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VAL D’EUROPE : Serris (77), récital flûte et guitare

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musicales-du-val-d-europe-concert-mars-flute-et-guitare-ameriques-concert-presentation-par-classiquenews-concert-mars-2018-emotionheader5806474027Val d’Europe. SERRIS : le 17 mars. Concert AMERIQUES : flûte, guitare. Au pluriel, les Amériques dont il est question sont épicées, chaloupées, souvent enivrées et parfois nostalgiques. Toujours passionnément dansantes. Raquelle MAGALHAES et Etienne CANDELA composent un duo flûte / guitare épatant ; surtout, comme dans ce concert où ils abordent le répertoire d’Amérique latine. Musiques de Cuba, d’Argentine et du Brésil, entre autres… les deux interprètes font vivre une expérience unique au gré des rythmes et des mélodies de Villa-Lobos, Piazzolla, Brouwer, Pujol et Sergio Assad. Leur approche vivante et leur forte complicité dévoilent combien les compositeurs dits classiques se sont inspirés des mélodies et airs du folklore et de la tradition populaire. Musique savante, musique de la rue, dansent et fusionnent avec un sens du rythme souvent irrésistible.

Raquelle MAGALHAES affirme une flûte libre qui joue des répertoires, des styles, capable de jouer les partitions du réeprtoire comme improviser avec une dextérité engageante… Etienne CANDELA est un guitariste qui soigne sa sonorité, passionné aussi par le luth baroque, instrument particulièrement délicat et fragile. Leur complicité devrait offrir un concert onirique.

Samedi 17 mars 2018, à 18h30 : avant concert, rencontre avec les artistes sur le thème du programme joué – à 21h, concert. Ferme des Communes, 8 Boulevard Robert Thiboust, 77700 Serris

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INFOS & RESERVATIONS
Sur le site Musicales du Val d’Europe, saison 2017 – 2018
https://www.excellart.org/les-musicales/

 

 

 

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DECOUVRIR les 4 concerts du printemps 2018, présentés par Les Musicales du Val d’Europe, jusqu’au 10 juin 2018

 

 

 

 

 

 

 

ENTRETIEN AVEC …

 

 

excellart-musicales-val-europe-concert-nouvelle-saison-2017-2018-presentation-ruxandra-concerts-programmes-par-classiquenews-saison-concerts-2017-2018GRAND ENTRETIEN avec Ruxandra Sirli, directrice artistique des Musicales du Val d’Europe. Pour la seconde saison musicale 2017 – 2018, Les Musicales du Val d’Europe poursuivent l’enracinement d’une offre de concerts équilibrée, ouverte, exigeante surtout accessible à l’Est de Paris, autour de Marne-la-Vallée. Immédiatement, la saison musicale incarne une programmation très cohérente, qui a le souci de l’ouverture et de la proximité avec les publics. C’est tout le défi (réussi et plutôt prometteur) de développer dans des lieux et un territoire sans tradition musicale, un cycle de découvertes et de rencontres autour des instruments et des artistes invités. Car l’objectif dépasse le seul divertissement proche et intime : il s’agit aussi de cultiver le plaisir d’écouter la musique, voire de la pratiquer… ENTRETIEN avec sa directrice artistique, la violoniste roumaine Ruxandra Sirli.

 

 

 

CLASSIQUENEWS : Comment s’inscrit votre saison musicale dans l’offre culturelle du Val d’Europe ? De quelle façon concrète, les concerts que vous proposez, complètent-ils cette offre à l’échelle du territoire ?


ruxandra-sirli-festival-saison-musicales-du-val-d-europe-presentation-annonce-par-classiquenews-concerts-programmes-festivals-musique-classique-chessy-marne-la-valleeRUXANDRA SIRLI : Val d’Europe est un territoire en pleine expansion à 40 km à l’Est de Paris, où la musique classique n’avait pas encore de saison dédiée. ExcellArt est une association formée autour de projets d’artistes professionnels, installée dans l’agglomération valeuropéenne depuis 2016. Il nous a semblé évident de partager le répertoire classique, que nous aimons et défendons, avec nos voisins, concitoyens et amis, et de fil en aiguille un public grandissant ! Pour compléter l’offre culturelle locale, nous avons choisi, d’une part, de montrer la diversité du répertoire classique : les programmes s’étendent du XVIe siècle à nos jours, c’est un riche pan d’histoire sonore à faire découvrir et le talent des artistes invités – tous professionnels reconnus – est un puissant vecteur de transmission. D’autre part, nous avons souhaité instaurer un dialogue : avec le public de différentes générations par les présentations avant-concert, et avec les différentes structures du territoire (écoles de musique, médiathèques, salles de musiques actuelles) par le biais de partenariats et rencontres.
Nous croyons fermement que la musique classique n’est pas seulement destinée à des initiés, dans une ambiance compassée. Nos avant-concerts permettent précisément d’initier petits et grands et les concerts se déroulent dans une atmosphère de “salon de musique”, d’autant que nos lieux de représentation sont restreints et permettent de créer un lien privilégié avec le public.

 

 

 

CNC : Qu’apportez vous de nouveau par rapport aux autres formules / institutions existantes ?

RS : Les Musicales du Val d’Europe proposent chaque mois de septembre à juin, un concert classique professionnel au cœur d’une agglomération de plus de 35.000 habitants. C’est nouveau et différent pour un territoire qui était rural il y a 30 ans seulement. Notre agglomération étant devenue périurbaine, elle ne peut pas bénéficier du réseau de concerts et spectacles qui irrigue les parties rurales du département. Les salles ou théâtres proposant des concerts classiques similaires sont assez éloignés (Nota : Meaux, 15 km; Noisiel, 19 km; Coulommiers, 25 km; Paris, 40 km) et de ce fait moins accessibles pour les familles, a fortiori avec des enfants.
Nos villes bénéficiaient déjà d’une belle programmation de musiques actuelles et de théâtre, et nous sommes désormais partenaires de plusieurs communes pour compléter l’offre culturelle par la musique classique. Ainsi, les Musicales du Val d’Europe s’installent chaque mois dans un lieu différent de l’agglomération, qu’il s’agisse de salles municipales, de salles de spectacles ou d’églises. Nous sommes très fiers de compter des auditeurs de tous âges, en particulier des familles avec enfants, et de faire naître le plaisir de la musique comme le désir de la pratiquer.

 

 

 

CNC : Quel est l’attrait de chacun des 4 concerts à venir, de mars à juin 2018 ?  De quelle façon incarnent-ils la cohésion et l’unité de votre ligne artistique ?

RS : La programmation des Musicales du Val d’Europe est thématique et conçue pour raconter : une époque, un compositeur, un lieu… Elle met à l’honneur différents répertoires et formations instrumentales, en mêlant œuvres célèbres et rares dans un format de concert sans entracte.
Le 17 mars nous partons vers le continent sud-américain avec “Amériques” et le duo flûte et guitare Magalhães-Candela ; le 7 avril, l’accordéoniste Anne Niepold et le Quatuor Alfama proposeront “Lalala…”, un programme original et poétique autour des plus belles mélodies d’hier et d’aujourd’hui ; le 19 mai, six siècles de répertoire pour harpe résonneront sous les doigts de la concertiste Suzanna Klintcharova. Enfin, la saison se terminera le 10 juin par un goûter-concert avec le Quatuor Talea, qui interprète plusieurs chefs-d’oeuvre de la musique de chambre, de Dvořák et Borodine notamment, dans “Impressions slaves”. Beaucoup de diversité, donc! Surtout des moments d’émotion, de surprise et de convivialité…

 

 

 

CNC : Comment choisissez vous les programmes musicaux et les artistes ? Selon quels critères ?

RS : Le premier critère est l’excellence! Tous les artistes invités sont des professionnels reconnus. Ensuite, le parti-pris est de proposer des concerts dans chaque ville de notre agglomération, lorsque cela est possible, et donc de changer de lieu chaque mois. Nos lieux de concert sont souvent intimistes, ce qui impose le second critère : opter pour des formations instrumentales réduites. Le troisième critère est l’éclectisme voulu dans la programmation : l’univers sonore de chaque concert est différent, la thématique également, avec la volonté de faire découvrir à chaque fois des œuvres ou des instruments qui sortent de l’ordinaire. Cette présentation privilégiée des instruments – dont certains sont insolites, comme l’orgue de cristal – permet de créer un lien particulier entre artistes et auditeurs ; cette proximité permet aussi de susciter la curiosité – et parfois des vocations!

Propos recueillis en février 2018.

 

 

 

 

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Liens :
VAL D’EUROPE :
https://fr.wikipedia.org/wiki/Val_d%27Europe

MUSICALES VAL D’EUROPE – teaser vidéo saison 17-18
 https://www.youtube.com/watch?v=6DjDyNgKyTI 

 

 

 

 

 

Compte rendu, critique, concert. Vienne, Musikverein, le 1er janvier 2018. CONCERT DU NOUVEL AN 2018. Wiener Philharmoniker / Riccardo Muti

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1er janvier 2018 : Riccardo MUTI dirige le concert du NOUVEL AN à VIENNECompte rendu, critique, concert. Vienne, Musikverein, le 1er janvier 2018. CONCERT DU NOUVEL AN 2018. Wiener Philharmoniker / Riccardo Muti, direction. Pour le concert du Nouvel An à Vienne ce 1er janvier 2018, revoici les instrumentistes du Philharmonique de Vienne sous la direction du chef familier pour eux, Riccardo Muti. Nous les avions quittés ici même le 1er janvier 2017 sous la direction de Gustavo Dudamel : jeune et très précis maestro : le plus jeune alors depuis des décennies à diriger les prestigieux instrumentistes autrichiens. Les ors et les fleurs en surabondance, selon le goût spécifique des Viennois pour l’ultra kitsch (Sissi n’est pas loin, sans omettre les fastes sirupeux de Schönbrun), soulignent l’importance musical, surtout médiatique de l’événement.
Souvent un rien raide mais d’une tension supérieure, maestro Muti sait aussi quand il est bien « luné », exprimer une réelle précision nerveuse, à la fois musclée et … même élégante. Qu’en est-il au cours des 16 sections choisies par le chef (en dehors des sempiternelles morceaux de rigueur tels le Beau Danube Bleu du Fils Strauss, et aussi pour la claque du public, en un expérience interactive finale, La Marche de Radetski de Johann père) ?
Muti dirige ainsi pour la 5è fois l’Orchestre viennois (sa dernière performance remonte à 2004). Aux Strauss de rigueur, Muti, – chef légendaire de la Scala (qu’il a quitté avec fracas), ajoute aussi deux écritures flamboyantes (et premières à être jouées dans ce cadre), dans le genre de symphonisme léger : Suppé et le plus rare (première même au Musikverein donc) le slave Alphons Czibulka, dont la « Stéphanie-Gavotte » est ici révélée (dans la seconde partie).

 

 

 

Première partie

 

Johann Strauss, Marche du Baron Tzigane. Dès le début du concert, les trompettes d’ouverture affirment un panache martial : nous sommes dans le goût de la parade militaire accordée à l’exaltation de la danse (valse à l’allure tzigane). Déjà cette tension, un peu raide s’invite dans la direction du maestro italien. On regrette un manque d’abandon dans les cordes, aux pourtant somptueuses vagues mélodiques ; comme les tutti « bombardés ». La démonstration est le fort d’un Muti qui ne s’intéresse moins à la poésie et à l’intériorité des partitions straussiennes, qu’à leur fonction démonstratives et rutilantes.

Josef Strauss, Fresques de Vienne, valse, op. 249*
Plus méditatives et contemplatives dans ses évocations urbaines (de Vienne : solo pour violoncelle, ardent, enflammé mais mesuré), Fresques de Vienne rappelle le tempérament plus poétique du frère cadet souvent mésestimé (à torts) : Josef, qui en reprenant la direction de l’orchestre des Strauss – véritable entreprise plus que rentable (pour permettre à son aîné, Johann II, de composer), s’attela à une tâche harassante qui le condamna très vite ; bien que passionné par l’ingénierie, il de dédie à la musique, vocation forcée et familiale… et meurt de surmenage, – à seulement 43 ans, exténué, usé par le rythme des tournées et répétitions… De fait, Josef avait un talent aussi passionnant que celui de son frère, sans certainement posséder son génie de la mélodie ; mais la puissance de son orchestration très ciselée frappe immédiatement dans ses Fresque viennoises, ainsi dévoilées, sous la baguette plus agile, contrastée, mais parfois brutale de Muti. L’élégance de Josef s’affirme néanmoins nettement dans la conclusion tout en retenue et atténuation, sans fracas superfétatoire.

Johann Strauss, Parade nuptiale, polka française, op. 417*
Le fouetté (éclatant grâce aux flûtes et piccolo) se marie avec un esprit d’espièglerie conquérante : toute la magie allusive du magicien Johann II s’exprime ici… dans les deux Polkas enchaînées (la française est de tradition plus lente que celle « normale » ou rapide). Avouons que cela tourne à la mécanique bien réglée mais systématique et répétitive (comme le jeu des grues télévisuelles dont les effets finissent par lasser : zoom avant, zoom arrière dans des vues générales du Musikverein qui font danser les lustres … on vous sait gavés, mais …vous reprendrez bien de la tarte à la crème ?). Muti n’a pas la finesse ni l’articulation détaillée d’un Abbado, récemment… Prêtre ou dernièrement en 2017 (pour le Concert du Nouvel An 2017), le vénézuelien Gustavo Dudamel qui a surpris par son élégance. Ainsi, dans le Sang léger, polka rapide, op. 319, cela tourne en rond avec un final démonstratif pour plaire à l’assemblée.

Johann Strauss père, Valses de Marie, op. 212*
Voici l’un des fleurons imprévus de ce programme que l’on jugeait déjà efficace et rien que routinier. Le fondateur de la dynastie, qui mourut à moins de 50 ans, et fut un père plutôt inconsistant, – au point de susciter la haine de son fils Johann, déploie un vrai talent opératique dans cette valse dont il fait un développement symphonique d’une élégance et d’une grâce infinie, dont son fils saura s’inspirer. Très proche de la Valse du Printemps (joué par Karajan et chanté par Kathleen Battle dans les années 1980), la Valse de Marie affirme un charme souverain, grâce à une orchestration raffinée (harpe) et une séduction mélodique (aux cordes seules) qui envoûtent littéralement (doublé par le piccolo). C’est le morceau de bravoure de cette première partie… Teintes miroitantes, accents distillés et scintillants, retenue, abandon, vertiges et rebonds de grande classe… l’écriture du père resplendit ici par sa richesse, son élégance suprême – féminine-, que la seule audition de la Marche de Radetsky tendait à méconnaître. Muti très inspiré dans cette révélation, a eu du nez. Le choix est parfait. Et la surprise vainc toute réserve. Chapeau maestro.

Johann Strauss père, Guillaume Tell, Galop, op. 29b*
Nerveux, racé, martial… Muti est à son avantage dans ce galop serré, tendu, ardent, de fière allure. Sa direction incisive excelle dans cet exercice de haute école (inspiré de la mélodie de Rossini sur le même thème) où tous les musiciens, soldats bien agencés au millimètre près) redoublent d’intensité mordante, ultracontrastée, avec un crescendo progressif, toujours expansif qui est destiné à déclencher les applaudissements du public. Tout cela est indiscutablement efficace.

 

 

 

Deuxième partie

 

 

Franz von Suppé, Ouverture de l’opérette Boccaccio*
Dramatisme proche de l’opéra évidemment, d’une énergie dramatique, mais souvent sans la classe ni l’élégance des Strauss. Le côté grosse caisse dont se satisfait Muti étonne mais il n’exploite pas assez la vélocité diaphane des cordes viennoises réputées cependant pour leur finesse d’intonation. L’écriture de Suppé reste, comparée aux Strauss père et fils, plutôt hollywoodienne et même …wagnérienne. Eclectisme qui cite aussi Le Beau Danube de Joahnn fils (au début). Mais le final pétaradant, mené comme une cavalerie victorieuse, toujours martiale, emporte l’enthousiasme d’un public toujours curieux de performances et de surenchère.

Johann Strauss : Fleurs de Myrte, valse, op. 395* : musique de mariage de l’Archiduc Rodolphe, celui qui périra à Mayerling. Murmures et éclats mordorés (cors, clarinettes…) d’une forêt mystérieuse et majestueuse, forment un tapis somptueux pour la mélodie principale, valse emblématique, à la fois furieusement sensuelle…ivresse, enivrement, élégance éperdue : la marque de Vienne classique et romantique, depuis Haydn.

Alphons Czibulka, Stéphanie-Gavotte, op. 312*
Voici l’autre découverte annoncée dans le programme. La partition développée, vraie poème symphonique cultive les climats suspendus, où brille le dialogue des cordes et des bois, avec un caractère d’éveil … printanier. Saluons les qualités intérieures de la direction qui porte le flux dans un sentiment amoureux.

Johann Strauss, Balles magiques, polka rapide, op. 32
Trépidation, frénésie (celle ci…électrique, menée tambour battant par le piccolo, farceur, saillant, pointu) emporte tout sur son passage, avec un désir d’ivresse, authentiquement straussien. Le nerf qu’instille Muti se révèle là encore très efficace. Inspiré, le chef fait saluer debout tout l’orchestre. Comme il aime les fracas et poncifs sonores…

 

 

 

Johann Strauss, Contes / Légendes de la forêt viennoise, valse, op. 325

 

 

concert nouvel an vienne 1er janvier 2018 la critique du concert sur classiquenews

 

 

Avec Valses de Marie, voici le fils le plus élégant et nostalgique, véritable poète à l’écoute de la nature… Valse de concert de 1868, avec son lever de rideau (et cithare) qui exprime les enchantements de la forêt viennoise : tout le génie de Johann fils se déploie dans ce morceau de bravoure où les cors nobles, les cordes impériales distillent ce miel majestueux et d’un raffinement extrême, emblème d’une insouciance aimable et rêveuse d’une richesse éblouissante en terme de nuances et de climats inspirés par la Sainte et Miraculeuse Nature : quel hommage aux arbres et à l’esprit des frondaisons que l’homme du XXIè s’ingénie à polluer et à détruire cyniquement. Johann Strauss ne s’est jamais tant surpassé que dans cette sublimation de son art grâce à l’inspiration puisée dans la contemplation de notre mère planète. La délicatesse de la joueuse de cithare tire les larmes par la fragilité même de ses cordes pincées, dont le thème est repris par l’orchestre à l’écoute, amplificateur mais ciselé, somptueusement amoureux. La magie Johann fils opère. Et nous voici confrontés, frappés, saisis par la grâce de son génie, comme les Viennois de l’époque, … quand ils ont découvert l’enchantement de son écriture lors de son premier concert public au Casino Dommayer le 15 octobre 1844. A 19 ans, le fils détrônait le père en devenant le nouveau roi de la valse. La poésie et ce sentiment d’ivresse absolue sont bien là, présents, … ingrédients indiscutables qui font la réussite de chaque Concert du Nouvel An. C’est comme le surgissement (harpe à l’envi) d’un rêve pur et miraculeux, souvenir chéri qui se cristallise dans le flot musical. Le Muti grande classe est lui aussi bien présent … dans la direction nerveuse, « virile », droite, parfois anguleuse de ce sommet d’élégance straussienne.

Johann Strauss, Marche de fête, op. 452
Après le rêve, la réalité … celle de Strauss à son époque, marquée par les guerres et l’antagonisme maladif, franco-germanique. Le compositeur sait aussi rugir et affirmer un beau panache collectif, ainsi qu’en témoigne l’éclat rutilant d’une parade militaire, bien dans l’esprit chauvin de la fin du XIXè.

Johann Strauss, Ville et campagne, polka mazurka, op. 322
Claire évocation de son amour pour le cadre intime de la nature, la polka séduit davantage. De facture très classique avec une étonnante saillie des clarinettes, aux couleurs suspendues, mystérieuses, elle traduit sans artifice cet amour du motif naturel et des atmosphères manifestement oniriques qui s’y déploient.

Johann Strauss, Un bal masqué, quadrille, op. 272
D’après les airs à la mode, dont les opéras… de Verdi, Johann Strauss sublime la fièvre dramatique de Verdi, en l’adaptant à son propre sens de la trépidation et de la frénésie. Le cadre fragmentaire du quadrille, composé de plusieurs piécettes et séquences qui doivent être enjouées et rapides, exacerbe l’élan recherché, l’esprit de pochade de cet pot-pourri d’après l’opéra applaudi de Giuseppe Verdi. Le chef Muti s’engage visiblement avec joie et même une précision enivrée dans ce jeu de citations et de transcriptions de Verdi à Strauss. Le roi de l’opéra, le roi de la valse fusionnent avec éclat.

Après Les Roses du midi, valse, op. 388 (du même Johann II), – Rêve sensuel libéré d’une grande douceur nostalgique… Voici la Polka rapide, éclairs et tonnerre : autre standard de la dynastie Strauss et vrai tube dont la frénésie et la malice rappellent l’ivresse chorégraphique d’un autre roi des boulevards, Offenbach. Muti s’ingénie à allumer le feu et faire retentir le rugissement des éléments dans un galop littéralement infernal.

 

 

MUTI riccardo Muti_120128_041_crop_Todd_Rosenberg-e1365787405319Puis le chef amorce les premières mesures du Beau Danube Bleu, pièce maîtresse préludant aux adieux à la fin du Concert du Nouvel An viennois : respectant le rituel, le maestro interrompt l’orchestre, puis se retourne face à l’assemblée amusée : il souhaite une bonne nouvelle année (tout en dirigeant baguette en main, le choeur des instrumentistes qui s’adressent collectivement au public). La lecture du Danube est efficace, nerveuse, – un rien précipitée, sans l’alanguissement suspendu que certains de ses confrères réussissent beaucoup mieux. La virilité du maestro Muti a encore frappé.
Mais la véritable interaction avec le public – si select et VIP, (dont le président de la République d’Autriche) présent sous les ors du Musikverein de Vienne, se réalise ensuite dans La Marche de Radetski, de Johann père, qui permet au public de frapper dans ses mains, simultanément aux reprises de l’orchestre. C’est encore l’esprit moins festif que martial qui achève ainsi le rituel télégénique le plus diffusé au monde. Parade orchestrale pour un temps (furtif) de paix. A méditer.

 

 

 

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CD nouvel an vienna Philharmonic Riccardo muti presentation critique annonce review sur classiquenews Couv Concert du Nouvel An 2018Comme chaque année, cd, et dvd du Concert du Nouvel An 2018 sous la direction de Riccardo Muti sont annoncés chez Sony. Prochaine présentation et critique dans le mag cd dvd livres de CLASSIQUENEWS.

 

 

 

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Programme

 

 

 

Première partie
Johann Strauss, Marche du Baron Tzigane
Josef Strauss, Fresques de Vienne, valse, op. 249*
Johann Strauss, Parade nuptiale, polka française, op. 417*
Johann Strauss, Sang léger, polka rapide, op. 319
Johann Strauss père, Valses de Marie, op. 212*
Johann Strauss père, Guillaume Tell, Galop, op. 29b*

 

Deuxième partie
Franz von Suppé, Ouverture de l’opérette Boccaccio*
Johann Strauss Fleurs de Myrte, valse, op. 395*
Alphons Czibulka, Stéphanie-Gavotte, op. 312*
Johann Strauss, Balles magiques, polka rapide, op. 32
Johann Strauss, Contes de la forêt viennoise, valse, op. 325
Johann Strauss, Marche de fête, op. 452.
Johann Strauss, Ville et campagne, polka mazurka, op. 322
Johann Strauss, Un bal masqué, quadrille, op. 272
Johann Strauss, Les Roses du midi, valse, op. 388
Josef Strauss, Lettres à un éditeur, polka rapide, op. 240
* Première audition à un Concert du Nouvel An

 

 

 

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Les astérix (*) indique les oeuvres créées pour la première fois dans le cadre du Concert du Nouvel An à Vienne.

 

 

 

LIRE aussi  :

Compte-rendu critique, concert. VIENNE, Musikverein, dimanche 1er janvier 2017. Wiener Philharmoniker.  Gustavo Dudamel, direction

 

 

ANNA NETREBKO chante Andrea Chénier à Milan

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netrebko-anna-naturel-portrait-diva-classiquenews-review-cd-critique-cdARTE, Anna Netrebko. ANDREA CHENIER, jeudi 7 décembre 2017. La châne déplace ses prgrammes lyriques en fin de soirée : ici à partir de 22h55, depuis La Scala de Milan, voici l’opéra vériste d’Umberto Giordano : Andrea Chénier (créé in loco en 1896). Prénom italien, mais nom français inspiré de la vie du poète révolutionnaire André Chénier (1762-1794). C’est un peu la suite de Tosca de Puccini : ici, nouvel épisode d’un libertaire dont la lyre poétique exprime l’idéal humaniste et sociétal. Pour son premier opéra de sa nouvelle saison 2017 – 2018, La Scala programme l’ouvrage en hommage au chef Vittorio de Sabata, longtemps son chef principal et grand défenseur de l’ouvrage. Les plus grands interprètes se sont engagés pour cette action lyrique à la fois intense et très efficace, la fusion du drame verdien et de l’orchestre puccinien. C’est qu’après une série d’échecs, Giordano n’avait plus le choix que d’écrire pour son éditeur Sonzogno, un chef d’oeuvre.

giordano umberto andrea chenier opera portrait par classiquenewsDepuis Maria Callas (qui a réussi une interprétation phénoménale de l’air du III : « La mamma morta » / air repris ensuite dans le film Philadelphia de 1993 non sans acuité et justesse) à Renata Scotto, Mirella Freni, ou Renata Tebaldi, toutes les sopranos se sont frottées au dramatisme ardent du personnage de Maddalena (Madeleine de Coigny, inspirée par le personnage réel d’Aimée de Coigny qui inspire au vrai Chénier, les vers de « La Jeune Captive ») qui aime le poète Andrea Chénier, alors à l’époque de la Terreur à Paris. De fait, à la fois défenseur et victime de la Révolution, le poète idéaliste meurt guillotiné à 31 ans. La partition nécessite un trio vocal exceptionnel, à la fois acteur et chanteur : la soprano qui aime le ténor, mais est aimée aussi par le baryton (ici Gérard). Tout l’opéra se met aux côtés de l’ancien domestique de la comtesse de Coigny et qui donc aime passionnément sa fille, l’Aristocrate Madeleine. Jaloux quand il découvre que la jeune femme aime le poète Chénier, Gérard d’abord haineux, tente d’aider son rival qui a été arrêté et condamné à mort. Par amour, Madeleine se laisse emprisonner avec lui et monte dans la charrette qui les mènera à la guillotine. L’opéra se déroule de 1789 (I), à 1794 à Paris sous chenier-poete-classiquenews-chenier-andre-umberto-giordanola Terreur (à partir du II). Jugé trop critique par les Français, parce que Giordano souligne la violence et la haine qui anime les Incroyables dans l’opéra (ceux qui observent et jugent Chénier et ses amours coupables avec une aristocrate), l’opéra ne connaît pas le succès en France : or outre le drame amoureux très finement dessiné, le compositeur sait portraiturer aussi la fresque sociale où se presse toute une série de personnages qui animent le tableau révolutionnaire. L’air le plus célèbre reste celui de Maddalena (« La Mamma morta » quand au III, alors que son amant est arrêté et condamné, Madeleine implore Gérard de sauver Andrea, évoquant dans quelle misère elle se trouve depuis la mort de sa mère la comtesse…). Giordano a aussi écrit dans le personnage du poète, l’un des rôles pour ténor les plus déchirants (au IV, scène du poète dans sa prison de Saint-Lazare, où il exprime son adieu à la vie). Gérard a échoué à sauver celle qu’il aime et son amant, malgré une ultime requête adressée à Robespierre. Récemment Jonas Kaufmann a marqué l’interprétation du rôle de Chénier.

arte_logo_2013En décembre 2017, c’est la soprano de plus en plus dramatique ANNA NETREBKO, au timbre charnel et voluptueux qui incarne l’amoureuse Madeleine, aux côtés du ténor Yusif Eyvazov, son époux à la ville. Pas sûr que le style ardent, palpitant, expressif et déchirant de la soprano trouve en son mari, un talent à son niveau (on l’a vu récemment dans Manon Lescaut de Puccini : les deux ne partagent pas la même inspiration). Qu’importe, après ses Verdi retentissants (Leonora, Lady Macbeth, Aida…), après un remaquable album où elle a même « osé » chanté Turandot de Puccini (le rôle impossible pour soprano), la Netrebko devrait à nouveau saisir et émouvoir dans le rôle écrit par Giordano en 1896. ARTE, Jeudi 7 décembre 2017, 22h55

Le 230 ème anniversaire de la création de Don Giovanni depuis Prague

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PRAGUE theatre don giovanni mozart placido domingo par classiquenews The-Estates-Theatre-smallARTE concert, DON GIOVANNI, 230è anniversaire, le 29 octobre 2017. Alors que la saison 2017/2018 vient de s’ouvrir, ARTE souffle les 130 ans de la première de Don Giovanni de Mozart, l’opéra des opéras où souffle la force d’Eros, incarnée par le séducteur avant tous, Don Giovanni dont le mythe s’inscrit durablement dans l’imaginaire collectif et demeure comme Orfeo, ou Poppée (chez Monteverdi), le jalon important de l’histoire du genre lyrique. C’est que d’abord, l’ouvrage est le fruit d’une collaboration idéale entre le compositeur Mozart et le poète et librettiste, Da Ponte. Ici, le verbe porte la musique, et vice versa. Sur le plan poétique, Mozart réinvente un siècle d’opéra « seria », soucieux de déplacer la vie elle-même sur la scène lyrique. Ainsi Don Giovanni est un dramma giocoso, comédie dramatique, qui n’écarte ni le comique délirant (Leporello, le valet du séducteur qui est son double, son complice, son confesseur critique aussi), ni le tragique fantastique (la dernière scène où les flammes de l’enfer dévorent le prince décadent, après que la statue du commandeur qu’il a assassiné se soit animée et l’ait empoigné en le piégeant, exigeant son repentir …). Le sentimental déploratif (Elvira), la plainte permamente et la dignité blessée (Anna), l’amoureux transi et impuissant (Ottavio), le couple plébéien (Zerlina et Masetto)… chacun figure les éléments d’une société dont l’unité se délite car tous croise la route du Séducteur et ne s’en remette pas. Eros destructeur et séditieux ? Déjà dans son dernier opéra, Le Couronnement de Poppée / L’incoronazione di Poppea de 1642, Monteverdi avait exprimé d’une façon sensuelle inédite alors, la puissance cataclysmique de l’amour. Et du désir qu’il fait naître. Ou dans le cas des victimes de Don Giovanni, du désespoir qu’il provoque… Mozart, Monteverdi sont bien les maîtres de l’opéra et otus deux ont légué un regard poétique et fascinant, terrifiant et irrésistible sur la force du sentiment.
MOZART wolfgang vienne 1780 1790 classiquenews 1138381-portrait-wolfgang-amadeus-mozartPour les 230 ans de la création de Don Giovanni, au théâtre des Etats à Prague, Arte diffuse la représentation anniversaire que dirige le baryton Placido Domingo, maestro pour l’occasion, et qui porte les jeunes voix couronnées par son prix lyrique Operalia. Prague avant Vienne qui bouda le chef d’oeuvre, accueillit en triomphe la première de Don Giovanni (1787).

DIMANCHE 29 OCTOBRE 2017, 19h
EN LIVE SUR ARTE CONCERT
Don Giovanni de Mozart
au Théâtre des Etats de Prague

Josef Svoboda, mise en scène

Simone Alberghini , Don Giovanni
Adrian Sampetrean , Leporello
Irina Lungu , Donna Anna
Dmitry Korchak , Don Ottavio
Kateřina Kněžíková, Donna Elvira

Ensuite l’opéra DON GIOVANNI DE MOZART est à l’affiche de l’Opéra de Prague, à partir du 7 novembre 2017
http://www.narodni-divadlo.cz/en/show/12175?t=2017-10-29-19-00

SANXAY 2017 : La Flûte enchantée au Théâtre Gallo Romain. ENTRETIEN avec Christophe Blugeon, directeur artistique

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sanxau-la-flute-enchantee-opera-en-plien-air-aout-2017affiche-SANXAY-la-flute-enchantee-2017-par-classiquenews-SLS-212x300SANXAY 2017 : La Flûte enchantée au Théâtre Gallo Romain. ENTRETIEN avec Christophe Blugeon, directeur artistique… Entre Poitiers et Saintes, SANXAY (86) pourrait bien être cette scène lyrique trop méconnue de l’été, aussi spectaculaire qu’Orange, aussi exigeante artistiquement qu’Aix. C’est depuis plus de 15 ans, une scène en plein air qui exploite avec intelligence la configuration du lieu qui est aussi un site patrimonial, théâtre gallo romain, unique dans l’Hexagone. Tour d’horizon d’un théâtre lyrique qui tout en disposant d’une acoustique favorable, est aussi lieu de création, soucieux de renouveler chaque été, une nouvelle production en impliquant hors des grands centres urbains toute une communauté d’artistes (formant l’orchestre, le choeur… aux côtés des solistes) et de techniciens (lumières et scénographie y sont particulièrement soignées) prêts à tout pour produire le grand frisson lyrique. Cette année, en août 2017, Mozart avec La Flûte enchantée, spectacle à la fois onirique, tragique et philosophique, fait un grand retour sur la scène de Sanxay. Entretien / explication avec Christophe Blugeon, directeur artistique et fondateur des Soirées Lyriques de Sanxay.

Comment se déroule le festival  (lieux investis, intérêt patrimonial et musique, accessibilité) ?

Depuis sa première édition en août 2000, les Soirées Lyriques de Sanxay (86) proposent chaque été un titre du répertoire lyrique ainsi que des récitals dans le cadre prestigieux et magique du théâtre antique de Sanxay. Ce théâtre, situé entre Poitiers (86) et Saintes (17),  a plus de 2000 ans et fait partie d’un complexe archéologique considéré comme l’un des mieux conservés et des plus intéressants du monde gallo-romain. Il est évident que la réussite du festival repose sur l’adéquation entre ce lieu magique (à l’acoustique exceptionnelle) et le type de spectacle qu’est l’opéra. L’idée créatrice était de proposer au public picto-charentais un type de spectacle qui n’était pas programmé jusqu’alors dans la région. Je rappelle que l’ex région Poitou-Charentes était la seule de la France métropolitaine dépourvue de salle pouvant accueillir un opéra.

Quels sont les critères artistiques qui assurent à la programmation sa cohérence et sa singularité ?

Chaque année, les casting proposés rassemblent des pointures internationales du monde lyrique. Pour ne citer que quelques noms: Anna Pirozzi, Maria-Jose Siri, Lianna Haroutounian, Désirée Rancatore, Kate Aldrich, Stefan Pop, Rudy Park, Fabio Capitanucci, Carlos Almaguer ont déjà participé à l’une ou plusieurs de nos productions. De même la mise en scène, la scénographie et la création lumières sont confiés à des artistes dont la renommée n’est plus à faire. L’orchestre constitué pour le festival réunit (suivant le titre) entre 60 et 85 musiciens professionnels issus de structures ou théâtres nationaux (Opéra de Paris, Opéra de Limoges, Capitole de Toulouse, Orchestre Poitou-Charentes). Depuis 10 années, les choeurs professionnels, issus de différents opéras français, sont placés sous la direction de Stefano Visconti, chef de choeur permanent de l’Opéra de Monte-Carlo et depuis cette année des Chorégies d’Orange.

Quels sont les profils artistiques engagés pour la réussite de l’édition 2017 ?

Bien qu’extrêmement populaire, La Flûte enchantée n’en est pas moins un ouvrage extrêmement délicat et difficile à monter! Un tel titre me paraissait impossible sans un casting de solistes de premier ordre. Mon premier choix s’est porté sur Paolo Fanale pour interpréter le rôle de Tamino. Ce jeune ténor sicilien, qui, depuis plusieurs années, est l’invité des plus grandes scènes internationales, possède à mon sens, toutes les qualités vocales et musicales pour les rôles mozartiens. Il me faut citer également la jeune soprano grecque Christina Poulitsi qui depuis quelques années promène sa Reine de la nuit sur toutes les scènes lyriques du monde…Elle reprendra d’ailleurs le rôle au Covent Garden de Londres juste après Sanxay ! Enfin, un mot sur le metteur en scène Stefano Vizioli qui fait ses débuts dans notre festival et qui a pensé spécialement cette nouvelle production en utilisant le plus possible la magie du lieu et en tenant compte des difficultés du plein air.

Quelle est l’expérience que vit le festivalier à chaque édition ?

D’après les enquêtes faites auprès de notre public (près de 2500 spectateurs par soir avec trois ou quatre représentations), plus de 70% des spectateurs ont découvert l’opéra grâce à notre festival  et une majorité d’entre eux reviennent chaque année. Le public de Sanxay n’est donc pas à proprement parler un “public  lyrique”mais plutôt un public néophyte curieux de découvrir un spectacle d’opéra dans un cadre enchanteur. Il s’agit à 80% d’un public régional même si certains connaisseurs (de plus en plus nombreux) n’hésitent pas à traverser la France pour venir entendre un soliste en particulier. Toutes les représentations débutent à 21h30 mais la plupart des spectateurs arrivent dès 19h et il n’est pas rare d’en voir avec un panier à la main et une bonne bouteille! A ce propos, certains spectateurs britanniques nous font remarquer les nombreuses similitudes entre Sanxay et Glyndebourne.

Quels seraient les 3 arguments importants de cette  nouvelle production de La Flûte qui en fait l’intérêt cette année ?

Outre la qualité du casting des solistes (y compris les seconds rôles), Stefano Vizioli a souhaité souligner dans cette nouvelle production les liens qui existent dans La Flûte enchantée entre Orient et Occident. La prestigieuse troupe de danseurs cambodgiens Amrita Performing Arts enrichira le spectacle avec des danses, des costumes, des masques traditionnels… Beaucoup de poésie en perspective. Un autre argument fort est que le titre de la Flûte enchantée est assez idéal pour conquérir un public novice et participe ainsi fortement à notre objectif de sensibilisation à l’Art lyrique en milieu rural.

Propos recueillis en juillet 2017

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LIRE notre présentation générale de la nouvelle production de La Flûte enchantée, nouveau spectacle lyrique à l’affiche des soirées lyriques de Sanxay, les 10, 12 et 14 août 2017

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sanxay-la-flute-enchantee-opera-en-plein-air-nouvelle-production-par-classiquenews

 

 

SANXAY, soirées lyriques, les 10,12 et 14 août. MOZART : La Flûte Enchantéeboutonreservation
Nouvelle production
Jeudi 10 août 2017
Samedi 12 août 2017
Lundi 14 août 2017, à 21h30

 

Information, réservations

Tarifs
- Chaise orchestre centrale : 73€ en placement libre, 66€ en tarif réduit et 37€ en tarif jeune (moins de 25 ans). Rajouter 12€ pour une place numérotée.
- Chaise orchestre latérale : 58€ en placement libre, 53€ en tarif réduit et 29€ en tarif jeune (moins de 25 ans). Rajouter 12€ pour une place numérotée.
Les gradins : 54€ en placement libre, 49€ en tarif réduit et 27€ en tarif jeune (moins de 25 ans). Rajouter 12€ pour une place numérotée.
- « Promenoir » gazon (gradins naturels sur herbe en haut du théâtre) : tarif unique à 19 €.

Points de vente
- Site internet operasanxay.fr,
- Réseau Fnac et Ticketmaster,
- Bureau des réservations : 05 49 44 95 38
- billetterie@operasanxay.fr

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Distribution complète de La Flûte enchantée / Sanjay 2017 :

 

Metteur en scène : Stefano Vizioli
Scénographe : Keiko Shiraishi
Création lumières : Nevio Cavina
Création costumes : Sébastien Maria-Clergerie

Tamino : Paolo Fanale
Pamina : Tatiana Lisnic
Papageno : Giorgio Caoduro
La Reine de la Nuit : Christina Poulitsi
Sarastro : Ievgen Orlov
1ère Dame : Andreea Soare
2ème Dame : Aline Martin
3ème Dame : Svetlana Lifar
Monostatos : Rodolphe Briand
L’Orateur : Balint Szabo
Papagena : Mélanie Boisvert
Premier prêtre : Balint Szabo
Deuxième prêtre : Yu Shao
Premier homme en armure : Yu Shao
Deuxième homme en armure : Balint Szabo
3 Garçons : Solistes Knabenchores der Chorakademie Dortmund

Danseurs : AMRITA Performing arts

Orchestre et choeur des Soirées Lyriques de Sanxay
Direction musicale : Eric Hull
Chef de choeur : Stefano Visconti

Danseurs : AMRITA Performing arts

Orchestre et choeur des Soirées Lyriques de Sanxay

Direction musicale : Eric Hull

Chef de choeur : Stefano Visconti

sanxay-soirees-lyriques-de-sanxay-opera-nature-plein-air-presentation-edition-2017-par-classiquenews

 

 

Nos 6 festivals de l’été 2017 : la sélection de classiquenews

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Cd, dvd et livres d'été 2016 : et vous que choisirez vous ?NOS 6 FESTIVALS DE L’ÉTÉ 2017 : la sélection de classiquenews. Avec le soleil qui s’installe, la route des festivals se précise et les jalons d’un parcours enchanté se concrétisent telles les balises d’une sublime et nouvelle exploration. Voici nos 6 coups de coeur de cet été, en France et en Suisse, cycles de concerts divers et singuliers, pertinents ou inédits, qu’il s’agisse d’interprètes que l’on suit depuis plusieurs années au sein de classiquenews, comme lieux dépaysant et destinations enchanteresses. Suivez le guide : pour chacun des festivals et cycles de concerts ainsi identifiés et distingués, classiquenews précise aussi la nature des lieux investis et la valeur des paysages environnants. Parce que la route des Festivals est aussi une formidable promesse touristique.

 

 

 

 

ACADEMIE DE MUSIQUE ANCIENNE DE VANNES
Du 4 au 12 juillet 2017

 

VEMI-festival-vannes-2017-classiquenews7è édition à VANNES du 4 au 12 juillet 2017. La Bretagne a toujours su explorer de nouveaux territoires, patrie des corsaires et des marins explorateurs d’envergure, le territoire sait aussi cultiver le défrichement et l’innovation musicale. Ainsi l’Académie estivale que propose le VEMI (Vannes Early Music Institute) à Vannes, porte-t-il logiquement le titre générique de « Festival des Musiciens Voyageurs »… L’Institut a su se distinguer depuis sa création parce que son projet artistique tout en impliquant comme nul par ailleurs la population et les visiteurs à Vannes, sait aussi, simultanément cultiver la transmission et l’approfondissement du travail musical. A la fois, festival (pour les spectateurs) et Académie (pour les jeunes instrumentistes sur instruments anciens et les jeunes chanteurs), chaque nouveau cycle estival organisé par le Vannes Early Music Institute est un événement en soi : la promesse de découvertes musicales et artistiques envoûtantes. Depuis sa création par le violoncelliste Bruno Cocset en 2011, le Vannes Early Music Institute ne cesse de diffuser dans la cité et sur le territoire, une offre particulièrement riche en matière de musique ancienne : défrichement de répertoires, pratiques instrumentales… fruit de son expérience au long cours, prolongement d’une activité incessante tout au long de l’année, la semaine où a lieu l’Académie, offre plusieurs concerts et conférences dans le somptueux écrin patrimonial qui les abrite à Vannes, l’Hôtel baroque de LIMUR, un lieu qui a conservé tout le charme de son architecture XVIIè… mais aussi dans plusieurs lieux emblématique de la richesse patrimoniale de la cité bretonne (Auditorium des Carmes, Basilique ND de Joie, Parc de Branfere, Cathédrale Saint-Pierre, …) / entrée gratuite dans la limite des places disponibles (réservations préalables conseillées / libre participation pour les concerts. EN LIRE + :

http://www.classiquenews.com/academie-de-musique-ancienne-de-vannes-2017/

 

 

 

 

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YEHUDI MENUHIN Festival & Academy
Du 13 juillet au 2 septembre 2017

 

gstaad-eglise-festival-yehudi-menuhin-presentation-classiquenewsAu regard de la programmation festive, éclectique, pléthorique du prochain festival de GSTAAD, la rédaction de CLASSIQUENEWS met en avant certains programmes et cycles musicaux, dévoilant par épisodes, la richesse d’un festival prometteur, particulièrement complet… Aux côtés de son souci de pédagogie et de transmission, – qualité qui est l’âme du festival suisse depuis le travail pionnier de son fondateur le violoniste Yehudi Menuhin, l’événement musical qui a lieu pendant tout l’été 2017 (70 concerts du 13 juillet au 2 septembre 2017), sait aussi cultiver l’inédit, la création comme des exploration de répertoires méconnus. Suivez le programme ; voici 3 volets « coups de cour de CLASSIQUENEWS » :

EN LIRE + :
http://www.classiquenews.com/festival-de-gstaad-2017-13-juillet-2-septembre-2017-temps-forts-i/

VOIR notre reportage vidéo découverte / GSTAAD Yehudi Menuhin Festival & Academy 2016 :
http://www.classiquenews.com/reportage-gstaad-menuhin-festival-academy-presentation/

 

 

 

 

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FESTIVAL DE SAINTES
Du 14 au 22 juillet 2017

saintes festival 2017 festival estival de Saintes presentation selction temps forts par CLASSIQUENEWS mars 2017 Visuel-festival-2017-BDSAINTES, 46ème Festival estival : 14-22 juillet 2017. Fleuron des festivals estivaux en France, ici en Poitou-Charentes, le 46è festival de Saintes étend sa voile du 14 au 22 juillet 2017, investissant tous les lieux désormais emblématiques de l’Abbaye aux dames. Rebaptisée Cité musicale, l’ensemble patrimonial accueille plusieurs générations d’interprètes en une palette élargie de répertoires ; aujourd’hui le lieu est fort d’une saison musicale annuelle, qui avant et après le festival estival prépare et poursuit l’aventure musicale. Cette activité permanente in loco a enraciné la musique comme une respiration naturelle (d’autant que le bâtiment abrite aussi le Conservatoire de musique de la ville : des passerelles n’ont pas manqué de se développer entre présences des artistes pro, du public et des jeunes élèves…). Le Festival estival profite évidemment de cette culture évidente, manifeste qui appartient désormais totalement à la vie des Saintais.
Au cours de lla saison annuelle comme pour l’été, jeunes tempéraments en devenir (actuellement Nevermind et Jean Rondeau), ensembles envoûtants et pour certains partenaires familiers (Vox Luminis, Orchestre des Champs-Elysées et Philippe Herreweghe, …) poursuivent leur travail de défrichement comme d’approfondissement. Le seul exemple de l’orchestre de jeunes instrumentistes sur instruments d’époque, le JOA, Jeune Orchestre de l’Abbaye, illustre cette activité exemplaire qui se soucie de former et perfectionner les jeunes musiciens. En plus de réaliser plusieurs sessions pendant l’année à Saintes, le JOA participe aussi à la programmation du festival estival (Tchaikovski : Suite de Casse Noisette et Symphonie n°2 « Petite Russie », sous la direction de Philippe Herreweghe, le 15 juillet à 16h30, un événement à suivre particulièrement).

EN LIRE +
http://www.classiquenews.com/festival-de-saintes-2017-presentation-et-temps-forts/

VOIR la présentation vidéo du Festival de Saintes 2017 par son directeur artistique Stephan Maciejewski
http://www.classiquenews.com/festival-de-saintes-2017-presentation-des-temps-forts/

 

 

 

 

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FESTIVAL MUSIQUE & MEMOIRE
Du 15 au 30 juillet 2017

musiquetmemoire-festival-2017-presentation-classiquenews-2017Dans les Vosges du Sud, un festival passionnant vous attend, du 15 au 30 juillet 2017 soit la deuxième quinzaine de juillet : une offre unique en Europe pour s’immerger au cœur des Vosges saônoises (en particulier dans la territoire des Vosges du Sud), bercés, étonnés, surpris, par une programmation riche et singulière, en nouvelles expériences baroques. Musique et Mémoire est une scène résolument baroque à nulle autre pareille qui ne cesse d’explorer les esthétiques des XVIIè et XVIIIè, entre France, Italie, pays germaniques. Grâce à l’intuition sûre de Fabrice Creux, directeur du Festival (et aussi son créateur), Musique et Mémoire sait cultiver le risque voire l’audace en commandant aux artistes en résidence de nouveaux programmes. C’est à chaque édition, une traversée unique et féconde, qui n’est pas liée à un site unique comme beaucoup d’autres festivals en France, mais une offre qui rayonne sur le territoire saônois, entre étangs et églises patrimoniales, une occasion de vivre et revivre l’enchantement et la vitalité des écritures baroques selon un rythme désormais bien identifié : 3 week ends ouvragés avec intelligence et gradation, 3 ensembles en résidence portés par l’exigence de l’expérimentation et de l’accomplissement. Du dialogue, du partage. Cet été, inaugurant le nouveau cycle de concerts et de rencontres, les festivaliers retrouvent pour les 5 premiers jours (les 15, 16 puis 19, 20 et 21 juillet), le trio emblématique Les Timbres, capables de stimuler et produire la complicité recréatrice en s’associant de nombreux complices (et aussi de nouveaux timbres comme le baryton vocal de Marc Mauillon…); Puis les 22 et 23 juillet, Musique et Mémoire accompagne le fabuleux ensemble de Lionel Meunier, Vox Luminis dans Haendel, et les cordes de La Rêveuse qui fête non sans raison le génie de Telemann, mis à l’honneur en 2017 ; c’est la poursuite également du geste d’Alia Mens dans la constellation Bach (cantates et pièces instrumentales dont les Brandebourgeois… Festival itinérant sur le territoire vosgeois, Musique & Mémoire a su aussi s’enraciner dans communes et sites uniques ; là encore, c’est la promesse d’écouter les meilleurs interprètes sélectionnés par Fabrice Creux, de suivre leurs avancées, jalons d’une longue et passionnante maturation locale, dans plusieurs églises et lieux surprenants… EN LIRE +

http://www.classiquenews.com/vosges-du-sud-70-24eme-festival-musique-et-memoire-du-15-au-30-juillet-2017/

VOIR la vidéo 2016 du Festival Musique & Mémoire : les 400 ans de Johann Jacob Froberger

 

 

 

 

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MUSIQUE EN BOURBONNAIS
Du 16 juillet au 15 août 2017

 

Bourbonnais-festival-juillet-aout-2017-51eme-festival-par-classiquenewsDans l’ALLIER, voilà 51 ans, que le festival Musique en Bourbonnais offrait son premier cycle musical dans les églises les plus remarquables du Bourbonnais dans le département de l’ALLIER. Les 5 concerts proposés cette année, poursuivent une exploration concertée entre grands interprètes de musique de chambre et sites à haute valeur patrimoniale : souvent des églises médiévales dont celle de Châtelay à Hérisson) et ses fresques des XIIIè et XIVè sur la vie de l’ermite Saint Principin, est la plus emblématique. C’est d’ailleurs autour de la restauration de l’église de Châtelay, bâtiment remarquable perché dans un site préservé, que le premier festival s’est constitué. Aujourd’hui, le festival rayonne pendant l’été sur le territoire offrant aux habitants, l’occasion d’entendre les musiciens les plus chevronnés de leur génération, confirmés ou jeunes tempéraments prometteurs. Chaque concert est programmé le dimanche le plus souvent, en fin d’après midi à 16h ou 17h, jalon enchanteur qui rythme une journée de découverte ou d’exploration dans le bocage Bourbonnais.

EN LIRE + :
http://www.classiquenews.com/allier-musique-en-bourbonnais-16-juillet-15-aout-2017/

 

 

 

 

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FESTIVAL MESSIAEN AU PAYS DE LA MEIJE
Du 22 au 30 juillet 2017

 

MESSIAEN festival messiaen au pays de la meije par classiquenews presentation temps forts pourquoi y aller absolument Affiche-finale22122016Dans les Hautes-Alpes (Briançonnais), le 20è festival Messiaen au Pays de la Meije offre un somptueux « voyage à travers le son », Olivier Messiaen qui avait élu résidence sur le territoire, ayant depuis toujours cultiver un regard critique sur le son. Grâce au directeur artistique, Gaëtan Puaud, fier gardien des lieux et de l’événement depuis les débuts du Festival dans le Briançonnais, les spectateurs au Pays de la Meije, de La Grave à Briançon, ont toujours pu mesurer l’esprit défricheur et le perfectionnisme sonore du compositeur : c’est aussi l’occasion, chaque été de considérer l’autre composante majeure de son écriture : sa spiritualité. Non pas l’expression d’une bondieuserie réductrice, mais l’affirmation d’un idéal transcendant qui porte toujours plus haut chacune de ses partitions. En juillet 2017, les auditeurs pourront écouter “Des Canyons aux étoiles”, le “Quatuor pour la fin du Temps”, “Harawi”, les “Visions de l’Amen”, “Saint François d’Assise” (version Loriod pour chant et piano), les “Cinq Rechants »… Soit un cocktail de joyaux incontournables d’autant plus opportuns en 2017 qu’il s’agit aussi de commémorer les 25 ans de la disparition d’Olivier Messiaen, en 1992. Temps forts, randonnées, concerts événements de la 20è édition du Festival Messiaen au Pays de la Meije :

EN LIRE +
http://www.classiquenews.com/brianconnais-festival-messiaen-au-pays-de-la-meije-2017-les-20-ans/

 

 

 

 

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PARIS. Recréation de la Phèdre de LEMOYNE, 1786 aux BOUFFES du NORD

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marie antoinette versailles France royaute marie-antoinettePARIS. Lemoyne : Phèdre, 1786. Les 9, 10 et 11 juin 2017, aux Bouffes du Nord. FORTUNE DE LA TRAGEDIE LYRIQUE française… Après Andromaque, Céphale et Procris et La Caravane du Caire de Grétry (1784), Amadis de Gaule de J.C. Bach (1779), Les Bayadères (1810) et Sémiramis de Catel, Les Danaïdes de Salieri, Renaud de Sacchini et Atys de Piccinni (1780), ou encore Thésée de Gossec (1778 / 1782), le Palazzetto Bru Zane ou Centre de musique romantique française établi à Venise, explore davantage encore les sources du romantisme avec cette Phèdre, tragédie lyrique de Lemoyne créée à Fontainebleau en octobre 1786. Il s’agit d’une recréation qui interroge le courant néoclassique, propre aux années 1780 en France, quand simultanément, est aussi recréé la Chimène du napolitain Sacchini (1783). NEOCLASSICISME MUSICAL et OPERA ROYAL… La période investie sujet d’une véritable enquête scientifique est celle où le dernier goût de la cour de France avant la chute de l’ordre monarchique à la fin de la décennie soit en 1789, cultive une scène lyrique qui brille par son éclectisme, un raffinement orchestral et vocal inédits, des réalisations scéniques qui recherchent le spectaculaire et le frénétique fantastique, grâce à des moyens en conséquence. Aucun doute Marie-Antoinette et Louis XVI favorisent comme jamais l’Opéra à Versailles et dans les châteaux royaux, comme s’il s’agissait de toujours perpétuer le renouvellement des formes et des genres après la révolution opérée par Gluck au début des années 1770 (Gluck à Paris : 1774-1779). Et en tentant de ne pas trahir l’apport du Chevalier à Paris.

Recréations lyriques lyriques : Chimène et PhèdreDes 70′s aux 80′s… Dix années ont passé et les jeunes souverains affirment ce goût néo classique qui succédant au Baroque de l’époque des Lumières prépare déjà l’essor du romantisme : séquence exceptionnellement féconde que l’on résume par l’expression…  La musique et le théâtre lyrique passe des passions de l’âme baroque à l’émergence du sentiment romantique…  A bon entendeur. (Illustration ci dessus : portrait de Marie-Antoinette par Madame Vigée Lebrun _ ci contre : Comtesse Sacy par David, 1790). En cultivant cette éloquence nouvelle de la sentimentalité, les amateurs aiment surtout se délecter des passions les plus exacerbées qui voient les Alcina et Clorinde baroques, remplacées par les femmes dévoreuses, pourtant amoureuses et impuissantes, d’un nouveau profil, tragique et fantastique, Médée (Cherubini) et Armide (Thésée de Gossec, Renaud de Sacchini), que la posture néo grecque conduit vers l’épure frénétique et spectaculaire des Méhul et Spontini à venir. L’époque est à la relecture des classiques du XVIIè : quand Lully, Racine ou Corneille fournissent les sources de nouveaux modèles esthétiques et sonores…

 

 

La tragédie lyrique française à son crépuscule
Phèdre 1786

 

Ainsi l’exploration conduite éclaire ce bouillonnement artistique exceptionnel propre aux années 1780 dont classiquenews a rendu compte pas à pas distinguant par comptes rendus et documentaires vidéos développés, les apports et la réelle pertinence (consulter les liens ci avant).

 

 

LA PHEDRE DE JEAN-BAPTISTE LEMOYNE… Qu’en sera-t-il au juste pour cette Phèdre d’un Lemoyne méconnu, mésestimé peut-être, carrément oublié certainement ? Pour chaque récréation prometteuse annoncée, l’idée de re-découvrir un chef d’œuvre s’impose à nous malgré les réserves précitées. En Phèdre, surgit l’interdit du désir incestueux. Sur les traces des tragédiens grecs anciens, Euripide et Sénèque, puis Racine… la musique de Lemoyne affirme une autre Phèdre, visage spécifique de la fille de Minos et de Pasiphaë, soit un monstre sentimental, âme désirante, tiraillée, impuissante dominée par sa passion trop coupable. Avant Lemoyne, Rameau avait su éblouir en proposant sa propre vision (baroque) du mythe de la cougar dévoreuse avant l’heure…  soit une figure souveraine digne et blessée d’une dignité impériale qui dans une langue déclamée inouïe entend, dès 1733, soit en plein esthétique rocaille, égaler voire dépasser le théâtre de Racine. Et de Corneille. Pas moins. De fait, Rameau impose une langue nouvelle, directe et sensuelle, expressive et violente d’une modernité absolue…

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Portrait de Madame Verninac par Jacques Louis David (vers 1799)

 

 

Inspirés par la musique de Lemoyne, “sa force et sa modernité”, les producteurs de cette Phèdre 2017 placent l’orchestre sur la scène comme une actuelle récréation d’un autre drame de la même période Chimène de Sacchini (d’après Corneille), où déjà les musiciens du Concert de La Loge étaient placés de même, le chef au centre du dispositif scénique et les instruments tout à fait visibles pendant l’action (une indication de l’importance sonore de l’orchestre ? Certainement). L’époque et bien à la relecture des mythes légués par le théâtre classique du siècle précédent : les compositeurs invités, protégés par Marie-Antoinette réadaptent Racine comme Lully, dans une syntaxe plus nerveuse, voire frénétique.

Sur la scène le temple de Vénus, où se situe l’action de la tragédie,  devient alors un « temple de la musique », les instrumentistes paraissent ainsi tels les prêtres du culte, aux côtés des choristes, qui entourent et accompagnent les protagonistes.
Efficace, bref, parfois violent, Lemoyne soigne l’urgence des contrastes : une esthétique bien baroque, mais totalement réhabillée. Il se concentre sur le quatuor tragique d’où est exclue Aricie, la fiancé du jeune Hippolyte qu’aime sans issue l’ignoble Phèdre. En écartant Aricie qui s’est vouée à Diane, exit toute coloration pastorale (si éblouissante chez Rameau). L’heure est à la coupe sanglante néoclassique : sacrifice, possession, hurlement. Chaque épisode de Lemoyne est une issue vers la mort.
Phèdre, OEnone, Hippolyte et Thésée, « dans leurs costumes dorés, cramoisis, arrivent déjà consumés, prêts à devenir poussière, à s’évaporer dans les tombes qui jalonnent la scène… Cette opposition entre le gris du sol et l’or des tombes et des costumes permet de créer un espace imaginaire, entre la vie et la mort, sous les lumières savantes de Dominique Bruguière », comme le précise le metteur en scène.

 

 

 

Phèdre de Jean-Baptiste Lemoyne, 1786
Recréation

boutonreservation PARIS, Bouffes du nord, les 9, 10 et 11 juin 2017
REIMS, Opéra, mardi 10 octobre 2017

 

 

 

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Tragédie lyrique en 3 actes
Livret de François-Benoît Hoffmann
Création le 26 octobre 1786 au Château de Fontainebleau
Nouvelle version / transcription / arrangement pour 4 chanteurs et 10 instruments

LE CONCERT DE LA LOGE
Phèdre: Judith Van Wanroij
OEnone: Diana Axentii
Hippolyte: Enguerrand de Hys
Thésée: Thomas Dolié

Direction musicale et violon: Julien Chauvin
Mise en scène : Marc Paquien

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Jacques Louis DAVID : Portrait d’une femme, 1798. Comme Lemoyne ou Sacchini dans la France des années 1780, David, l’inventeur en peinture du néoclassicisme (Le Serment des Horaces, salon de 1784), se met au goût du jour et adopte dans ses portraits aristocratiques, la mode néo grecque ou néo étrusque (voir aussi le portrait de Madame Récamier), explicitement néo classique… qui fait paraître les dames en Phèdres, certes assagies…

 

 

 

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LA CHIMENE de SACCHINI, 1783

Recréations lyriques lyriques : Chimène et PhèdreParallèlement à PHEDRE de Lemoyne, se précise le profil de la Chimène de Sacchini, récemment et actuellement recrée (mars 2017). Inspiré de Corneille (Le Cid), Sacchini remet au goût du jour en 1783 pour la Cour de France, le mythe chevaleresque où l’amoureuse bafouée qui porte la loi du père, est tiraillée car elle aime celui qui l’a tué : Rodrigue. Amour ou devoir, le père ou l’amant… VOIR LE PROCES DE CHIMENE, nouvelle recréation lyrique de l’époque des Lumières, au temps du néoclassicisme

 

 

 

Recréations lyriques lyriques : Chimène et Phèdre

 

JACQUE-LOUIS DAVID : portrait de la comtesse de Sacy, 1790. Mise sobre, presque épure néogrecque, l’aristocrate fait pâle figure en robe simple et d’un raffinement “rustique”. Ni bijoux, ni parures sophistiquée, perruque au naturel… tout souligne ici ce goût de la simplicité propre à l’esthétique néo classique.

Compte-rendu, concert. Toulouse. Halle-aux-Grains. Le 7 avril 2017. Mozart. Bruckner. Laloum, piano. Orchestre du Capitole de Toulouse. Swensen, direction.

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Compte-rendu, concert. Toulouse. Halle-aux-Grains. Le 7 avril 2017. Mozart. Bruckner. Laloum, piano. Orchestre du Capitole de Toulouse. Swensen, direction. Quel beau concert dont on sort l’âme heureuse, apaisée ; capable d’affronter la vie dans sa complexité. Les deux artistes invités par l’Orchestre du Capitole sont des fidèles. Le chef charismatique Joseph Swensen après une quasi intégrale Mahler sur plusieurs années, semble préparer une intégrale Bruckner. Le pianiste toulousain Adam Laloum est chéri du public en raison d’une personnalité artistique attachante et d’une musicalité des plus délicates.

En un siècle, quelle évolution en Autriche !

PIANO ENCHANTEUR : Adam Laloum à ToursDès les premières mesures du sublime Concerto Jeunehomme, nous avons su que l’alchimie des grands moments était présente. Le Concerto unique dans ce temps de la musique galante de Mozart est déjà une œuvre de la maturité. Composé pour une virtuose de grand talent, Melle Jeunehomme, venue à Salzbourg, Mozart bouscule les codes. Il fait intervenir le piano pour de courtes phrases dès le début. Cet élément enjoué, facétieux et gourmand, a été saisi à la perfection par nos artistes ce soir. Laloum avec un toucher élégant et dynamique répond et stimule l’orchestre dans ces deux courtes incises. Il écoute ensuite avec délectation l‘introduction de l’orchestre que Swensen maintient entre délicatesse et humour. Ensuite tout passe comme un rêve entre des musiciens au sommet. L’enthousiasme du jeu de Laloum évoque un Mozart heureux de ses fabuleux moyens de musiciens, mis au service de la virtuosité de la pianiste française qui l’a particulièrement inspiré. Le deuxième mouvement en do mineur est un des passages les plus vocalement sublimes au piano. Le jeu au légato de chanteur d’Adam Laloum est une merveille. Swensen et lui, avec les admirables musiciens du Capitole, chantent à perdre l’âme. Le Sturm und Drang est déjà au niveau d’une perfection formelle incroyable chez un compositeur de 21 ans avec une émotion éperdue. Le balancement des cordes, le chant des bois, les volutes du piano, tout est enchantement. Le toucher admirable d’élégance et de délicatesse d’Adam Laloum fait merveille. Le final tout de finesse et de joie, balaye la mélancolie de l’andantino, mais les modulations en gardent un quelque chose de tout à fait magique. Et la partie centrale, en pizzicato de l’orchestre et traits du piano, ouvre à nouveau une profondeur tout à fait inhabituelle dans un finale. Adam Laloum nuance à l’infini ces traits avec beaucoup d’expressivité. Les derniers instants du Concerto nous entrainent dans un vertige virtuose des plus agréables. Le public exulte et obtient un bis admirable d‘Adam Laloum qui ose un Brahms (premier Intermezzo de l’opus 117), dépouillé, sans emphase, à l’intériorité délicatement retenue, qui apporte les larmes au bord des yeux.

 

 

 

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La deuxième partie du concert étoffe considérablement l’orchestre, nous passons de 1777 à 1881 mais nous restons en Autriche. Le couplage Mozart-Bruckner semble une habitude et une nouvelle fois, a fonctionné à merveille. Joseph Swensen empoigne la vaste Symphonie n°6 pour nous offrir un voyage d’une incroyable variété de couleurs et de nuances qui fait mentir ceux qui voient en Bruckner beaucoup de bruit et de répétitions. Avec un chef de cette trempe la symphonie d’une heure avance vers un final enthousiasmant sans lourdeur. Et pourtant il nous a semblé que les tempi étaient particulièrement larges. Peut être est-ce sa capacité à faire respirer l’orchestre et à habiter les silences, qui donne cette impression d’avancée sans freins…
Cette partition est extrêmement exigeante pour l’orchestre mais tout particulièrement pour les cors très souvent à découvert : ils ont assumé crânement ces difficultés redoutables avec parfois des faiblesses émouvantes. Nous garderons en mémoire de ce fabuleux voyage, des violons très vaillants capables de grande délicatesse, des contrebasses admirables de présence incarnée. La couleur chaude des altos et des violoncelles est également pleine de chaire. Les bois sont tous très colorés et apportent beaucoup de fraicheur et d’air dans cette masse sonore imposante. La puissance des gros cuivres est un peu massive mais Swensen s’en sert admirablement pour amplifier les contrastes. L’engagement total de Joseph Swensen ne faibli jamais, il assure une construction d’ensemble passionnante, tout en caractérisant chaque mouvement. D’entrée, le Maestoso nous fait pénétrer dans un monde grandiose, l’Adagio plane avec ampleur et générosité, le Scherzo caracole avec un appui terrien bien solide, le final est une construction vers un absolu de beauté et de puissance. Jusqu’aux deniers instants, Joseph Swensen garde l’immense orchestre sous sa battue. Le crescendo final est électrisant de maîtrise, avec un effet indescriptible sur le public qui tonne en applaudissements frénétiques ! Bruckner est aimé à Toulouse ! Il faut dire qu’avec un chef de cette puissance expressive, il faudrait être de marbre ou sourd. L’orchestre a la maturité pour s’imposer dans ce vaste répertoire et le public dans sa majorité, semble prêt à l’apprécier.

 

 

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Compte-rendu critique, concert. Toulouse. Halle-aux-Grains. Le 7 avril 2017. Wolfgang Amadeus Mozart (1756 1791): Concerto pour piano et orchestre n°9, “Jeunehomme”, K.271 en mi bémol majeur. Anton  Bruckner (1824-1896) : Symphonie n°6 en la majeur. Adam Laloum, piano. Orchestre National du Capitole de Toulouse. Joseph Swensen, direction. Illusrations : Adam Laloum et Joseph Swensen (DR)

 

 

CD, compte-rendu critique. ALESSANDRO SCARLATTI: PASSIO SECUNDUM JOHANNEM. (Alarcón,1 cd Ricercar, 2016)

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sacaralatti-alessandro-passio-secundum-johannem-cd-ricercar-1-cd-alarcon-ricercar-cd-review-critique-cd-classiquenewsCD, compte-rendu critique. ALESSANDRO SCARLATTI: PASSIO SECUNDUM JOHANNEM. (Alarcón,1 cd Ricercar, 2016). La « Passio selon Saint-Jean » d’Alessandro Scarlati éclaire enfin l’écriture sacrée italienne de la fin du XVIIè, à Naples et à Rome, dans le sillon palermitain tracé par le modèle entre tous, Vincenzo Amato, oncle paternelle de notre Alessandro et auteur de deux Passions particulièrement convaincantes, propres aux années 1660. Aujourd’hui les dernières recherches tentent à dater le manuscrit de Scarlatti de 1685, alors âgé de 25 ans ; le jeune auteur y reste stylistiquement influencé par la Passion selon Saint-Jean contemporaine de Veneziano, successeur de Scarlatti à la fonction de directeur de la Capella Real de Naples en 1704. Les Lamentazioni pour la Semaine Sainte de Scarlatti et les Lezioni de Veneziano offrent une parenté d’écriture, encore plus manifeste entre les deux compositeurs, preuve éloquente de leur interaction contemporaine.

La Passio de Scarlatti malgré une préoccupation évidente de caractérisation des personnages évangéliques, n’atteint pas la force voire l’exubérance du drame de Veneziano. Le Scarlatti qui nous intéresse ici, est celui flamboyant et victorieux à Naples, décrochant devant l’illustre et pourtant incontournable Provenzale, le fonction suprême de maître de Chapelle le 17 février 1784 à Naples. Protégé par le vice-roi lui-même, Alessandro Scarlatti s’imposait ainsi, à l’opéra comme dans le registre sacré. S’il excelle dans le traitement dramatique à l’opéra, il sait aussi se contenir, avec intelligence, comme l’indique de façon naturelle sa Passion selon Saint-Jean.

SCARLATTI-alessandro-portrait-classiquenews-scarlatti_alessandroContrairement à la tentation de ses « rivaux » contemporains, Scarlatti demeure très sobre, soucieux d’une tension continue, surtout incarnée et portée par l’ample contralto du Testo (Evangéliste), par lequel se réalise l’action, conçue en une succession de courts épisodes, chacun idéalement caractérisé. Dans ce traitement à la fois violent et tempéré du drame de la Passion, la figure du Christ / Christus est incarnée par une basse noble, imperturbable, d’une inflexible « douceur » (gravitas) quelles que soient les épreuves et les attaques (en particulier de la foule souvent hystérisée : écriture homorythmique agressive). L’acmé en serait évidemment l’ultime phrase de Christus dans l’épisode de la Flagellation : mélisme descendant (« Consumtum est »). La force et la violence de la scène sont d’autant plus impressionnantes et expressives qu’elles sont servies par un Scarlatti d’une étonnante sobriété là encore.
Face à lui, l’orchestre façonne comme le chant d’une vaste lyre uniquement constituée de cordes (Millenium orchestra dont le premier violon est l’excellent Manfredo Kraemer), dont la vibration continue inscrit le drame dans l’épopée mesurée certes mais hautement tragique et émotionnellement forte. Le consort de cordes sait respirer, s’alanguir, souligner l’accomplissement du désespoir le plus déchirant (quand le Christ expire sur la Croix, sa tête s’inclinant avec l’expiration du dernier souffle). Les cordes marquent un silence riche en émotion… répondant d’ailleurs aux annotations de Scarlatii lui-même.
Comme pour souligner l’intensité primitive du drame sacré, tout en accusant sa grande intensité poétique comme l’enseignement mystique que l’auditeur est invité à rechercher par lui-même, Alarcon ajoute ici plusieurs Responsori (méditations), extraits du recueil scarlattien de 1705 (conservé à Bologne; et qui regroupe plusieurs pages de Scarlatti de périodes différentes). Belle éloquence collective (excellents choristes du Choeur de chambre de Namur), relief canalisé des solistes choisis, continuo ardent, vif, et pourtant d’un très bon équilibre sonore, à la fois expressif et détaillé… voilà autant d’arguments pour une lecture à la fois méditative et haletante de la Passion. La cohérence, l’unité, la justesse poétique des troupes réunies autour de leur chef, savent ressusciter avec passion, le drame sacré d’Alessandro Scarlatti, à la fin du XVIIè. Voilà qui nuance l’idée d’une école napolitaine, étrangère à toute introspection recueillie, unique école de la virtuosité séductrice.

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CD, compte rendu critique. ALESSANDRO SCARLATTI (1660-1725) : PASSIO SECUNDUM JOHANNEM. Giuseppina Bridelli (Testo), Salvo Vitale (Christus), …, Millenium Orchestra, Choeur de Chambre de Namur. ,Leonardo García Alarcón, direction. 1 cd Ricercar — enregistrement réalisé en mars 2016 (Sint-Truiden, Belgique). https://www.outhere-music.com/fr/albums/passio-secundum-johannem-ric-378

LILLE. L’ONL affiche Max Richter

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richter-max-compositeur-classiquenews-Richter-Mike-TerryLILLE, Nouveau Siècle. Max Richter, les 22,23,25 mars 2017. Quatre saisons, de Vivaldi à Richter. L’Orchestre national de Lille joue les Quatre Saisons d’après Vivaldi, puis From Sleep par l’auteur de la musique du film « Valse avec Bachir » (2008) ou de Shutter Island (2010, de Martin Scorsese). Réinterprétation récréative, les Quatre Saisons revivent une nouvelle vie en étant enrichi d’un nouvel ADN celui « 2.0 » du XXIème siècle tel que l’a conçu le compositeur contemporain Max Richter. Le pianiste et compositeur post-minimaliste Richter recompose Les Quatre Saisons de Vivaldi. Il puise son inspiration à partir de ses années de formation auprès de Luciano Berio, reste marqué par l’œuvre saisissante et expérimentale de Iannis Xenakis. Max Richter est bien connu du milieu musical depuis les années 1990, il fut (et reste depuis) l’un des défenseurs zélés d’Arvo Pärt, compositeur estonien, mystique, partisan de l’épure et de la répétition résonante. Mais en plus de Pärt, Richter s’est distingué tout autant en se réclamant aussi de Phil Glass, Steve Reich et Brian Eno.

 

 

L’Orchestre national de Lille invite Max Richter
Vivaldi, version 2.0

 

Antonio_Vivaldi grand portrait classiquenews_1Immergé dans la marmite baroque des Quatre Saisons vivaldiennes, sublime poème instrumental pour violon solo et orchestre de cordes, Richter remixe, réécrit, se joue des sons, de leur écho, de la résonance également. Richter en réorganise l’agencement, restructure selon la source vivaldienne dans laquelle il injecte ses propres motifs, soit une parure personnelle riche en nuances vaporeuses, en brumes sonores parfois énigmatiques, qui offre un écrin critique, interrogatif aux sonorités originelles de la matrice vivaldienne. Pour le label Deutsche Grammophon et le violoniste Daniel Hope, Max Richter reconstruit l’arche vivaldienne pour en déduire ses propres Saisons. Il en a découlé un enregistrement paru en 2012 (chez DG / Konzerthaus Kammerorchester de Berlin – André de Ridder, direction). En s’intéressant à Vivladi, en le questionnant selon une syntaxe propre, Max Richter ne fait pas que relire le chef d’oeuvre de la musique instrumentale baroque au début du XVIIIè : il en révèle l’inatteignable perfection. Un must actuel qui permet de réécouter Vivaldi d’un regard régénéré, nerf, plus incisif.

 

RICHTER par l’ONL… Pour l’arrivée du Printemps, l’ONL – Orchestre national de Lille propose une programmation autour de l’artiste Max Richter, réinventeur des Quatre saisons de Vivaldi… il en résulte ainsi 3 jours de concerts et 2 nocturnes pour plonger dans l’univers musical de l’un des auteurs « les plus prolifiques de sa génération et qui défie les étiquettes » .

L’ONL & Max Richter au Nouveau Siècle
Du 22 au 25 mars 2017 – Lille
Concert flash 12h30, concerts symphoniques, after électro, déambulation nocturne en collaboration avec le Palais des Beaux-Arts de Lille. L’ONL à Lille offre un cycle Richter en plusieurs sessions et multiples formes…

 
 

Max Richter à l'affiche de l'Orchestre national de Lille

 

 
 

Mercredi 22 mars 2017boutonreservation
Auditorium du Nouveau Siècle
Concert flash à 12h30 – The Blue Notebooks

The Blue Notebooks est le deuxième album solo (2004) de Max Richter, un projet singulier et aventureux, magnifiquement produit et se voulant résolument cinématographique : le titre « On the Nature of Daylight » marque le caractère sonore du film « Shutter Island » de Martin Scorsese, mais aussi « Premier contact » de Denis Villeneuve (2016), tandis que « Shadow Journal » et « Organum » figurent dans la bande son de « Valse avec Bachir » (2008). Les compositions néo-classiques de l’album sont entrecoupées de textes extraits des Cahiers in-octavo de Franz Kafka, de L’hymne à la perle et Terre inépuisable de Czesław Miłosz, lus pour l’enregistrement discographique par l’actrice britannique Tilda Swinton. Le programme navigue entre les cordes déchirant l’âme de « On the Nature of Daylight » et
des compositions pour piano au caractère plus lyrique. Richter utilise également des instruments électroniques et occasionnellement des enregistrements captés à l’extérieur du studio.
AVEC : Violons Natalia BONNER et Louisa FULLER / Alto Nick BARR / Violoncelles Ian BURDGE et Chris WORSEY / Piano Andrew SKEET / Récitante Sarah SUTCLIFFE / Son Chris EKERS

 

 

 

Jeudi 23 et Samedi 25 mars 2017 à 20hboutonreservation
Auditorium du Nouveau Siècle
Concerts symphoniques
Les Quatre Saisons VIVALDI / Max Richter

En première partie, les musiciens interprètent le disque de Max Richter, Infra (2010), inspiré par le poème The Waste Land (« La Terre vaine ») de T. S. Eliot, réunit un piano, des sons électroniques et un quatuor à cordes. Il prolonge une partition composée pour un spectacle conçu en commun avec le danseur Wayne McGregor et l’artiste visuel Julian Opie sur une commande du Royal Ballet de Covent Garden.
Sa « recomposition » des Quatre Saisons de Vivaldi a été réalisée à l’invitation du label Deutsche Grammophon, en 2012. Cet album plébiscité a été réédité avec de nouveaux remixes et des ajouts « ambient » – que Max Richter appelle « ombres » – et un DVD de concert. Max Richter a choisi ses moments préférés de la partition et les a remodelés pour en faire de « nouveaux objets », superposant des fragments familiers ou les juxtaposant en boucle pour revigorer une oeuvre usée par l’emploi abusif dans les ascenseurs, les publicités télévisées, comme indicatif ou générique d’attente. « Je n’ai gardé que vingt-cinq pour cent des notes, mais il y a de l’ADN Vivaldi dans chaque mesure,
explique Max Richter. J’ai conservé les gestes et les formes, les textures et les nuances. Certains bouts sont de Vivaldi, d’autres sont mes fantasmes, mes pensées à haute voix sur les Quatre Saisons.» Pour Richter, rien de plus naturel que de révisiter l’oeuvre mythique d’un Prêtre célèbre, sachant faire jouer ses œuvres par un orchestre de musiciennes, au risque de faire s’évanouir les âmes féminines pendant ses concerts à la Pietà de Venise.

 

AU PROGRAMME :
RICHTER : Infra
Jonathon HEYWARD direction
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RICHTER Recomposed – VIVALDI Les Quatre Saisons
Mari SAMUELSEN, violon solo et direction
Chris EKERS, son
Orchestre National de Lille

 

 

 

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RESERVEZ VOTRE PLACE

Concert flash 12h30 – Auditorium du Nouveau Siècle – Lille /// Mercredi 22 mars 12h30 – Tarifs : 5/10€

· Concerts symphoniques – Auditorium du Nouveau Siècle – Lille /// — Jeudi 23 mars 20h et samedi 25 mars 18h30. Quelques places de dernières minutes disponibles au tarif unique de 10€ / 15 minutes avant les concerts symphoniques

·  After – espace Valladolid du Nouveau Siècle – Lille ///
entrées gratuites à retirer dès 21h dans le hall du Nouveau Siècle

Renseignements et réservations :
Billetterie ONL dans le hall du Nouveau Siècle
03 20 12 82 40
www.onlille.com

 

·  Nocturne au Musée – Palais des Beaux-Arts de Lille –
Place de la République /// Tarifs de 4 à 7€
- SLEEP – Sleep a été pensé comme un paysage sonore doux et enveloppant, destiné à faire venir le sommeil. L’oeuvre sera diffusée sous forme d’extraits (la pièce intégrale dure huit heures), en simultané dans plusieurs espaces du musée, où vous pourrez l’apprécier,
confortablement installé et entouré des oeuvres d’art. Il n’y a plus qu’à vous laisser bercer…
Billetterie du Palais des Beaux-Arts de Lille : 03 20 06 78 00 et www.pba-lille.fr

 

 

 

Paul Agnew dirige l’ORFEO de Monteverdi

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Les Arts Florissants Les Arts Florissants Integrale des madrigaux Septieme livrePARIS,Philharmonie. Monteverdi: Orfeo par Paul Agnew. Le 20 mars 2017. Prolongeant son cycle éblouissant dédié aux madrigaux de Monteverdi, réalisé sur 5 saisons, Paul Agnew et Les Arts Florissants accomplissent le grand œuvre de Monteverdi, son premier opéra : Orfeo, créé au palais ducal de Mantoue en 1607, dans une langue que le compositeur a pu façonner, ciseler grâce à l’écriture contemporaine de ses madrigaux… Voici la critique du spectacle créé à Caen le 28 février dernier … une production en tous points convaincant et d’une grande justesse poétique. Car en orfèvre du verbe incarné, Paul Agnew sait préserver dans la réalisation du drame en musique, le relief et l’intelligibilité du texte, noyau moteur de l’opéra naissant. FAÇON STONEHENGE intimiste, cet Orfeo dépouillé avec son arène délimité par un aligner électronique de pierres, ou la lumière seule indique la traversée du temps de l’ombre nocturne à la lumière diurne, du monde des vivants à celui des morts, Paul Agnew et ses chanteurs abordent le premier Opéra moderne de l’histoire (créé à Mantoue en 1607), avec économie et intensité. L’attention au mot le souci d’intelligibilité gestuelle le jeu dramatique préservé rappellent évidemment l’odyssée antérieure réalisée par le chef adjoint des arts florissants : cycle intégrale des madrigaux de plus en plus dramatiques dont la science et l’expérience poétique ont été laboratoire pour l’Opéra en germe.
Paul Agnew choisit dans sa version d’orfeo la fin heureuse et plus convenable ou le poète éternellement veuf n’est pas déchiqueté par les ménades mais bel et bien sanctifié en rejoignant son père spirituel le lumineux et musicien comme lui, Apollon… à la lyre magnifique.
Chanteurs du verbe lyrique naissant (en style parlar cantando) autant qu’acteurs, les solistes se distinguent par leur caractérisation fine et convaincante, un parti préservant la fluidité sans jamais sacrifier le fondamental de ce théâtre des origines: l’articulation du texte.

 

 

 

L’Orfeo montéverdien, un accomplissement pour Paul Agnew

 

 

Orfeo 2017©PhilippeDelval 0182[3]Cyril Auvity et Hannah Morrison, Orphée et Eurydice, comme Antonio Abete et Miriam Allan en Pluton et Proserpine séduisent voire captive. Palmes speciales a la sombre et pourtant rayonnante messaggieria messagère :la jeune et hallucinée et si juste jeune mezzo française si prometteuse. LÉA DESANDRE celle qui apprend aux bergers et au poète thrace la mort de son aimée : immersion fascinante de la mort dans un monde d’insouciance (madrigalesque). La jeune cantatrice sillonne sa voix propre sur les traces de son professeur l’immense qui fut à son époque et pour savall entre autres une captivante Messaggieria.

 

orfeo monteverdi paul agnew arts florissants opera caen philharmonie striggio

 

 

L’orchestre ciselé, orfévré, chambriste compose le meilleur écrin et soutien instrumental à ce plateau humaine et sensible. Aucun doute cet Orfeo équilibré, idéalement incarné reste proche du verbe :l’expérience madrigalesque qui a précédé confère à ce spectacle ce qu’il devait être dans cette compétition t’invite du geste défendu depuis 4 ans par Paul Agnew au concert et pour partie au disque aussi, un prolongement naturel qui vaut accomplissement. VOIR NOS REPORTAGES VIDÉOS : Paul Agnew chante et pilote l’intégrale des livres de madrigaux de Monteverdi. Et l’on comprend ainsi grâce à la cohérence de son geste sur la durée comment l’expérience madrigalesque prépare et mène directement à l’opéra italien baroque. Lumineuse et juste approche. Superbe production des Arts Florissants d’autant plus opportune en cette année 2017 ou l’on fête le mythe d’Orphée et aussi surtout les 450 ans de Claudio Monteverdi. (Compte rendu critique de l’Orfeo de Monteverdi, Caen, le 28 février 2017).

 

 

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PARIS, Philharmonie : lundi 20 mars 2017, 20h30. Orfeo de Monteverdi par Les Arts Florisants / Paul Agnew, direction. A 18h30, les enjeux d’Orfeo : salle de conférence… présentation, explications avant la représentation…

 

Claudio Monteverdi
L’Orfeo, favola in musica

SV 318, créé à Mantoue, Palais Ducal, le 24 février 1607
(Orphée, fable en musique / Favola in musica)
Livret du poète Alessandro Striggio.

Cyril Auvity, haute-contre, Orphée
Hannah Morrison, soprano, La Musique, Eurydice
Miriam Allan, soprano, Proserpine
Léa Desandre, mezzo-soprano, Messagère
Antonio Abete, basse, Pluton, Un esprit, Un berger
Cyril Costanzo, basse, Charon, Un esprit
Carlo Vistoli, contre-ténor, Un esprit, Un berger
Sean Clayton, ténor, Un berger
Zachary Wilder, ténor, Un esprit, Un berger
Les Arts Florissants
Paul Agnew, direction

 

 

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LIRE aussi notre présentation de l’opéra ORFEO de Monteverdi :

http://www.classiquenews.com/paul-agnew-aborde-orfeo-de-monteverdi/

 

 

VOIR aussi nos reportages VIDEO Paul Agnew et les Arts FLorissants chantent les madrigaux de Claudio Monteverdi / CREMONA, Livres I, II, III de madrigaux

http://www.classiquenews.com/video-cremona-livres-i-ii-iii-de-madrigaux-de-monteverdi-par-les-arts-forissants-et-paul-agnew/

 

 

LIRE aussi notre dossier spécial le mythe d’Orphée, sa fortune musicale

 

 

 

Bach & fils par Jean Rondeau à POITIERS

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Jean Rondeau et Nevermind à SaintesPOITIERS, TAP – BACH & fils par Jean Rondeau, le 21 mars 2017, 20h30. Toujours la coiffe hirsute et le jean décontracté, le claveciniste Jean Rondeau s’entoure d’une phalange de musiciens complices dans une évocation de la dynastie Bach, – programme familial et collectif, musicalement très unitaire et stylistiquement cohérent, déjà sujet d’une parution discographique. Le claveciniste réalise le relief expressif de plusieurs Concertos pour clavecin et cordes, avec la connivence de certains instrumentistes déjà familiers, dont le violoniste Louis Creac’h, – déjà repéré par classiquenews comme ex apprenti académicien du JOA Jeune Orchestre de l’Abbaye, ou participant aussi à certains projets d’Amarillis (Stabat Mater de Pergolesi avec Sandra Yoncheva).
Ainsi paraissent les fils Bach (Wilhelm Friedemann, Carl Philipp Emanuel et Johann Christian) aux côtés du père Jean-Sébastien. Le claveciniste barbu (christique ?) du Baroque actuel cultive une posture décalée qui s’entend à régénérer (dynamiser ?) l’interprétation contemporaine du Baroque, ici germanique. Depuis son clavecin axial, défricheur, relecteur, porteur d’une vision désormais dépoussiérante des oeuvres choisies.
RONDEAU jean portrait concert classiquenews poitiers 390643_concert-de-jean-rondeau-clavecin-et-piano-festival-europeen-jeunes-talents_111341Classiquenews avait suivi la résidence de Jean Rondeau, – entouré d’un autre collectif (Nevermind) à Saintes (Abbaye aux dames, la cité musicale / VOIR notre reportage vidéo Jean Rondeau et Nevermind à Saintes / février 2016), dans Telemann et Bach (entre autres). Ici, le style direct, franc, expressif, « rock », revisite le genre du Concerto instrumental, entendu comme un drame sans paroles, véritable conversation à plusieurs protagonistes ; il sied à la vivacité des Bach fils, en particulier Wilhelm F. et CPE – illustres représentants du style galant Empfindsamkeit, néo classique – collectionneurs inspirés en contrastes et acuité rythmique ; même aspérité mordante, vivaces dans les Bach père, comme juvénilisés avec une ardeur verte et très présente : Concertos pour clavecin BWV 1052 et 1056. Du creuset paternel, antre magicien d’une invention jamais épuisée, les fils, en apprentis sorciers inspirés, dignes héritiers du modèle-mentor, osent toutes les audaces… Ils poursuivent le geste libre, inventif, neuf, moderne du modèle paternel. Dont se saisit comme un flambeau électrisant, les jeunes interprètes de ce concert; Et si la dynastie Bach était surtout une généalogie de tempéraments expérimentateurs ?

Le concert présenté à Poitiers fait suite au premier volet Bach, dédié précédemment aux ancêtres de Bach (décidément la dynastie Bach est une colonie impressionnante de talents dont la généalogie explique le plus grand d’entre tous, Jean-Sébastien).

 

 

 

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boutonreservationLes Concertos de Bach père et fils
TAP, POITIERS, mardi 21 mars 2017, 20h30

Johann Sebastian Bach
Concerto pour clavecin n°1 en ré mineur BWV 1052,
Concerto pour clavecin n°5 en fa mineur BWV 1056

Wilhelm Friedemann Bach
Concerto pour clavecin en fa mineur

Carl Philipp Emanuel Bach
Concerto pour clavecin en ré mineur

Jean Rondeau, clavecin
Sophie Gent, Louis Creac’h violons
Antoine Touche, violoncelle
Evolène Kiener, basson
Thomas de Pierrefeu, contrebasse

 

 

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INFOS et RESERVATIONS
sur le site du TAP Théâtre Auditorium de Poitiers, page dédiée au Concert Jean RONDEAU + ensemble instrumental : Concertos de Bach et ses fils…
http://www.tap-poitiers.com/jean-rondeau-1799

 

 

 

 

 

 

 

 

UN PERE ET SES 3 FILS… Comme un généalogiste, le claveciniste vedette Jean Rondeau reéactive les liens et filiations fécondes qui aimantent la succession du père et des ses fils : Jean-Sébastien a su transmettre à sa descendance cet amour de l’excellence, ce goût de l’expérimentation.

Carl Philipp Emanuel BachAu firmament de cette constellation heureuse et fructueuse, se situe le second fils de son premier mariage avec Maria Barbara, Carl Philipp Emmanuel (1714-1788) qui eut pour parrain l’illustre Telemann de Hambourg. Le père voulait qu’il fasse son droit, or Carl Philipp préféra comme son mentor, éblouir par la musique. Ce qu’il fit. Hélas son génie ne fut guère reconnu : à la Cour de Frédéric de Prusse, bien que zélé  et inspiré, CPE végète comme simple claveiniste, préféré au bien conforme Quantz. Sa Symphonie en Do majeur pour cordes et continuo (composée à Hambourg en 1773),  cultive cette langue nerveuse, souple, intensément dramatique qui porte l’empreinte du courant préromantique « Sturm und Drang » (Tempête et passion). A cette source, s’abreuvent directement les grands symphonistes de la génération suivante : Haydn et Mozart qui le tenaient en très grande estime.

 

 

Benjamin des 11 fils qu’il eut avec sa seconde femme, Anna Magdalena : Johann Christian (1735-1782), est formé par Carl Philip à la mort de leur père en 1750. JC gagne l’Italie avant de servir la Cour britannique de George III. Claveciniste ès mérite, autant que son frère ainé, CPE, Johann Christian compose son Concerto n°6 en fa mineur, vers 1750 alors qu’il suit les leçons de son frère à Berlin. Très influencé par ce dernier, JC écrit alors dans le style Sturm und Drang, avec ce goût immodéré mais maîtrisé pour les syncopes, ruptures harmoniques qui produisent le dramatisme fièvreux de la partition.

Singulier et opiniâtre autant que ses frères cadets, le premier fils de Jean-Sébastian, Wilhelm Friedemann (1710-1784) sait improviser comme son père. Et comme lui, WF montre dans l’Allegro e forte en ré mineur, fugue complexe et animée, un génie contrapuntique exceptionnel.

 

bach-jean-sebastien-pastel-582-portrait-2015-messe-en-si-classiquenews-william-christie-582-Pastell_Terry_kleinPour conclure la généalogie musicale dont il se fait le passeur, Jean Rondeau rend hommage au fondateur de la dynastie au XVIIIè : Jean-Sébastien (1685-1750). Composé à Leipzig en 1738, le Concerto en ré mineur impose un génie premier, libre, inventif, narrateur né, soucieux de renouvellement et d’expressivité permanente. La verve dont est capable alors JS Bach, égale le foisonnement tout aussi audacieux et expérimental, de l’autre côté du Rhin, celui du Français Rameau dont l’invention rayonnante trouve un écho fraternel dans l’oeuvre « divine » de Bach le père.

 

 

 

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CD à écouter :

vertigo jean rondeau cd erato critique review classiquenews fevrier 2016CD, compte rendu critique. Vertigo. Rameau, Royer. Jean Rondeau, clavecin (1 cd Erato, mai 2015). Clavecin opératique…. En février 2016, ERATO publiait l’un des meilleurs disques récents pour clavecin. Peut-être le premier indiscutable du jeune musicien français, ici particulièrement serviteur de la musique qui l’inspire. Le texte du livret notice accompagnant ce produit conçu comme une pérégrination intérieure et surtout personnelle donne la clé du drame qui s’y joue. Quelque part en zones d’illusions, c’est à dire baroques, vers 1746… Jean Rondeau le claveciniste nous dit s’égarer dans un fond de décors d’opéra dont son clavecin (historique du Château d’Assas) ressuscite le charme jamais terni de la danse, “acte des métamorphoses” (comme le précise Paul Valéry, cité dans la dite notice). Entre cauchemar (surgissement spectaculaire de Royer dans Vertigo justement) et rêve (l’alanguissement si sensuel de Rameau ou le dernier renoncement du dernier morceau : L’Aimable de Royer), l’instrumentiste cisèle une série d’évocations, au relief dramatique multiple, contrasté, parfois violent, parfois murmuré qui s’efface. Rondeau ressuscite dans les textures rétablies et les accents sublimes des musiques dansantes ici sélectionnées, le profil des deux génies nés pour l’opéra : Rameau (mort en 1764) et son “challenger” Pancrace Royer (1705-1755), à la carrière fulgurante, et qui au moment du Dardanus de Rameau, livre son Zaïde en 1739. Deux monstres absolus de la scène dont il concentre et synthèse l’esprit du drame dans l’ambitus de leur clavier ; car ils sont aussi excellents clavecinistes. Ainsi la boucle est refermée et le prétexte légitimé. Comment se comporte le clavier éprouvé lorsqu’il doit exprimer le souffle et l’ampleur, la profondeur et le pathétique à l’opéra ? Comme il y aura grâce à Liszt (tapageur), le piano orchestre, il y eut bien (mais oui), le clavecin opéra (contrasté et toujours allusif). Les matelots et Tambourins de Royer valent bien Les Sauvages de Rameau, nés avant l’Opéra ballet que l’on connaît, dès les Nouvelles Suites de Pièces de Clavecin de 1728. Déjà Rameau lyrique perçait sous le Rameau claveciniste. Une fusion des sensibilités que le programme exprime avec justesse. EN LIRE +

LITTLE NEMO, opéra pour tous d’après Winsor McCay

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angers-nantes-opera-saison-2016-2017-evenement-festival-operas-lyrique-critique-annonce-presentation-CLASSIQUENEWSANGERS. LITTLE NEMO, l’opéra choc, les 22 et 24 mars 2017.   Le propre d’Angers Nantes Opéra chaque nouvelle saison est de nous surprendre avec une nouvelle création ou un ouvrage connu (ou pas) du XXème siècle : début 2017, ne manquez pas ainsi, le nouveau spectacle “pour enfants”, intitulé “Little Nemo“, qui en réalité s’adresse à tous les publics, aux jeunes et à leurs parents… L’opéra inédit revisite le mythe créé entre 1905 et 1914 et sous forme d’un feuilleton dans la presse New Yorkaise, il y a donc presque un siècle… mais ici le jeune héros a grandi et 40 ans plus tard s’interroge sur ce qu’il est devenu (un trader désabusé qui a tué son humanité), ayant perdu à tort ou à raison, son âme d’enfant. L’opéra en création mondiale est mis en musique par David Chaillou sur le canevas dramatique et poétique conçu par Olivier Balazuc et Arnaud Delalande. Première à Nantes, le 14 janvier 2017 (puis 18 et 21 suivants), puis en mars (22 et 24) à Angers.

 

Little Nemo devenu grand retrouvera-t-il son âme d’enfant ?

 

 

LITTLE NEMO, la nouvelle création choc d'Angers Nantes Opéra

 

 

 

Création événement 2017 : LITTLE NEMO de David Chaillou
Livret d’Olivier Balazuc et Arnaud Delalande, d’après Little Nemo in Slumberland (1905) de WInsor McCay

Première-création au Théâtre Graslin à Nantes, le 14 janvier 2017
boutonreservationPuis les 18 et 21 janvier 2017 (même lieu)
Reprise les 22 puis 24 mars 2017 à Angers (Grand Théâtre)
RESERVEZ VOTRE PLACE

 

 

 

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APPROFONDIR

VOIR AUSSI notre reportage exclusif consacré à la dernière création lyrique présentée par Angers Nantes Opéra en avril 2016 : MARIA REPUBLICA de François Paris (Reportage vidéo de 2 volets)

LIRE AUSSI notre présentation générale de la nouvelle saison lyrique 2016 – 2017 d’Angers Nantes Opéra

VOIR AUSSI notregrand entretien présentation de la saison 2016 – 2017 d’Angers Nantes Opéra par son directeur général JEAN-PAUL DAVOIS

NEMO-little-creation-mondiale-nantes-operaVOIR aussi notre reportage vidéo exclusif ANGERS NANTES OPERA rend accessible l’opéra aux lycéens de la Région. TRANSMISSION, DEMOCRATISATION, EDUCATION… Pour la création de LITTLE NEMO, Angers Nantes Opéra a signé une convention exemplaire avec le Rectorat et la DRAC PAYS DE LA LOIRE permettant ainsi aux équipes de l’Action culturelle d’Angers Nantes Opéra de développer un cycle inédit par son ampleur, d’actions de sensibilisation des thèmes et des formes de cette nouvelle création lyrique, auprès de 167 classes en Loiore-Atlantique et en Maine et Loire : soit 5208 élèves (écoles, cycles 3 ; collèges, 6èmes, Lycées). La précédente médiation orchestrée par l’Action Culturelle d’Angers Nantes Opéra à l’occasion de l’opéra Le Ville Morte de Korngold (mars 2015) rend compte d’un travail ambitieux et visionnaire qui rend de plus en plus accessible les productions d’opéra auprès des jeunes publics…

 

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Little_Nemo_purple_blanket_modifiedNANTES. Little Nemo, opéra, dès le 14 janvier 2017. De Slumberland à Little Nemo… Les spectateurs d’aujourd’hui ne le reconnaîtront pas : quarante ans ont passé depuis que l’enfant Nemo s’endormait vite pour retrouver le pays des songes, Slumberland, le royaume de Morphée où l’attendait la princesse… Aujourd’hui, Nemo revient ainsi dans la maison de son enfance au moment où meurt sa mère : le temps de la réalité le submerge et le quarantenaire, dans l’opéra de David Chaillou, en création ce 14 janvier 2017 à Nantes, pleure la mère et plus secrètement le petit garçon, plein de rêves, qu’il était.
Ne perd-t-on pas de nous même dans la négation de notre enfance ? Cultiver l’enfant que nous étions, n’est-ce pas au fond cultiver son humanité ? A l’origine, le dessinateur WINSOR McCAY dessine entre 1905 et 1914, une série de bandes dessinées, publiées sous forme de feuilletons dans le New York Herald et le New York American. Ainsi est né « Little Nemo in Slumberland » : aventures oniriques d’un garçon qui ne voulait pas grandir, véritable aventurier des rêves… C’est la concrétisation du propre rêve de ce jeune dessinateur qui dès ses 16 ans bâtit tout un monde personnel, ressuscitant la mégapole de Chicago sous ses crayons, à partir de la découverte des grattes ciels de l’Exposition Universelle de 1893… Sous motif d’une immersion à rebours, dans la matière des rêves, ses dessins convoquent le futur. A New York en 1897, il réalise ses ambitions : être publié chaque jour et rendre compte des mondes fantastiques et futuristes qui l’inspirent.

Onirisme salvateur et fécondant à l’Opéra

Little Nemo : retrouver ses rêves pour bâtir un autre monde

NOUVELLE FORME LYRIQUE pour NEMO 2017… En janvier 2017, réinventant le fil narratif de Nemo, et proposant aussi une nouvelle forme lyrique désormais adressée à tous les spectateurs, dès 7 ans, les co scénaristes Olivier Balazuc et Arnaud Delalande (qui est aussi dessinateur) élaborent un siècle après sa première forme, le féérie de Nemo, mais un Nemo 2017 devenu grand, mûr, adulte pragmatique voire cynique qui a volontiers troqué ses rêves d’enfant contre de profitables profits capitalistes.

LE VOYAGE INTERIEUR… Les créateurs avec le compositeur David Chaillou tissent et développent tout un monde sonore à partir d’infimes résonances, bruits ténus capables de susciter dans l’esprit du Nemo adulte, un retour à son enfance perdue. Régression diront certains ? Jaillissement salvateur qui vient réhumaniser un être coupé de son être profond. Pour réussir sa vie présente, il faut se réconcilier avec son passé et toutes les images nourries depuis son enfance. Le voyage intérieur que suit Nemo adulte, est en définitive l’ultime expérience qui lui permet de se connaître lui-même. A chacun de retourner en enfance, de recoller les morceaux d’une vie fragmentaire.

ANGERS NANTES OPERA crée LITTLE NEMO, Olivier Balazuc a déjà présenté pour Angers Nantes Opéra, son précédent spectacle L’Enfant et la nuit (janvier 2012) : frayeurs nocturnes surgissant de l’inconscient où l’où l’on moque le monstre convoqué comme pour mieux s’en échapper … Avec Arnaud Delalande, conçoit un nouveau livret pour David Chaillou à partir de la Bande Dessinée de McCay. La nouvelle odyssée qui replonge dans le passé convoque cette fois un Nemo adulte « au cœur dur pour l’y guérir ». L’opéra qui en découle souhaite réenchanter le monde comme il participe à réhumaniser Nemo adulte. Les auteurs posent la question : « En quoi pouvons-nous croire ensemble ? Qu’avons-nous fait de notre faculté d’émerveillement ? Loin d’être une fuite ou un refuge, le monde des rêves ne serait-il pas le seul moyen de penser le monde ? De désirer notre réalité ? ». Honorer ses rêves pour bâtir un autre monde.

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Little Nemo, nouvelle production, création, présenté au Théâtre Graslin de Nantes, par Angers Nantes Opéra, dès le 14 janvier 2017. En LIRE +… LIRE notre présentation de l’opéra Little Nemo présenté par Angers Nantes Opéra

 

little nemo 582 homepageVOIR le teaser vidéo de Little Nemo, nouvel opéra d’après McCay  —  Le propre d’Angers Nantes Opéra chaque nouvelle saison est de nous surprendre avec une nouvelle création ou un ouvrage connu (ou pas) du XXème siècle : début 2017, ne manquez pas ainsi, le nouveau spectacle “pour enfants”, – en réalité pour tous les spectateurs à partir de 7 ans,  intitulé “Little Nemo“, somptueuse dramaturgie onirique destinée aux jeunes et à leurs parents… Un siècle après avoir sa création originelle dans la presse new-yorkaise sous forme de feuilletons et de planches séparées, Little Nemo ressuscite au début du XXIè, mais sous forme d’un drame continu que la diversité des péripéties n’éclate pas, bien au contraire, car il y est question de retrouver dans sa part d’enfance, cette humanité en gestation qui ne demande qu’à s’accomplir… l’action sur scène déploie tout un parcours initiatique pour Nemo adulte qui avait oublié le chemin amorcé pendant son enfance. L’opéra inédit revisite ainsi le mythe créé entre 1905 et 1914  mais sous la forme d’une suite originale : ici le jeune héros a grandi et 40 ans plus tard s’interroge sur ce qu’il est devenu (un trader désabusé qui a tué son humanité), ayant perdu à tort ou à raison, son âme d’enfant. L’opéra en création mondiale est mis en musique par David Chaillou sur le canevas dramatique et poétique conçu par Olivier Balazuc et Arnaud Delalande. Première à Nantes, le 14 janvier 2017 (puis 18 et 21 suivants), puis en mars (22 et 24) à Angers. TEASER VIDEO © studio CLASSIQUENEWS.COM 2017 — Réalisation : Philippe-Alexandre PHAM

 

 

VIDEOS. 2 reportages exclusifs réalisés par le studio CLASSIQUENEWS :

 

 

VIDEO 1 : De la BD de McCay à l’opéra de David Chaillou — Reportage vidéo. LITTLE NEMO, création mondiale (I) : ” de la BD à l’opéra “. Le 14 janvier 2017, Angers Nantes Opéra a créé son nouvel opéra, Little Nemo, “féerie onirique”, inspirée des bandes dessinées de Winsor McCay. Un siècle après le lancement du feuilleton dans la presse new-yorkaise, le jeune héros qui rêve à Slumberland, est devenu un adulte déshumanisé. Les co auteurs du livret Olivier Balazuc et Arnaud Delalande, le compositeur David Chaillou, imaginent une suite où Nemo doit retrouver sa part d’enfance pour accomplir ce qu’il est réellement. Entretien avec Jean-Paul Davois, directeur général d’Angers Nantes Opéra, avec les membres de l’équipe de production : les co auteurs du livret Olivier Balazuc et Arnaud Delalande, le compositeur David Chaillou. REPORTAGE exclusif LITTLE NEMO, volet I : ” de la BD à l’opéra” /  © studio CLASSIQUENEWS 2017 — réalisation : Philippe-Alexandre PHAM

 

VIDEO 2 : La réalisation de l’opéra en 2017. Les personnages, les décors, l’écriture musicale…  — VIDEO, reportage (2/2) : Little Nemo / la réalisation de l’opéra, l’action culturelle autour de Nemo…, Immersion dans la réalisation du nouvel opéra produit en février 2017 par Angers Nantes Opéra. VOLET 2 : l’Opéra inspiré par McCay, l’écriture musicale, les personnages, les décors, … L’action culturelle autour de Little Nemo, à l’adresse des scolaires et du jeune publics © studio CLASSIQUENEWS 2017 — réalisation : Philippe-Alexandre Pham 

CD, coffret. Karl Böhm : Great recordings, 1953 – 1972 (17 cd Deutsche Grammophon)

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bohm-karl-maestro-portrait-390-582-classiquenews-Karl-BoehmCD, coffret. Karl Böhm : Great recordings, 1953 – 1972 (17 cd Deutsche Grammophon). Grand chef lyrique, Karl Böhm malgré son allégeance aux nazis rélise une carrière impressionnante après guère, dont témoigne ce second coffret DG Deutsche Grammophon et qui réunit les enregistrements symphoniques et concertants, de 1953 à 1972 (soit 22 ans avant sa mort). Grand défenseur avec Karajan du patrimoine germanique, orchestral et donc lyrique (ultime Tétralogie de Wieland Wagner à bayreuth de 1965 à 1967), Böhm incarne cette sobriété efficace, une réelle sensibilité au drame, un jeu d’équilibriste qui a toujours su se mettre au service de la musique. Si ses accointances national-socialistes peuvent heurter, ses dispositions comme serviteur des oeuvres suscitent l’admiration. En témoignent le contenu de ce nouveau coffret qui complète avantageusement le premier (KARL BÖHM : Late recordings. Vienne, Londres, Dresde, 1969 – 1980, 23 cd DG Deutsche Grammophon / édité en juin 2016).

 

bohm karl great recordings cd review cd critique classiquenewsDans un son compact, ses Beethoven avec le Berliner Philharmoniker (1953, 1958, 1961 : Symphonies 3, 5 et 7) ne manquent pas d’énergie conquérante. Et la Missa Solemnis réalisé à Berlin en 1955, fait entendre un orfèvre qui recherche la poésie malgré la puissance de l’architecture (et une prise lointaine, globale, donc plus solennelle et pompeuse que celle à Vienne des Quatre Saisons). D’ailleurs, dans les Quatre Saisons de Haydn (réalisées à Vienne en 1967), le chef autrichien né à Graz, se montre fin et chambriste dans une partition dont beaucoup souligne l’ampleur un rien décorative (articulation du discours d’une indéniable finesse, détaillée et vive, avec le Wiener Philharmoniker, et une distribution convaincante dont Gundula Janowitz, Peter Schreier)…
Son Mahler de 1963 avec les Berliner et l’immense Dietrich Fischer-Dieskau (Kindertotenlieder, Rückert-lieder) marque un sommet de la période.
CLIC D'OR macaron 200Mais le volet le plus intéressant, aux côtés de ses Mozart (Ein kleine Nachtmusik, Berliner 1956 : tentative réussie, saisie sur le vif, d’élégance viennoise apprise par les Berlinois), demeure son approche du Richard Strauss symphoniste (le plus grand à la fin du XIXè / début XXè, avec Mahler justement) : le coffret relève et dévoile sa finesse de conception, une attention au détail comme au souffle global. Ainsi s’affirment à nous aujourd’hui, la poésie dramatique, comme enivrée et d’une activité irrépressible : Till Eulenspiegel (avec la Staatskapelle Dresden, 1957), Don Juan (Berliner, 1963), Eine Alpensinfonie (Belriner, 1963), l’exceptionnelle Une vie de héros (Ein Heldenleben opus 40 (S. Dresden, 1957, dans une acoustique aérée, réverbérée d’une étonnante présence spatiale). Dans le cd 16, Karl Böhm se réconte lui-même (en allemand : Erzähltes leben), et complément tout aussi enrichissant, le cd 17 offre une répétition intégrale de la 9è « La Grande » de Schubert, suivi de sa performance (Berliner Phil., 1963). Une immersion dans le chaudron matriciel où un maître alchimiste affine, peaufine, cisèle encore et toujours la matière musicale. Passionnant.

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LIRE aussi notre critique complète du coffret KARL BÖHM : Late recordings (1969 – 1980), CLIC de CLASSIQUENEWS de juin 2016 / « Böhm : le poète et l’architecte ».

 

CD, compte rendu critique. La Storia d’Orfeo : Monteverdi, Rossi, Sartorio. Jaroussky, Barath (1 cd ERATO)

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orfeo storia di orfeo philippe jaroussky emoke barath cd review critique cd classiquenewsCD, compte rendu critique. La Storia d’Orfeo : Monteverdi, Rossi, Sartorio. Jaroussky, Barath (1 cd ERATO). LA LIGNE PLUS QUE LE VERBE : chacun jugera selon ce qu’il pense de cet adage qui vaut ici loi. Les admirateurs, inconditionnels de sa voix chantournée, gracile et parfois acide, trop nasalisée (en particulier suraffectée dans la fameuse prière d’Orfeo) applaudiront ici leur champion Jaroussky ; les autres plus exigeants, et historiquement informés, regretteront chez Philippe Jaroussky cette ligne suave et lisse, toujours caractérisée de la même façon, quelque soit l’enjeu dramatique : ses minauderies ou ses miaulements n’écartent guère le hors sujet. Il ne suffit pas de concevoir un programme inédit, qui se veut compilation voire pasticcio poétiquement cohérent, il ne suffit pas de la même façon, « oser » chanter le rôle des rôles, celui d’Orfeo, poète chanteur à l’irrésistible séduction, et dans sa propre voix de contre-ténor… pour réussir un programme nouveau.
De surcroît, sur le plan du style, faire chanter ces choristes en trop grand nombre, ôte toute lisibilité madrigalesque à l’Orfeo de Monteverdi : quelle manque de finesse dans ce coeur outré, pâteux, pataud… autant de contresens accumulés qui valent ici de sérieuses réserves.
Accouplé au soprano de la chanteuse hongroise Emöke Barath, – l’une des voix les plus séduisantes de l’heure avec celle de Francesca Aspromonte – deux étoiles du chant baroque actuel (que CLASSIQUENEWS a déjà distinguées l’une et l’autre), la voix de Philippe Jaroussky expose d’évidentes limites : aigus tuyautés et de plus en plus serrés, en rien timbrés ; un medium continuement préservé, concentrant une zone expressive et vocale de fait très réduite : il s’en dégage un sentiment d’unité expressive qui devient sur la durée lénifiante voire ennuyeuse ; tout est abordé de la même façon, chez les 3 compositeurs du XVIIè italien (Seicento) retenus : Monteverdi, Sacrati, Rossi. Plus habitée, diseuse en quelque sorte, sans vraiment demeurer DANS le texte, Emöke sait nuancer et colorer à loisirs, offrant à ce que Monteverdi lui refusait : une chair ardente pour son Eurydice plus développée, chez Rossi (“Mio ben, teco il tormento”), rééquilibrant la palette psychologique. Son bel canto, recitar cantando, se languit, palpite indiscutablement, même si nous eussions aimé davantage de texte. Que sont devenus les préceptes des premiers baroqueux, pour lesquels le relief textuel, l’intensité linguistique primaient avant tout ? Les deux chanteurs, – esthétique essentiellement vocale, soignent leurs lignes, sacrifiant le plus souvent la chair des syllabes, l’appui des consonnes, voilant, lissant, atténuant l’énergie poétique des voyelles. Pas sûr qu’un italophone comprenne chacune de leur séquence solo ou en duo (des plus enivrés, spasmes et convulsions à l’envi : (trop fugace « Che dolcezza è la certezza » du même Rossi).

 

 

Chant contourné, style affecté et maniéré, Philippe Jaroussky échoue à exprimer la lyre sobre, puissante, linguistique des italiens du XVIIè

N’est pas Orfeo qui veut…

 

Ainsi Sartorio, Rossi, Monteverdi sont-ils enchaînés sans plus de nuances ni finesse, toujours projetés de la même façon. L’épaisseur du choeur finit pas atténuer l’enthousiasme.
monteverdi claudio portraitAu coeur du programme, il y a la fameuse prière incantatoire d’Orphée aux enfers, – âme en souffrance désireuse de reconquérir et ressusciter sa bien aimée Eurydice… « Possente spirto », sommet de l’écriture montéverdienne (et pourtant au début de sa carrière à l’opéra), chant qui doit convaincre par son réalisme expressif ; or Jaroussky de sa voix aigre et surornementée, aux convulsions systématiques en fait un surenchère d’effets et d’affects maniérés ; artifice d’une voix androgyne qui adapte l’écriture selon ses possibilités. Question d’esthétique à laquelle nous restons étrangers : voix abstraites et livide, sans aucune sensualité ni mordant textuel (limites techniques et expressives, comme absence de sobriété également présentes dans l’air équivalent chez Sartorio : « Chiuso, ahimè, di Cocito. Rendetemi Euridice… » . Le dernier grand air extrait de Rossi, « Lasciate Averno » souligne de sérieux manques dans les aigus (tendus, tirés, nasalisés, presque laids). Le dernier mot « morire » reste raide, d’une acidité sophistiquée, qui n’a rien à voir avec cette volonté de clarté et d’intelligibilité voulue dès Peri et Caccini au début de l’opéra italien, au commencement de l’odyssée lyrique…

 

Voilà qui démontre et confirme combien les emplois de barytons ou ténors barytonants pour l’Orfeo monteverdien, restent définitivement plus convaincants. L’option a le mérite de l’audace. Elle s’avère très discutable. Pourtant intéressante.
En puisant dans les trois ouvrages lyriques sur le thème orphique : Orfeo de Monteverdi (1607), Orfeo de Luigi Rossi (Paris, 1647), Orfeo de Antonio Sartorio (Venise, 1672), le programme rend compte de la permanence du mythe dans l’histoire lyrique, véritable pilier pour l’imaginaire des compositeurs, révélateur des manières les plus puissantes et les plus bouleversantes, au registre des passions humaines mises en musique. Pas certain que pour en défendre les mille subtilités, Philippe Jaroussky s’en révèle le meilleur ambassadeur. A qui pensons-nous ? Ecoutez Marc Mauillon justement, – maître orfèvre de ce recitar cantando d’une absolu précision linguistique, en sobriété et nuances… (LIRE notre critique complète du cd Li due Orfi par Marc Mauillon dont la maîtrise naturelle en fait un vrai diseur baroque a contrario des chantournements affectés et artificieux de Philippe Jaroussky). Après ses incursions douteuses dans la mélodie française romantiques, le contre-ténor semble se fourvoyer à reprendre aujourd’hui ce qu’il réussissait mieux hier : le bel canto du Seicento. Entretemps, la voix s’est réduite et la technique appauvrit. Dommage. Nonobstant nos critiques, l’album met en lumière en cette année Monteverdi (450è anniversaire en 2017) la foisonnante littérature musicale et opératique sur le sujet d’Orphée, comme l’étonnante modernité du chant montéverdien située au début du siècle (1607) : éloquence d’une écriture efficace, resserrée, proche du texte, quand Rossi puis Sartorio semblent en comparaison plus convenues, ornementées, aimables… Curieux ralentis et tempi retenus également : Diego Fasolis et I Barocchisti nous avaient habitués à plus de nerfs comme de chair articulée.

 

 

 

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CD, compte rendu critique. La Storia d’Orfeo : Monteverdi, Rossi, Sartorio. Jaroussky, Barath (1 cd ERATO). Et pour mieux connaître tous les enjeux que suppose et produit le mythe d’Orphée, consulter le dvd Les grand mythes édité par Arte Editions : un must absolu.
http://www.classiquenews.com/dvd-compte-rendu-critique-coffret-les-grands-mythes-4-dvd-arte-editions/

 

 

 

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APPROFONDIR

LIRE notre dossier spécial MONTEVERDI 2017 : les 450 ans
http://www.classiquenews.com/dossier-claudio-monteverdi-2017-les-450-ans/

 

LIRE aussi notre critique développée du cd les 2 Orphées / Li Due Orfei par Marc Mauillon / CD CLIC de CLASSIQUENEWS d’avril 2016

http://www.classiquenews.com/compte-rendu-critique-cd-li-due-orfei-les-deux-orphee-giulio-caccini-et-jacopo-peri-marc-mauillon-baryton-angelique-mauillon-harpe-double-1-cd-arcana-2015/

Rolando Villazon , grand invité de France Musique

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logo_france_musique_DETOUREFrance Musique. Journée Rolando Villazon, dimanche 26 mars 2017, 9h puis 20h. SECONDE CARRIERE… Après un début de carrière intense et éreintant, dédié principalement au grand répertoire lyrique verdien (Manrico du Trouvère, Rodolfo de La Traviata, le Duc de Rigoletto, …) et puccinien (Rodolfo de la Bohème), sans omettre Nemorino de l’Elixir d’amor de Donizetti (un rôle toujours défendu avec ardeur et sincérité), le ténor franco mexicain à l’ascension fulgurante, Rolando Villazon, aura appris récemment les vertus du chant classique (mozartien) et baroque (Monteverdi et Cavalli). Voilà plus de 10 ans, il découvrait avec Emmanuel Haim (2006), au fil de disque et de programme savamment construit, la langue sensuelle et expressive du premier bel canto, celui ciselé par l’inventeur de l’opéra Monteverdi. A lui, les Orfeo et Ulisse, mais aussi Testo du Combattimento : l’art de dire et de nuancer allait être un remède reconstructeur pour une voix fatiguée. En acclimatant sa puissance naturelle au service de la mesure et d’un chant plus nuancé et proche de la parole, le chanteur allait trouver les fondements d’une nouvelle carrière. Exit le vibrato continu, le jeu parfois surexposé voire surexpressif. Une nouvelle intériorité, ample et profonde, chaude et articulée a surgi, quand beaucoup parmi ses confrères (et consoeurs), s’étant brûlé la voix, ne peuvent plus prétendre à une seconde chance. Chaque été depuis 4 ans, le ténor s’implique aux côtés du chef Nézet-Séguin, dans une intégrale réunissant les plus grands opéras de Mozart, en version de concert à Baden, enregistrés live pour Deustche Grammophon : si Cosi était un peu faible, les Noces puis l’Enlèvement (Belmonte) ont nettement affirmé la valeur d’un chant reconstruit, plus stable, sûr, rond sur toute la tessiture…

La journée que lui dédie France Musique ce 26 mars 2017, souligne les apports d’un revirement intelligent et bénéfique pour une voix qui s’était perdue à force d’engagements. Le corps a ses raisons que l’esprit tend à ignorer : combien de chanteurs, surtout au début de leur carrière, acceptent les rôles et les enchaînent afin d’affirmer leur place sur un marché de plus en plus concurrentiel. Pourtant les belles voix capables de nuances dramatiques restent rares. Et l’art, si précieux, avance et murit à son propre rythme. Lenteur de l’excellence ; précipitation de notre époque.

Villazon rolandoROLANDO, NOUVEL ULYSSE ? Point fort de cette journée Rolando Villazon sur France Musique : le soir du 26 mars 2017 à 20h : Ulisse, précisément, Il ritorno d’Ulisse in patria de Monteverdi, dramma in musica créé à Venise au Teatro San Giovanni e Paolo en 1640 ou 1641, soit avant le dernier chef d’oeuvre, L’Incoronazione di Poppea. L’ouvrage est contemporain de La Didone de Cavalli, élève de Monteverdi. Ainsi le début des années 1640 marque l’âge d’or de l’opéra vénitien. Le librettiste Giacomo Badoaro s’intéresse particulièrement à la figure du héros grec parti faire la guerre de Troie, puis éreinté par un voyage de retour périlleux (confronté au chant des sirènes, en proie au doute et à l’angoisse permanente sur sa destinée et sa légitime prétention au bonheur…). Après Monteverdi, dans le Retour, Badoaro poursuit son portrait ulyssien, pour Sacrati dans un nouvel opéra Ulisse errante, précisant le profil d’un voyageur opiniâtre, déterminé, prêt à prendre des risques pour connaître le danger ; Ulysse ne connaît pas la peur… une préfiguration du héros wagnérien (Siegfried), un frère spirituel pour Oreste, dont le courage et la résistance aux épreuves forcent l’admiration. Contre Ulysse se dresse la parti de Neptune, mais Minerve veille au salut et à l’intégrité du héros souhaitant retrouver à Ithaque, son épouse Pénélope et leur fils, Télémaque, que harcèlent les prétendants, soucieux de tourner la page et épousant celle qui depuis le départ du héros à la guerre, est restée la Reine d’Ithaque. Tout le génie de Monteverdi dans son opéra est de concilier la profondeur expressive du personnage central d’Ulysse, mais aussi de satisfaire à la nouvelle mode de l’opéra payant, loisir majeur de la Cité République, où tout un chacun depuis l’inauguration du premier opéra publique, le San Cassiano en 1637, soit 3 années seulement avant l’Ulysse de Monteverdi, achète son billet pour être diverti et ébloui (actions spectaculaires, délire comique, voir ici le goinfre Iro…, machineries et transformations à l’appui…). Il en résulte un nouveau drame lyrique, à plusieurs personnages (jusqu’à une vingtaine), peu de choeurs, des situations théâtrales qui mettent en avant le texte, sur un continuo resserré à quelques instruments… En diffusant la prise de rôle de Rolando Villazon, Ulysse prometteur, France Musique souligne l’évolution notable dans la carrière du ténor au charme international. A noter dans la distribution, le ténor Mathias Vidal, excellent diseur et acteur, dans le rôle de Télémaque, le fils d’Ulysse.

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logo_france_musique_DETOUREFrance Musique, journée Rolando Villazón, dimanche 26 mars à 9h et à 20h. Le ténor franco-mexicain est à l’honneur des ondes radiophoniques, pour 2 rvs sur France Musique.

> À 9h : PLATEAU, talk show. Musique émoi / Elsa Boublil : Les Métamorphoses de Rolando Villazón. Rolando Villazon partage deux heures d’antenne hautes en couleur, s’interrogeant pour cette nouvelle rencontre sur le thème de la métamorphose : comment transcender sa propre identité, son image et sa manière d’envisager l’art ?  Pour répondre à cette question, Rolando Villazón s’est entouré de nombreux artistes reconnus pour avoir mêlé répertoires et genres…
Avec :
Emmanuelle Haïm et quelques instrumentistes du Concert d’Astrée; Emiliano Gonzalez Toro (ténor); Julie Fuchs (soprano); Sonia Wieder-Atherton (violoncelle); Simon Ghraichy (piano); Pablo Marquez (guitare); …

>> À 20h : OPERA. En clôture de cette journée, place à l’opéra avec la diffusion du Retour d’Ulysse dans sa patrie de Claudio Monteverdi, enregistré le 28 Février 2017 à PARIS, au TCE.
Le Concert de 20h : Le Retour d’Ulysse dans sa patrie de Claudio Monteverdi Opéra enregistré

Rolando Villazón : Soliste, Ulysse, Ténor
Magdalena Kozena : Soliste, Pénélope, Mezzo-soprano
Katherine Watson : Interprète, Junon, Soprano
Kresimir Spicer : Interprète, Eumée, Ténor
Anne Catherine Gillet : Interprète, L’Amour / Minerve, Soprano
Isabelle Druet : Interprète, La Fortune / Mélantho, Mezzo-soprano
Maarten Engeltjes : Interprète, La Fragilité humaine / Pisandre, Contre-ténor
Callum Thorpe : Interprète, Le Temps / Antinoüs, Baryton-basse (voix)
Lothar Odinius : Interprète, Jupiter / Amphinome, Ténor
Jean Teitgen : Interprète, Neptune, Baryton (voix)
Mathias Vidal : Interprète, Télémaque, Ténor
Emiliano Gonzales Toro : Interprète, Eurymaque, Ténor
Jörg Schneider : Interprète, Irus, Ténor
Elodie Mechain : Interprète, Euryclée, Alto (voix)
Le Concert d’Astrée : Choeur
Emmanuelle Haïm : Chef d’orchestre

Jean-Claude Casadesus dirige le Requiem de Verdi

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casadesus_603x380 Ugo ponte ONLLILLE, ONL. Requiem de Verdi, Jean-Claude Casadesus. Le 12 juillet 2017. L’Orchestre national de Lille, ONL voit VERDI EN GRAND FORMAT. Le Stade Pierre Mauroy à Lille propose un Requiem grand format, à l’échelle du stade Pierre Mauroy (inauguré en août 2012, sa capacité est de 30 000 spectateurs). Rien de mieux que les puissantes vagues chorales, mais aussi la fervente et ultime prière de la soprano (Libera me) pour exalter l’âme des spectateurs auditeurs, lors de cette grande messe sacrée, à la fois lyrique (car c’est un véritable opéra), chorale et symphonique. Chacun pourra y acheter selon ses possibilités (place à partir de 10 euros), confronté à un massif musical de grande ampleur (300 musiciens et choristes), mais aussi capable, grâce au chef fondateur de l’Orchestre National de Lille (il y a 40 ans, en 1976), Jean-Claude Casadesus, d’intensité millimétrée, entre recueillement et prière intime. Le génie du compositeur Giuseppe Verdi tient à sa facilité (à l’opéra essentiellement) à concilier la puissance collective, et aussi la profondeur des airs solistes. Ainsi son Requiem est certes magistralement intérieur et concentré, mais il frappe l’esprit par l’énergie humaine qui s’en dégage, chant de volonté voire de résistance contre la fatalité. Toujours dans un Requiem (messe pour les défunts et pour leur repos éternel), s’élève la prière individuelle d’un soliste. Chez Berlioz, c’est le ténor. Chez Verdi, c’est en une dernière étape vers l’éternité, la voix de la soprano.

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LILLE, Stade Pierre Mauroy, Requiem de Verdiverdi-requiem-casadesus-lille-stade-pierre-mauroy-juillet-2017-annonce-classiquenews
Mercredi 22 juillet 2017, 21h
3ème concert de l’Orchestre National de Lille et Jean-Claude Casadesus au Stade Pierre Mauroy

Inga Kalna, soprano
Elena Gabouri, mezzo-soprano
Stephen Costello, ténor
Alexander Tsymbalyuk, basse

Choeur Régional Hauts-de-France – Eric Deltour, chef de choeur
Choeur Nicolas de Grigny – Jean-Marie Puissant, chef de choeur

Orchestre national de Lille
Jean-Claude Casadesus, direction

 

 

 

RESERVEZ VOTRE PLACE
De 10 à 60 euros
http://www.stade-pierre-mauroy.com/programmation/concert/requiem-de-verdi

Annonce vidéo du Requiem de Verdi : http://bit.ly/2maTZB9

 

 

 

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verdi_582_face_portrait_boldiniLYRIQUE et ORCHESTRAL, UN REQUIEM PROFANE. Esprit indépendant, Giuseppe Verdi osa braver la conformité bourgeoise et l’hypocrisie catholique pratiquante de son temps en se présentant à la Messe aux bras de sa seconde compagne (qu’il épousa tardivement), la cantatrice Giuseppina Streponi. Ils n’étaient pourtant pas mariés, vivant maritalement dans le « péché ». A l’origine de la partition, une proposition de Verdi à son éditeur (Ricordi) : regrouper plusieurs compositeurs pour écrire les séquences d’une Messe de Requiem afin d’honorer la mémoire de Rossini à l’échéance 1869 : à Verdi reviendrait le défi de composer le dernier épisode, le Libera me, conclusion à la fois solennelle et intime. Le compositeur commença à écrire son Libera me, sans que le projet global ne voit le jour. Puis l’idée d’un Requiem le taraude à nouveau quand meurt le poète Alessandro Manzoni, – auteur du fameux roman I Promessi Sposi (Les fiancés), le 22 mai 1873. Frappé par cette perte inestimable, le compositeur qui l’avait rencontré dès 1868, reprend l’écriture d’une Messe, cette fois dans sa totalité. Généreux, frappé par la douleur, Verdi proposa à la Mairie de Milan d’organiser lui-même et de financer même les répétitions… le but étant de donner le concert de célébration pour le premier anniversaire de la mort de Manzoni. Entre sa villa italienne de Sant’Agata et l’été 1873 sur les bords de Seine, Verdi achève son grand œuvre. L’oeuvre est créée à Milan (église St-Marc), le 22 mai 1874.
La force et la puissance, l’énergie et parfois la violence avec lesquelles Verdi traite la prière du choeur, renforçant l’impact expressif du texte (Tuba mirum, Rex tremendae, surtout la houle spectaculaire du Dies Irae). Poiur Verdi, l’humanité terrassée par la mort, se dresse et fait bloc, résiste et défie le sort comme la fatalité.
L’homme qui a lui-même souffert de la perte tragique de sa famille (son épouse puis ses deux enfants) exprime ici, tout comme Dvorak, également frappé par le décès brutal et répété des membres de sa famille (douleur sublimé dans son remarquable Stabat Mater), une confession intime et personnelle qui fait du Requiem, un acte de dévotion et de compassion personnel. En rien liturgique ni conforme. Le génie de l’opéra, auteur de Macbeth, du Trouvère, de la Traviata, réussit ici une fresque à la fois michelangelesque, mais aussi incarnée et humaine. L’introspection des accents intimistes et individuels portent une prière bouleversante de l’individu et de la foule, unis en un même élan.

 

 

 

mahler casasesus jean claude orchestre national lille cd review cd critique classiquenews cd EVCD027-Cover-ONL-1024x1024Fidèle à son attention pour l’équilibre et la clarté, même dans des effectifs particulièrement importants, comme ici, Jean-Claude Casadesus soigne toujours l’intention et la justesse de l’énoncé : l’esprit avant la forme. Comme il l’avait remarquablement réussi pour la Symphonie n°2 « Résurrection » de Mahler, dans un disque récemment publié et couronnée par le CLIC de CLASSIQUENEWS (enregistrement de 2015 / parution : décembre 2016), le chef fondateur de l’Orchestre national de Lille, veillera à la profondeur malgré l’ampleur et le colossal, la sincérité et l’intensité de la prière malgré le sens du spectaculaire.

 

 

 

CONCOURS. 25è Concours international de chant de Clermont-Ferrand, Palmarès 2017

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clermont ferrand concours de chant 25 eme edition mars 2016CLERMONT-FERRAND. Palmarès du 25ème Concours international de chant 2017. A l’Opéra de Clermont-Ferrand, du 28 février au 4 mars 2017 s’est déroulé la nouvelle édition du Concours international de chant de Clermont-Ferrand, initiative biennale organisée par le Centre lyrique Clermont-Auvergne. Le 25e Concours 2017 a auditionné 84 candidats venus du monde entier (Corée du Sud, USA, Canada, Belgique, France, Allemagne,Vénézuela…), n’a retenu que 24 candidats pour participer à la demi-finale du jeudi 2 mars.

Cette dernière en a laissé 14 pour la Finale du samedi 4 mars, soit 3 mezzos, 7 sopranos, 2 ténors, 1 basse et 1 baryton qui restaient en lice pour la finale.

Lors du dernier cycle d’auditions (avec piano), jury et public La finale a permis d’entendre les  candidats sélectionnés dans des airs de L’enlèvement au Sérail pour distribuer les rôles de Pedrillo, Osmin, Blonde et Konstanze, ainsi que dans des airs de Schubert et Brahms pour le Récital An die Musik, dans Mahler, Schreker et Zemlinsky pour le Concert Vienne fin de siècle. Présente lors des demi finale puis finale, l’équipe de CLASSIQUENEWS prépare un prochain reportage exclusif dédié au 25è CONCOURS international de chant de Clermont-Ferrand.

PALMARES 2017

Sont récompensés et choisis pour les productions à venir (précisions entre parenthèses) :

SONG jiwon baryton lieder clermont ferrand 2Jiwon SONG, baryton sud coréen de 34 ans. Son interprétation d’un air de Brahms lui permet d’être choisi pour le récital An di musik, le 3 mars 2018 à Clermont-Ferrand, avec le pianiste Jeff Cohen. Son interprétation d’un second air de Schreker  lui permet tout autant de chanter dans le Concert Vienne fin de siècle (avec orchestre) le 3 mars 2018 à Clermont-Ferrand, en février-mars 2018 au Forum Voix étouffées de Strasbourg, puis au Festival de la Chaise-Dieu en août 2018. Jiwon SONG est déjà distingué pour son interprétation du rôle de Don Giovanni de Mozart (Corée du Sud) ; il a participé à la saison 2013-2014 du CNIPAL…

DAIN katharine soprano konstanze 2017 classiquenews portrait french award at CLermont FerrandKatharine DAIN, soprano américaine de 34 ans, son interprétation du fameux air Martern aller Arten lui permet d’être retenue pour le rôle de Konstanze de la prochaine production de L’enlèvement au sérail, soit 13 représentations données de Clermont-Ferrand à Rouen, mais aussi Avignon, Massy et Reims, de décembre 2017 à janvier 2019. Une technique solide, un timbre ample, velouté, charnel, un style direct et franc sans maniérisme aucun… font les qualités essentielles d’une jeune soprano américaine qui s’est présentée à Clermont-Ferrand pour le rôle de Konstanze. Chapeau bas à la jeune cantatrice américaine qui concourait ainsi pour la première fois en France… Sa présence comme son chant généreux et intense ont immédiatement frappé classiquenews lors de la demi finale.

Lambert mariannelambert-bioMarianne LAMBERT, soprano canadienne de 35 ans postulait pour le récital An di musik. Sa prestation dans un air de Brahms lui permet d’être retenue pour le récital An di musik, le 3 mars 2018 à Clermont-Ferrand, avec le pianiste Jeff Cohen. Timbre chaud, corsé et pourtant très clair, voix velouté elle aussi et visiblement taillée pour l’articulation de l’allemand dans le lied… ont permis à la soprano canadienne de passer les épreuves, demi-finale et enfin finale. Talent à suivre absolument.

César ARRIETA, ténor vénézuélien de 27 ans postulait pour les rôles de Belmonte et de Pedrillo. Son interprétation d’un air de Pedrillo, à convaincu le jury qui l’engage pour ce rôle dans l’Enlèvement au sérail de Mozart, soit 13 représentations données de Clermont-Ferrand à Rouen, et Avignon, Massy, Reims, de décembre 2017 à janvier 2019.

KOHL Bastian-Kohl-Opernger-7Bastian-Thomas KOHL, basse allemande de 30 ans, postulait pour le rôle d’Osmin. Après avoir chanté le rôle dans son duo avec Blonde et à deux reprises avec deux sopranos différentes, le chanteur est engagé dans la prochaine production de L’Enlèvement au sérail de Mozart, soit 13 représentations données de décembre 2017 à janvier 2019. Immédiatement lors de sa première prestation dans le personnage de basse bouffe, la jeune basse Bastian Kohl a capté l’attention par sa fraîcheur expressive, le plaisir évident de jouer comme de chanter, et une intensité du timbre qui l’ont immédiatement imposé lors de ce Concours. Tout juste trentenaire, le jeune chanteur maîtrise la clarté du chant, le jeu scénique : sa performance préfigure une carrière aussi prometteuse et accomplie que celle d’un Matti Salminen… C’est dire. Coup de coeur de CLASSIQUENEWS.COM

 

QUATRE AUTRES PRIX ETAIENT ATTRIBUÉS :

1- Le Prix du public “Bernard Plantey”, en l’honneur du fondateur du Centre lyrique,  récompensant un(e) finaliste désigné(e) par le vote du public présent à la finale (1 000 €) , est attribué à Bastian Thomas KOHL.

2- Le Prix du Jeune Public “Ville de Clermont-Ferrand”  (1 000 €), récompensant ainsi un finaliste désigné par le vote d’un jury composé de jeunes clermontois, est attribué à Jiwon SONG.

3- Le Prix du Centre Français de Promotion Lyrique (1 000 €), récompensant un(e) jeune artiste français(e) est attribué à Déborah SALAZAR (qui postulait pour le rôle de Blonde).

4- Le Prix spécial “Centre lyrique Clermont-Auvergne” (1 000 €), récompensant un(e) artiste remarqué lors de la Finale est attribué à Julia SITKOVETSKY pour son interprétation d’un air de Konstanze.

À NOTER :

Les rôles de Belmonte et Blonde n’ont pas été attribués, le jury n’ayant pas trouver parmi les candidats présents, celui, ou celle  qui pouvait les interpréter idéalement.

 

 

JURY 2017

Raymond Duffaut (Président du jury),

Président du Centre Français de Promotion lyrique.

 Eva Märtson, professeur de chant au conservatoire de Hanovre, conseillère artistique de l’Opéra de Tallin, ancienne Présidente de l’Association internationale des cercles Richard Wagner.

 Amaury du Closel, Directeur musical d’Opéra Nomade et du Forum Voix Étouffées.

Roberto Forés Veses, Directeur musical de l’Orchestre d’Auvergne.

Jeff Cohen, pianiste.

Richard Martet, rédacteur en chef d’Opéra Magazine

Pierre Guiral, Directeur de l’Opéra du Grand Avignon

 Xavier Adenot, Directeur de production de l’Opéra de Massy

Frédéric Roels, Directeur de l’Opéra de Rouen Normandie

Julien Caron, Directeur du Festival de La Chaise-Dieu

 Pierre Thirion-Vallet, Directeur général et artistique du Centre lyrique Clermont-Auvergne

 

 

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+ D’INFOS sur le site du CONCOURS international de chant de Clermont-Ferrand

 

 

 

QARAQORUM, le nouvel opéra de FB Mâche

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grand mongol opera de fb mache tourcoing classiquenewsTOURCOING. MÂCHE: QARAQORUM, création. 2-5 mars 2017. Jean-Claude Malgoire programme la création mondiale du nouvel opéra de François-Bernard Mâche (né en 1935) : Qaraqorum, « Voyage dans l’Empire Mongol ». Au XIIIè, dans la capitale de l’Empire Mongol, Qaraqorum, les religions cohabitent en paix : un rêve devenu réalité dont notre civilisation en perte de valeurs, devrait bien s’inspirer. La commande d’état que présente l’Atelier Lyrique de Tourcoing à partir du 2 mars, rappelle la force critique de l’opéra contemporain, et nous rappelle même à l’ordre : il est urgent de réapprendre à vivre ensemble, dans le respect des autres ; la différence est une richesse, et l’esprit de la haine, une fatalité barbare inventée par les manipulateurs.

RUBROUCK chez le grand Mongol… Originaire d’un village près de Dunkerque, Guillaume de Rubrouck est mandaté par Louis IX (Saint-Louis) en 1253 pour faire le grand voyage oriental, – soit 20 ans avant Marco Polo, au delà des Indes, vers la Chine… En deux ans, Rubrouck parcourt quelques 16 000 kms, de Constantinople jusqu’au cœur de l’Asie Centrale, atteignant enfin la Cour du successeur et petit-fils de Gengis Khan, le souverain Mangu Khan. Là, alors que l’Europe ne cesse de s’effondrer dans les luttes politico-religieuses, à la Cour du grand Mongol, bouddhistes, chamanes, musulmans, chrétiens vivent en paix.
A partir de la description que Guillaume de Rubrouck rédige après son formidable périple qui inaugure toutes les grandes expéditions Occident-Orient à venir, le compositeur François-Bernard Mâche a conçu son nouvel opéra. Le voyage parcouru est aussi une traversée spirituelle au terme de laquelle, la personnalité du voyageur, ses croyances ont été fortement ébranlé. L’expérience de l’altérité, et de la différence, porte vers une autre conscience où règnent tolérance, curiosité, discernement…

 

 

 

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TOURCOING, Théâtre municipal Raymond Devos
François-Bernard Mâche
QARAQORUM, opéra en création mondiale
Les 2, 3 mars 2017, 14h30 (scolaires)
Les 3 (20h) et 5 mars (15h30)



Interprètes : Paul Alexandre Dubois, Christophe Crapez, Xavier Legasa, … 

Quatuor Debussy


Mise en scène: Alain Patiès

 

 

 

INFOS & RESERVATIONS
http://www.atelierlyriquedetourcoing.fr/16_17/spect1617/mongol.html

 

 

CD, compte rendu critique. PHILIP GLASS : Pianos works, oeuvres pour piano. Vikingur Ólafson, piano (1 cd Deutsche Grammophon)

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vikingur-olafsson-glass cd review classiquenewsCD, compte rendu critique. PHILIP GLASS : Pianos works, oeuvres pour piano. Vikingur Ólafson, piano (1 cd Deutsche Grammophon). Le feu dans le GLASS… Quasiment 1h20 de bonheur musical, en un temps recomposé, dans ce flux qui se joue des rythmes et des ruptures harmoniques propre à créer cette temporalité hypnotique dont Glass sait nous régaler depuis près de 50 ans… L’islandais Vikingur Olafsson a sélectionné un cycle d’Études, extraites des deux Recueils édités et validés par le compositeur au minimaliste richement suggestif. Pour les 80 ans de Philip Glass, le pianiste Olafsson, diplômé de la Juilliard School de New York, véritable icône de la modernité en Islande, créateur de bon nombre de nouvelles œuvres, fondateur de son propre label aussi, nous régale dans cette succession de climats aux teintes subliminales, dans un toucher précis et clair, miraculeusement sobre, qui nuance décisive, fait toute la part à l’atténuation et la poésie sonore. C’est que le trentenaire (32 ans en 2017) a travaillé avec Glass. Une sorte d’adoubement officiel a été proclamé, soulignant la justesse artistique qui sans cela, s’impose d’elle même, à travers ces 13 sections, dont le début et la fin sont repris de « Opening » extraits de Glassworks (1981) et retravaillé dans ce reprise final par Christian Badzura.

 

 

Le pianiste Vikingur Ólafsson fait jaillir des études de Philip Galss, une activité miroitante poétique …

JEUX MULTIPLES SOUS LE GLASS….

 

Il en découle un jeu d’une rare subtilité intérieure qui fait jaillir sous l’apparente et sévère répétition circulaire et elliptique, une activité souterraine continue, perpétuelle, aux reflets miroitants, qui expriment des métamorphoses sonores infinies, à la fois nostalgiques, sombres, délicatement tragiques. Toute la musique de Glass est une réflexion sur l’écoulement du temps en une rythmique qui remodèle la scansion naturelle. La notion de répétiton prône un arrêt sur image, une suspension d’un temps idéal, qui fait l’économie d’une contrainte d’un développement irréversible et inexorable. Toujours l’énoncé se reproduit, se réitère, comme s’il souhaitait reprendre celui qui l’a précédé mais autrement. Tout découle ce qui précède, en renouvelant à chaque section, une vision neuve : le jeu d’Olafsson permet d’inscrire cet esthétique à la fois créative et nostalgique dans un flux organique homogène et cohérent. Du grand art.
La variations, l’écho, sa résonance (plus riche en réalité que le lseul phénomène de dédoublement qui s’affiche dans le visuel de couverture de l’album : portrait du pianiste et son reflet, mêlés…) étant premiers dans cette démarche du miroitement, Olafsson a commandé à l’arrangeur Christian Badzura la réécriture / transcription de Opening et de l’Etude 2 pour Quintette (ici avec les fabuleux complices du Siggi Tsring Quartet), de sorte que 1001 nuances de gris, jamais identtiques s’offrent à nous dans ce fabuleux kaleidoscopes de scintillements suspendus, – grisaille captivante par sa richesse chromatique même. L’album DG est le meilleur enregistrement paru en 2017 célébrant les 80 ans de Philip Glass. CLIC de CLASSIQUENEWS de mars 2017.

 

 

 

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CD, compte rendu critique. PHILIP GLASS : Pianos works, oeuvres pour piano. Vikingur Ólafson, piano (1 cd Deutsche Grammophon) – enregistrement réalisé en octobre 2016 à Reykjavik, Islande. CLIC de CLASSIQUENEWS

 

 

 

CD, annonce. SALIERI : La Scuola de’Gelosi / Werner Ehrahardt (3 cd DHM – 2015).

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0886445868555_300CD, annonce. SALIERI : La Scuola de’Gelosi / Werner Ehrahardt (3 cd DHM – 2015). CLASSIQUENEWS inaugure un nouveau fonctionnement dans ses mises en avant cd, dvd, livres : au moment de la réception des nouveautés, parmi les (très) nombreux envois à la Rédaction, un premier regard qui vaut sélection voire CLIC, notre label d’excellence. Puis la grande critique quand le nouveau titre qu’il s’agisse de la valeur de l’oeuvre ou de l’implication superlative des interprètes, l’exige. Sous étiquette DHM, cette « école des jaloux » / Scuola de’Gelosi de Salieri (qui annonce l’école des amants, ou Cosi fan tutte de Mozart plus tardif) mérite assurément le meilleur accueil comme il confirme le talent désormais bien installé d’un chef et de son ensemble parmi les nouveaux défenseurs des répertoires baroques, classiques, préromantiques… Voici sans conteste un nouveau joyau lyrique révélé grâce au chef Werner Ehrhardt et son ensemble L’Arte del Mondo; les musiciens poursuivent ainsi un partenariat discographqiue avec DHM / Sony classical, plutôt bénéfique. CLASSIQUENEWS avait distingué d’un CLIC précédent, la Clemenza di Tito (non de Mozart mais de Gluck, enregistré deux ans auparavant en 2013). On retrouve ici, la même pétillance, la poursuite d’un esprit flexible et enjoué qui s’avère des mieux expressifs sur la scène comique ; à l’acuité expressive de l’orchestre répond la fine caractérisation des solistes, soucieux d’articulation, ambassadeurs d’un réalisme théâtral qui réjouit.

SALIERI, génie de la veine buffa

Werner Ehrhardt révèle Gluck avant GluckLes productions au disque étant de plus en plus rares, – crise du marché oblige, on se réjouit de cette exhumation en création mondiale, défrichement réjouissant, défendu par une vivacité collective, défendue par l’habile maestro, amateur de buffa napolitain, où l’héritage des Pergolesi et Jommelli sont revivifiés par un Salieri, qui à Venise en 1779, se montre tout aussi inspiré par la veine légère, délirante. Même si comparé à Mozart, l’écriture paraît plus convenue, formatée, prévisible; Salieri n’atteignant pas à la vérité émotionnelle ni à la profondeur parfois grave de son génial contemporain (et rival à Vienne). Mais le geste de l’excellent chef entend à travers cette série lyrique nouvelle, éclairer les prédécesseurs et contemporains du Mozart viennois, celui le plus bouleversant, portraitiste de l’âme humaine, partenaire de Da Ponte (Les Noces de Figaro, Don Giovanni, Cosi fan tutte).
CLIC_macaron_2014Ainsi cette heureuse comédie a la truculence et la vivacité émotionnelle des Noces (trio du I – terzetto Contessa, Tenente, Conte), (mais certes pas le cynisme et l’ironie comme la profondeur de Cosi), quoiqu’elle diffuse un réel plaisir communicatif dans la caractérisation des récitatifs qui rétablissent la présence d’un marivaudage théâtral. Grâce à une distribution solide aux tempéraments bien trempés, techniquement affirmés dont surtout les épatants : Lumaca (Florian Götz), Ernestina (vivante et habitée Roberta Mameli-), Blasio (Federico Sacchi), Contessa qui de scène en scène affirment une intensité énergisante de la situation comique et piquante, qui de fait, se révèle très proche de l’esprit mozartien, … des Noces ; Le Nozze, surtout qui semblent ainsi précédées voire préfigurées dans cette élégance cocasse de chaque instant. Grande critique de l’opéra buffa (1779) de Salieri recréée par Werner Eharhardt / L’Arte del monde à venir dans le mag cd dvd livres de CLASSIQUENEWS.

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Précédent cd de Werner Eharhardt / L’Arte del monde : La Clemenza di Tito (3 cd DHM – 2013), CLIC de CLASSIQUENEWS :

gluck-clemenza-tito-ehrhardt-werner-arte-del-mundo-dhmCD. Gluck : La Clemenza di Tito (Ehrhardt, 2013). L’ouvrage de Gluck surprend par sa coupe ardente, l’ambition de ses récitatifs (du vrai théâtre lyrique : toute la première scène d’ouverture est du pur théâtre) et ici, une très fine caractérisation des protagonistes (grâce à des airs qui savent développer l’énergie psychologique de chaque profil individuel) : Vitellia, Sesto, Titus, Servillia, c’est à dire le  quatuor embrasé des amours éprouvées, en souffrance dont la couleur spécifique fait passer du classicisme au préromantisme… tous déjà sous sa plume et avant Mozart, impose des tempéraments instrumentalement et vocalement passionnants à suivre du début à la fin.

Paul Agnew aborde Orfeo de Monteverdi

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logo_france_musique_DETOUREFRANCE MUSIQUE. MONTEVERDI : Orfeo, dimanche 12 mars 2017, 20h. Paul Agnew et Les Arts Flo jouent Orfeo de Monteverdi, l’opéra des origines : la source du drame musical et théâtral, où chant, paroles, musique et action théâtrale fusionnent en un tout cohérent, pour la première fois de l’histoire (Mantoue, 1607). Certes, le cadre est encore aristocratique, et l’opéra pas encore publique (il faut attendre 1637 à Venise). Les madrigaux sont encore présents, en particulier dans le chant des bergers très présents, surtout au premier acte, pastoral, celui où la tragédie surgit quand Messagiera annonce la mort d’Eurydice.
Mais déjà, la langue de Monteverdi, l’une des plus sensuelles qui soient, caractérise des individualités et non des types. Le chant écrit par Monteverdi exprime au plus près désirs, prières, intentions et sentiments du poète endeuillé, soucieux de retrouver son aimée aux Enfers. Par son chant souverain, il s’en ouvre les portes, triomphant par la seule grâce maitrisée de sa voix, et l’inflexible Caron, et l’impérial Pluton. Comme Don Giovanni de Mozart est l’opéra des opéras ; Orfeo de Monteverdi est la genèse, et le foyer matriciel où toute l’odyssée lyrique a commencé.

Madrigaux_4_5_6_arts_florissants_paul_agnewTénor et chef, directeur adjoint des Arts Florissants aux côtés de William Christie, Paul Agnew promet une lecture sensible, à la fois flexible et linguistiquement ciselée car il a précédemment interprété et enregistré les meilleurs madrigaux de Monteverdi à travers l’épopée primordiale des Livres I à VIII. Son expérience du genre madrigalesque, son travail d’orfèvre sur le verbe devrait accomplir un prolongement naturel et captivant dans l’Orfeo qui en découle et qui puise dans la matière des mafrigaux, ses formes expressives. Autour de Paul Agnew, la crême des chanteurs baroques actuels : Cyril Auvity (Orfeo / Orphée) que Classiquenews avait récemment filmé dans les Motets sacrés de Clérambault, révélés par Fabien Armengaud (VOIR notre reportage vidéo Les Motets sacrés de Clérambault par l’Ensemble Sébastien de Brossard) ; la distribution comprend aussi l’excellente et incadescente mezzo Léa Desandre dans le rôle de la Messagère justement, personnage axial du I, qui fut en son temps incarné magistralement par Sara Mingardo (pour Jordi Savall), laquelle a été la professeur de chant de la jeune Léa… continuité, excellence, vérité.

Monteverdi 2017 claudio monteverdi dossier biographie 2017 510_claudio-monteverdi-peint-par-bernardo-strozzi-vers-1640.jpg.pagespeed.ce.FhMczcVnmyOpéra douloureux, malgré son sujet central – le pouvoir de la musique et du chant : quand le poète de Thrace infléchit Pluton et les enfers pour y pénétrer afin d’en soustraire Eurydice-, Orfeo est bien sur le plan musical et dans l’histoire de l’opéra, ce laboratoire révolutionnaire où Monteverdi, fort de son expérience comme madrigaliste à Crémone puis Mantoue, réinvente le langage du drame en musique et s’appuyant sur la suprématie du texte, articulé, sublimé par la musique, s’inspire des premiers ouvrages florentins, réalisés au début du siècle (autour de 1600) dans le style du recitar catando : un parlé chanté proche de la parole qui laisse le chant très intelligible. La sensualité nouvelle de la déclamation, le jeu des allitérations entre autre font de l’opéra chanté un art poétique par excellence et Monteverdi le démontre aisément dans son Orfeo de 1607. Monteverdi assure aussi le passage du madrigal polyphonique (encore très présent dans les choeurs) au chant monodique accompagné pour la voix soliste.

Le madrigal polyphonique y est subtilement utilisé pour les chœurs de bergers et arcadiens ; le chant monodique permet a voce cola d’approfondir la psychologie des caractères protagonistes. Le récitatif d’Orphée devant Caron, le passage en barque du fleuve infernal, sa prière devant Pluton (ample lamento dramatique)… suscitent autant d’airs où la seule incantation souvent hallucinée (par la douleur et la volonté de sauver Eurydice de la mort) du chanteur affirme désormais la voix de l’opéra : une voix agile et intelligible qui exprime au plus juste la richesse et l’intensité des passions humaines. Selon les productions et les lectures des chefs et des metteurs en scène, Orfeo est diversement abordé comme pensé sur la scène.  Outre son éclectisme formel entre Renaissance et Baroque, l’oeuvre est d’une diversité complexe : l’un des aspects saillants, en est le cynisme de l’action, cette épreuve de la douleur, au cours de laquelle le chantre, Orphée, fait l’expérience de la perte, du renoncement, du déchirement car comme Apollon le lui rappelle en fin d’action: “Rien ici bas ne nous réjouit ni ne dure“.

l’opéra des origines

orfeo orphee lyre opera luigi rossi 1647 opera presentation announce CLASSIQUENEWSLa vision est terrifiante, et même d’une glaçante ironie. D’autres préfèrent souligner sa tendresse caressante et sa langueur extatique car c’est l’amour d’Orphée pour Eurydice qui mène l’action : même si le Poète de Thrace ne maîtrisant pas ses passions (il se retourne pour voir sa bien aimée malgré l’injonction de Pluton / Hadès), s’enfonce peu à peu dans la solitude et l’échec : en se retournant pour voir la belle, Orphée se libère des lois mais détruit tout espoir. Selon les versions (toutes deux originales car validées par Monteverdi) : l’homme blessé et déchiré par la perte définitive rejoint Apollon son père au ciel en une apothéose finale spectaculaire ; ou alors il est déchiré au sens strict du terme par les bacchantes, assassiné car tout bonheur est vain sur la terre (une vision partagé ensuite par Wagner à l’extrémité de l’histoire lyrique : Monteverdi / Wagner seraient ils tous deux de grands cyniques défaitistes ?). Le poète et l’homme tout court seraient-ils des êtres maudits ? L’amour tue ; le sentiment fait souffrir mais une vie sans amour est-ce imaginable ? Il nous reste au delà du sujet bouleversant, la beauté d’une musique et l’intelligence d’un drame parfaitement construit dont la pensée saisit par sa poésie et sa vérité profonde. Orfeo est l’opéra des origines : une conception de la représentation musicale qui ne laisse pas de nous captiver, 400 ans après sa création en 1607 dans le cercle privé et intime du Duc de Mantoue en son palais. Entre temps, le genre est devenu un rituel populaire auquel les publics de plus en plus variés et nombreux se laissent conduire avec toujours la même espérance d’être enfin réenchantés…

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France Musique. Monteverdi : Orfeo. Dimanche 12 mars 2017, 20h.
Concert enregistré le 28 février 2017 à 20h00 à la Grande salle du Théâtre à Caen.

Claudio Monteverdi
L’Orfeo, favola in musica SV 318, créé à Mantoue, Palais Ducal, le 24 février 1607
(Orphée, fable en musique / Favola in musica)
Livret du poète Alessandro Striggio.

Cyril Auvity, haute-contre, Orphée
Hannah Morrison, soprano, La Musique, Eurydice
Miriam Allan, soprano, Proserpine
Léa Desandre, mezzo-soprano, Messagère
Antonio Abete, basse, Pluton, Un esprit, Un berger
Cyril Costanzo, basse, Charon, Un esprit
Carlo Vistoli, contre-ténor, Un esprit, Un berger
Sean Clayton, ténor, Un berger
Zachary Wilder, ténor, Un esprit, Un berger
Les Arts Florissants
Direction : Paul Agnew

Orfeo 2017©PhilippeDelval 0182[3]

PARIS, Festival Présences 2017. Focus du 16 février 2017 : Ce soir, 20h, programme symphonique et lyrique Adamek, Saariaho : Polednice, True Fire et Orion…

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presences-2017-kaija-saariaho-portraitPARIS, Festival Présences 2017. Focus du 16 février 2017 : ce soir Adamek, Saariaho : Polednice, True Fire et Orion… C’est assurément une nouvelle grande soirée symphonique (lyrique et chorale) qui s’annonce ce soir à l’Auditorium de la Maison de la radio dans le cadre du Festival Présences 2017. Outre qu’il s’agit d’un plateau somptueux accordant les phalanges maison (National de France et Choeur de Radio France, sous la direction de Olari Elts), les heureux parisiens pourront découvrir la nouvelle version en création mondiale de la fresque flamboyante Polednice pour choeur et orchestre du jeune compositeur Ondrej Adamek (début de programme). La trame de la partition puise dans la légende romantique tchèque, et convoque un démon paraissant à minuit, semant horreur, fascination, fantastique… « Polednice ». Mort des enfants perdus, rêve, réalité, ombre et lumière… sont autant de thèmes chers à Adamek qui traite l’écriture orchestrale avec le génie d’un Ravel ou d’un Adamek OndrejRachmaninov. La sorcière Polednice avait déjà retenu l’inspiration de Dvorak, sa fabuleuse apparition semant l’effroi et la mort (un infanticide par la mère terrorisée). Elle prend l’entrée de son mari pour le surgissement du démon dans sa cuisine (!)… Adamek mêle texture orchestral et bruits de cuisine, réorganise le souffle du drame noir et terrifiant en combat entre le rêve fantastique (première partie) et réalité tout autant glaçante (seconde partie). Voici assurément l’une des partitions les plus narratives et impétueuse du jeune compositeur tchèque.

Puis deux oeuvres majeures de la Finlandaise à l’honneur cette année, Kaija Saariaho soulignent la puissance de son écriture à la fois poétique dans l’expression de l’intimité et de la fragilité humaine, et puissante dans l’approfondissement des thèmes et atmosphères développées. Ainsi, True Fire pour baryton et orchestre, en création française, surtout en fin de programme, sa fabuleuse épopée orchestrale : Orion, en trois parties qui est déjà devenu un classique du XXIè siècle.
KAIJA SAARIAHO, reine du Festival Présences 2017Orion créé en janvier 2003 fusionne souffle statique d’une éternité magicienne observée, exprimée (le destin surhumain du géant Orion, fils de Poséidon et capable de marcher sur les eaux), mais aussi précipitation dramatique de l’action tragique (quand le bel Orion, chasseur irrésistible est terrassé par Artémis/Diane). La partition est l’une des plus impressionnantes jamais écrites par Kaija Saariaho pour grand orchestre. Un must absolu. Soirée incontournable à la Maison de Radio France, ce soir 20h.

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VOIR aussi notre présentation vidéo du concert du 16 février 2017 par Kaija Saarihao, Sofi Jannin et Eric Denut (Polidnice, True Fire, Orion)

 

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LIRE notre présentation générale du Festival Présences 2017 / Kaija Saariaho, un portrait ; notre présentation du Concert inaugural du Festival Présences 2017 : « Je dévoile ma voix »

 

 

TOUTES LES INFOS et les modalités de réservation sur le site du Festival Présences 2017 de Radio France

 

DVD, compte rendu critique. THEODORA de Handel / Haendel. Watson, Christie (2015, ERATO)

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haendel handel theodora erato christie jaroussky watson spicer doustrac les arts florissants dvd erato dvdDVD, compte rendu critique. THEODORA de Handel / Haendel. Watson, Christie (2015, ERATO). Sans atteindre la version (légendaire) de Peter Sellars à Glyndebourne (réalisée en 1996, donc voilà plus de 20 ans déjà), cette « première » Théodora en version scénique montre les limites de l’exercice. Pourquoi vouloir démontrer davantage que la musique, qui se suffit largement à elle-même (c’est même l’une des plus sublimes et recueillie qui soit née sous les mains de Haendel), pourquoi s’obstiner à démontrer par le visuel et les mouvements de scène ce qui était, – et reste essentiellement, un oratorio, c’est à dire un drame sacré et spirituel, sans décors ?
Sur la scène parisienne, les décors se bornent à quelques parois coulissantes (pour mieux marquer l’espace étouffant d’un drame qui mène à la mort), ne font pas oublier les hors sujet total de l’orgie au II (délire accessoire du metteur en scène Stephen Langridge). Tout ce décorum visuel finit par encombrer une action qui par son essence épurée (musicalement) et très efficace, recherche a contrario, l’allègement, l’abstraction, la poésie pure. Côté conception des chanteurs / acteurs, l’interprétation survole une partition qui doit toucher par sa profondeur et son sens de la gravité où le silence et la lenteur disent cette transfiguration spirituelle et mystique de l’héroïne, laquelle emmène sur son chemin sacrificiel ses proches. Mauvais Valens, trop superficiel voire caricatural (Callum Thorpe) ; même limites dommageables pour le contre ténor Philippe Jaroussky, qui brille par son absence de graves et ses piètres talents d’acteur : son Didymus, premier compagnon de Theodora, en compassion et transcendance, se révèle bien lisse, tout au moins amoureux transi douloureux, mais sans aucune ambivalence ni souffrance morale. Tout un pan du personnage est écarté. En revanche le Septimus de Kresimir Spicer cisèle un héros tragique, véritablement traversé par le tiraillement intérieur, entre devoir et tentation de la ferveur : sa souffrance et sa présence humaine, comme son épaisseur émotionnelle sauvent le plateau. Voix limitée, et actrice trop réservée, la soprano britannique Katherine Watson dans le rôle-titre, doit forcer sa nature pour exprimer le souffle spirituel de plus en plus prenant, impérieux qui la submerge : vocalement tout est là ; mais émotionnellement, grâce aux plans serrés sur son visage, la tiédeur finit par susciter une « certaine » intériorité. Il ne s’agit pas d’avoir une « belle voix », surtout dans l’un des oratorios les plus introspectifs de Haendel. L’Irène de Stéphanie D’Oustrac tire elle aussi, comme Spicer, son épingle du jeu : suave et habitée, la cantatrice montre qu’elle est aussi une formidable interprète. D’autant que dans la fosse, se déploie la direction très précise et hautement dramatique de William Christie, insurpassable chez Haendel, entre élégance, noblesse, flexibilité, acuité et articulation dans l’expression du souffle spirituel de l’aristocrate et fervent Haendel à Londres.

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DVD, compte rendu critique. Theodora de Haendel / Handel. Kresimir Spicer, Stéphanie D’Oustrac, Katherine Watson, Philippe Jaroussky… Les Arts Florissants. William Christie, direction. Stephen Langdrige, mise en scène (2 dvd ERATO, enregistré à Paris, au TCE, en octobre 2015).

Reportage vidéo : LITTLE NEMO, création mondiale (volet 2/2). L’opéra, les personnages…

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VIDEO, reportage (2/2) : Little Nemo / la réalisation de l’opéra, l’action culturelle autour de Nemo…, Immersion dans la réalisation du nouvel opéra produit en février 2017 par Angers Nantes Opéra. VOLET 2 : l’Opéra inspiré par McCay, l’écriture musicale, les personnages, les décors, … L’action culturelle autour de Little Nemo, à l’adresse des scolaires et du jeune publics © studio CLASSIQUENEWS 2017 — réalisation : Philippe-Alexandre Pham

 

 

PROCHAINES DATES

A l’affiche du théâtre d’Angers, mercredi 22 et vendredi 24 mars 2017. Toutes les infos sur le site d’ANGERS NANTES OPERA

 

 

 

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LITTLE NEMO, volet 1

nemo-little-maison-momo-lampe-nemo-enfant-adulte-582VOIR aussi le volet 1 du grand reportage LITTLE NEMO 2017 par CLASSIQUENEWS : volet 1 De la BD à l’opéra… / Reportage vidéo. LITTLE NEMO, création mondiale (I) : ” de la BD à l’opéra “. Le 14 janvier 2017, Angers Nantes Opéra a créé son nouvel opéra, Little Nemo, “féerie onirique”, inspirée des bandes dessinées de Winsor McCay. Un siècle après le lancement du feuilleton dans la presse new-yorkaise, le jeune héros qui rêve à Slumberland, est devenu un adulte déshumanisé. Les co auteurs du livret Olivier Balazuc et Arnaud Delalande, le compositeur David Chaillou, imaginent une suite où Nemo doit retrouver sa part d’enfance pour accomplir ce qu’il est réellement. Entretien avec Jean-Paul Davois, directeur général d’Angers Nantes Opéra, avec les membres de l’équipe de production : les co auteurs du livret Olivier Balazuc et Arnaud Delalande, le compositeur David Chaillou. REPORTAGE exclusif LITTLE NEMO, volet I : ” de la BD à l’opéra” /  © studio CLASSIQUENEWS 2017 — réalisation : Philippe-Alexandre PHAM

 

 

VOIR le teaser vidéo, la bande annonce de l’opéra LITTLE NEMO de David Chaillou et Olivier Balazuc, création mondiale 2017, proposée par ANGERS NANTES OPERA, un véritable opéra pour tout public, enfants et parents…

 
 
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OPERA MAGAZINE N°125 – février 2017 : Rolando Villazon : plus à l’aise en Ulisse ou en Orfeo »

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opera magazine rolando villazon fevrier 2017 numero 125 sommaire par clasiquenews couv-om-125OPERA MAGAZINE N°125 – février 2017 : Rolando Villazon : plus à l’aise en Ulisse ou en Orfeo »… SOMMAIRE du magazine mensuel dédié à l’actualité de l’art lyrique international… GRAND ENTRETIEN et en couverture: À partir du 28 février, le ténor franco-mexicain Rolando Villazon, qui chaque été à Baden Baden pursuit l’enregistrement des grands opéras de Mozart (en 2017, La Clémence de titus avec la Vitellia très attendue de Sonya Yoncheva) est le héros d’une nouvelle production d’Il ritorno d’Ulisse in patria de Monteverdi, d’abord au Théâtre des Champs-Élysées, pour cinq représentations, puis à l’Opéra de Dijon, les 31 mars et 2 avril. Une étape de plus dans la conquête du répertoire des XVIIe et XVIIIe siècles pour un artiste désormais entré dans une nouvelle période de sa carrière, après une première phase entièrement dédiée aux grands emplois de Verdi, Puccini, Massenet et Gounod.

RENCONTRES
Bernard Foccroule… Le directeur du plus international des festivals d’opéra français, qui quittera ses fonctions à la fin de l’édition 2018, pour laisser la place à Pierre Audi, annonce, pour juillet, Don Giovanni, Carmen, The Rake’s Progress, Erismena de Cavalli et la création de Pinocchio de Boermans, avec dans le rôle-titre la jeune mezzo Chloé Briot, déjà remarquée dans le rôle principal de Nemo enfant dans Little Nemo de David Chaillou, d’après Windsor McCay, donné en première mondiale le 14 janvier 2017 à Nantes (Théâtre Graslin, repris en mars à Angers). VOIR notre reportage vidéo LITTLE NEMO avec Chloé Briot

et aussi :
Nadine Sierra : Après la nouvelle production d’Eliogabalo, en début de saison, au Palais Garnier, la jeune soprano américaine participe à la reprise de Die Zauberflöte (en Pamina) à la Bastille, jusqu’au 7 février, puis à celle de Rigoletto (en Gilda), du 27 mai au 27 juin.
Elena Mendoza : Le 20 février, la compositrice espagnole propose La ciudad de las mentiras (La Cité des mensonges) sur la scène du Teatro Real de Madrid. Une commande du regretté Gerard Mortier, sous-titrée « théâtre musical en quinze scènes », sur des textes de l’écrivain uruguayen Juan Carlos Onetti.

COULISSES : L’Opéra de Mascate (Oman)
Inauguré le 12 octobre 2011, le somptueux Opéra Royal de Mascate, capitale du sultanat d’Oman, ne cesse d’augmenter le rythme de ses activités et affiche un taux de remplissage approchant les 100 %. Après avoir accueilli des compagnies telles que le Staatsoper de Vienne, l’Opéra de Monte-Carlo ou l’Opéra de Lyon, il s’apprête à recevoir, les 9 et 12 février, l’Opéra de Florence, avec L’Italiana in Algeri, et prépare pour 2019 sa première production entièrement conçue in loco, qui suivra de près l’ouverture d’une nouvelle salle, plus petite, dédiée entre autres au répertoire de chambre. Umberto Fanni, son directeur général, dresse le bilan des six années écoulées et lève le voile sur les projets.

REOUVERTURE : L’Opéra-Comique réouvre avec Fantasio puis Alcyone… Le 12 février, l’Opéra-Comique propose la première nouvelle production de sa saison de réouverture : Fantasio d’Offenbach, avec Marianne Crebassa dans le rôle-titre. Le spectacle se joue au Châtelet, juste avant sa propre fermeture, la réintégration de la Salle Favart, entièrement rénovée, n’intervenant que le 26 avril, avec Alcione de Marin Marais. Olivier Mantei, directeur de l’institution, fait le point sur la situation à la veille du premier lever de rideau et dévoile ses projets.

HOMMAGE… Léontyne Price souffle ses 90 printemps. Placido Domingo, lui-même, l’écrit dans son autobiographie : la soprano américaine, qui soufflera ses 90 bougies, le 10 février, possédait la plus belle voix de « soprano Verdi » du XXe siècle. Si elle n’a pas été la première cantatrice de couleur à fouler les planches d’un théâtre, elle reste très certainement la première à avoir accédé au statut de « prima donna » des deux côtés de l’Atlantique. Une reconnaissance amplement méritée pour celle qui a eu la chance de léguer au disque ses incarnations les plus marquantes, et qui demeure un modèle pour toutes les aspirantes rêvant d’Aida ou de Leonora d’Il trovatore et La forza del destino.

Et aussi …

JEUNES TALENTS : Philippe Sly, baryton-basse… Jusqu’au 19 février, le baryton-basse natif d’Ottawa participe, pour ses débuts à l’Opéra National de Paris, à la nouvelle production de Cosi fan tutte, dirigée par Philippe Jordan. L’attend ensuite, en juillet, le rôle-titre de Don Giovanni au Festival d’Aix-en-Provence.

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Dans le guide, critiques de cd, dvd, livres d’opéra. Les comptes rendus de spectacles et productions, l’agenda des productions à ne pas manquer… OPERA MAGAZINE n°125 – février 2017 – 7,90 euros. Parution : le 1er février 2017. 100 pages.

 

Présences 2017 : Rhapsodie monstre d’Alexandros Markeas, création mondiale

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presences-2017-kaija-saariaho-portraitPARIS, Maison de la radio, aujourd’hui  11h. RHAPSODIE MONSTRE d’Alexandros Markéas, création mondiale. Le Festival Présences 2017 présente à la Maison de la Radio samedi 11 février 2017, 11h (Studio 104), Rhapsodie monstre, le nouveau spectacle “tout public”, conçu par Alexandros Markéas pour un narrateur, deux chanteurs et la Maîtrise de Radio France (Jean Deroyer, direction). Le texte (Pierre Senges) s’inspire de la poésie délirante, burlesque et facétieuse d’Aristophane… Il met en scène le théâtre mordant et comique d’Aristophane, son rire moqueur souvent d’une grande justesse satirique. Alexandre Markeas y fait succéder un cycle de scènes absurdes, aristophane AVT_Aristophane_2445délirantes, poétiques, engagées aussi car il s’agit de rendre hommage à l’esprit de Charlie et de dénoncer les dérives pourtant honteuses de notre société moderne, en particulier celles que vivent les grecs actuellement… Sur le plan formel, la facétie et le jeu des contrastes rythment un spectacle “tout public”, pour petits et grands, où le choeur de la Maîtrise de Radio France occupe une place centrale, choeur sérieux, composé de chanteurs acteurs… verve, drôlerie et jubilation théâtrale s’invitent au festival Présences 2017.

Aristophane, le rire moqueur revisité

markeas rhapsodie monstre alexandros_markeasVOIR le reportage vidéo RHAPSODIE MONSTRE d’Alexandros Markéas. Le spectacle mis en espace pour le festival Présences 2017, est aussi le sujet d’une bande enregistrée pour sa diffusion radiophonique sur France Culture et France Musique, et aussi pour une version destinée à être présentée au prochain Prix Italia en septembre 2017. Production événement, reportage vidéo © studio CLASSIQUENEWS 2017 – Réalisation : Philippe-Alexandre Pham, 2017

 

 

 

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VIDEO, reportage. Présences 2017 : Rhapsodie monstre, Alexandros Markéas (création mondiale)

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presences-2017-kaija-saariaho-portraitVIDEO, reportage 2. RHAPSODIE MONSTRE d’Alexandros Markéas, création mondiale. Le Festival Présences 2017 présente à la Maison de la Radio samedi 11 février 2017, 11h (Studio 104), Rhapsodie monstre, le nouveau spectacle “tout public”, conçu par Alexandros Markéas pour un narrateur, deux chanteurs et la Maîtrise de Radio France (Jean Deroyer, direction). Le texte (Pierre Senges) s’inspire de la poésie délirante, burlesque et facétieuse d’Aristophane… Il met en scène le théâtre mordant et comique d’Aristophane, son rire moqueur souvent d’une grande justesse satirique.

Aristophane, le rire moqueur revisité

Le spectacle mis en espace pour le festival Présences, est aussi le sujet d’une bande enregistrée pour sa diffusion radiophonique sur France Culture et France Musique, et aussi pour une version destinée à être présentée au prochain Prix Italia en septembre 2017. Production événement, reportage vidéo © studio CLASSIQUENEWS 2017 – Réalisation : Philippe-Alexandre Pham, 2017

 

 

 

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Compte rendu, opéra. Londres. Royal Opera House, le 6 février 2017. Verdi : Il Trovatore. Gregory Kunde…Richard Farnes / David Bösch

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giuseppe-verdi_jpg_240x240_crop_upscale_q95Compte rendu, opéra. Londres. Royal Opera House, le 6 février 2017. Giuseppe Verdi : Il Trovatore. Gregory Kunde, Lianna Haroutounian, Vitaly Bilyy, Anita Rachvelishvili, Alexander Tsymbalyuk. Richard Farnes, direction musicale. David Bösch, mise en scène. Créée en juin de l’année dernière, la production de David Bösch imaginée pour le Trouvère connaît déjà les honneurs d’une reprise. On retrouve ainsi avec plaisir cette mise en scène sombre et décalée, ses bohémiens venus du monde du cirque, son impressionnant bûcher qui monte des dessous et son grand cœur qui s’enflamme sur les derniers accords. Malgré une direction d’acteurs sommaire, reconnaissons que cet univers visuel, éminemment personnel, fonctionne bien, et que le manichéisme contenu dans le livret n’est ni éludé ni contourné, mais au contraire pleinement assumé, comme un livre d’images qui n’est pas sans rappeler l’esthétique de Tim Burton.

La vampa d’Anita Rachvelishvili

Le soin apporté à cette reprise se reflète ainsi dans la qualité du plateau réuni pour l’occasion. Par rapport à sa prestation incandescente de l’an dernier, reconnaissons que Gregory Kunde apparaît un rien moins flamboyant. L’instrument, d’une solidité toujours à toute épreuve, semble ce soir accuser une légère fatigue, le vibrato se faisant un peu plus présent qu’à l’ordinaire. Et pourtant, toutes les notes sont là, pas un aigu ne manque à appel, jusqu’aux uts très attendus et bien présents.
Au contraire, le chanteur va jusqu’à oser des nuances nouvelles, achevant son “Ah si ben mio” sur une messa di voce inattendue, stupéfiante. On retiendra également son dernier acte, durant lequel il dévoile pour sa mère des accents de tendresse poignants. Seules les variations dans les gruppetti durant la reprise de la Pira se révèlent moins originales, davantage rythmiques que mélodiques. En outre – mais peut-être est-ce l’effet de surprise qui s’est émoussé ou nos attentes qui étaient trop grandes –, si le jeu de scène du ténor américain demeure pleinement fier et investi, nous manque une urgence qui avait rendu inoubliable sa performance passée en ces mêmes lieux.
Comprenons-nous bien: ce Manrico ne peut se comparer qu’à lui-même, pour nous l’un des derniers géants de l’art lyrique.
Peut-être est-il également moins inspiré par sa promise? Car la Leonora de Lianna Haroutounian, qu’on retrouve en pleine carrière internationale après l’avoir suivie à Massy et Tours, semble avoir perdu un peu de sa personnalité d’alors en se hissant jusqu’au niveau des grandes scènes. Tout est scrupuleusement chanté, des aigus aux graves en passant par les vocalises – bien que les pianissimi demeurent rares et certains trilles ne soient qu’esquissés –, mais cette propreté parfaitement calculée, si elle offre un résultat sonore devant lequel on ne peut que s’incliner, manque de passion, de feu, de risque. La professionnelle est à saluer, nous manquent l’artiste et la diva.
En revanche, notre Manrico paraît galvanisé par celle qui incarne sa mère alors qu’elle pourrait être sa fille, la splendide Anita Rachvelishvili, à l’occasion de sa première Azucena. Qu’on nous permette une comparaison avec la Norma de Sonya Yoncheva sur la même scène, car cette prise de rôle importante dans la carrière de la mezzo géorgienne suscite le même enthousiasme autant qu’elle soulève les mêmes interrogations. Dès les premières notes, on est saisis par l’intelligence musicale de la chanteuse. Les pianissimi ouvrant « Stride la vampa » sont précisément ceux qui manquent à Leonora, de ceux qui font retenir le souffle et tendre l’oreille pour mieux les goûter. Mais, très vite, la tessiture grave de l’air paraît entraîner la voix de la chanteuse vers le bas, et les montées sonnent ainsi un peu lourdes, comme involontairement grossies, et le vibrato s’amplifie. En outre, malgré un volume sonore impressionnant, les notes graves qui parsèment la partition semblent parfois très appuyées, ce qui nous incite à recommander la prudence pour l’avenir.
Toutefois, dès sa grande scène du II, la voix s’élève, hallucinée, emplissant tout le théâtre comme un ouragan, et l’extrême aigu sonne superbement, parfaitement placé. On admire sans réserve le génie de la musicienne, osant toutes les nuances, mordant dans le texte à pleines dents, littéralement hypnotique dans ses imprécations. Mieux encore,  l’interprète justifie pleinement les aspects névrotiques de la bohémienne, traînant avec elle un landau défoncé, émergeant d’une roulotte décorée de nourrissons en plastique et tenant dans ses bras, enveloppé dans des langes, un bébé tout aussi factice.
Après un troisième acte superbe d’intensité, c’est dans l’ultime tableau qu’Anita Rachvelishvili achève de nous terrasser, avec des phrases mezza voce littéralement murmurées, presque une confession à l’intention de chaque spectateur, dans une intensité proprement bouleversante. Et c’est une spectaculaire ovation qui accueille la mezzo au rideau final, comme une consécration.
Solide Luna, le baryton ukrainien Vitaly Bilyy fait admirer son aigu éclatant ainsi que son autorité et son mordant qui conviennent idéalement à la presque totalité du rôle. Seul son air manque de la morbidezza nécessaire, l’émission vocale demeurant uniformément vaillante et le legato un rien brutal.
Excellent Ferrando, généreux et sonore, d’Alexander Tsymbalyuk, artiste également originaire d’Ukraine et doté de moyens non négligeables.
La charmante Inès de la jeune Francesca Chiejina et le percutant Ruiz de Samuel Sakker complètement idéalement cette affiche de très haut niveau.
Fidèle à son habitude, le chœur maison impressionne par sa cohésion et sa rigueur musicale.
A la tête d’un orchestre des très bons jours, le chef britannique Richard Farnes offre une lecture de la partition dépouillée de toute vulgarité, péchant presque par excès de prudence là où aurait aimé parfois davantage d’éclat et de sang. Une très belle soirée qui salue la naissance d’une Azucena avec laquelle il faudra désormais compter et à qui l’on souhaite prudence et succès.

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Londres. Royal Opera House, 6 février 2017. Giuseppe Verdi : Il Trovatore. Livret de Salvatore Cammarano et Leone Emanuele Bardare. Avec Manrico : Gregory Kunde ; Leonora : Lianna Haroutounian ; Il Conte di Luna : Vitaly Bilyy ; Ferrando : Alexander Tsymbalyuk ; Ines : Francesca Chiejina ; Ruiz : Samuel Sakker. Chœur du Royal Opera House ; Chef de chœur : Sergey Levitin. Orchestre du Royal Opera House. Direction musicale : Richard Farnes. Mise en scène : David Bösch ; Décors : Patrick Bannwart ; Costumes : Meentje Nielsen ; Lumières : Olaf Winter ; Vidéos : Patrick Bannwart.

Kaija Saariaho : Main surplombe

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saariaho-kaija-portrait-festival-presences-2017PARIS, Radio France. Dimanche 12 février 2017, 18h. Concert “Main surplombe”… avec Neue Vocalsolisten, L’instant Donné… Le Festival Présences 2017 à Radio France souligne la fertile créativité de la compositrice finlandaise Kaija Saariaho qui réside à Paris. Le Festival parisien lui dédie un portrait incontournable du 10 au 19 février 2017. LIRE notre présentation du Festival Présences 2017.

 

 

 

Ramon Lazkano
Main surplombe (CF) *

Frédéric Pattar
Symphony for Human Transport (CRF-CM)

Ricardo Nillni
Fulcrum (CM)

Ramon Lazkano
Ceux à qui *

Neue Vocalsolisten
L’Instant donné
Manuel Nasri, direction

 

presences-2017-kaija-saariaho-portraitLa voix et les mots. Premier des trois rendez-vous consacrés à la personnalité aussi discrète que féconde de Ramon Lazkano. La voix et les mots à travers la poésie d’Edmond Jabès célébrée par le compositeur basque dans un diptyque qui traite notamment de la notion d’exil, et auquel répond la poétique musicale de Frédéric Pattar inspirée de Lisa Samuels. Projection, ciselage, incrustation du verbe: autant de gestes qui renvoient au travail d’artistes plasticiens se jouant de la matière avec, en miroir, un dialogue instrumental signé Ricardo Nillni.

 

 

RÉSERVEZ VOTRE PLACE

 

 

 

Il Matrimonio Segreto de CIMAROSA

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cimarosa domenicoNANCY. Cimarosa : Le mariage secret, 31 janvier > 9 février 2017. Nancy affiche l’un des sommets de l’opéra buffa napolitain, modèle adulé et repris dans toute l’Europe des Lumières, à une époque où orphelin de Mozart décédé l’année précédente, toutes les cours s’enflamment pour l’ivresse lyrique et giocosa du précurseur de Rossini en matière de finesse psychologique et de situations comiques parfois délirantes : Cimarosa. C’est un joyau lyrique prérossinien… Quand Cherubini sur les traces de Gluck et son style frénétique, réinvente l’opéra tragique romantique et néoclassique, Médée en 1797, un autre italien surdoué fait briller la lyre comique et d’une subtilité palpitante même, qui tout en approchant l’esprit de Mozart, annonce Rossini : Cimarosa. Le napolitain est le compositeur le plus estimé en Europe : rival de Paisiello à Rome et Naples, il devient le musicien officiel de la Grande Catherine à Saint-Petersbourg (Cleopatra en 1789), puis peu stimulé par l’impératrice qui préfère écrire en français à Voltaire, rejoint une autre cour impériale, celle de l’empereur Leopold II, à Vienne, qui reçoit son chef d’oeuvre absolu dans la veine légère et délirante : Le mariage secret de 1792. Leopold II se souverain auquel Mozart le plus grand compositeur du temps avait précédemment légué son Titus, La Clémence de Titus, dernier seria où le divin Wolfgang, exprimait la lyre amoureuse autour d’un empereur solitaire et trahi, qui pourtant livré par ses plus proches, conçoit la clémence et la compassion fraternelle : tout un symbole pour cette figure emblématique du prince vertueux…

En 1792, l’année de la création de son Mariage secret / Il matrimonio segreto, Cimarosa a 43 ans ; il est au sommet de son inspiration, d’une élégance et d’un raffinement inégalables alors. D’autant plus que Mozart s’est éteint l’année précédente. Mais à la mort de Leopold en 1793, il rejoint Naples au sein de la cour royale, composant encore des ouvrages d’une modernité à redécouvrir dont les fameux Horaces et Curiaces (Gli Orazi ed i Curiazi) en 1796. A Naples, le républicain dans l’âme se dévoile à l’annonce des troupes napoléoniennes, il est emprisonné par la reine Marie-Caroline et meurt sur le chemin de la Russie (qu’il souhaitait retrouver finalement) ; à Venise en 1801 : sa dernière œuvre Artemisia, autre joyau à ressusciter, est créée dans la cità lagunaire, 6 jours après sa mort (janvier 1801). Sa vivacité et son intelligence des situations, l’élégance de l’écriture vocale, la mesure en tout et la délicatesse poétique éblouissent surtout dans ses comédies : à ce titre il Matrimonio segreto de 1792 est emblématique d’un génie prérossinien (comme c’est le cas du portugais parti aux Amériques au Brésil, Marcos Portugal dont le chef Bruno Procopio a ressuscité, déjà depuis 2012, la verve piquante irrésistible dans son opéra comique, L’oro no compta amore, de 1804.

Cimarosa prérossinien

Les personnages de l’opéra sont pris dans un labyrinthe sentimental, véritable marivaudage étourdissant, où les vrais amants, sincères l’un à l’autre et tenus par ce mariage “secret”, étant convoités par d’autres, pourraient bien être séparés… De quiproquos en fausses déclarations, de manipulations, en vraies intrigues, les couples déclarés se croisent, sans considération d’âge ni de statut.  Mais chacune des épreuves révèlent les vraies natures… elles permettent au compositeur de caractériser avec finesse chaque profil éprouvé ou désirant.
En deux actes, la comédie met en scène le projet du vieux Geronimo, commerçant enrichi qui souhaite faire de bons mariages pour ses deux filles : mais Carolina est déjà mariée en secret à son commis Paolino. Ce dernier propose à son ami le comte Robinson, noble ruiné, d’épouser la sœur aînée : Elisetta… mais Robinson s’éprend de Carolina, tandis que la sœur du vieux Geronimo, Fidalma, cougar avant l’heure, déclare sa flamme au jeune Paolino… Après de nombreuses péripéties riches en rebondissements, quand Elisetta menace de trahir sa sœur cadette et de tout révéler au père (le mariage secret), Geronimo pardonne finalement aux jeunes mariés clandestins et Robinson épousera Elisetta… Le succès à la création fut tel que Leopold II bissa l’intégralité de l’ouvrage. Paris se passionne ensuite pour l’ouvrage dès sa création (tardive) au Théâtre Italien en juin 1801 : Cimarosa était mort au début de l’année, mais il avait conquis sur les boulevards une légitime immortalité : l’opéra sera joué plus de 400 fois.

Cimarosa : Il matrimonio segreto
Le mariage secret, 1792

Nouvelle production créée à l’Opéra de Zürich en 2014
du 31 janvier au 9 février 2017

Direction musicale : Sasha Goetzel
Mise en scène : Cordula Däuper
Orchestre symphonique et lyrique de Nancy

Carolina : Lilian Farahani
Signor Geronimo : Bruno de Simone
Elisetta : Maria Savastano
Fidalma : Cornelia Oncioiu
Paolino : Anicio Zorzi Giustiniani
Comte Robinson : Riccardo Novaro

5 représentations à l’Opéra de Nancy :
Mardi 31 janvier 2017 à 20h
Jeudi 2 février 2017 à 20h
Dimanche 5 février 2017 à 15h
Mardi 7 février 2017 à 20h
Jeudi 9 février 2017 à 20h

+ d’infos sur le site de l’Opéra national de Lorraine, à Nancy
http://www.opera-national-lorraine.fr/spectacles/ii-matrimonio-segreto-domenico-cimarosa

LITTLE NEMO de Windsor McCay (1905-1927)

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LITTLE NEMO, la nouvelle création lyrique d'ANGERS NANTES OPERANANTES, Opéra. Little Nemo :nouvelle production lyrique événement dès le 14 janvier 2017. Nemo est un enfant suractif qui a trouvé dans ses propres rêves, tout un monde inédit, un nouvel univers enchanteur, d’un onirisme jamais vu jusque là, mêlant le futur et le fantastique comme un opéra surréaliste. Tout vient de l’imagination débordante et visionnaire du dessinateur Winsor McCay (1869-1934), le père de Nemo. Ses crayons réinventent le paysage urbain, imaginent des héros attachants, créent des situations où c’est surtout l’état d’enfance et l’immersion dans les songes qui offrent des clés d’un monde enchanté. En pyjama, le jeune rêveur est comme le Petit prince de Saint-Exupéry, un guide pour décrypter une autre réalité. Les rêves envahissent la réalité, le sol se dérobe, les visions se multiplient, et l’ordre connu s’inverse… Cette virtuosité inonde la séduction graphique et chromatique des planches dessinées entre 1905 et 1927 par Winsor McCay pour deux quotidiens new yorkais (dont le New York Herald de J. Pulitzer). Son surréalisme se déploie dans le monde des songes, inventant une science fiction à la fois psychédélique et psychanalytique.

 

 

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Winsor_McCay_1906L’auteur offre un langage extrêmement abouti grâce à ses crayons, créant aux côtés de Disney, un monde narratif enchanteur qui ne s’adresse en réalité pas qu’aux adultes, bien au contraire : il appelle à cultiver par le pouvoir de l’imagination, notre état d’enfance, symbole d’une humanité enfin pacifiée et créatrice. Les mondes enchantées de Windsor McCay, révélateurs déjà de la consommation américaine du divertissement et de la grande consommation des grandes mégapoles (Chicago et les architectures futuristes de l’exposition universelle de 1893 sont très perceptibles dans son oeuvre), se sont révélés décisifs pour le cinéma, la BD après lui ; Robert Crumb, Fellini lui doivent beaucoup. C’est une formidable épopée des songes, une comédie par le papier illustré qui se compose ainsi de près de 550 épisodes, édités en feuilletons dans l’édition dominicale… au terme desquels pour chaque séquence, Nemo tombe du lit et se réveille brutalement.

 

 

 
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Au Théâtre Graslin de Nantes, NEMO 2016

 
 

LITTLE NEMO, la nouvelle création choc d'Angers Nantes OpéraEn janvier 2016, plus d’un siècle après les premiers feuilletons de cette saga visionnaire, Angers Nantes Opéra propose un regard particulier sur les mondes de Nemo (Slumberland), mais un Nemo qui devenu adulte, a perdu son âme d’enfant. En réalité, il s’agit pour la première scène lyrique de France dirigée par Jean-Paul Davois (par ses audaces artistiques et son souci de réconcilier théâtre et chant dans une perspective engagée) de réinventer l’opéra pour tous (dès 7 ans), de renouer avec cette humanité idéale qui aurait cultiver sa part d’enfance sans jamais la renier. Production événement à Nantes, Théâtre Graslin, dès le 14 janvier 2017.

 

 

LIRE notre présentation complète de l’opéra en création LITTLE NEMO de David Chaillou d’après Winsor McCay, dès le 14 janvier 2016 à Nantes, Théâtre Graslin

 

 

CD, annonce : Mozart, La Clémence de Titus par Jérémie Rhorer et Le Cercle de l’Harmonie (2 cd Alpha, live, Paris, 2014)

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Jérémie Rhorer réalise un Mozart régénéré, palpitantCD, annonce : Mozart, La Clémence de Titus par Jérémie Rhorer et Le Cercle de l’Harmonie (2 cd Alpha, live, Paris, 2014). En avant première, voici ce que la Rédaction de classiquenews qui a reçu le coffret pour écoute, a pensé de la lecture du chef Jérémie Rhorer : premières impressions avant la critique complète à venir en février 2017… L’urgence qui réactive constamment voire fouette l’élan de l’orchestre, – machine émotionnelle puissante prête à s’emporter, impose un rythme trépidant dès l’ouverture (avec ensuite, un pianoforte pour les recitatifs d’une églae et permanente activité). Depuis son premier seria Mitridate (conçu à 14 ans !; en 1770), Mozart n’a jamais tari d’éloquente sensibilité ni de juste clairvoyance dans le traitement des sentiments humains les plus ténus : son dernier Titus, – également inspiré de la tension , néoclassique des théatreux français classiques, Jean Racine pour Mitridate, Pierre corneille pour La Clémence de Titus, observe la même acuité psychologique. De cette constance lumineuse, qui fait de Wolfgang le génie de l’âme que l’on sait, Jérémie Rhorer sait puiser et exprimer la vérité cachée, opérant une mise à nue d’une évidente plasticité.

 

 

 

premières impressions du cd La Clemenza di Tito…

Le mozartien Rhorer dévoile la vérité du sentiment

 

 

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La prise live (réalisée le 16 décembre 2014) accentue les distorsions réalistes, et l’impression de grande vivacité (avec bruits des déplacements sur scène en prime), d’autant que les solistes savent saisir l’irrisation et l’exacerbation des passions mozartiennes ; voilà un dernier seria ciselé dans la langue des sentiments la plus subtile : La Clémence de Titus en cette année 1791, affirme une nervosité déjà romantique. Il est vrai que Wolfgang sait mieux que personne à son époque, ciseler le chant des désirs, analyser la psyché de chacun de ses personnages. En cela, La Clemenza di Tito est un sommet de vérité et de dévoilement : tout est dit par la musique, mieux que les paroles.
gauvin karine elvira dans don giovanni de teodor currentzisCôté chanteurs ? La Vitellia, ardente, sensuelle, calculatrice envers Sesto ; vengeresse envers Titus… est une lionne, garce et sirène dont on suit pas à pas la métamorphose jusqu’à son grand air avec cor de basset obligé, où elle abdique toute entreprise haineuse, et s’humanise enfin. Le miel ardent, dévorant, palpitant de l’ineffable Karina Gauvin se révèle aussi convaincante ici que sa Donna Elvira dans un récent Don Giovanni (enregistré par l’impétueux lui aussi Teodor Currentzis pour Sony classical, CLIC de CLASSIQUENEWS) : la diva canadienne irradie de sa flamme incarnée, rugissante et voluptueuse, irrésistible. Voilà posés les arguments principaux d’une lecture mordante et expressive qui affirme aujourd’hui, la réussite fascinante du dernier seria de Mozart.
C’est donc après L’enlèvement au sérail que la Rédaction de classiquenews a distingué d’un CLIC, une nouvelle réussite à porter au crédit du chef mozartien. A suivre…

 

 

 

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CD, annonce. MOZART : La Clemenza di Tito par Jérémie Rhorer (2 cd Alpha Live). Grande critique à suivre sur CLASSIQUENEWS, le jour de la parution du cd La Clemenza di Tito / La Clémence de Titus par Jérémie Rhorer, soit le février 2017.

 

 

 

LIRE aussi  :

mozart die entfuhrung aus dem serail cercle de l harmonie jeremie rhorer cd outhere presentation review critique CLASSIQUENEWS mai juin 2016CD, compte rendu critique. Mozart : L’Enlèvement au sérail (Jérémie Rhorer, Jane Archibald, septembre 2015 – 2 cd Alpha). Sous le masque léger, exotique d’une turquerie créée à Vienne en 1782, se précise en vérité non pas la confrontation de l’occident versus l’orient, occidentaux prisonniers, esclaves en terres musulmanes, mais bien un projet plus ample et philosophique : la lutte des fraternités contre le despotisme et la barbarie cruelle (la leçon de clémence et de pardon dont est capable Pacha Selim en fin d’opéra reste de nos jour d’une impossible posture : quels politiques de tout bord est-il capable de nos jours et dans le contexte géopolitique qui est le nôtre, d’un tel humanisme pratique ?). Cette fraternité, ce chant du sublime fraternel s’exprime bien dans la musique de Mozart, avant celle de Beethoven. LIRE la critique complète de l’Enlèvement au Sérail de Mozart par Jérémy Rohrer

 

 

CD, compte rendu critique. INVOCATIONS, Katia & Marielle Labèque, pianos. Stravinsky, Debussy (Deutsche Grammophon, 2016)

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Invocations-Digisleeve soeurs labeque stravinsky debussy cd critique review classiquenewsCD, compte rendu critique. INVOCATIONS, Katia & Marielle Labèque, pianos. Stravinsky, Debussy (Deutsche Grammophon, 2016). Le Sacre dans sa parure brute, âpre pour deux pianos de 1913 accuse les arètes vives du génie franc de Stravinsky : c’est d’abord une sorte de déconstruction à deux voix, d’où surgit peu à peu au sein d’un maestrum originel, – sorte de puissance motrice matricielle, lourde, chargée, éruptive, d’une rare violence (déflagration des Augures printaniers)-, l’esprit de la pulsion première, primitive, archaïque ; la folie voisine avec l’obsession, la transe avec la fureur destructrice, celle des bacchantes (déchiquetant le corps du pauvre Panthée par exemple). La lecture suppose une très intéressante réflexion du Sacre, sa transposition sonore : entre Eros et Thanatos, désir et mort ; exaltation, sacrifice. Mer des instincts les plus sauvages où s’insinue aussi une ivresse éperdue, comme désespérée (« Rondes printanières », quasi disloquées, effilochées), jusqu’à l’exténuation de « Jeu des cités rivales » et la transe panique très incisive comme des éclairs tranchants, du dernier épisode de la partie I : « Danse de la terre ».

Avec le deuxième volet du cycle (« Le Sacrifice »), les deux Sœurs installent un climat plus inquiétant : étrangeté superbement allusive du « largo » introductif (plus de 4 mn d’interrogation spatiale, temporelle, sonore…) : l’effet est saisissant et montre qu’il n’est pas besoin d’un plein orchestre pour exprimer la profonde inquiétude humaine, la perte de toute espérance, le renoncement à toute innocence : c’est pour nous l’instant où se joue tout le drame, le plus bouleversant du cycle, s’achevant avec la petite phrase initialement confiée au violoncelle… Car l’inéluctable peu à peu s’impose dans les 5 séquences qui suivent : affirmation à nouveau progressive, féline, ondulante…, d’une terrible mécanique, parfois semblant déréglée, mais surexpressive dans cette instabilité consciente, grimaçante, convulsive, – déchirée, …, qui chante l’inéluctable course au sang.
Les deux pianistes rebattent les cartes du jeu chorégraphique, déplaçant les points centripètes de l’énergie expressive, redessinant d’un clavier à l’autre, le jeu des échos, des réponses d’un dialogue de plus en plus haletant : on se laisse alors entraîner dans cette course rituelle, tragique et libératoire dans l’ « Action des ancêtres », puis, dernier acte de la scène cathartique, la « Danse sacrale », introduite par une série d’acoups profondément déstabilisants : l’intelligence interprétative est là encore sidérante de justesse assumée, d’engagement à la fois glaçant et fascinant. C’est une lecture recréative d’une puissance millimétrée.
Autant de palette de nuances crânement défendues affirme une compréhension intime de l’œuvre : la relecture et sur le plan de la transcription, la réécriture de chaque partie, compose une trame passionnante à suivre. Il était urgent et donc tout à fait légitime après écoute d’un tel choc sonore, d’exhumer la version originale pour deux pianos datée de 1913. Sans la présence de toutes les couleurs de l’orchestre que nous connaissons davantage, la force première de l’œuvre n’y perd rien, bien au contraire. Elle fulmine par sa sauvagerie canalisée.

labeque soeurs invocations debussy stravinsky LACOMBE_B1009505_D_bw_NEW-2Des 6 Epigraphes antiques de Debussy, à la caresse suave contrastant très fortement avec les mondes sonores apocalyptiques de Stravinsky, affirment une toute autre spatialité musicale ; saluons surtout l’énigme de « Pour un tombeau sans nom » (Epigraphe II) et son caractère funambulique, de plus en plus liquide…
Elle aussi d’une torpeur océane, envoûtante, lovée dans une marche plus affirmée néanmoins ; distinguons aussi la presque urgence plus narrative de l’Epigraphe III : « Pour que la nuit soit propice ». Toute en finesse, voire en lueurs crépitantes, parfois aveuglantes et fugaces, les Sœurs Labèque font vibrer dans la bonne résonance cet appel à la vie que Debussy proclame face aux reliefs antiques : du marbre silencieux, au mouvement des notes, c’est un hymne à la vie, en frémissements et évocations millimétrées, parfois en broderies qui conserve leur mystère suspendu. Le visuel de couverture est celui, rituel, énigmatique, d’un passage, entre ombre et lumière, entre paganisme primitif et antiquité revisitée. La conception globale de ce programme par lequel les deux sœurs pianistes reviennent à Deutsche Grammophon force l’admiration. CLIC de CLASSIQUENEWS de décembre 2016.

CLIC D'OR macaron 200CD, compte rendu critique. INVOCATIONS, Katia & Marielle Labèque, pianos. Transcription originale pour deux pianos du Sacre du Printemps (1913) de Stravinsky. Six Epigraphes de Debussy, idem (1915) — 1 cd Deutsche Grammophon — enregistré au studio KML à Rome en mars et août 2016.

CD et CONCERT, annonce. PARIS, le 10 janvier 2017. Récital, Duo Berlinskaïa / Ancelle : LISZT et SAINT-SAËNS à 2 pianos.

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liszt duo ludmila berlinskaia arthur ancelle piano review presentation critique cd classiquenewsCD et CONCERT, annonce. PARIS, le 10 janvier 2017. Récital, Duo Berlinskaïa / Ancelle : LISZT et SAINT-SAËNS à 2 pianos. Au concert comme au disque, le duo de pianistes Ludmila Berlinskaïa et Arthur Ancelle promet bien des surprises. En un jeu de transcriptions / réponses entre deux génies du clavier romantique, Saint-Saëns et Liszt, les deux pianistes réalisent un nouveau programme étincelant qui s’appuie pour beaucoup sur l’entente et la complicité artistique et musicale de leur quatre mains. 2 pianos certes mais un seul cœur, ou plutôt une seule âme, qui ici palpite et s’embrase, murmure et suggère, invoque et vocifère, selon l’intensité poétique des partitions.
QUATRE MAINS ROMANTIQUES, MYSTIQUES, FANTASTIQUES…. Autour de la Sonate en si de Liszt dont Saint-Saëns réussit la transcription à 4 mains (celle dont a rêvé Liszt mais qu’il n’a jamais pu réaliser), Ludmila Berlinskaïa et Arthur Ancelle, – mariés à la ville, associent Danse Macabre de Saint-Saëns, dans deux transcriptions différentes, celle de l’auteur, originale, et celle plus éclectique signée Liszt, Horowitz et …Arthur Ancelle. Ce dernier passionné par l’exercice, propose aussi sa propre transcription d’Après une lecture de Dante (de Liszt), où là encore, entre lyrisme échevelé et élans mystiques, le jeu subtilement dialogué des deux claviers ne transpose pas, mais exprime et sublime la version originelle de Liszt : plus qu’une nouvelle preuve de leur formidable entente artistique – à ce niveau de maturité et de profondeur, unique à ce jour-, les époux inspirés confirment leur tempérament de braise, entre éloquence dramatique et sincérité ; ils renouvellent surtout notre perception de la transcription : format transcendant, libérateur, décidément fertile aux accomplissements poétiques. Concert événement à Paris (salle Cortot), le 10 janvier 2017. Parution de leur nouvel album :  « LISZT, 2 Sonatas for 2 pianos », à paraître le 13 janvier 2017 (1 cd Melodya).

 

 

 

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EN LIRE +

 

LIRE notre présentation du concert LISZT – SAINT-SAËNS par Ludmila Berlinskaïa et Arthur Ancelle, mardi 10 janvier 2017, Salle Cortot, PARIS.

 

Prochaine critique complète du cd « LISZT, 2 Sonatas for 2 pianos », (1 cd Melodya) : à venir dans le mag cd dvd livres de classiquenews.com

 

 

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POITIERS. UM, la nouvelle partition de Zad Moultaka

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POITIERS. UM, la nouvelle partition hypnotique de Zad MoultakaPOITIERS, TAP. Auditorium : Um de Zad Moultaka. Le 22 novembre 2016, 20h30. UM est une méditation sonore qui s’inspire du livre des morts tibétain et des rituels chantés dans les monastères. 6 chanteurs ici entonnent la litanie méditative et interrogative d’une action sacrée : la voix se fait geste et la musique investit l’espace en ondes interrogatives. Les voix sont accompagnées par un ensemble instrumental et des haut-parleurs suspendus et jonchant le sol, qui produisent une trame à la fois enveloppante et hypnotique à partir des infra graves et ultra aigus. La question centrale demeure : où est la place de l’homme ? Dans l’univers, dans son rapport (rompu ? donc destructeur…) avec la nature ; avec soi-même aussi : qui suis-je ? UM, en quête d’un espace intérieur, porteur d’un questionnement universel, fonctionne alors comme une série de mantras, « phonèmes empruntés à notre société de consommation, qui en constitue une critique acerbe, déplorant notre rapport perdu au sacré. » Ars Nova ensemble instrumental, dirigé par Philippe Nahon, fusionne avec les chanteurs du groupe vocal allemand NEUE VOCAL SOLISTEN (basé à Stuttgart), pour créer la nouvelle partition composé par Zad Moultaka. Philippe Nahon retrouve l’auteur d’UM, comme un complice car Ars Nova ensemble instrumental a déjà créé des pièces antérieures de Moultaka, depuis déjà 2014. Un troisième partenaire, l’IRCAM, où le compositeur est en résidence depuis juillet 2015, mettra en oeuvre la spatialisation électronique et l’architecture électroacoustique. La force de cette nouvelle partition est de faire dialoguer l’intime et l’universel, tout en exprimant par la musique cette quête dont nous avons perdu l’activité et le but ultime. L’austérité apparente de sa réalisation produit à l’inverse, un véritable théâtre du geste et du silence, de la résonance et de la révélation.

UN OCEAN SONORE QUI QUESTIONNE… Pour Zad Moultaka, il s’agit de retrouver un espace sensible et sonore, propice au questionnement fondamental, à l’essor d’une conscience soucieuse d’harmonie et de plénitude. « Disposés en strates, sur trois niveaux, un ensemble mixte en fond de scène, un autre constitué de cuivres et percussions, puis au centre sept chanteurs prononçant des mots morcelés, des «noms», des syllabes qui sonnent comme des mantras creux, provenant de notre société avide de consommation. Six hommes, situés dans le noyau du dispositif sonore de la salle, en quête de lien entre le haut et le bas, le ciel et la terre, l’espace extrême des harmoniques et les infra-graves. Des haut-parleurs suspendus au-dessus du public incarnent cet espace ultime de l’aigu ; d’autres éparpillés sur le sol ouvrent celui des graves extrêmes. Les moines bouddhistes creusent dans les profondeurs de la matière vocale pour faire apparaître ce qu’elle a de plus transparent, les harmoniques aiguës. Elles surgissent miraculeusement pour nous rappeler que le visible et le caché, le matériel et le spirituel se côtoient et sont de même nature » précise le compositeur.

« Et si nous pouvions descendre encore plus bas ? Creuser encore plus loin ? Aller au-delà du grave, plus grave que le grave, de sorte que le chant des moines devienne lui-même l’aigu d’une vibration souterraine non révélée. Que serait cette matière ? Quel visage auraient ces aigus au-delà des aigus ? Ici, la machine informatique pourrait-elle nous montrer le chemin ? Un sens ? La machine… Beau paradoxe qui se jouerait dans les laboratoires de l’Ircam » questionne encore Zad Moultaka.

moultaka zad festival_d_ile_de_france_2015-adonis_copyright_zad_moultaka_01-webMECANIQUE DU SON… Mais le compositeur entend aussi inscrire sa démarche dans un mouvement concret et mécanique : « C’est aussi un « dispositif de transformation d’une énergie en énergie mécanique », une force qui donne le mouvement. Il est dit que « Dieu est le premier moteur, le souverain moteur de toutes choses. Et si on suivait cet adage à la lettre ? Le moteur… dans le sens le plus mécanique…UM, cette syllabe à consonance de mantras cacherait aussi, cyniquement, l’acronyme de United Motors ? Les moines tibétains ont bien été utilisés pour une publicité de voiture! Le moteur serait donc à nos sociétés ce que le chant bouddhiste est à la leur”. Zad Moultaka propose donc une expérience unique aux spectateurs, immergés dans un océan sonore, où la direction du son se fait questionnement répété, action d’une conscience pleine et exigeante que nous devons apprendre à recueillir, incarner, cultiver… L’ombre et la lumière, le silence et sa résonance, l’immobilisme et le mouvement… l’écriture du compositeur contemporain réconcilie les dimensions sensibles et traditionnellement opposées, en une totalité qui renouvelle la conception même du concert classique. VOIR aussi notre reportage dédié à la création de JARDIN CLOS, spectacle conçu par Zad Moultaka, réalisé par De Caelis, en résidence à l’Abbaye aux Dames de Saintes, juillet 2014.

Pour sa part, Philippe Nahon, invité à réaliser cette nouvelle partition dans sa parure sonore et spatiale, « C’est un désir et une nécessité que de mettre toutes ses forces au service de cette intelligence constructrice de l’art contre le silence et l’obscurité. Le rituel tibétain a donné à Zad Moultaka l’énergie motrice génératrice de forme, d’élan, de sons, de rythmes. De l’étincelle jaillit la flamme vers laquelle toutes les forces de vie convergent pour trouver l’équilibre ou la mort sublime comme le papillon ébloui qui s’y brûle les ailes. »
Rien n’est donc anodin dans cette architecture musicale dont le flux est toujours en mouvement et en expansion. La quête et le questionnement dont il s’agit, et que vont découvrir les spectateur de ce programme événement, sont à la hauteur de la barbarie sourde et multiple qui frappe désormais à notre porte, au risque de détruire notre civilisation. A la violence désormais ordinaire qui nous submerge, Zad Moultaka pose la question qui doit nous faire réagir. L’art et la musique pour notre salut.

 

 

 

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boutonreservationUM, de zad Moultaka
Mardi 22 novembre 2016, 20h30
POITIERS, TAP Auditorium

Placement libre
Durée : circa 1h10
Créé en octobre 2016

Rencontre avec le compositeur Zad Moultaka
Mardi 22 novembre 2016, à 18h30
Série “Pourquoi les chefs d’orchestre mènent-ils tout le monde à la baguette ?”

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UM, nouvelle partition de Zad Moultaka
Durée : circa 1h15

EFFECTIF / DISTRIBUTION :
Ars Nova ensemble instrumental : 11 musiciens
Direction : Philippe Nahon

1 tuba
2 trombones
1 cor
1 trompette
1 flûte
1 clarinette
1 percussion
1 alto
1 violoncelle
1 contrebasse

NEUE VOCAL SOLISTEN : 6 voix
S/M/A/T/B/B

Programme repris le 13 mai 2017
Arsenal de Metz (57) ;
puis en juin 2017 (date à préciser),
au Stuttgart Summer Festival (Allemagne)

Les Vêpres solennelles de Mozart (1779)

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mozart-vignette-carre-depeche-mozart-2016France Musique. Dimanche 25 décembre 2016, 16h. Mozart: Les Vêpres d’un Confesseur K 339. GRÂCE SOLENNELLE DE MOZART A SALZBOURG. Mozart à Salzbourg a 24 ans quand il compose Les Vêpres Solennelles d’un Confesseur, représentées le 30 septembre 1780, le jour de la saint-Jérôme, fête de son patron le prince-archevêque Colloredo. Après une tournée éprouvante à Mannheim, à Paris (où meurt sa mère en juillet 1779), Wolfgang doit revenir dans la cité où il est né et qui l’étouffe. Devenu cependant organiste de la Cour salzbourgeoise, le compositeur écrit plusieurs chefs d’oeuvre sacrés dont la Messe du Couronnement et les Vêpres d’un confesseur, ultime cycle liturgique pour Salzbourg car la rupture avec son employeur est imminente. La solennité de la partition renvoie à son instrumentation spécifique (raffinée) et le confesseur dont il est question rappelle la nature du saint fêté : Jérôme, figure non martyr, qui a « confessé », c’est à dire proclamé sa foi. Le sujet est donc déclaratif, affirmant haut et fort, de façon solennelle (et majestueuse), l’acte de foi de Jérôme. En ut majeur, l’œuvre comprend 5 psaumes, conclut par un Magnificat. L’écriture alterne stile antico et stile moderno; selon le caractère de chaque texte.
Mozart y exprime tout à tour, la puissance divine (processionnel Dixit Dominus, noté allegro  : chant de victoire du très fervent et conquérant David : … » que je fasse de tes ennemis ton marchepied ».), les louanges au Seigneur (Confiteor, choeur et solistes dans la partie centrale sur une forme sonate), la jubilation (Beatus dir, allegro), la gloire divine chantée par les enfants en chœurs (fugue dramatique : Laudate pueri, débutant par un canon et conçu comme un épisode austère en style antichoc, mais fugato expressif dans le style de Bach et de Handel) ; enfin l’adoration pour Dieu (Laudate Dominum / Louez l’Eternel…, sublime arioso de la soprano, de caractère enchanteur et suspendu, en forme de sicilienne pastorale) ; enfin la conclusion par le Magnificat traditionnel : la majesté triomphante de la divinité de compassion et de pardon, soit Marie, célébrée dans sa grâce miséricordieuse et humaine s’affirme (trompettes et timbales du dernier Magnificat / Mon âme exalte le Seigneur). A l’évocation du David, d’une juvénile ardeur, le cycle ajoute les couleurs finales du pardon et de la justice (le Seigneur disperse les orgueilleux, a renversé les puissants et élevé les faibles, a nourri les affamés et appauvrit les riches). Mozart soigne la diversité des effectifs, et des formes musicales, selon les images du texte et pour vaincre l’effet de monotonie du cadre officiel. Prolongeant la réussite de la Messe du Couronnement qui précède (juillet 1779), Les Vêpres d’un confesseur illustrent la maîtrise première du compositeur, capable de renouveler l’esthétique plus que conservatrice de son employeur détesté, Colorado. Après ses Vêpres solennelles, Mozart outré par les humiliations répétées fournies à son encontre par le prince-archevêque, donne congé à celui qui ne comprenait rien à sa musique. Et Salzbourg perd ainsi à la faveur de Vienne, le génie musical de son époque.

logo_francemusiqueFrance Musique. Dimanche 25 décembre 2016, 16h. Les Vêpres d’un Confesseur K 339 de Mozart. La Tribune des critiques de disques. Quelle est la meilleure version enregistrée ?

LIVRES, compte rendu critique. LUDWIG VAN BEETHOVEN par Patrick Favre-Tissot-B (Bleu Nuit éditeur)

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beethoven livres patrick favre tissot bonvoisin critique livre beethoven classiquenews b_132LIVRES, compte rendu critique. LUDWIG VAN BEETHOVEN par Patrick Favre-Tissot-B (Bleu Nuit éditeur). Collection « Horizons ». A l’heure de la grande exposition présentée à la Philharmonie de Paris jusqu’à la mi janvier 2017 (« Ludwig van, le Mythe Beethoven »), Bleu Nuit éditeur publie une très complète biographie du génie romantique né à Bonn (Beethoven : 1770-1827), astre musical à Vienne, inventeur de la modernité romantique et qui comme Mozart dont il est l’héritier spirituel, a défendu contre tous et contre le système, l’unicité souveraine de son activité de compositeur : face à l’arrogance des Grands, nés fortunés et privilégiés, Beethoven aimait dire qu’il y aurait toujours des princes, mais qu’il n’y avait qu’un seul Beethoven. Aplomb sublime d’un créateur hors normes. Conscience égotique, narcissisme hypersensible… le génie incarné ne souffre aucune critique sinon notre compassion car l’homme eut une vie forcément exceptionnelle mais tragique que le texte très documenté voire palpitant restitue ici en 176 pages et … XI chapitres. Beethoven eut même une existence misérable, éprouvant toujours l’indignité et la misère d’une vie sans ressources, surtout la carrière d’un musicien brisé par sa surdité inéluctable (qui le rendit sensible au suicide), sans omettre la blessure ineffaçable d’une vie sans amour, ayant toujours recherché sans vraiment la trouver et la rejoindre, cette « immortelle Bien-aimée », – la fameuse « T »… destinataire de lettres toujours codées, d’un inintelligibilité persistante : le livre penche pour Antonia Brentano, l’égérie, la muse, l’éternelle et secrète amie de son cœur… au lecteur de se faire sa propre opinion et de trancher face aux arguments qui lui sont présentés. En désirant des femmes d’esprit, mélomanes, surtout aristocrates, Beethoven visait (par ce qu’il était né roturier), l’inaccessible. Comme Berlioz jeune, qui cependant contrairement à l’Allemand, réussira à connaître le bonheur conjugal.
A Vienne, Beethoven affirme son unicité ; sa singularité, suscitant l’admiration des cénacles éclairés de la capitale impériale ; il reste unique dans l’histoire musicale qu’un auteur puisse ainsi par exemple en 1808, s’assurer le versement à vie d’une rente fournie par 3 familles parmi les plus riches de Vienne (l’Archiduc Rodolphe son élève, le prince de Lobkowitz, le prince Kinsky), afin de l’empêcher de partir… Impossible et hautain, mais génial et irrésistible, Ludwig van sut donc s’attirer le soutien fraternel d’une audience
connaisseuse, ayant parfaitement mesuré la valeur de son génie musical (même Mozart n’eut pas cette chance).
Beethoven_Hornemann-500-carreD’ailleurs l’auteur parvient à nous rendre fraternelle et proche, la figure du musicien : sublime dans son destin magnifique, comme perdu dans ses amours clandestins et tus, voire égaré quand à la mort de son frère, il se voit gérer le destin de son neveu Karl, contre sa marâtre indigne et « sotte » (l’innommable Johanna). Les grandes œuvres sont toutes parfaitement présentées et expliquées, chacune dans le parcours personnel de l’auteur, dans le contexte de la période; les symphonies, les partitions sacrées dont la Missa Solemnis (1818-1822), son seul opéra Fidelio (1803-1814), surtout les quatuors, véritable miroirs du dernier Beethoven, le plus âpre, le plus ambitieux, le plus solitaire, revenant à un sens de l’épure et de la synthèse qui force l’admiration. L’homme de rupture, le philosophe volontaire doué d’une intelligence supérieure, l’artiste visionnaire qui parle au delà de son époque et exprime une foi sincère dans l’humanité… font aujourd’hui la valeur d’une écriture et d’une pensée uniques, dont témoigne idéalement la prose facile et accessible de ce nouveau texte biographique.


CLIC D'OR macaron 200Cycle BEETHOVEN sur Arte les 2, 9, 16, 23 et 30 octobre 2016 LIVRES. LUDWIG VAN BEETHOVEN par Patrick Favre-Tissot-Bonvoisin. Bleu Nuit éditeur, collection « Horizons ». CLIC de classiquenews de novembre 2016 — ISBN 978-2-35884-061-3 — Comme c’est le cas de tous les titres biographiques de la collection « Horizons » chez Bleu Nuit éditeur, l’ouvrage comprend aussi un tableau synoptique restituant pour chaque année de la vie de Beethoven : sa vie et son oeuvre, la vie musicale contemporaine, le contexte culturel et scientifique, les événements historiques majeurs… , mais aussi, le catalogue des oeuvres : « musique de chambre », musique pour piano, musique vocale, musique orchestrale, (avec les dates de composition concernées), bibliographie, discographie et vidégraphie sélectives, un index des noms.

 

Le Beau Danube Bleu décrypté, raconté

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strauss-johann-II-petit-portrait-298-294-640px-Johann_Strauss_II_by_August_Eisenmenger_1888TÉLÉ, Arte. Le Beau Danube Bleu de Johann Strauss II, dimanche 25 décembre 2016, 16h20. Le Beau Danube bleu composé en 1867 par Johann Strauss II (1825 – 1899) clôt chaque année le concert du Nouvel An à Vienne : apothéose de la grand messe médiatique la plus regardée au monde sur les télés du monde entier. La nostalgie élégantissime du Viennois génial cultive toujours ce parfum irrésistible entre tendresse exquise, enivrement rythmique, raffinement instrumental et bien sûr, séduction mélodique… Retour sur la genèse d’une valse au succès planétaire ainsi que les circonstances qui l’ont rendue célèbre. « Un message d’espoir, d’amitié et de paix », c’est ainsi que Johann Strauss venant jouer sa musique à Paris, tout juste baptisée « Ville Lumière », résuma à l’Empereur Napoléon III l’esprit qui animait sa valse Le Beau Danube bleu. Car en génie poétique accompli, Johann Strauss sait exprimer l’irrésistible flux liquide de son sujet, le souffle et la magie d’une partition très inspirée tout au long de son développement musical.
Au-delà de son succès musical, Le Beau Danube entre de plein pied dans l’Histoire. Après la défaite de l’Autriche à Könitzgratz en 1866 face à la puissance montante de la nouvelle Allemagne d’Otto Von Bismarck, le Beau Danube Bleu contribue à la consolation des Viennois avant d’accompagner les premiers pas diplomatiques entre la France de Napoléon III et l’Autriche de François-Joseph de Habsbourg. Devenu symbole de paix, ce chef d’oeuvre accompagna pourtant le Vieux-Continent dans ses déchirements, de la guerre franco-allemande en 1870 jusqu’à la Seconde Guerre mondiale.

Nouvelle Chauve Souris à l'Opéra de ToursLe film évoque tout autant la vie de son compositeur, Johann Strauss fils, génie musical viennois qui fut au 19ème siècle, avec son père et ses frères (Josef, Eduard), à la tête d’une véritable industrie musicale. La rivalité entre le père Johann Strauss I et son fils Johann Strauss II est l’un des fils conducteurs du film, illustrée notamment grâce à des extraits du « Chant du Danube », premier film parlant réalisé par Alfred Hitchcock en 1934.
Johann Strauss fut le seul à faire de ses valses des oeuvres musicales symphoniques sur lesquelles les viennois, très friands de bals, ne cessèrent de danser, de s’abandonner, de s’enivrer par leur propre proclamation culturelle : la valse de Strauss étant pour Vienne, ce que serait l’accordéon pour Paris : une image peut-être caricaturale mais juste. Polkas, valses, marches… font de Strauss aujourd’hui, par le raffinement de l’orchestration et le génie de mélodies ce « roi de la valse » qui rendait jaloux jusqu’à Offenbach. Son opéra La Chauve souris, « Die Fledermaus » reste un pilier du répertoire : critique sociale et aussi comédie déjantée d’une force de séduction inégalée. De facto, en cultivant ses dons pour les danse, Johann Strauss II participa involontairement à l’une des premières révolutions sexuelles en Europe grâce au contact prolongé des corps qu’impose sa chorégraphie destinée au couple.

Intervenants
Franz-Welser-Möst, Chef d’orchestre, directeur musical de l’opéra de Vienne et de Cleveland, Christophe Wagner-Treikwitz, historien, musicologue et spécialiste de la valse
Christine Mondon, historienne, spécialiste de Vienne. Patrick Souillot Chef d’orchestre & directeur musical de l’orchestre symphonique universitaire de Grenoble.

arte_logo_2013Arte. Le Beau Danube Bleu de Johann Strauss II, dimanche 25 décembre 2016, 16h20. Documentaire. Découvrir une œuvre : le beau Danube bleu (An der schönen blauen Donau), op. 314. Réalisation : Pierre-Henri Salfati /Production : La Compagnie des Phares et Balises , ARTE France.

Les Diabelli de Beethoven au piano et à l’orchestre par Jean-François Heisser

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POITIERS, TAP : Jean-François Heisser joue les Variations DiabelliPOITIERS, TAP. Variations Diabelli, Beethoven, Zender. JF Heisser, le 16 novembre 2016. Mercredi 16 novembre 2016, 19h30. « Variations Diabelli » : l’Orchestre Poitou-Charentes et son chef d’orchestre fondateur, Jean-François Hisser jouent Beethoven et Zender. Au programme, virtuosité pour clavier seul (Variations Diabelli de Beethoven joué par Jean-François Heisser comme soliste), puis réponse aux 33 Variations ainsi écoutés, à l’orchestre, grâce aux 33 Variations d’après Beethoven (2011) de Hans Zender. Le compositeur contemporain est bien connu des mélomanes par ses relectures iconoclastes des grands classiques romantiques : avant les Diabelli, Zender s’était intéressé à retranscrire pour orchestre Le Voyage d’hiver de Schubert : en passant de la forme chambriste et intime, au grand orchestre, que gagne la musique et l’expressivité du motif dans son passage du confidentiel au démonstratif ? L’univers sonore de Zender semble éclairer plus qu’il ne le dénature, le propos originel de Beethoven. En façonnant un nouvel édifice musical et esthétique où s’exprime l’éclat de nouveaux instruments (accordéon, percussions … à la fête), l’idée de Zender est de relire le chef d’œuvre originel de Beethoven en en soulignant la profusion et la richesse intérieure. Le propos de Zender est d’autant plus légitime que Beethoven déjà à son époque avait repris et analysé une Valse d’Anton Diabelli pour concevoir l’enchaînement de ses 33 Variations, conçues pour leur part entre 1819 et 1823.

beethoven 1803 apres Symphonie 1 creation symphonies romantiques classiquenews review compte rendu cd critique 800px-Beethoven_3D’UNE VALSE SEULE…. AUX 33 VARIATIONS. Au départ, éditeur et compositeur, Diabelli propose aux compositeurs viennois à la mode, d’écrire une variation d’après sa propre valse : les droits du recueil, englobant toutes les variations seraient reversés au profit des veuves et des orphelins des guerres napoléoniennes… Beethoven piqué au vif (et souhaitant aussi percevoir le salaire généreux promis pour une telle composition), s’intéresse finalement au projet et commence par écrire 23 Variations à l’été 1819, puis interrompt son travail pour composer la Missa Solemnis ; enfin termine le cycle d’après Diabelli, en 1823. Travail de réécriture et de variation à l’infini, toute la démarche de Beethoven consiste à développer l’idée du motif jusqu’à son implosion (d’ailleurs le véritable titre donné par Ludwig au moment de la livraison de l’ensemble est « 33 transformations » / 33 Veränderugnen, sur une valse de Diabelli…) souhaitant démontrer le potentiel immense d’un seul et même motif originel simple, promis à un cycle riche en avatars grâce à la puissance de son génie recréateur. L’opus 120 est ainsi connu et bien documenté, portant une dédicace à l’Immortelle Bien-Aimée, c’est à dire Antonia Brentano. Pianiste et chef d’orchestre, Jean-François Heisser passe de la forme clavier à l’échelle orchestrale, animé par un souci de précision et d’éloquence qui caractérise son geste très scrupuleux comme spécifiquement respectueux des partitions.

JFHeisser-196AUDACE, EXPERIMENTATION, SAUT DANS L’INCONNU… Jean-François Heisser rétablit dans ce programme entre petite et grande forme, intonation confidentielle et intime, et transcription pour orchestre, le caractère expérimental et révolutionnaire de l’écriture beethovénienne : les 33 Variations ou “mutations” Diabelli que propose le compositeur pourtant sourd et handicapé, forcent le respect par leur liberté de conception et leur modernité esthétique. Libertaire, révolutionnaire, Beethoven fait imploser la forme et le cadre musical tout en préservant la puissance de son génie d’architecte : implosif et structurel, son tempérament créateur en cesse de nous fasciner. Au clavier, ou à l’orchestre, voici la forge musicale, le foyer des innovations tels qu’ils ont été pensés, permis par Ludwig van…

 

 

 

Orchestre Poitou-Charentes
Jean-François Heisser, direction et piano

Beethoven
33 Variations en ut majeur pour piano sur une valse de Diabelli op. 120

Hans Zender
33 Variations sur 33 Variations (2011) d’après les Variations Diabelli de Beethoven

 

POITIERS, TAP – Auditorium
Mercredi 16 novembre 2016, 19h30
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