno-portrait-vignette-verticale--maestro-skyscraper-sept-dec-16RIO DE JANEIRO, les 4 et 7 octobre 2016. Bruno Procopio dirige Français Baroques et Romantiques. Rien ne semble résister à l’électricité communicative du chef transatlantique, Bruno Procopio. Entre ancien et nouveau monde, de Paris à Rio, le jeune maestro franco-brésilien joue et réussit la carte des échanges musicaux en interprétant avec la subtilité requise – grâce à sa maîtrise des instruments d’époque, et aussi de la pratique “historiquement informée”, les compositeurs français, baroques et romantiques. En témoignent les deux concerts événements présentés à Rio de Janeiro (Brésil), les 4 et 7 octobre prochains, Sala Cecilia Meireles : au programme, d’abord un programme “Des Lumières au Romantisme” avec Rameau (un compositeur qu’il connaît sur le bout des doigts), Jadin, Rigel, Dauvergne, Mozart et Grétry ; puis le 7 octobre, dans un programme intitulé “De la Révolution à l’Empire” :  Rameau (sublime Suite de Castor et Pollux, version de 1782, réorchestré par Dauvergne entre autres), Saint-George, Jadin et Méhul (la Symphonie n°1 devrait être une révélation). Pour exprimer le souffle et l’élégance des oeuvres programmés, Bruno Procopio dirige l’Orchestre Symphonique du Brésil (qu’il a déjà dirigé les deux années passées) et la pianofortiste sensible et virtuose, Nathalia Valentin (qui est aussi à la ville, son épouse). Energie, complicité, articulation sont au rendez vous de ces 2 concerts cariocas événements. Et pour refermer une formidable boucle transatlantique, le chef aux deux cultures en dialogue, dirige à Paris, au TCE, un remarquable programme Villa-Lobos, Jobim, Milhaud, Neukomm, le 4 décembre 2016, pilotant les forces vives de l’Orchestre Lamoureux… De Paris à Rio de Janeiro, Bruno Procopio est bien le chef transatlantique de l’heure. Un exemple pour tous les musiciens de sa génération par son ouverture et sa connaissance (rare) de la pratique “historiquement informée” qu’il apporte actuellement aux orchestres sur instruments modernes…

LIRE notre présentation complète des concerts Baroques et Romantiques dirigés par Bruno Procopio avec la pianofortiste Natalia Valentin, les 4 et 7 octobre 2016, Sala Cecilia Meireles de Rio de Janeiro (Brésil)

 

 

2ème Semaine de musique baroque à Rio

Bruno Procopio et Natalia Valentin jouent les Baroques et Romantiques Français à Rio

2 derniers concerts à ne pas manquer (4 et 7 octobre 2016)

 

 

 

Rio de Janeiro, Sala Cecilia MeirelesRIO de Janeiro : Bruno Procopio, maestro expressivo !

Mardi 4 octobre 2016

Programme
Des Lumières au Romantisme

 

Jean-Philippe RAMEAU (1683-1764)
Extraits des Nouvelles Suites de Pièces de clavecin

Hyacinthe JADIN (1776-1800)
Sonate pour pianoforte op. IV n°3 en fa# mineur

Henri-Joseph RIGEL (1741-1799)
Duo pour clavecin et pianoforte op. XIV n°1 en mib majeur

Antoine DAUVERGNE (1713-1797)
Chansons pour soprano, violon, pianoforte et clavecin

Wolfgang Amadeus MOZART (1756-1791)
Sonate pour clavecin et accompagnement de violon K.9 en sol majeur (K9)
Sonate pour violon et pianoforte en mi mineur (K304)

André-Ernest-Modeste GRÉTRY (1741-1813)
Romances

 

Katia Velletaz*, soprano
Stéphanie-Marie Degand, violon
Bruno Procopio, clavecin
Natalia Valentin, pianoforte

*chanteur en résidence

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Consultez aussi le site du CMBV, page agenda

Dans les années 1760, la fin du règne de Louis XV est marquée par un frémissement artistique sans précédent : l’ancien style baroque cède insensiblement la place à une nouvelle musique, teintée des courants germaniques de l’« Empfindsamkeit » et du « Sturm und Drang ». Les anciennes formes, les anciens genres, les anciens instruments perdent de leur lustre au profit d’expériences musicales jusque-là inouïes. Toute une génération de compositeurs contribue à ce renouveau, révélant des personnalités plus ou moins fortes et attachantes. Rameau ou Mondonville avaient amorcé une nouvelle orientation ; ce sont Dauvergne, Rigel ou Grétry qui prolongeront cette voie. À quinze ans d’intervalle, les compositions du jeune Mozart (de passage en France en 1763 et 1778) témoignent à leur manière de la rapide évolution des goûts. Le classicisme est en marche.

 

 

 

valentin_Natalia_pianoforte_valentin_beethoven_caprices_bagatellesRio de Janeiro, Sala Cecilia Meireles

Vendredi 7 octobre 2016

Programme
De la Révolution à l’Empire

 

Jean-Philippe RAMEAU (1683-1764)
Suite de Castor et Pollux (version 1782)

Joseph Bologne de SAINT-GEORGE (1745-1799)
Concerto pour violon et orchestre op. II n°2 en ré majeur

Hyacinthe JADIN (1776-1800)
Concerto pour piano et orchestre n°2 en ré mineur

Nicolas-Étienne MÉHUL (1763-1817)
Symphonie n°1 en sol mineur

Orchestre Symphonique du Brésil (OSB)
Stéphanie-Marie Degand, violon
Natalia Valentin, piano
Bruno Procopio, direction musicale

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À la veille de la Révolution, Paris est devenu la capitale internationale des arts, et tout particulièrement de la musique. On y croise les auteurs les plus célèbres du temps, Piccinni, Salieri, Mozart, J.C. Bach, Paisiello et beaucoup d’autres. Si l’Opéra fascine par son ton épique et ses effectifs colossaux, les sociétés de concert attirent un public tout aussi nombreux qui se presse pour entendre les symphonies et les concertos à la mode. L’ancien répertoire vit ses dernières heures : seul Rameau, avec Castor et Pollux, connaît encore les honneurs de la scène passé 1780. Le Chevalier de Saint-George – surnommé « le Mozart noir » – est une des personnalités les plus influentes : ses concertos, redoutables, marquent une nouvelle étape dans l’escalade à la virtuosité qui caractérise alors l’École de violon française. À la même période, Hyacinthe Jadin développe les possibilités du nouveau pianoforte ; nommé professeur au Conservatoire lors de sa création en 1795, il fait figure de visionnaire mais sera fauché par la mort à 24 ans seulement. Méhul, quant à lui, se révèle avec Cherubini l’un des premiers compositeurs français au style véritablement « romantique » : ses sonates, ses opéras et surtout ses quatre symphonies, ouvrent la voie à une musique d’un nouveau genre et marqueront toutes les premières années du XIXe siècle.

 

 

 

discographie

 

cd-Bruno-Procopio-karl-philipp-emanuel-Bach-sonates-wurtembergeoises-1742-1743-bruno-procopio-clavecin-582-PARATY515501_couv_HM Carl Philipp Emanuel Bach (1714-1788) : Sonates Wurtembergeoises Wq 49 (1 cd Paraty, 2014)… CD. Compte rendu critique. Carl Philipp Emanuel Bach (1714-1788) : Sonates Wurtembergeoises Wq 49 (1 cd Paraty, 2014). 2014 s’est achevé sans que l’on ait vraiment en France salué ni commémoré le génie du fils Bach le plus zélé et respectueux de son père : Carl Philipp Emanuel. Celui qui fit tant pour la réhabilitation de l’oeuvre paternelle (avant Mendelssohn), fut aussi méprisé et minoré par son employeur à Berlin, -Frédéric II-, qu’il devint après Telemann, à Hambourg, une personnalité de premier plan : officielle et vénéré comme Haydn à Vienne. C’est que le génie exceptionnel de CPE pour le…

Rameai in Caracas, Bruno Procopio CD. Bruno Procopio : Rameau in Caracas… CD. Rameau in Caracas (Bruno Procopio et The Simon Bolivar Symphony orchestra of Venezuela, 2012)   …  Défi magistral réussi pour jeune chef audacieux ! Ce nouveau cd Paraty adoube très officiellement le tempérament du claveciniste Bruno Procopio comme chef d’orchestre. Poursuivant une nouvelle et déjà riche collaboration avec les musiciens vénézuéliens de l’Orchestre Simon Bolivar (la phalange qui hier accompagnait et permettait aussi l’essor du jeune Gustavo Dudamel), Bruno Procopio ne montre pas seulement sa lumineuse sensibilité et sa versatilité contagieuse chez Rameau, il confirme l’ampleur et la sûreté de son approche, n’hésitant pas ici à aborder le compositeur…

CD événement. Rameau révélé Rameau: Pièces de clavecin en concert (label Paraty)… Rameau: Pièces de clavecin en concert (Procopio, 2012) critique de cd Avec ses Pièces pour clavecin en concert, Rameau offre un aboutissement inégalé dans l’art de la musique de chambre mais selon son goût, c’est à dire avec impertinence et nouveauté: jamais avant lui, le clavecin, instrument polyphonique et d’accompagnement n’avait osé revendiquer son autonomie expressive de la sorte. Publié en 1741, voici bien le sommet du chambrisme français sous la règne de Louis XV: alors que Bach se concentre sur le seul tissu polyphonique, Rameau fait éclater la palette sonore du clavier central, qui de pilier confiné devient soliste…

 

 

valentin_Natalia_pianoforte_valentin_beethoven_caprices_bagatellesbeethoven_rondos_bagatelles_pianoforte_natalia_valentin_cd_ParatyCD événement Natalia Valentin, pianoforte joue les Bagatelles de Beethoven (1 cd Paraty)… Et de 7! Depuis sa création en 2006, le jeune label Paraty, porté par le claveciniste Bruno Procopio, enchaîne les réussites discographiques. Après plusieurs récitals signés Ivan Illic, Nicolas Stavy, et récemment un superbe enregistrement Mendelssohn de Cyril Huvé (sur un piano Broadwood 1840), voici le dernier disque de la fortepianiste Natalia Valentin, dans un cycle de partitions du jeune Beethoven. Le choix de l’’instrument (prodigieux fortepiano d’un facteur anonyme de l’Allemagne du sud, de la fin du XVIIIè, restauré par Christopher Clarke), grâce à sa “prell-mécanique”, apporte un regard neuf et une sonorité à la fois perlée et vivifiante sur les oeuvres choisies: Rondos et Bagatelles (7 de l’opus 33, datées de 1802) d’un feu époustouflant entre nervosité, grâce et élégance. Mais déjà pour Noël 2009, le jeune label aux pépites musicales annonce un superbe double album “Matinas do Natal” de Marcos Portugal: l’ensemble Turicum enregistre en première mondial une partition créée à Rio de Janeiro en 1811, véritable crèche pastorale sur le thème de la Nativité aux couleurs inédites… LIRE notre compte rendu complet du cd Les Bagatelles de Beethoven par la pianofortiste Natalia Valentin (août 2009).

 

 

 

Comptes rendus

LIRE notre compte rendu critique complet de Renaud de Sacchini par Bruno Procopio, Luisa Francesconi (les 21 et 22 mars 2015, Sala Cecília Meireles, Rio de Janeiro, Brésil)

 

 

Marcos Portugal, le Rossini luso-brésilien Compte rendu. Bruno Procopio ressuscite Marcos Portugal à Rio (10 décembre 2012). Rio, Opéra. Le 10 décembre 2012. Marcos Portugal: L’oro no compra amore… Leonardo Pascoa (Giorgio), … Orchestre Symphonique du Brésil (OSB, Orquestra Sinfônica Bresileira). Bruno Procopio, direction L’Oro no compra amore ressuscite à Rio Exaltante réhabilitation à l’Opéra de Rio (Theatro Municipal) du compositeur luso brésilien Marcos Portugal: son opéra comique italien L’Oro no compra amore valait bien cette recréation, d’autant que déjà applaudi et même célébré dès 1804 à Lisbonne, il s’agit du premier opéra italien créé sur le sol brésilien à l’époque du jeune empire brésilien en 1811. L’initiative est d’autant plus légitime que Rio redécouvre l’un de…

 

 

 

 

VOIR

 

Bruno Procopio joue Neukomm et Gossec à Rio (Symphonie à 17 parties), Cidade das Artes, Rio de Janeiro, le 4 avril 2015. VIDEO. Bruno Procopio dirige la Symphonie Héroïque de Neukomm à Rio de Janeiro (avril 2015). Montage © studio CLASSIQUENEWS.COM 2015. Le chef d’orchestre franco brésilien Bruno Procopio fait retentir le romantisme enflammé martial et lyrique de la grande Symphonie Héroïque de Neukomm créée en 1817. la Symphonie à 17parties de François-Joseph Gossec (1734-1829), composée en 1809. Partition majeure de la symphonie romantique française à l’époque de Napoléon : entre classicisme et premier romantisme, la virtuosité énergique de Gossec s’impose à nous, commune œuvre fondatrice du symphoniste français à l’époque des Viennois Haydn, Mozart et Beethoven. Bruno Procopio s’engage pour diffuser la connaissance et l’interprétation des compositeurs français en Amérique Latine : après avoir dirigé le Simon Bolivar Orchestra du Venezuela, le jeune chef à la double culture, brésilienne et française, retrouvait l’Orchestre Symphonique du Brésil à Rio de Janeiro dans un programme dédié au premier romantisme français : vitalité et énergie, puissance mais sensibilité aux détails instrumentaux… la direction du chef de l’autre côté de l’Atlantique, à la fois analytique et dramatique, trouve un équilibre idéal au service des grands classiques et romantiques français. Extraits vidéo exclusifs © studio CLASSIQUENEWS.TV 2015

 

VOIR notre reportage Bruno Procopio dirige à Caracas, en septembre 2013 :

Orquesta barroca Juvenil Simon Bolivar, Carracas, Bruno Procopio, CPE Bach, Carl Philip Emanuel BachVIDEO. A Caracas, Bruno Procopio joue CPE Bach avec l’Orchestre Simon Bolivar. En septembre 2013, le chef franco brésilien retrouve à Caracas les instrumentistes de l’Orchestre Simon Bolivar dans plusieurs Concertos et Symphonies de Carl Philipp Emanuel Bach. Après avoir jouer Rameau (ouvertures et ballets des opéras, mais sur instruments modernes en 2012), Bruno Procopio inaugure le nouvel ” Orquesta Barroca Juvenil Símon Bolivar “, phalange désormais dédiée à l’interprétation historiquement informée des œuvres baroques, classiques et préromantiques. Fougue, précision, style, mordant, l’entente du chef invité et des instrumentistes réalise l’un des meilleurs concerts CPE Bach de l’autre côté de l’Atlantique, soulignant aussi l’anniversaire CPE Bach en 2014 (300 ans de la naissance). Le fils de Jean-Sébastien est un génie défricheur et expérimentateur : sa virtuosité au clavier s’entend aussi à l’orchestre d’une liberté inventive à la fois, mélancolique et fantaisiste voire fantasque… très liée aux nouvelles tendances esthétique de l’Empfindsamkeit (“sensibilité”, courant littéraire surtout qui préfigure déjà les affres et vertiges du sentiment romantique). Reportage vidéo exclusif CLASSIQUENEWS.COM

 

 

VOIR notre reportage Bruno Procopio recrée L’Oro no compra amore de Marcos Portugal, décembre 2012 :

Bruno Procopio dirige Renaud de Sacchini à Rio de JaneiroRIO, Opéra : Bruno Procopio dirige L’Oro no compra amore de Marcos Portugal (décembre 2012). Marcos Portugal, compositeur officiel de la cour impériale du Brésil compose nombre d’ouvrages italiens dont la verve et le raffinement préfigure directement Rossini… Bruno Procopio ressuscite L’oro no compta amorce, premier opéra italien représenté à l’Opéra de Rio… Pour les 250 ans de sa naissance, l’Orchestre Symphonique du Brésil (Orquesta Sinfonica Brasileira) célèbre le génie du compositeur portugais, Marcos Portugal (1762-1830). Le jeune chef français d’origine brésilienne Bruno Procopio dirige les musiciens dans une partition créée d’abord à Lisbonne en 1804 puis reprise en 1811 à Rio : L’oro non compta amorce l’essor de l’opéra dans le nouveau monde. L’Opéra de Rio accueille cette recréation majeure qui conclut la saison musicale de l’Orchestre Symphonique du Brésil. Présentée en version de concert le 10 décembre 2012, l’ouvrage jalonne un champ d’expérimentation qui permet aux instrumentistes d’élargir leur répertoire tout en ressuscitant des œuvres méconnues.  GRAND REPORTAGE VIDEO, version français © CLASSIQUENEWS 2012

 

 

 

Paris, TCE, Théâtre des Champs Elysées
Dimanche 4 décembre 2016

Bruno Procopio dirige l’Orchestre Lamoureux
dans un programme Villa-Lobos, Milhaud, Jobim, Neukomm…

procopio-bruno-maestro-chef-d-orchestrePARIS, TCE. Musique brésilienne à Paris, le 4 décembre 2016. Tubes et musique sacrée : de Villa-Lobos et Jobim à Neukomm. Orchestre associé du TCE Théâtre des Champs-Elysées, l’Orchestre Lamoureux offre un concert de musique brésilienne à la fois éclectique et historique ; au plus large public, le programme dirigé par Bruno Procopio, maestro impetuoso et charismatique, joue des standards brésiliens universels et récents : l’enivrante Bachianas Brasileiras n°5 de Villa-Lobos, Saudades do Brasil de Milhaud, sans omettre, l’irrésistible tube, ambassadeur de l’art de vivre du quartier carioca d’Ipanema, The Girl from Ipanema de Jobim… Mais acuité personnelle du chef Procopio oblige, en liaison avec son amour pour sa culture natale et ce travail particulier dans l’interprétation des partitions classiques et romantiques, plusieurs extraits de la légendaire Missa Pro Die Acclamationes Johannes VI, signé Neukomm. C’est l’emblème de la musique impériale brésilienne, quand le Brésil devenu indépendant, construit son image sur une identité certes occidentale, mais singulière : Neukomm, le Mozart brésilien, a fourni alors à la Cour de l’Empereur du Brésil Jean VI, plusieurs partitions musicales emblématique de cet ordre politique et culturel nouveau dont témoigne évidemment la Messe écrite pour son couronnement et que Bruno Procopio à Paris, s’ingénie début décembre 2016 à ressusciter avec le faste, le souffle et le relief vocal, choral, instrumental requis. Sigismund Neukomm est bien connu des mélomanes car le Sazlbourgeois, élève de Joseph Haydn entreprit de terminer le Requiem de Mozart laissé inachevé (Libera me). La partition autographe datée de 1819 fut découverte récemment à Rio de Janeiro : elle est le fruit du travail de Neukomm installé au Brésil et qui mena son travail de composition avec le plus grand compositeur local, le mulâtre José Mauricio Nunes Garcia. La version du Requiem de Mozart, achevé par Neukomm a été enregistrée par Jean-Claude Malgoire en 2006.

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Concert événement “Joyaux Brésiliens au TCE, Tubes et musique sacrée, de Villa-Lobos à Neukom… par Bruno Procopio et l’Orchestre Lamoureux à PARIS… En LIRE +

 

RIO de Janeiro. Bruno Procopio dirige Baroques et Romantiques français

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procopio-bruno-portrait-vignette-verticale--maestro-skyscraper-sept-dec-16RIO DE JANEIRO, les 4 et 7 octobre 2016. Bruno Procopio dirige Français Baroques et Romantiques. Rien ne semble résister à l’électricité communicative du chef transatlantique, Bruno Procopio. Entre ancien et nouveau monde, de Paris à Rio, le jeune maestro franco-brésilien joue et réussit la carte des échanges musicaux en interprétant avec la subtilité requise – grâce à sa maîtrise des instruments d’époque, et aussi de la pratique “historiquement informée”, les compositeurs français, baroques et romantiques. En témoignent les deux concerts événements présentés à Rio de Janeiro (Brésil), les 4 et 7 octobre prochains, Sala Cecilia Meireles : au programme, d’abord un programme “Des Lumières au Romantisme” avec Rameau (un compositeur qu’il connaît sur le bout des doigts), Jadin, Rigel, Dauvergne, Mozart et Grétry ; puis le 7 octobre, dans un programme intitulé “De la Révolution à l’Empire” :  Rameau (sublime Suite de Castor et Pollux, version de 1782, réorchestré par Dauvergne entre autres), Saint-George, Jadin et Méhul (la Symphonie n°1 devrait être une révélation). Pour exprimer le souffle et l’élégance des oeuvres programmés, Bruno Procopio dirige l’Orchestre Symphonique du Brésil (qu’il a déjà dirigé les deux années passées) et la pianofortiste sensible et virtuose, Nathalia Valentin (qui est aussi à la ville, son épouse). Energie, complicité, articulation sont au rendez vous de ces 2 concerts cariocas événements. Et pour refermer une formidable boucle transatlantique, le chef aux deux cultures en dialogue, dirige à Paris, au TCE, un remarquable programme Villa-Lobos, Jobim, Milhaud, Neukomm, le 4 décembre 2016, pilotant les forces vives de l’Orchestre Lamoureux… De Paris à Rio de Janeiro, Bruno Procopio est bien le chef transatlantique de l’heure. Un exemple pour tous les musiciens de sa génération par son ouverture et sa connaissance (rare) de la pratique “historiquement informée” qu’il apporte actuellement aux orchestres sur instruments modernes…

LIRE notre présentation complète des concerts Baroques et Romantiques dirigés par Bruno Procopio avec la pianofortiste Natalia Valentin, les 4 et 7 octobre 2016, Sala Cecilia Meireles de Rio de Janeiro (Brésil)

 

 

2ème Semaine de musique baroque à Rio

Bruno Procopio et Natalia Valentin jouent les Baroques et Romantiques Français à Rio

2 derniers concerts à ne pas manquer (4 et 7 octobre 2016)

 

 

 

Rio de Janeiro, Sala Cecilia MeirelesRIO de Janeiro : Bruno Procopio, maestro expressivo !

Mardi 4 octobre 2016

Programme
Des Lumières au Romantisme

 

Jean-Philippe RAMEAU (1683-1764)
Extraits des Nouvelles Suites de Pièces de clavecin

Hyacinthe JADIN (1776-1800)
Sonate pour pianoforte op. IV n°3 en fa# mineur

Henri-Joseph RIGEL (1741-1799)
Duo pour clavecin et pianoforte op. XIV n°1 en mib majeur

Antoine DAUVERGNE (1713-1797)
Chansons pour soprano, violon, pianoforte et clavecin

Wolfgang Amadeus MOZART (1756-1791)
Sonate pour clavecin et accompagnement de violon K.9 en sol majeur (K9)
Sonate pour violon et pianoforte en mi mineur (K304)

André-Ernest-Modeste GRÉTRY (1741-1813)
Romances

 

Katia Velletaz*, soprano
Stéphanie-Marie Degand, violon
Bruno Procopio, clavecin
Natalia Valentin, pianoforte

*chanteur en résidence

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Consultez aussi le site du CMBV, page agenda

Dans les années 1760, la fin du règne de Louis XV est marquée par un frémissement artistique sans précédent : l’ancien style baroque cède insensiblement la place à une nouvelle musique, teintée des courants germaniques de l’« Empfindsamkeit » et du « Sturm und Drang ». Les anciennes formes, les anciens genres, les anciens instruments perdent de leur lustre au profit d’expériences musicales jusque-là inouïes. Toute une génération de compositeurs contribue à ce renouveau, révélant des personnalités plus ou moins fortes et attachantes. Rameau ou Mondonville avaient amorcé une nouvelle orientation ; ce sont Dauvergne, Rigel ou Grétry qui prolongeront cette voie. À quinze ans d’intervalle, les compositions du jeune Mozart (de passage en France en 1763 et 1778) témoignent à leur manière de la rapide évolution des goûts. Le classicisme est en marche.

 

 

 

valentin_Natalia_pianoforte_valentin_beethoven_caprices_bagatellesRio de Janeiro, Sala Cecilia Meireles

Vendredi 7 octobre 2016

Programme
De la Révolution à l’Empire

 

Jean-Philippe RAMEAU (1683-1764)
Suite de Castor et Pollux (version 1782)

Joseph Bologne de SAINT-GEORGE (1745-1799)
Concerto pour violon et orchestre op. II n°2 en ré majeur

Hyacinthe JADIN (1776-1800)
Concerto pour piano et orchestre n°2 en ré mineur

Nicolas-Étienne MÉHUL (1763-1817)
Symphonie n°1 en sol mineur

Orchestre Symphonique du Brésil (OSB)
Stéphanie-Marie Degand, violon
Natalia Valentin, piano
Bruno Procopio, direction musicale

RESERVEZ votre place

Consultez aussi le site du CMBV, page agenda

À la veille de la Révolution, Paris est devenu la capitale internationale des arts, et tout particulièrement de la musique. On y croise les auteurs les plus célèbres du temps, Piccinni, Salieri, Mozart, J.C. Bach, Paisiello et beaucoup d’autres. Si l’Opéra fascine par son ton épique et ses effectifs colossaux, les sociétés de concert attirent un public tout aussi nombreux qui se presse pour entendre les symphonies et les concertos à la mode. L’ancien répertoire vit ses dernières heures : seul Rameau, avec Castor et Pollux, connaît encore les honneurs de la scène passé 1780. Le Chevalier de Saint-George – surnommé « le Mozart noir » – est une des personnalités les plus influentes : ses concertos, redoutables, marquent une nouvelle étape dans l’escalade à la virtuosité qui caractérise alors l’École de violon française. À la même période, Hyacinthe Jadin développe les possibilités du nouveau pianoforte ; nommé professeur au Conservatoire lors de sa création en 1795, il fait figure de visionnaire mais sera fauché par la mort à 24 ans seulement. Méhul, quant à lui, se révèle avec Cherubini l’un des premiers compositeurs français au style véritablement « romantique » : ses sonates, ses opéras et surtout ses quatre symphonies, ouvrent la voie à une musique d’un nouveau genre et marqueront toutes les premières années du XIXe siècle.

 

 

 

discographie

 

cd-Bruno-Procopio-karl-philipp-emanuel-Bach-sonates-wurtembergeoises-1742-1743-bruno-procopio-clavecin-582-PARATY515501_couv_HM Carl Philipp Emanuel Bach (1714-1788) : Sonates Wurtembergeoises Wq 49 (1 cd Paraty, 2014)… CD. Compte rendu critique. Carl Philipp Emanuel Bach (1714-1788) : Sonates Wurtembergeoises Wq 49 (1 cd Paraty, 2014). 2014 s’est achevé sans que l’on ait vraiment en France salué ni commémoré le génie du fils Bach le plus zélé et respectueux de son père : Carl Philipp Emanuel. Celui qui fit tant pour la réhabilitation de l’oeuvre paternelle (avant Mendelssohn), fut aussi méprisé et minoré par son employeur à Berlin, -Frédéric II-, qu’il devint après Telemann, à Hambourg, une personnalité de premier plan : officielle et vénéré comme Haydn à Vienne. C’est que le génie exceptionnel de CPE pour le…

Rameai in Caracas, Bruno Procopio CD. Bruno Procopio : Rameau in Caracas… CD. Rameau in Caracas (Bruno Procopio et The Simon Bolivar Symphony orchestra of Venezuela, 2012)   …  Défi magistral réussi pour jeune chef audacieux ! Ce nouveau cd Paraty adoube très officiellement le tempérament du claveciniste Bruno Procopio comme chef d’orchestre. Poursuivant une nouvelle et déjà riche collaboration avec les musiciens vénézuéliens de l’Orchestre Simon Bolivar (la phalange qui hier accompagnait et permettait aussi l’essor du jeune Gustavo Dudamel), Bruno Procopio ne montre pas seulement sa lumineuse sensibilité et sa versatilité contagieuse chez Rameau, il confirme l’ampleur et la sûreté de son approche, n’hésitant pas ici à aborder le compositeur…

CD événement. Rameau révélé Rameau: Pièces de clavecin en concert (label Paraty)… Rameau: Pièces de clavecin en concert (Procopio, 2012) critique de cd Avec ses Pièces pour clavecin en concert, Rameau offre un aboutissement inégalé dans l’art de la musique de chambre mais selon son goût, c’est à dire avec impertinence et nouveauté: jamais avant lui, le clavecin, instrument polyphonique et d’accompagnement n’avait osé revendiquer son autonomie expressive de la sorte. Publié en 1741, voici bien le sommet du chambrisme français sous la règne de Louis XV: alors que Bach se concentre sur le seul tissu polyphonique, Rameau fait éclater la palette sonore du clavier central, qui de pilier confiné devient soliste…

 

 

valentin_Natalia_pianoforte_valentin_beethoven_caprices_bagatellesbeethoven_rondos_bagatelles_pianoforte_natalia_valentin_cd_ParatyCD événement Natalia Valentin, pianoforte joue les Bagatelles de Beethoven (1 cd Paraty)… Et de 7! Depuis sa création en 2006, le jeune label Paraty, porté par le claveciniste Bruno Procopio, enchaîne les réussites discographiques. Après plusieurs récitals signés Ivan Illic, Nicolas Stavy, et récemment un superbe enregistrement Mendelssohn de Cyril Huvé (sur un piano Broadwood 1840), voici le dernier disque de la fortepianiste Natalia Valentin, dans un cycle de partitions du jeune Beethoven. Le choix de l’’instrument (prodigieux fortepiano d’un facteur anonyme de l’Allemagne du sud, de la fin du XVIIIè, restauré par Christopher Clarke), grâce à sa “prell-mécanique”, apporte un regard neuf et une sonorité à la fois perlée et vivifiante sur les oeuvres choisies: Rondos et Bagatelles (7 de l’opus 33, datées de 1802) d’un feu époustouflant entre nervosité, grâce et élégance. Mais déjà pour Noël 2009, le jeune label aux pépites musicales annonce un superbe double album “Matinas do Natal” de Marcos Portugal: l’ensemble Turicum enregistre en première mondial une partition créée à Rio de Janeiro en 1811, véritable crèche pastorale sur le thème de la Nativité aux couleurs inédites… LIRE notre compte rendu complet du cd Les Bagatelles de Beethoven par la pianofortiste Natalia Valentin (août 2009).

 

 

 

Comptes rendus

LIRE notre compte rendu critique complet de Renaud de Sacchini par Bruno Procopio, Luisa Francesconi (les 21 et 22 mars 2015, Sala Cecília Meireles, Rio de Janeiro, Brésil)

 

 

Marcos Portugal, le Rossini luso-brésilien Compte rendu. Bruno Procopio ressuscite Marcos Portugal à Rio (10 décembre 2012). Rio, Opéra. Le 10 décembre 2012. Marcos Portugal: L’oro no compra amore… Leonardo Pascoa (Giorgio), … Orchestre Symphonique du Brésil (OSB, Orquestra Sinfônica Bresileira). Bruno Procopio, direction L’Oro no compra amore ressuscite à Rio Exaltante réhabilitation à l’Opéra de Rio (Theatro Municipal) du compositeur luso brésilien Marcos Portugal: son opéra comique italien L’Oro no compra amore valait bien cette recréation, d’autant que déjà applaudi et même célébré dès 1804 à Lisbonne, il s’agit du premier opéra italien créé sur le sol brésilien à l’époque du jeune empire brésilien en 1811. L’initiative est d’autant plus légitime que Rio redécouvre l’un de…

 

 

 

 

VOIR

 

Bruno Procopio joue Neukomm et Gossec à Rio (Symphonie à 17 parties), Cidade das Artes, Rio de Janeiro, le 4 avril 2015. VIDEO. Bruno Procopio dirige la Symphonie Héroïque de Neukomm à Rio de Janeiro (avril 2015). Montage © studio CLASSIQUENEWS.COM 2015. Le chef d’orchestre franco brésilien Bruno Procopio fait retentir le romantisme enflammé martial et lyrique de la grande Symphonie Héroïque de Neukomm créée en 1817. la Symphonie à 17parties de François-Joseph Gossec (1734-1829), composée en 1809. Partition majeure de la symphonie romantique française à l’époque de Napoléon : entre classicisme et premier romantisme, la virtuosité énergique de Gossec s’impose à nous, commune œuvre fondatrice du symphoniste français à l’époque des Viennois Haydn, Mozart et Beethoven. Bruno Procopio s’engage pour diffuser la connaissance et l’interprétation des compositeurs français en Amérique Latine : après avoir dirigé le Simon Bolivar Orchestra du Venezuela, le jeune chef à la double culture, brésilienne et française, retrouvait l’Orchestre Symphonique du Brésil à Rio de Janeiro dans un programme dédié au premier romantisme français : vitalité et énergie, puissance mais sensibilité aux détails instrumentaux… la direction du chef de l’autre côté de l’Atlantique, à la fois analytique et dramatique, trouve un équilibre idéal au service des grands classiques et romantiques français. Extraits vidéo exclusifs © studio CLASSIQUENEWS.TV 2015

 

VOIR notre reportage Bruno Procopio dirige à Caracas, en septembre 2013 :

Orquesta barroca Juvenil Simon Bolivar, Carracas, Bruno Procopio, CPE Bach, Carl Philip Emanuel BachVIDEO. A Caracas, Bruno Procopio joue CPE Bach avec l’Orchestre Simon Bolivar. En septembre 2013, le chef franco brésilien retrouve à Caracas les instrumentistes de l’Orchestre Simon Bolivar dans plusieurs Concertos et Symphonies de Carl Philipp Emanuel Bach. Après avoir jouer Rameau (ouvertures et ballets des opéras, mais sur instruments modernes en 2012), Bruno Procopio inaugure le nouvel ” Orquesta Barroca Juvenil Símon Bolivar “, phalange désormais dédiée à l’interprétation historiquement informée des œuvres baroques, classiques et préromantiques. Fougue, précision, style, mordant, l’entente du chef invité et des instrumentistes réalise l’un des meilleurs concerts CPE Bach de l’autre côté de l’Atlantique, soulignant aussi l’anniversaire CPE Bach en 2014 (300 ans de la naissance). Le fils de Jean-Sébastien est un génie défricheur et expérimentateur : sa virtuosité au clavier s’entend aussi à l’orchestre d’une liberté inventive à la fois, mélancolique et fantaisiste voire fantasque… très liée aux nouvelles tendances esthétique de l’Empfindsamkeit (“sensibilité”, courant littéraire surtout qui préfigure déjà les affres et vertiges du sentiment romantique). Reportage vidéo exclusif CLASSIQUENEWS.COM

 

 

VOIR notre reportage Bruno Procopio recrée L’Oro no compra amore de Marcos Portugal, décembre 2012 :

Bruno Procopio dirige Renaud de Sacchini à Rio de JaneiroRIO, Opéra : Bruno Procopio dirige L’Oro no compra amore de Marcos Portugal (décembre 2012). Marcos Portugal, compositeur officiel de la cour impériale du Brésil compose nombre d’ouvrages italiens dont la verve et le raffinement préfigure directement Rossini… Bruno Procopio ressuscite L’oro no compta amorce, premier opéra italien représenté à l’Opéra de Rio… Pour les 250 ans de sa naissance, l’Orchestre Symphonique du Brésil (Orquesta Sinfonica Brasileira) célèbre le génie du compositeur portugais, Marcos Portugal (1762-1830). Le jeune chef français d’origine brésilienne Bruno Procopio dirige les musiciens dans une partition créée d’abord à Lisbonne en 1804 puis reprise en 1811 à Rio : L’oro non compta amorce l’essor de l’opéra dans le nouveau monde. L’Opéra de Rio accueille cette recréation majeure qui conclut la saison musicale de l’Orchestre Symphonique du Brésil. Présentée en version de concert le 10 décembre 2012, l’ouvrage jalonne un champ d’expérimentation qui permet aux instrumentistes d’élargir leur répertoire tout en ressuscitant des œuvres méconnues.  GRAND REPORTAGE VIDEO, version français © CLASSIQUENEWS 2012

 

 

 

Paris, TCE, Théâtre des Champs Elysées
Dimanche 4 décembre 2016

Bruno Procopio dirige l’Orchestre Lamoureux
dans un programme Villa-Lobos, Milhaud, Jobim, Neukomm…

procopio-bruno-maestro-chef-d-orchestrePARIS, TCE. Musique brésilienne à Paris, le 4 décembre 2016. Tubes et musique sacrée : de Villa-Lobos et Jobim à Neukomm. Orchestre associé du TCE Théâtre des Champs-Elysées, l’Orchestre Lamoureux offre un concert de musique brésilienne à la fois éclectique et historique ; au plus large public, le programme dirigé par Bruno Procopio, maestro impetuoso et charismatique, joue des standards brésiliens universels et récents : l’enivrante Bachianas Brasileiras n°5 de Villa-Lobos, Saudades do Brasil de Milhaud, sans omettre, l’irrésistible tube, ambassadeur de l’art de vivre du quartier carioca d’Ipanema, The Girl from Ipanema de Jobim… Mais acuité personnelle du chef Procopio oblige, en liaison avec son amour pour sa culture natale et ce travail particulier dans l’interprétation des partitions classiques et romantiques, plusieurs extraits de la légendaire Missa Pro Die Acclamationes Johannes VI, signé Neukomm. C’est l’emblème de la musique impériale brésilienne, quand le Brésil devenu indépendant, construit son image sur une identité certes occidentale, mais singulière : Neukomm, le Mozart brésilien, a fourni alors à la Cour de l’Empereur du Brésil Jean VI, plusieurs partitions musicales emblématique de cet ordre politique et culturel nouveau dont témoigne évidemment la Messe écrite pour son couronnement et que Bruno Procopio à Paris, s’ingénie début décembre 2016 à ressusciter avec le faste, le souffle et le relief vocal, choral, instrumental requis. Sigismund Neukomm est bien connu des mélomanes car le Sazlbourgeois, élève de Joseph Haydn entreprit de terminer le Requiem de Mozart laissé inachevé (Libera me). La partition autographe datée de 1819 fut découverte récemment à Rio de Janeiro : elle est le fruit du travail de Neukomm installé au Brésil et qui mena son travail de composition avec le plus grand compositeur local, le mulâtre José Mauricio Nunes Garcia. La version du Requiem de Mozart, achevé par Neukomm a été enregistrée par Jean-Claude Malgoire en 2006.

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Concert événement “Joyaux Brésiliens au TCE, Tubes et musique sacrée, de Villa-Lobos à Neukom… par Bruno Procopio et l’Orchestre Lamoureux à PARIS… En LIRE +

 

La Belle Hélène d’offenbach, version Pisani à Marseille

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offenbach_jacques classiquenews 2016 portrait de jacques offenbachMARSEILLE, Opéra. Offenbach: La Belle Hélène. Les 15 et 16 octobre 2016. Offenbach parodie l’Antiquité… le Mozart des boulevards incarnent cette joie de vivre, cette liberté satirique, sublimées par une écriture musicale en verve ; son théâtre illusoirement léger et insouciant, épingle scrupuleusement les travers de la société artificielle du Second Empire… Comme Rameau et sa folle comédie déjantée Platée, le compositeur romantique renouvelle l’exercice poétique : il tend le miroir à la société de son temps et renvoie à l’audience la représentation à peine masquée (mais maquillée certes) de ses propres turpitudes. déjà présentée à l’Opéra de Tours, La Belle Hélène (opérette irrésistible de 1864), confirme les affinités du metteur en scène Bernard Pisani (un spécialiste de la partition qui l’a abordé à 4 reprises…) .

offenbach-jacques-portrait-jeune-582-767Le prétexte mythologique permet de parodier les tares et les faiblesses d’une humanité frivole et insouciante, totalement irresponsable car ici la satire politique affleure dans chaque séquence. Féline, amoureuse, vive, Hélène affirme un tempérament vocal et dramatique qui inspire depuis longtemps les plus grandes cantatrices, preuve que l’ouvrage est plus profond et raffinés que vraiment caricatural. Songeons à ce qu’en donnait l’exquise et allusive Jessye Norman qui inscrit le rôle à son répertoire… Elégance, souplesse, ivresse mélodique … pour Pisani, La Belle Hélène rassemble toute les qualités d’une grande œuvre : une opérette dont la subtilité se rapproche de l’opéra;  politiques véreux mais très arrogants, déesses dévergondées et bergers complices portés sur la cabriole… Le stupre sévit souverain au début du II ; Hélène, madame Mélénas s’encanaille à la barbe de son époux, soupçonneux, maladroit, ennuyeux car quand paraît le beau Pâris, la blonde fille de Jupiter et Léda n’a d’yeux que pour le mâle sculpté comme un éphèbe. Ainsi, sans qu’il n’y puisse rien, Mélénas découvre en fin d’action que le berger adolescent (déguisé en faux augure) et la plus belle femme du monde convolent sur la galère qui les mènera aux pays des rêves et de l’extase, à Cythère (comme l’a représenté le peintre Watteau)…
Divertissement certes, mais Offenbach comme Rameau donc, dans sa formidable Platée (préfiguration de la future comédie musicale à venir, déjà en 1745….) revêt les traits d’une âpre diatribe sociale et humaine: la société portraiturée dans La Belle Hélène sous couvert de gags à gogo et de tableaux délirants et décalés grossit les travers d’une humanité corrompue, décadente, en somme celle du Second Empire… Et Offenbach plus cultivé astucieux qu’on ne le dit, La production présentée en octobre à Marseille, a déjà fait escale (applaudie) à Tours en décembre 2015, Avignon en 2012 puis en 2014 à Toulon…

La Belle Hélène d’Offenbach à l’Odéon de Marseille
Marseille belle helene opera de marseille
2 représentations incontournables
Les 15 et 16 octobre 2016 à 14h30
RESERVEZ VOTRE PLACE

Opéra bouffe en trois actes

Livret de Henri Meilhac et Ludovic Halévy, adapté par Bernard Pisani
Création le 17 décembre 1864 à Paris

Opéra bouffe en 3 actes
Livret de Henri MEILHAC et Ludovic HALÉVY

Direction musicale: Emmanuel TRENQUE

Mise en scène: Bernard PISANI
Assistant mise en scène: Sébastien OLIVEROS
Décors: Eric CHEVALIER

Hélène: Laurence JANOT
Bacchis: Carole CLIN
Parthénis: Nelly BOIS
Loeena: Lorrie GARCIA
Pâris: Kévin AMIEL
Oreste: Samy CAMPS
Calchas: Michel VAISSIERE
Agamemnon: Philippe ERMELIER
Ménélas: Dominique DESMONS
Achille: Jean-Marie DELPAS
Ajax I: Jacques LEMAIRE
Ajax II: Yvan REBEYROL

Choeur Phocéen, chef de choeur Rémy LITTOLFF
Orchestre du Théâtre de l’Odéon

Conférence à l’Alcazar
SAMEDI 8 OCTOBRE 2016 À 17h

 

PARIS. Eliogabalo de Cavalli, recréé au Palais Garnier

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Cavalli_francescoPARIS, Palais Garnier : Eliogabalo de Cavalli : 14 septembre-15 octobre 2016. Recréation baroque attendue sous les ors de Garnier à Paris… Grâce au musicologue Jean-François Lattarico (collaborateur sur classiquenews, et auteur récent de deux nouveaux ouvrages sur l’opéra vénitien du Seicento et sur le librettiste Giovan Francesco Busenello), les opéras de Cavalli connaissent un sursaut de réhabilitation. Essor justifié car le plus digne héritier de Monteverdi aura ébloui l’Europe entière au XVIIè, par son sens de la facétie, un cocktail décapant sur les planches alliant sensualité, cynisme et poésie, mêlés. Avec Eliogabalo, recréation et nouvelle production, voici assurément l’événement en début de saison, du 14 septembre au 15 octobre 2016, soit 13 représentations incontournables au Palais Garnier. Avec le Nerone de son maître Monteverdi dans Le couronnement de Poppée, Eliogabalo illustre cette figure méprisable et si humaine de l’âme faible, « effeminata », celle d’un politique pervers, corrompu, perverti qui ne maîtrise pas ses passions mais en est l’esclave clairvoyant et passif… Superbe production à n’en pas douter et belle affirmation du Baroque au Palais Garnier. Leonardo Garcia Alarcon, direction musicale. Thomas Jolly, mise en scène. Avec entre autres : Franco Fagioli dans le rôle-titre ; Valer Sabadus (Giuliano Gordie)… soit les contre ténors les plus fascinants de l’heure. Un must absolu.

 

 

ELIOGABALO-palais-garnier-582-390

 

 

Elagabalo_(203_o_204-222_d.C)_-_Musei_capitolini_-_Foto_Giovanni_Dall'Orto_-_15-08-2000HISTOIRE ROMAINE. L’histoire romaine laisse la trace d’un empereur apparenté aux Antonins et à Caracalla (auquel il ressemblait étrangement), Varius Avitus Bassianus dit Héliogabale ou Elagabal, devenu souverain impérial à 14 ans en 218. L’adolescent, politique précoce, ne devait régner que … 4 années (jusqu’en 222). Le descendant des Bassianides, illustre clan d’Emèse, en raison d’une historiographie à charge, représente la figure emblématique du jeune prince pervers et dissolu, opposé à son successeur (et cousin), le vertueux Alexandre Sévère. En réalité, l’empereur n’était q’un pantin aux ordres de sa mère, l’ambitieuse et arrogante Julia Soaemias / Semiamira (comme ce que fut Agrippine pour Néron). Prêtre d’Elagabale, dieu oriental apparenté à Jupiter, Héliogabale tenta d’imposer le culte d’Elagabale comme seule religion officielle de Rome. Le jeune empereur plutôt porté vers les hommes mûrs, épousa ensuite les colosses grecs Hiéroclès et Zotikos, scandalisant un peu plus les romains. Les soldats qui l’avaient porté jusqu’au trône, l’en démit aussi facilement préférant honorer Alexandre Sévère dont la réputation vertueuse sembla  plus conforme au destin de Rome. Une autre version précise que c’est la foule romaine déchainée et choquée par ses turpitudes en série qui envahit le palais impérial et massacra le corps du jeune homme, ensuite trainé comme une dépouille maudite dans les rue de la ville antique.

busenello_giovan_francesco_monteverdi_poppea_statiraCAVALLI, 1667. Utilisant à des fins moralisatrices, le profil historique du jeune empereur, Cavalli brosse de fait le portrait musical d’un souverain “langoureux, efféminé, libidineux, lascif”… le parfait disciple d’un Néron, tel que Monteverdi l’a peint dans son opéra, avant Cavalli (Le Couronnement de Poppée, 1642). En 1667, Cavalli offre ainsi une action cynique et barbare, où vertus et raisons s’opposent à la volonté de jouissance du prince. Mais s’il habille les hommes en femmes, et nomme les femmes au Sénat (elles qui en avaient jusqu’à l’interdiction d’accès), s’il ridiculise les généraux et régale le commun en fêtes orgiaques et somptuaires, Eliogabalo n’en est pas moins homme et sa nature si méprisable, en conserve néanmoins une part touchante d’humanité. Sa fantaisie perverse qui ne semble connaître aucune limite, ne compenserait-elle pas un gouffre de solitude angoissée ? En l’état des connaissances, on ignore quel est l’auteur du livret du dernier opéra de Cavalli, mais des soupçons forts se précisent vers le génial érudit libertin et poète, Giovan Francesco Busenello, dont la philosophie pessimiste et sensuelle pourrait avoir soit produit soit influencé nombre de tableaux de cet Eliogabalo, parfaitement représentatif de l’opéra vénitien tardif.

ELiogabalo de Cavalli au Palais Garnier à Paris
Du 14 septembre au 15 octobre 2016
Avec
Franco Fagioli, Eliogabalo
Paul Groves, Alessandro Cesare
Valer Sabadus, Giuliano Gordio
Marianna Flores, Atilia Macrina
Emiliano Gonzalez-Toro, Lenia

La Cappella Mediterranea
Choeur de Chambre de Namur (préparé par Thibault Lenaerts)
Leonardo Garcia Alarcon, direction
Thomas Jolly, mise en scène

 

 

UN OPERA JAMAIS JOUÉ DU VIVANT DE CAVALLI… Eliogabalo n’est pas en vérité le dernier opus lyrique de Cavalli : le compositeur allait encore en composer deux autres après (Coriolano, Massenzio), mais Eliogabalo est bien l’ultime ouvrage dont nous soit parvenue la partition.  LIRE notre dossier complet dédié à Eliogabalo de Cavalli au Palais Garnier à Paris

 

SIMULTANEMENT, à l’OPERA BASTILLE : La Tosca de Pierre Audi, nouveau directeur du festival d’Aix (en 2018), est l’autre nouvelle production à suivre : du 17 septembre au 18 octobre 2016 à Bastille. Avec la Tosca de Anja Harteros ou Liudmyla Monastyrska (voir les dates précises de leur présence), Marcelo Alvarez (Mario), Bryn Terkel (Scarpia)… 10 représentations.

HAENDEL / HANDEL : les Oratorios anglais, partie 2. Les ouvrages de la maturité : Solomon, Theodora, Jephtha

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oratorios the great oratorios coffret beox review critique cd classiquenews 41 cd deccaCvr-00028948301423INTRODUCTION… A l’été 2016, Decca publie un coffret « The Great oratorios », somme discographique de 41 cd, regroupant 16 oratorios principaux du Saxon Georg Friedrich Handel / Haendel (1685-1759). Même incomplet car il ne s’agit pas d’une intégrale (sont absents des ouvrages pourtant majeurs tels concernant la période prélondonienne : Il Trionfo del Tempo e del Disinganno de 1737 ou la BrockesPassion de 1719 ; puis entre autres, le sublime Allegro, Il Penseroso ed il Moderato de 1740 ; Susanna de 1749,…), le coffret Decca The Great oratorios offre un focus idéal sur une double thématique : la carrière passionnante de Handel hors de l’Europe continentale, après son séjour miraculeux en Italie, après ses nombreux engagements en terres germaniques… et aussi, un regard sur l’interprétation moderne, principalement celle des chefs anglais, des drames non scéniques de Haendel, soit des années 1970 avec Mackerras (1977) jusqu’aux plus récents McCreesh et Minkowski… sans omettre les passionnants Hogwood, Pinnock, Christophers et Gardiner… Certes le geste de Neville Marriner (né en 1924), pionnier visionnaire en l’occurrence n’est pas présent non plus (d’autant que Decca détient ses gravures les plus intéressantes), mais la somme ainsi rééditée se révèle passionnante. Opportunité pour CLASSIQUENEWS d’évoquer pas à pas, l’avancée de l’épopée de Haendel à Londres dans les années 1740 et 1750 : un travail qui l’occupe à la fin de sa vie jusqu’à l’épuiser.

handel-haendel-londres-london-vignette-dossier-haendel-2016-sur-classiquenewsL’inventivité du créateur trouve en Angleterre un terreau fertile et parfois éprouvant, pour inventer une nouvelle forme dramatique : opéra seria, masques ou odes, enfin surtout à partir de 1733 (2ème version d‘Esther), en langue anglaise, l’oratorio spécifiquement britannique. Où toute scénographie absente, permet à la seule écriture vocale et musicale, d’exprimer tous les enjeux et ressorts dramatiques comme le parcours moral et le sens spirituel des ouvrages, d’autant que l’action y est souvent plus psychologique que spectaculaire. LIRE notre présentation et introduction complète (Les Oratorios de Haendel, dossier spécial, partie 1).

 



HAENDEL / HANDEL : les Oratorios anglais, partie 2

Les ouvrages de la maturité : Solomon, Theodora, Jephtha

 

Dossier : Haendel à Londres, les oratorios anglaisBilan interprétatif… A l’heure du bilan, l’écoute rétrospective souligne l’engagement palpitant des chefs Hogwood (1941-2014), Trevor Pinnock (né en 1946), Harry Christophers (né en 1953)…, doués d’un raffinement expressif de premier ordre, soucieux aussi de cohérence s’agissant des distributions de solistes. Le second cycle d’oratorios ici présentés et critiqués, souligne le geste particulièrement convaincant de Paul McCreesh, né en 1960  (Solomon, Theodora… en 1999 et 2000) surclassant aisément par sa suprême élégance et sa fine caractérisation, les lectures d’un Gardiner, en comparaison trop lisse et vocalement déséquibré. Les derniers ouvrages contenus dans le coffret DECCA “The gréât oratorios” dévoile également l’évolution du dernier Handel, de moins en moins spectaculaire, mais progressivement méditatif, intime, d’une rare intelligence psychologique, confirmant la profondeur spirituelle des drames anglais, aux cotés de l’écriture chorale, d’une remarquable éloquence… Pour nous les deux chefs d’oeuvres absolus demeurent après Le Messie, …Solomon et Theodora (version McCreesh donc, perle du présent coffret).

 

 

 

Solomon, mars 1749

haendel handel londres oratorio anglaisCréé en mars 1749 au Théâtre Royal Covent Garden de Londres, Solomon illustre un épisode poétique inspiré du Livre des Rois et des Antiquités de Flavius Joseph. Le livret est resté anonyme. Le choeur y est un personnage principal, au même titre que les autres héros; l’orchestre, particulièrement raffiné ; et pour colorer sa partition, Handel emprunte à nouveau à ses confrères, nombres de mélodies qui lui plaisent (Muffat, Telemann, Steffani). L’élégance et le raffinement de l’écriture entendent exprimer cet âge d’or d’une Antiquité légendaire et hautement morale que le règne géorgien du vivant de Handel ressuscite : aux oratorios de Handel, la mission d’en argumenter le rapprochement. Salomon, comme Alexandre et Hercule en France, offrant un modèle pour le Souverain ainsi célébré allusivement par le compositeur.

Acte I. Salomon le sage. L’ouvrage souligne la sagesse de Solomon qui trouve sa force dans sa foi en Dieu. Fortifié encore par les louanges du grand prêtre, Zadock, le jeune roi écoule des jours heureux avec son épouse, la fille de Pharaon.
Acte II. Le jugement de Salomon. Deux prostituées se querellent la maternité d’un même enfant. Contraste saisissant entre le récit des deux mères : la première tendre, la seconde, haineuse et vindicative. Solomon ordonne de couper en deux moitiés égales le bébé : la seconde femme, tout autant victorieuse et sauvage, révèle sa nature mauvaise et son action mensongère (n°19). Seule la vraie mère, soucieuse de la vie de son enfant, reste affligée, digne et douloureuse, prête à renoncer pour sauver l’enfant (n°20 : « Can I see my infant gor’d »). L’imposture étant dévoilée, Solomon chasse la 2ème femme : réconfortant la 1ère mère (duo sublime n°22 : « Thrice bleds’d be the King »…)…
Acte III : Louange monarchique. Salomon le sage chante son bonheur avec son épouse, célébré par Zadock : est ce bien la Judée ou l’Angleterre géorgienne que célèbre ici Handel ? Le choeur entonne un cycle d’airs contrapuntiques d’un souffle miraculeux, aussi exigeants que Israel en Egypte et Le Messie.

mc-creesh-oratorios-ahendel-Paul-McCreesh_0335_credit-Ben-Wrightoratorios the great oratorios coffret beox review critique cd classiquenews 41 cd deccaCvr-00028948301423Interprétation. LE MIRACLE MCCREESH. En 1999, – préludant au miracle de sa Theodora l’année suivante (avec certains mêmes solistes dont Susan Gritton ou Paul Agnew), au service d’une flexibilité souvent chorégraphique, pleine de souple caractérisation, le geste de Paul McCreesh et ses Gabrieli Consort & Pslayers excellent dans un drame hautement moral où aux côtés de la plasticité aimable des choeurs, éblouit une distribution très cohérente sur le plan expressif : la tendresse habitée de Susan Gritton (Reine de Sheba), la basse toute aussi onctueuse et si musicale de Peter Harvey (un Levite : sublime caractérisation humaine pour ce rôle de seconde importance mais capitale dans l’humanité du sujet, dès son premier air au I), sans omettre le Zadock de grande classe de Paul Agnew, comme le timbre égal, juvénile, éclatant de la haute-contre Andras Scholl, au sommet de ses possibilités vocales, pour la figure axiale de Solomon. Tout cela coule comme une langue naturelle, d’une élégance irrésistible : McCreesh égale la science ductile, la flexibilité souveraine, poétique et expressive de William Christie chez Rameau ou chez Handel (cf son magnifique Belshazzar réalisé en 2012) : c’est dire la réussite totale de cet enregistrement de 1999, suivi en 2000, d’une tout aussi somptueuse Theodora. 2 enregistrements qui sont des must pour comprendre la langue dramatique et poétique de Haendel dans le genre de l’oratorio anglais.

 

 

 

Theodora, mars 1750

Oratorio en 3 actes, d’une longueur significative, Theodora est créé au Théâtre Royal Covent Garden en mars 1750 et retrace l’épopée de la martyre chrétienne au début du IVè siècle. Le librettiste Thomas Morell s’inspire moins de la pièce de Pierre Corneille que reprend le roman moralisateur publié en 1687 par Robert Boyle. Trop psychologique, la partition suscita une nette réserve de la part des Londoniens. Car l’écriture se fait de plus profonde et épurée, expression croissante d’un mouvement intérieur de plus en plus serein et donc extatique où la martyre Theodora emporte avec elle, ceux qui l’entourent et l’admirent : Irène ; surtout le jeune romain Didymus -qui aime la jeune fille-, sur la voie du renoncement, du sacrifice et de la mort, car il s’est converti au christianisme et entend affirmer sa liberté de conscience tout en restant fidèle à Rome (ce que n’accepte pas l’autoritaire Préfet d’Antioche, Valens). Du médiocre texte de Thomas Morell, Handel observe avec un soin particulier le cheminement spirituel des âmes justes, sur lesquels les épreuves glissent, toutes absorbées par la réalisation de leur martyre final. Ce focus psychologique est le point central de l’évolution des oratorios de Haendel, certes capable de scènes collectives et spectaculaires, mais aussi concepteur de sublimes portraits intimes, d’une haute valeur morale.

oratorios the great oratorios coffret beox review critique cd classiquenews 41 cd deccaCvr-00028948301423mc-creesh-oratorios-ahendel-Paul-McCreesh_0335_credit-Ben-WrightInterprétation. Souffle d’une grande tendresse, le geste tout aussi vif et nerveux de McCreesh en 2000 réussit mieux que Gardiner, la suprême vivacité du drame orchestral et l’incisive et très pénétrante acuité psychologique ; dans la réalisation des Gabrieli Consort & Players, tout y est idéal : le cynisme arrogant et expressif des romains païens (Valens – excellent baryton :Neal Davies, qui a l’ardeur des bourreaux ; le choeur des romains) ; l’inatteignable sérénité des chrétiens, d’une croyance extatique, ineffablement tendre : Theodora, Irene, Didymus, soit Susan Gritton, Susan Buckley, Robin Blaze). Même Septimus, l’ami de Didymus est superbement portraituré par le ténor Paul Agnew (dans son chant s’écoule tous les enchantements arcadiens : premier air n°6, « Descend, kind pity »…). Le tempérament de McCreesh signe l’un de ses meilleurs enregistrements haendéliens par sa fougue, son articulation, et souvent un état d’urgence dramatique, totalement absent chez le plus lisse Gardiner. D’autant qu’outre la relief chorégraphique des intermèdes orchestraux, le chef sait aussi éclairer la suprême élégance du Handel, compositeur érudit et lettré, poète séducteur et esthète de premier plan. Cette vivacité rappelle Pinnock et Hogwood : le raffinement et l’imagination de McCreesh dans la caractérisation de chaque profil et dans chaque situation suscitent une totale adhésion. Enregistrement majeur.

 

 

 

Jephtha, février 1752
L’ultime oratorio HWV 70 est créé le 26 février 1752 au Théâtre royal Covent Garden et démontre la dernière manière de Handel à Londres, soit 7 années avant sa mort. A la marge du choeur concluant l’acte II, le compositeur diminué et à bout de souffle, écrit : « incapable de continuer à cause de l’affaiblissement de la vue de mon oeil gauche ». De fait, après une période de repos total, mais de plus en plus aveugle, le compositeur achève tant bien que mal Jephtha et sombre dans la cécité, condamné à 66 ans, à cesser toute activité musicale. C’est un déchirement et une fin tragique qui s’accordent au sujet de son dernier oratorio… celui du renoncement et de l’adieu au monde. La composition a duré du 21 janvier au 30 août 1751. A nouveau, Handel réserve le rôle central de Jephtha au ténor John Beard.
Acte I. Zebul invite les Juifs à choisir son demi frère Jephtha pour les conduire à la victoire sur les Ammonites. Iphis, la fille de Jephtha promet à Hamor qu’elle l’épousera après la victoire de son père. Allégresse et ivresse collective emportent les Juifs et dans un élan d’enthousiasme irréfléchi, Jephtha promet au Seigneur que s’il gagne la bataille, il sacrifiera la première personne qu’il rencontre.
Acte II. Hélas, Iphis se prépare et accueille son père conquérant au son d’une gracieuse symphonie en sol (extraite d’Ariodante) : elle chante sa joie sur une gavotte. Le père invite sa fille à quitter aussitôt les lieux mais il est trop tard. Iphis se soumet au sacrifice cependant que le père résiste à sa promesse.
Acte III. Iphis fait ses adieux dans un air déchirant (« Farewell, ye limpide springs and floods »). Tel un Deus ex Machina, Thomas Morell réécrit l’action que Carrissimi avait rendu bouleversante : en accord avec Handel, un ange paraît et suspend l’arrêt divin si Iphis accepte de vouer sa vie à Dieu : elle aura la vie sauve. En liaison avec sa propre situation, le compositeur brosse un portrait éblouissant de la fille Iphis, insouciante et joyeuse au I, frappée par l’ordre divin au II, capable au III d’une gravité nouvelle et d’un renoncement admirables. Les auteurs semblent se soumettre aux lois impénétrables et insaisissables de la destinée.

 

gardiner-john-eliot-gardiner-maestro-handel-haendel-oratorio-cd-decca-coffret-review-critique-classiquenewsoratorios the great oratorios coffret beox review critique cd classiquenews 41 cd deccaCvr-00028948301423Interprétation. Gardiner en 1989 signe l’un de ses premiers oratorios avec un soin particulier à l’orchestre : tout coule, tout se réalise sans cependant cette élégance détachée impériale qui fait de l’écriture haendélienne, l’expression d’une grâce aristocratique. La tenue des deux premiers solistes : Zebul et Jephthah restent conformes, un peu trop lisse : Stephen Varcoe et Nigel Robson. De sorte qu’en un regard global, la caractérisation n’atteint pas l’étonnante vivacité de ses ainés : Hogwood, Pinnock, Christophers ; ni même l’éloquence palpitante de McCreesh. Il y manque ce raffinement royal, cette élégance suprême résolvant le tragique et la tendresse que l’on peut souvent a contrario retrouver dans les meilleures versions de William Christie. Anne Sofie von Otter offre au rôle de Storge, sa gravité douloureuse et princière qui semble la distinguer comme étant la seule qui en véritable Cassandre, a l’intuition de l’horreur à venir… Lynne Dawson fait une Iphis rien que… gracieuse qui au moment de l’ultime sacrifice et renoncement du III manque sérieusement de profondeur et de vérité : pourtant Jephtah recueille le dernier sentiment du Handel anéanti et usé ; dans « Farewell… » n°34, grand air de suprême détachement, soliste et chef restent à la surface, d’une mesure jolie et … précieuse voire apprêtée / offrant une belle réalisation sans guère d’hallucinants vertiges. Il faut réécouter ici la profondeur poétique atteinte par Sir Neville Mariner, à rééditer chez … Decca.

 

 

 

 

Compléments…
Le Coffret Decca ajoute l’Ode Alexander’s Feast ou le pouvoir de la musique en l’honneur de Sainte Cécile, en deux parties, composée d’après Dryden (1697), et présentée en création à Londres au Théâtre Royal Covent garden en février 1736. Immédiatement, le public londonien applaudit cette ode, fière et princière allégorie, au souffle philosophique chantée en anglais (26 représentations de 1736 à 1755).
Partie 1. Selon Plutarque, Alexandre vainqueur de Darius, célèbre en présence de la belle Thaïs, sa victoire à Persepolis lors d’un grand et somptueux banquet : hymne à Zeus, à Bacchus, évocation de la mort de Darius, célébration des joies de l’amour et des plaisirs, grâce à la musique (incarné par le chantre Thimotée dont le chant suscite divers passions par son éloquente maîtrise).
Partie 2. Le ténor chante un air guerrier et la basse justifie l’acte des Grecs contre les Perses car ces derniers avaient incendié Athènes. Juste retour des choses. Alors qu’on célèbre la destruction de Persepolis, le choeur final compare le chant de Thimotée au pouvoir salvateur de la musique et de Sainte-Cécile. Handel n’organise pas son sujet en un drame cohérent comprenant personnages et situations dramatiques enchaînées. C’est une succession d’airs, duos et de choeurs exclamatifs, fortement expressifs, le plus souvent allègres.

Interprétation. Pourtant avec ses fabuleux Monteverdi Choir et les English Baroque Solists, Gardiner en 1988 réalise un soutien choral et orchestral très séduisant mais trop lisse et finalement d’une tenue mécanique peu caractérisée sur la durée. Les solistes sont plus intéressants, permettant d’exprimer aves justesse le sentiment et le caractère de chaque séquence : Donna Brown, Carolyne Watkinson, Stephen Vercoe… Pour autant l’engagement des interprètes manquent de souffle et d’urgence et l’on reste en attente d’une version plus mordante et vive.

 

 

gardiner-john-eliot-gardiner-maestro-handel-haendel-oratorio-cd-decca-coffret-review-critique-classiquenewsLe coffret ajoute aussi un oratorio de jeunesse, en anglais parmi les premiers essais : Acis & Galatea, HWV 49, masque en deux parties d’après le livret de John Gay, créé à Cannons en 1718… En 1978, soit l’une de ses premières lectures haendéliennes, Gardiner et ses English Baroque Soloists frappent un grand coup, d’une fraicheur de ton admirable, d’une vivacité expressive passionnante. D’une grâce purcelliennes, le masque est une savoureuse et suave pastorale où perce déjà le souffle des choeurs, surtout le solitude langoureuse de la brute Polyphème pour Galatea, qui écrase l’amant de la belle, Acis. La verve théâtrale, l’acuité du geste saisissent et convainquent totalement, assurant à ses débuts, la justesse poétique de Gardiner aux côtés duquel brillent la grâce et tendresse des solistes : Norma Burrowes, Anthony Rolfe Johnson, Willard White soit Galatea, Damon et Polyphemus. Superbe premier geste originel d’un Gardiner non encore « standardisé » (comme il tendra à l’être dans les années 1980 et 1990). La version, précédemment rééditée dans le coffret Archiv, analogue archives / ARCHIV Produktion / analogue stereo recordings (1959-1981) – 50 cd limited edition (parution de mai 2016) — LIRE notre présentation et critique 

LIRE aussi le volet 1 de notre grand dossier HAENDEL / HANDEL, les Oratorios 1/2