COMPTE RENDU, Opéra. SALZBOURG, le 4 août 2018. MOZART : La Flûte Enchantée / Die Zauberflöte. Carydis / Steier. Au delà des apparences, percer le mensonge des illusions et accéder en toute conscience au royaume éblouissant de la vertu… L’idéal que défend l’opéra de Mozart se lit ici avec une clarté exemplaire et un souci onirique très stimulant. L’ultime opéra de Wolfgang, composé 2 ans après la Révolution française, recueille les idées des Lumières et affirme in fine le triomphe des valeurs morales contre l’obscurantisme général. Une vision réconfortante à notre époque où la montée des extrêmismes, le jeu électoraliste dangereux des politiques qui soufflent sur les braises des communautarismes radicaux pour instaurer l’ordre du chaos (cynisme effarant), ne cessent de ronger la solidité du socle républicain et démocratique.

Même s’il est d’abord un magnifique conte féerique, l’ouvrage créé à Vienne en 1791, est aussi un rituel philosophique, voire maçonnique, surtout un manifeste politique. Ici s’oppose la manipulation mensongère (La Reine de la nuit) face à la sincérité vertueuse et respectueuse (Sarastro) ; la haine contre le temple (de sagesse). Fermeté, discrétion, loyauté… Ainsi le prince Tamino apprend les bénéfices d’une vie juste et responsable, entraînant sur ce chemin formateur et initiatique, l’oiseleur Papageno, qui de rustre naif et roublard, devient homme, loyal et aimant.
La vision de Lydia Steier est remarquable car elle concilie de superbes tableaux enchanteurs, inscrivant l’action dans le domaine du cirque ; tout en soulignant la force morale du parcours que suit le protagoniste Tamino, d’abord instrumentalisé par le Reine de la nuit, puis initié par le sage Sarastro. Sur sa route, il découvre l’amour en la personne de Pamina, être détruit, martyrisé par une mère trop tyrannique et cruelle. L’opéra débute dans un intérieur viennois bourgeois vers 1913 : une famille réunissant les parents et leurs trois enfants (les 3 garçons du conte à travers les yeux desquels se déroule en définitive toute l’action scénique), et aussi le grand père (le futur récitant incarné par l’excellent acteur Klaus Maria Brandauer) se retrouve attablée, servie par 3 servantes en tablier (les futures 3 dames de la légende). Sous les apparences tranquilles de famille versaillaise bien comme il faut, le chaos ne tarde pas à surgir : après que le père quitte brutalement le clan, la mère devient hystérique et folle à peine calmée par les servantes ; les 3 garçons regagnent leur chambrée… et le conte peut alors être raconté à travers les récits du grand père qui introduit chacun des tableaux des deux actes. Sous l’enchantement des scènes qui se succèdent, où percent au fur et à mesure de l’action, le vrai visage des protagonistes, se précise peu à peu la puissance de cette leçon de sagesse : les enfants qui sont les spectateurs et les acteurs privilégiés de l’histoire, sont invités à méditer ce qui leur est dévoilé : la vérité doit être recherchée derrière le voile des apparences. Ainsi la Reine de la nuit est-elle vraiment sincère ? Et Sarastro doit-il être haï comme Tamino est enclin à le penser ? Réfléchis par toi-même. Telle est le sens de toute l’action qui des Ténèbres bascule peu à peu dans la pleine lumière (choeur final).

Réalisée par la metteure en scène Lydia Steier
Une sublime Flûte enchantée, à la fois onirique et grave

Auparavant, la musique de Mozart distille sa force onirique, son intelligence magicienne d’autant que l’Orchestre Philharmonique de Vienne atteint des sommets d’élégance affûtée et vive qui électrise véritablement le dramatisme du livret de Shikaneder. Constantinos Carydis déploie une vitalité mordante et séductrice, écartant toute mièvrerie ou lourdeur ; recherchant lui aussi l’acuité du manifeste humaniste sous l’apparence douceâtre du faux opéra pour enfants. On reste ébloui par la subtilité des tableaux visuels, la présence de la poésie qui apparente le conte à un songe, selon l’imaginaire des 3 garçons.

Reste que la distribution à quelques exceptions près est à la hauteur de cette réussite scénographique. Oublions d’emblée la soprano requise pour remplacer au pied levé la diva programmée à l’origine : imprécisions des trilles, notes fausses, malgré une émission franche, la Reine de la nuit ne distille aucun trouble. Dommage.
Phrasés naturels, projection mesurée, justesse de la caractérisation, et chant intense autant que raffiné, le ténor Mauro Peter et la soprano Christiane Karg font du couple d’initiés Tamino / Pamina l’un des plus attachants et subtils de l’heure. Assisterions nous ainsi à un renouveau du chant mozartien ? Ces deux chanteurs là nous le laisse espérer. La noblesse des sentiments pour Tamino, l’âme détruite, désespérée de Pamina (son air tragique au II est bouleversant de sincérité et de puissance émotionnelle) laissent une forte impression.
Attendu, Matthias Goerne, plus habitué aux nuances schubertiennes, celle du wanderer en récital chant / piano, incarne un Sarastro économe en gestuelle mais saisissant d’humanité souple et presque caressante : le timbre est somptueux, mais il manque parfois de la résonance caverneuse dans les graves que les grandes basses légendaires (Matti Salminen) ont su imprimer au personnage…
Il y a de la gravité aussi dans cette production comme au moment des épreuves décisives traversées par le couple Tamino / Pamina, quand sont projetées des images des combattants de la première guerre, la plus destructrice et la plus criminelle, défigurant et infligeant d’horribles blessures aux soldats ainsi traumatisés. L’appel humaniste à la paix fraternelle y gagne une vérité désarmante.

Voilà donc le spectacle événement de cette édition du Festival de Salzbourg 2018 (avec la Salomé de Castellucci, nouvelle production elle aussi jusqu’au 27 août)
https://www.salzburgerfestspiele.at/oper/salome-2018

: une vision à la fois très poétique, rafraîchissante même de l’opéra le plus joué de Mozart avec Don Giovanni et défendu par un chef et de jeunes chanteurs qui sont convaincants par leur juste engagement. Au moins Salzbourg modèle des festivals d’opéras l’été, a su écarter le fiasco pathétique de l’édition 2018 du festival français d’Aix en Provence, coulé par une triste mise en scène d’Ariadne auf Naxos de Strauss…
Saluons par ailleurs la chaîne Arte de diffuser le spectacle Die Zauberflöte à une heure de grande écoute ce 4 août justement. On reste toujours agacé par la présentatrice dont le style « grande dame » continue d’étiqueter l’opéra comme un loisir pour « riches » et vieux fortunés. Le temps est à un nouveau style et il faudrait ainsi démocratiser totalement et définitivement la musique classique comme l’opéra en évitant de tels clichés, fatalement néfastes pour l’image du genre. Oui le lyrique est facile d’accès, et pour toutun chacun quelle que puisse être sa position sociale… D’autant que l’opéra de Mozart est par essence et selon le voeu du compositeur, un opéra surtout « populaire » au sens le plus noble et le plus atemporel du terme… pour tous et pour chacun. Non pas pour l’élite.

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COMPTE RENDU, Opéra. SALZBOURG, Palais des Festivals. Le 4 août 2018. MOZART : La Flûte Enchantée / Die Zauberflöte. Carydis / Steier. A l’ffiche jusqu’au 30 août 2018.
VOIR le site du Festival de Salzbourg 2018
https://www.salzburgerfestspiele.at/oper/zauberfloete-2018

Constantinos Carydis, Musikalische Leitung / Direction musicale
Lydia Steier, Regie / Mise en scène

Matthias Goerne, Sarastro
Mauro Peter, Tamino
Albina Shagimuratova, Die Königin der Nacht (remplacée le 4 août)
Christiane Karg, Pamina
Ilse Eerens, Erste Dame
Paula Murrihy, Zweite Dame
Geneviève King, Dritte Dame
Adam Plachetka, Papageno
Maria Nazarova, Papagena
Michael Porter, Monostatos
Tareq Nazmi, Sprecher
Simon Bode, Zweiter Priester / Erster geharnischter Mann
Birgit Linauer, Alte Papagena
Klaus Maria Brandauer, Großvater / Grand père
Wiener Sängerknaben, Drei Knaben / 3 garçons

Konzertvereinigung Wiener Staatsopernchor
Ernst Raffelsberger, Choreinstudierung
Wiener Philharmoniker

VIDEO
Lydia Steier parle de sa vision de la Flûte Enchantée / Die zauberflöte
(en anglais / sous titré en allemand)

https://www.salzburgerfestspiele.at/videos/playlistid/PLvbbwyDYw0UWd7h3Um3K5jzC9NMaBCdeb

Compte rendu, critique, concert. Vienne, Musikverein, le 1er janvier 2018. CONCERT DU NOUVEL AN 2018. Wiener Philharmoniker / Riccardo Muti, direction. Pour le concert du Nouvel An à Vienne ce 1er janvier 2018, revoici les instrumentistes du Philharmonique de Vienne sous la direction du chef familier pour eux, Riccardo Muti. Nous les avions quittés ici même le 1er janvier 2017 sous la direction de Gustavo Dudamel : jeune et très précis maestro : le plus jeune alors depuis des décennies à diriger les prestigieux instrumentistes autrichiens. Les ors et les fleurs en surabondance, selon le goût spécifique des Viennois pour l’ultra kitsch (Sissi n’est pas loin, sans omettre les fastes sirupeux de Schönbrun), soulignent l’importance musical, surtout médiatique de l’événement.
Souvent un rien raide mais d’une tension supérieure, maestro Muti sait aussi quand il est bien « luné », exprimer une réelle précision nerveuse, à la fois musclée et … même élégante. Qu’en est-il au cours des 16 sections choisies par le chef (en dehors des sempiternelles morceaux de rigueur tels le Beau Danube Bleu du Fils Strauss, et aussi pour la claque du public, en un expérience interactive finale, La Marche de Radetski de Johann père) ?
Muti dirige ainsi pour la 5è fois l’Orchestre viennois (sa dernière performance remonte à 2004). Aux Strauss de rigueur, Muti, – chef légendaire de la Scala (qu’il a quitté avec fracas), ajoute aussi deux écritures flamboyantes (et premières à être jouées dans ce cadre), dans le genre de symphonisme léger : Suppé et le plus rare (première même au Musikverein donc) le slave Alphons Czibulka, dont la « Stéphanie-Gavotte » est ici révélée (dans la seconde partie).

Première partie

Johann Strauss, Marche du Baron Tzigane. Dès le début du concert, les trompettes d’ouverture affirment un panache martial : nous sommes dans le goût de la parade militaire accordée à l’exaltation de la danse (valse à l’allure tzigane). Déjà cette tension, un peu raide s’invite dans la direction du maestro italien. On regrette un manque d’abandon dans les cordes, aux pourtant somptueuses vagues mélodiques ; comme les tutti « bombardés ». La démonstration est le fort d’un Muti qui ne s’intéresse moins à la poésie et à l’intériorité des partitions straussiennes, qu’à leur fonction démonstratives et rutilantes.

Josef Strauss, Fresques de Vienne, valse, op. 249*
Plus méditatives et contemplatives dans ses évocations urbaines (de Vienne : solo pour violoncelle, ardent, enflammé mais mesuré), Fresques de Vienne rappelle le tempérament plus poétique du frère cadet souvent mésestimé (à torts) : Josef, qui en reprenant la direction de l’orchestre des Strauss – véritable entreprise plus que rentable (pour permettre à son aîné, Johann II, de composer), s’attela à une tâche harassante qui le condamna très vite ; bien que passionné par l’ingénierie, il de dédie à la musique, vocation forcée et familiale… et meurt de surmenage, – à seulement 43 ans, exténué, usé par le rythme des tournées et répétitions… De fait, Josef avait un talent aussi passionnant que celui de son frère, sans certainement posséder son génie de la mélodie ; mais la puissance de son orchestration très ciselée frappe immédiatement dans ses Fresque viennoises, ainsi dévoilées, sous la baguette plus agile, contrastée, mais parfois brutale de Muti. L’élégance de Josef s’affirme néanmoins nettement dans la conclusion tout en retenue et atténuation, sans fracas superfétatoire.

Johann Strauss, Parade nuptiale, polka française, op. 417*
Le fouetté (éclatant grâce aux flûtes et piccolo) se marie avec un esprit d’espièglerie conquérante : toute la magie allusive du magicien Johann II s’exprime ici… dans les deux Polkas enchaînées (la française est de tradition plus lente que celle « normale » ou rapide). Avouons que cela tourne à la mécanique bien réglée mais systématique et répétitive (comme le jeu des grues télévisuelles dont les effets finissent par lasser : zoom avant, zoom arrière dans des vues générales du Musikverein qui font danser les lustres … on vous sait gavés, mais …vous reprendrez bien de la tarte à la crème ?). Muti n’a pas la finesse ni l’articulation détaillée d’un Abbado, récemment… Prêtre ou dernièrement en 2017 (pour le Concert du Nouvel An 2017), le vénézuelien Gustavo Dudamel qui a surpris par son élégance. Ainsi, dans le Sang léger, polka rapide, op. 319, cela tourne en rond avec un final démonstratif pour plaire à l’assemblée.

Johann Strauss père, Valses de Marie, op. 212*
Voici l’un des fleurons imprévus de ce programme que l’on jugeait déjà efficace et rien que routinier. Le fondateur de la dynastie, qui mourut à moins de 50 ans, et fut un père plutôt inconsistant, – au point de susciter la haine de son fils Johann, déploie un vrai talent opératique dans cette valse dont il fait un développement symphonique d’une élégance et d’une grâce infinie, dont son fils saura s’inspirer. Très proche de la Valse du Printemps (joué par Karajan et chanté par Kathleen Battle dans les années 1980), la Valse de Marie affirme un charme souverain, grâce à une orchestration raffinée (harpe) et une séduction mélodique (aux cordes seules) qui envoûtent littéralement (doublé par le piccolo). C’est le morceau de bravoure de cette première partie… Teintes miroitantes, accents distillés et scintillants, retenue, abandon, vertiges et rebonds de grande classe… l’écriture du père resplendit ici par sa richesse, son élégance suprême – féminine-, que la seule audition de la Marche de Radetsky tendait à méconnaître. Muti très inspiré dans cette révélation, a eu du nez. Le choix est parfait. Et la surprise vainc toute réserve. Chapeau maestro.

Johann Strauss père, Guillaume Tell, Galop, op. 29b*
Nerveux, racé, martial… Muti est à son avantage dans ce galop serré, tendu, ardent, de fière allure. Sa direction incisive excelle dans cet exercice de haute école (inspiré de la mélodie de Rossini sur le même thème) où tous les musiciens, soldats bien agencés au millimètre près) redoublent d’intensité mordante, ultracontrastée, avec un crescendo progressif, toujours expansif qui est destiné à déclencher les applaudissements du public. Tout cela est indiscutablement efficace.

Deuxième partie

Franz von Suppé, Ouverture de l’opérette Boccaccio*
Dramatisme proche de l’opéra évidemment, d’une énergie dramatique, mais souvent sans la classe ni l’élégance des Strauss. Le côté grosse caisse dont se satisfait Muti étonne mais il n’exploite pas assez la vélocité diaphane des cordes viennoises réputées cependant pour leur finesse d’intonation. L’écriture de Suppé reste, comparée aux Strauss père et fils, plutôt hollywoodienne et même …wagnérienne. Eclectisme qui cite aussi Le Beau Danube de Joahnn fils (au début). Mais le final pétaradant, mené comme une cavalerie victorieuse, toujours martiale, emporte l’enthousiasme d’un public toujours curieux de performances et de surenchère.

Johann Strauss : Fleurs de Myrte, valse, op. 395* : musique de mariage de l’Archiduc Rodolphe, celui qui périra à Mayerling. Murmures et éclats mordorés (cors, clarinettes…) d’une forêt mystérieuse et majestueuse, forment un tapis somptueux pour la mélodie principale, valse emblématique, à la fois furieusement sensuelle…ivresse, enivrement, élégance éperdue : la marque de Vienne classique et romantique, depuis Haydn.

Alphons Czibulka, Stéphanie-Gavotte, op. 312*
Voici l’autre découverte annoncée dans le programme. La partition développée, vraie poème symphonique cultive les climats suspendus, où brille le dialogue des cordes et des bois, avec un caractère d’éveil … printanier. Saluons les qualités intérieures de la direction qui porte le flux dans un sentiment amoureux.

Johann Strauss, Balles magiques, polka rapide, op. 32
Trépidation, frénésie (celle ci…électrique, menée tambour battant par le piccolo, farceur, saillant, pointu) emporte tout sur son passage, avec un désir d’ivresse, authentiquement straussien. Le nerf qu’instille Muti se révèle là encore très efficace. Inspiré, le chef fait saluer debout tout l’orchestre. Comme il aime les fracas et poncifs sonores…

Johann Strauss, Contes / Légendes de la forêt viennoise, valse, op. 325

Avec Valses de Marie, voici le fils le plus élégant et nostalgique, véritable poète à l’écoute de la nature… Valse de concert de 1868, avec son lever de rideau (et cithare) qui exprime les enchantements de la forêt viennoise : tout le génie de Johann fils se déploie dans ce morceau de bravoure où les cors nobles, les cordes impériales distillent ce miel majestueux et d’un raffinement extrême, emblème d’une insouciance aimable et rêveuse d’une richesse éblouissante en terme de nuances et de climats inspirés par la Sainte et Miraculeuse Nature : quel hommage aux arbres et à l’esprit des frondaisons que l’homme du XXIè s’ingénie à polluer et à détruire cyniquement. Johann Strauss ne s’est jamais tant surpassé que dans cette sublimation de son art grâce à l’inspiration puisée dans la contemplation de notre mère planète. La délicatesse de la joueuse de cithare tire les larmes par la fragilité même de ses cordes pincées, dont le thème est repris par l’orchestre à l’écoute, amplificateur mais ciselé, somptueusement amoureux. La magie Johann fils opère. Et nous voici confrontés, frappés, saisis par la grâce de son génie, comme les Viennois de l’époque, … quand ils ont découvert l’enchantement de son écriture lors de son premier concert public au Casino Dommayer le 15 octobre 1844. A 19 ans, le fils détrônait le père en devenant le nouveau roi de la valse. La poésie et ce sentiment d’ivresse absolue sont bien là, présents, … ingrédients indiscutables qui font la réussite de chaque Concert du Nouvel An. C’est comme le surgissement (harpe à l’envi) d’un rêve pur et miraculeux, souvenir chéri qui se cristallise dans le flot musical. Le Muti grande classe est lui aussi bien présent … dans la direction nerveuse, « virile », droite, parfois anguleuse de ce sommet d’élégance straussienne.

Johann Strauss, Marche de fête, op. 452
Après le rêve, la réalité … celle de Strauss à son époque, marquée par les guerres et l’antagonisme maladif, franco-germanique. Le compositeur sait aussi rugir et affirmer un beau panache collectif, ainsi qu’en témoigne l’éclat rutilant d’une parade militaire, bien dans l’esprit chauvin de la fin du XIXè.

Johann Strauss, Ville et campagne, polka mazurka, op. 322
Claire évocation de son amour pour le cadre intime de la nature, la polka séduit davantage. De facture très classique avec une étonnante saillie des clarinettes, aux couleurs suspendues, mystérieuses, elle traduit sans artifice cet amour du motif naturel et des atmosphères manifestement oniriques qui s’y déploient.

Johann Strauss, Un bal masqué, quadrille, op. 272
D’après les airs à la mode, dont les opéras… de Verdi, Johann Strauss sublime la fièvre dramatique de Verdi, en l’adaptant à son propre sens de la trépidation et de la frénésie. Le cadre fragmentaire du quadrille, composé de plusieurs piécettes et séquences qui doivent être enjouées et rapides, exacerbe l’élan recherché, l’esprit de pochade de cet pot-pourri d’après l’opéra applaudi de Giuseppe Verdi. Le chef Muti s’engage visiblement avec joie et même une précision enivrée dans ce jeu de citations et de transcriptions de Verdi à Strauss. Le roi de l’opéra, le roi de la valse fusionnent avec éclat.

Après Les Roses du midi, valse, op. 388 (du même Johann II), – Rêve sensuel libéré d’une grande douceur nostalgique… Voici la Polka rapide, éclairs et tonnerre : autre standard de la dynastie Strauss et vrai tube dont la frénésie et la malice rappellent l’ivresse chorégraphique d’un autre roi des boulevards, Offenbach. Muti s’ingénie à allumer le feu et faire retentir le rugissement des éléments dans un galop littéralement infernal.

Puis le chef amorce les premières mesures du Beau Danube Bleu, pièce maîtresse préludant aux adieux à la fin du Concert du Nouvel An viennois : respectant le rituel, le maestro interrompt l’orchestre, puis se retourne face à l’assemblée amusée : il souhaite une bonne nouvelle année (tout en dirigeant baguette en main, le choeur des instrumentistes qui s’adressent collectivement au public). La lecture du Danube est efficace, nerveuse, – un rien précipitée, sans l’alanguissement suspendu que certains de ses confrères réussissent beaucoup mieux. La virilité du maestro Muti a encore frappé.
Mais la véritable interaction avec le public – si select et VIP, (dont le président de la République d’Autriche) présent sous les ors du Musikverein de Vienne, se réalise ensuite dans La Marche de Radetski, de Johann père, qui permet au public de frapper dans ses mains, simultanément aux reprises de l’orchestre. C’est encore l’esprit moins festif que martial qui achève ainsi le rituel télégénique le plus diffusé au monde. Parade orchestrale pour un temps (furtif) de paix. A méditer.

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Comme chaque année, cd, et dvd du Concert du Nouvel An 2018 sous la direction de Riccardo Muti sont annoncés chez Sony. Prochaine présentation et critique dans le mag cd dvd livres de CLASSIQUENEWS.

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Programme

Première partie
Johann Strauss, Marche du Baron Tzigane
Josef Strauss, Fresques de Vienne, valse, op. 249*
Johann Strauss, Parade nuptiale, polka française, op. 417*
Johann Strauss, Sang léger, polka rapide, op. 319
Johann Strauss père, Valses de Marie, op. 212*
Johann Strauss père, Guillaume Tell, Galop, op. 29b*

Deuxième partie
Franz von Suppé, Ouverture de l’opérette Boccaccio*
Johann Strauss Fleurs de Myrte, valse, op. 395*
Alphons Czibulka, Stéphanie-Gavotte, op. 312*
Johann Strauss, Balles magiques, polka rapide, op. 32
Johann Strauss, Contes de la forêt viennoise, valse, op. 325
Johann Strauss, Marche de fête, op. 452.
Johann Strauss, Ville et campagne, polka mazurka, op. 322
Johann Strauss, Un bal masqué, quadrille, op. 272
Johann Strauss, Les Roses du midi, valse, op. 388
Josef Strauss, Lettres à un éditeur, polka rapide, op. 240
* Première audition à un Concert du Nouvel An

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Les astérix (*) indique les oeuvres créées pour la première fois dans le cadre du Concert du Nouvel An à Vienne.

LIRE aussi  :

Compte-rendu critique, concert. VIENNE, Musikverein, dimanche 1er janvier 2017. Wiener Philharmoniker.  Gustavo Dudamel, direction

SANXAY 2017 : La Flûte enchantée au Théâtre Gallo Romain. ENTRETIEN avec Christophe Blugeon, directeur artistique… Entre Poitiers et Saintes, SANXAY (86) pourrait bien être cette scène lyrique trop méconnue de l’été, aussi spectaculaire qu’Orange, aussi exigeante artistiquement qu’Aix. C’est depuis plus de 15 ans, une scène en plein air qui exploite avec intelligence la configuration du lieu qui est aussi un site patrimonial, théâtre gallo romain, unique dans l’Hexagone. Tour d’horizon d’un théâtre lyrique qui tout en disposant d’une acoustique favorable, est aussi lieu de création, soucieux de renouveler chaque été, une nouvelle production en impliquant hors des grands centres urbains toute une communauté d’artistes (formant l’orchestre, le choeur… aux côtés des solistes) et de techniciens (lumières et scénographie y sont particulièrement soignées) prêts à tout pour produire le grand frisson lyrique. Cette année, en août 2017, Mozart avec La Flûte enchantée, spectacle à la fois onirique, tragique et philosophique, fait un grand retour sur la scène de Sanxay. Entretien / explication avec Christophe Blugeon, directeur artistique et fondateur des Soirées Lyriques de Sanxay.

Comment se déroule le festival  (lieux investis, intérêt patrimonial et musique, accessibilité) ?

Depuis sa première édition en août 2000, les Soirées Lyriques de Sanxay (86) proposent chaque été un titre du répertoire lyrique ainsi que des récitals dans le cadre prestigieux et magique du théâtre antique de Sanxay. Ce théâtre, situé entre Poitiers (86) et Saintes (17),  a plus de 2000 ans et fait partie d’un complexe archéologique considéré comme l’un des mieux conservés et des plus intéressants du monde gallo-romain. Il est évident que la réussite du festival repose sur l’adéquation entre ce lieu magique (à l’acoustique exceptionnelle) et le type de spectacle qu’est l’opéra. L’idée créatrice était de proposer au public picto-charentais un type de spectacle qui n’était pas programmé jusqu’alors dans la région. Je rappelle que l’ex région Poitou-Charentes était la seule de la France métropolitaine dépourvue de salle pouvant accueillir un opéra.

Quels sont les critères artistiques qui assurent à la programmation sa cohérence et sa singularité ?

Chaque année, les casting proposés rassemblent des pointures internationales du monde lyrique. Pour ne citer que quelques noms: Anna Pirozzi, Maria-Jose Siri, Lianna Haroutounian, Désirée Rancatore, Kate Aldrich, Stefan Pop, Rudy Park, Fabio Capitanucci, Carlos Almaguer ont déjà participé à l’une ou plusieurs de nos productions. De même la mise en scène, la scénographie et la création lumières sont confiés à des artistes dont la renommée n’est plus à faire. L’orchestre constitué pour le festival réunit (suivant le titre) entre 60 et 85 musiciens professionnels issus de structures ou théâtres nationaux (Opéra de Paris, Opéra de Limoges, Capitole de Toulouse, Orchestre Poitou-Charentes). Depuis 10 années, les choeurs professionnels, issus de différents opéras français, sont placés sous la direction de Stefano Visconti, chef de choeur permanent de l’Opéra de Monte-Carlo et depuis cette année des Chorégies d’Orange.

Quels sont les profils artistiques engagés pour la réussite de l’édition 2017 ?

Bien qu’extrêmement populaire, La Flûte enchantée n’en est pas moins un ouvrage extrêmement délicat et difficile à monter! Un tel titre me paraissait impossible sans un casting de solistes de premier ordre. Mon premier choix s’est porté sur Paolo Fanale pour interpréter le rôle de Tamino. Ce jeune ténor sicilien, qui, depuis plusieurs années, est l’invité des plus grandes scènes internationales, possède à mon sens, toutes les qualités vocales et musicales pour les rôles mozartiens. Il me faut citer également la jeune soprano grecque Christina Poulitsi qui depuis quelques années promène sa Reine de la nuit sur toutes les scènes lyriques du monde…Elle reprendra d’ailleurs le rôle au Covent Garden de Londres juste après Sanxay ! Enfin, un mot sur le metteur en scène Stefano Vizioli qui fait ses débuts dans notre festival et qui a pensé spécialement cette nouvelle production en utilisant le plus possible la magie du lieu et en tenant compte des difficultés du plein air.

Quelle est l’expérience que vit le festivalier à chaque édition ?

D’après les enquêtes faites auprès de notre public (près de 2500 spectateurs par soir avec trois ou quatre représentations), plus de 70% des spectateurs ont découvert l’opéra grâce à notre festival  et une majorité d’entre eux reviennent chaque année. Le public de Sanxay n’est donc pas à proprement parler un “public  lyrique”mais plutôt un public néophyte curieux de découvrir un spectacle d’opéra dans un cadre enchanteur. Il s’agit à 80% d’un public régional même si certains connaisseurs (de plus en plus nombreux) n’hésitent pas à traverser la France pour venir entendre un soliste en particulier. Toutes les représentations débutent à 21h30 mais la plupart des spectateurs arrivent dès 19h et il n’est pas rare d’en voir avec un panier à la main et une bonne bouteille! A ce propos, certains spectateurs britanniques nous font remarquer les nombreuses similitudes entre Sanxay et Glyndebourne.

Quels seraient les 3 arguments importants de cette  nouvelle production de La Flûte qui en fait l’intérêt cette année ?

Outre la qualité du casting des solistes (y compris les seconds rôles), Stefano Vizioli a souhaité souligner dans cette nouvelle production les liens qui existent dans La Flûte enchantée entre Orient et Occident. La prestigieuse troupe de danseurs cambodgiens Amrita Performing Arts enrichira le spectacle avec des danses, des costumes, des masques traditionnels… Beaucoup de poésie en perspective. Un autre argument fort est que le titre de la Flûte enchantée est assez idéal pour conquérir un public novice et participe ainsi fortement à notre objectif de sensibilisation à l’Art lyrique en milieu rural.

Propos recueillis en juillet 2017

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LIRE notre présentation générale de la nouvelle production de La Flûte enchantée, nouveau spectacle lyrique à l’affiche des soirées lyriques de Sanxay, les 10, 12 et 14 août 2017

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SANXAY, soirées lyriques, les 10,12 et 14 août. MOZART : La Flûte Enchantée
Nouvelle production
Jeudi 10 août 2017
Samedi 12 août 2017
Lundi 14 août 2017, à 21h30

Information, réservations

Tarifs
- Chaise orchestre centrale : 73€ en placement libre, 66€ en tarif réduit et 37€ en tarif jeune (moins de 25 ans). Rajouter 12€ pour une place numérotée.
- Chaise orchestre latérale : 58€ en placement libre, 53€ en tarif réduit et 29€ en tarif jeune (moins de 25 ans). Rajouter 12€ pour une place numérotée.
Les gradins : 54€ en placement libre, 49€ en tarif réduit et 27€ en tarif jeune (moins de 25 ans). Rajouter 12€ pour une place numérotée.
- « Promenoir » gazon (gradins naturels sur herbe en haut du théâtre) : tarif unique à 19 €.

Points de vente
- Site internet operasanxay.fr,
- Réseau Fnac et Ticketmaster,
- Bureau des réservations : 05 49 44 95 38
- billetterie@operasanxay.fr

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Distribution complète de La Flûte enchantée / Sanjay 2017 :

Metteur en scène : Stefano Vizioli
Scénographe : Keiko Shiraishi
Création lumières : Nevio Cavina
Création costumes : Sébastien Maria-Clergerie

Tamino : Paolo Fanale
Pamina : Tatiana Lisnic
Papageno : Giorgio Caoduro
La Reine de la Nuit : Christina Poulitsi
Sarastro : Ievgen Orlov
1ère Dame : Andreea Soare
2ème Dame : Aline Martin
3ème Dame : Svetlana Lifar
Monostatos : Rodolphe Briand
L’Orateur : Balint Szabo
Papagena : Mélanie Boisvert
Premier prêtre : Balint Szabo
Deuxième prêtre : Yu Shao
Premier homme en armure : Yu Shao
Deuxième homme en armure : Balint Szabo
3 Garçons : Solistes Knabenchores der Chorakademie Dortmund

Danseurs : AMRITA Performing arts

Orchestre et choeur des Soirées Lyriques de Sanxay
Direction musicale : Eric Hull
Chef de choeur : Stefano Visconti

Danseurs : AMRITA Performing arts

Orchestre et choeur des Soirées Lyriques de Sanxay

Direction musicale : Eric Hull

Chef de choeur : Stefano Visconti

CLERMONT-FERRAND. Palmarès du 25ème Concours international de chant 2017. A l’Opéra de Clermont-Ferrand, du 28 février au 4 mars 2017 s’est déroulé la nouvelle édition du Concours international de chant de Clermont-Ferrand, initiative biennale organisée par le Centre lyrique Clermont-Auvergne. Le 25e Concours 2017 a auditionné 84 candidats venus du monde entier (Corée du Sud, USA, Canada, Belgique, France, Allemagne,Vénézuela…), n’a retenu que 24 candidats pour participer à la demi-finale du jeudi 2 mars.

Cette dernière en a laissé 14 pour la Finale du samedi 4 mars, soit 3 mezzos, 7 sopranos, 2 ténors, 1 basse et 1 baryton qui restaient en lice pour la finale.

Lors du dernier cycle d’auditions (avec piano), jury et public La finale a permis d’entendre les  candidats sélectionnés dans des airs de L’enlèvement au Sérail pour distribuer les rôles de Pedrillo, Osmin, Blonde et Konstanze, ainsi que dans des airs de Schubert et Brahms pour le Récital An die Musik, dans Mahler, Schreker et Zemlinsky pour le Concert Vienne fin de siècle. Présente lors des demi finale puis finale, l’équipe de CLASSIQUENEWS prépare un prochain reportage exclusif dédié au 25è CONCOURS international de chant de Clermont-Ferrand.

PALMARES 2017

Sont récompensés et choisis pour les productions à venir (précisions entre parenthèses) :

Jiwon SONG, baryton sud coréen de 34 ans. Son interprétation d’un air de Brahms lui permet d’être choisi pour le récital An di musik, le 3 mars 2018 à Clermont-Ferrand, avec le pianiste Jeff Cohen. Son interprétation d’un second air de Schreker  lui permet tout autant de chanter dans le Concert Vienne fin de siècle (avec orchestre) le 3 mars 2018 à Clermont-Ferrand, en février-mars 2018 au Forum Voix étouffées de Strasbourg, puis au Festival de la Chaise-Dieu en août 2018. Jiwon SONG est déjà distingué pour son interprétation du rôle de Don Giovanni de Mozart (Corée du Sud) ; il a participé à la saison 2013-2014 du CNIPAL…

Katharine DAIN, soprano américaine de 34 ans, son interprétation du fameux air Martern aller Arten lui permet d’être retenue pour le rôle de Konstanze de la prochaine production de L’enlèvement au sérail, soit 13 représentations données de Clermont-Ferrand à Rouen, mais aussi Avignon, Massy et Reims, de décembre 2017 à janvier 2019. Une technique solide, un timbre ample, velouté, charnel, un style direct et franc sans maniérisme aucun… font les qualités essentielles d’une jeune soprano américaine qui s’est présentée à Clermont-Ferrand pour le rôle de Konstanze. Chapeau bas à la jeune cantatrice américaine qui concourait ainsi pour la première fois en France… Sa présence comme son chant généreux et intense ont immédiatement frappé classiquenews lors de la demi finale.

Marianne LAMBERT, soprano canadienne de 35 ans postulait pour le récital An di musik. Sa prestation dans un air de Brahms lui permet d’être retenue pour le récital An di musik, le 3 mars 2018 à Clermont-Ferrand, avec le pianiste Jeff Cohen. Timbre chaud, corsé et pourtant très clair, voix velouté elle aussi et visiblement taillée pour l’articulation de l’allemand dans le lied… ont permis à la soprano canadienne de passer les épreuves, demi-finale et enfin finale. Talent à suivre absolument.

César ARRIETA, ténor vénézuélien de 27 ans postulait pour les rôles de Belmonte et de Pedrillo. Son interprétation d’un air de Pedrillo, à convaincu le jury qui l’engage pour ce rôle dans l’Enlèvement au sérail de Mozart, soit 13 représentations données de Clermont-Ferrand à Rouen, et Avignon, Massy, Reims, de décembre 2017 à janvier 2019.

Bastian-Thomas KOHL, basse allemande de 30 ans, postulait pour le rôle d’Osmin. Après avoir chanté le rôle dans son duo avec Blonde et à deux reprises avec deux sopranos différentes, le chanteur est engagé dans la prochaine production de L’Enlèvement au sérail de Mozart, soit 13 représentations données de décembre 2017 à janvier 2019. Immédiatement lors de sa première prestation dans le personnage de basse bouffe, la jeune basse Bastian Kohl a capté l’attention par sa fraîcheur expressive, le plaisir évident de jouer comme de chanter, et une intensité du timbre qui l’ont immédiatement imposé lors de ce Concours. Tout juste trentenaire, le jeune chanteur maîtrise la clarté du chant, le jeu scénique : sa performance préfigure une carrière aussi prometteuse et accomplie que celle d’un Matti Salminen… C’est dire. Coup de coeur de CLASSIQUENEWS.COM

QUATRE AUTRES PRIX ETAIENT ATTRIBUÉS :

1- Le Prix du public “Bernard Plantey”, en l’honneur du fondateur du Centre lyrique,  récompensant un(e) finaliste désigné(e) par le vote du public présent à la finale (1 000 €) , est attribué à Bastian Thomas KOHL.

2- Le Prix du Jeune Public “Ville de Clermont-Ferrand”  (1 000 €), récompensant ainsi un finaliste désigné par le vote d’un jury composé de jeunes clermontois, est attribué à Jiwon SONG.

3- Le Prix du Centre Français de Promotion Lyrique (1 000 €), récompensant un(e) jeune artiste français(e) est attribué à Déborah SALAZAR (qui postulait pour le rôle de Blonde).

4- Le Prix spécial “Centre lyrique Clermont-Auvergne” (1 000 €), récompensant un(e) artiste remarqué lors de la Finale est attribué à Julia SITKOVETSKY pour son interprétation d’un air de Konstanze.

À NOTER :

Les rôles de Belmonte et Blonde n’ont pas été attribués, le jury n’ayant pas trouver parmi les candidats présents, celui, ou celle  qui pouvait les interpréter idéalement.

JURY 2017

Raymond Duffaut (Président du jury),

Président du Centre Français de Promotion lyrique.

 Eva Märtson, professeur de chant au conservatoire de Hanovre, conseillère artistique de l’Opéra de Tallin, ancienne Présidente de l’Association internationale des cercles Richard Wagner.

 Amaury du Closel, Directeur musical d’Opéra Nomade et du Forum Voix Étouffées.

Roberto Forés Veses, Directeur musical de l’Orchestre d’Auvergne.

Jeff Cohen, pianiste.

Richard Martet, rédacteur en chef d’Opéra Magazine

Pierre Guiral, Directeur de l’Opéra du Grand Avignon

 Xavier Adenot, Directeur de production de l’Opéra de Massy

Frédéric Roels, Directeur de l’Opéra de Rouen Normandie

Julien Caron, Directeur du Festival de La Chaise-Dieu

 Pierre Thirion-Vallet, Directeur général et artistique du Centre lyrique Clermont-Auvergne

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+ D’INFOS sur le site du CONCOURS international de chant de Clermont-Ferrand

PARIS, Festival Présences 2017. Focus du 16 février 2017 : ce soir Adamek, Saariaho : Polednice, True Fire et Orion… C’est assurément une nouvelle grande soirée symphonique (lyrique et chorale) qui s’annonce ce soir à l’Auditorium de la Maison de la radio dans le cadre du Festival Présences 2017. Outre qu’il s’agit d’un plateau somptueux accordant les phalanges maison (National de France et Choeur de Radio France, sous la direction de Olari Elts), les heureux parisiens pourront découvrir la nouvelle version en création mondiale de la fresque flamboyante Polednice pour choeur et orchestre du jeune compositeur Ondrej Adamek (début de programme). La trame de la partition puise dans la légende romantique tchèque, et convoque un démon paraissant à minuit, semant horreur, fascination, fantastique… « Polednice ». Mort des enfants perdus, rêve, réalité, ombre et lumière… sont autant de thèmes chers à Adamek qui traite l’écriture orchestrale avec le génie d’un Ravel ou d’un Rachmaninov. La sorcière Polednice avait déjà retenu l’inspiration de Dvorak, sa fabuleuse apparition semant l’effroi et la mort (un infanticide par la mère terrorisée). Elle prend l’entrée de son mari pour le surgissement du démon dans sa cuisine (!)… Adamek mêle texture orchestral et bruits de cuisine, réorganise le souffle du drame noir et terrifiant en combat entre le rêve fantastique (première partie) et réalité tout autant glaçante (seconde partie). Voici assurément l’une des partitions les plus narratives et impétueuse du jeune compositeur tchèque.

Puis deux oeuvres majeures de la Finlandaise à l’honneur cette année, Kaija Saariaho soulignent la puissance de son écriture à la fois poétique dans l’expression de l’intimité et de la fragilité humaine, et puissante dans l’approfondissement des thèmes et atmosphères développées. Ainsi, True Fire pour baryton et orchestre, en création française, surtout en fin de programme, sa fabuleuse épopée orchestrale : Orion, en trois parties qui est déjà devenu un classique du XXIè siècle.
Orion créé en janvier 2003 fusionne souffle statique d’une éternité magicienne observée, exprimée (le destin surhumain du géant Orion, fils de Poséidon et capable de marcher sur les eaux), mais aussi précipitation dramatique de l’action tragique (quand le bel Orion, chasseur irrésistible est terrassé par Artémis/Diane). La partition est l’une des plus impressionnantes jamais écrites par Kaija Saariaho pour grand orchestre. Un must absolu. Soirée incontournable à la Maison de Radio France, ce soir 20h.

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VOIR aussi notre présentation vidéo du concert du 16 février 2017 par Kaija Saarihao, Sofi Jannin et Eric Denut (Polidnice, True Fire, Orion)

LIRE notre présentation générale du Festival Présences 2017 / Kaija Saariaho, un portrait ; notre présentation du Concert inaugural du Festival Présences 2017 : « Je dévoile ma voix »

TOUTES LES INFOS et les modalités de réservation sur le site du Festival Présences 2017 de Radio France

CD, annonce : Mozart, La Clémence de Titus par Jérémie Rhorer et Le Cercle de l’Harmonie (2 cd Alpha, live, Paris, 2014). En avant première, voici ce que la Rédaction de classiquenews qui a reçu le coffret pour écoute, a pensé de la lecture du chef Jérémie Rhorer : premières impressions avant la critique complète à venir en février 2017… L’urgence qui réactive constamment voire fouette l’élan de l’orchestre, – machine émotionnelle puissante prête à s’emporter, impose un rythme trépidant dès l’ouverture (avec ensuite, un pianoforte pour les recitatifs d’une églae et permanente activité). Depuis son premier seria Mitridate (conçu à 14 ans !; en 1770), Mozart n’a jamais tari d’éloquente sensibilité ni de juste clairvoyance dans le traitement des sentiments humains les plus ténus : son dernier Titus, – également inspiré de la tension , néoclassique des théatreux français classiques, Jean Racine pour Mitridate, Pierre corneille pour La Clémence de Titus, observe la même acuité psychologique. De cette constance lumineuse, qui fait de Wolfgang le génie de l’âme que l’on sait, Jérémie Rhorer sait puiser et exprimer la vérité cachée, opérant une mise à nue d’une évidente plasticité.

premières impressions du cd La Clemenza di Tito…

Le mozartien Rhorer dévoile la vérité du sentiment

La prise live (réalisée le 16 décembre 2014) accentue les distorsions réalistes, et l’impression de grande vivacité (avec bruits des déplacements sur scène en prime), d’autant que les solistes savent saisir l’irrisation et l’exacerbation des passions mozartiennes ; voilà un dernier seria ciselé dans la langue des sentiments la plus subtile : La Clémence de Titus en cette année 1791, affirme une nervosité déjà romantique. Il est vrai que Wolfgang sait mieux que personne à son époque, ciseler le chant des désirs, analyser la psyché de chacun de ses personnages. En cela, La Clemenza di Tito est un sommet de vérité et de dévoilement : tout est dit par la musique, mieux que les paroles.
Côté chanteurs ? La Vitellia, ardente, sensuelle, calculatrice envers Sesto ; vengeresse envers Titus… est une lionne, garce et sirène dont on suit pas à pas la métamorphose jusqu’à son grand air avec cor de basset obligé, où elle abdique toute entreprise haineuse, et s’humanise enfin. Le miel ardent, dévorant, palpitant de l’ineffable Karina Gauvin se révèle aussi convaincante ici que sa Donna Elvira dans un récent Don Giovanni (enregistré par l’impétueux lui aussi Teodor Currentzis pour Sony classical, CLIC de CLASSIQUENEWS) : la diva canadienne irradie de sa flamme incarnée, rugissante et voluptueuse, irrésistible. Voilà posés les arguments principaux d’une lecture mordante et expressive qui affirme aujourd’hui, la réussite fascinante du dernier seria de Mozart.
C’est donc après L’enlèvement au sérail que la Rédaction de classiquenews a distingué d’un CLIC, une nouvelle réussite à porter au crédit du chef mozartien. A suivre…

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CD, annonce. MOZART : La Clemenza di Tito par Jérémie Rhorer (2 cd Alpha Live). Grande critique à suivre sur CLASSIQUENEWS, le jour de la parution du cd La Clemenza di Tito / La Clémence de Titus par Jérémie Rhorer, soit le février 2017.

LIRE aussi  :

CD, compte rendu critique. Mozart : L’Enlèvement au sérail (Jérémie Rhorer, Jane Archibald, septembre 2015 – 2 cd Alpha). Sous le masque léger, exotique d’une turquerie créée à Vienne en 1782, se précise en vérité non pas la confrontation de l’occident versus l’orient, occidentaux prisonniers, esclaves en terres musulmanes, mais bien un projet plus ample et philosophique : la lutte des fraternités contre le despotisme et la barbarie cruelle (la leçon de clémence et de pardon dont est capable Pacha Selim en fin d’opéra reste de nos jour d’une impossible posture : quels politiques de tout bord est-il capable de nos jours et dans le contexte géopolitique qui est le nôtre, d’un tel humanisme pratique ?). Cette fraternité, ce chant du sublime fraternel s’exprime bien dans la musique de Mozart, avant celle de Beethoven. LIRE la critique complète de l’Enlèvement au Sérail de Mozart par Jérémy Rohrer