COMPTE-RENDU, critique, opéra. SAINT-ETIENNE, Opéra, le 12 juin 2019, Carmen (Bizet) / Alain Guingal – Nicola Berloffa. Partition raffinée pour une intrigue vulgaire, un fait divers médiocre, crime passionnel dont furent et sont encore victimes tant de femmes, l’ouvrage figure toujours à de nombreux menus : Carmen demeure un plat de choix, apprécié du plus grand nombre. La question que l’on se pose avant la dégustation est : à quelle sauce nous sera-t-elle présentée, tant l’imaginaire des réalisateurs-metteurs en scène est infini ? Celle offerte à l’Opéra de Saint-Etienne reproduit la production de Rennes (mai 2017) – où Claude Schnitzler tenait la baguette – elle-même co-production hispano-suisse.

L’eucalyptus préféré au tabac

Le prélude, sans réel relief, laisse perplexe, de même que la première scène, où la désinvolture se fait nerveuse. Le cadre scénique, formé d’une charpente monumentale, décor unique modulable pour camper chacun des quatre actes, s’y prête aisément. On s’étonne des choix de l’équipe de réalisation, conduite par Nicola Berloffa. C’est terne, souvent convenu, et il faudra patienter pour oublier les raideurs du début. La transposition qui fait des contrebandiers des passeurs a été déjà illustrée, mais, pourquoi pas ? On a peine à comprendre le refus des hispanismes, de la lumière aveuglante, de la fièvre qui s’empare des esprits comme des corps. La chorégraphie de Marta Negrini est bienvenue, seul rappel de l’Andalousie. On fume d’abondance, mais c’est l’eucalyptus qui parvient dans la salle. Les costumes sont ternes. La seule note de couleur est celle des tenues des danseuses, et la robe rouge de Micaëla, lorsque certains attendaient la jupe bleue. Le dernier acte sauve tout, à lui seul, et mériterait d’être connu du plus grand nombre : les dernières séquences d’un des premier films – muets – réalisés par Ernst Lubitsch en 1918, sont projetées en fond de scène, devant les choristes, spectateurs du défilé et des arènes. L’ultime dialogue entre Don José et Carmen, la mort de cette dernière, sont portés avec une force exceptionnelle par les chanteurs et nous valent une émotion rare.

Car, il faut le chanter haut et fort, le succès exceptionnel de cette réalisation est porté essentiellement par les chanteurs, qui ont en commun, déjà, de rendre le texte toujours intelligible (c’est la version d’Ernest Guiraud, avec récitatifs chantés). Notre admiration va en priorité à Florian Laconi, impérial, qui nous vaut un Don José animé d’une passion intense, possessive, jalouse, à l’opposé de ce pantin dont joue et se joue l’ensorceleuse. La voix est puissante, projetée à souhait, colorée, et l’expression la plus juste nous émeut. Son humanité, sa fragilité comme sa force sont extraordinaires, de loin supérieures à ce qui nous est donné à entendre le plus souvent. Le chant d’Isabelle Druet, Carmen, est également convaincant, chaleureux, aux graves sonores, avec un phrasé admirable. Vocalement impétueuse, flamboyante, farouche, indomptable, provocante, sensuelle, il ne lui manque que de réels talents de comédienne et une direction d’acteur plus exigeante pour atteindre la perfection. La Micaëla de Ludivine Gombert, jeune fille sage, douce, est pleinement convaincante. La voix est égale dans tous les registres, avec des aigus aisés, expressive, et ses interventions sont autant de moments de bonheur. Petite déception pour l’ Escamillo de Jean Kristoph Bouton. Alors que le torero, fat triomphant, nécessite un solide baryton, puissant, grandiloquent, aux graves solides, notre baryton fait pâle figure, malgré son engagement et ses talents de comédien. Frédéric Cornille, apprécié il y a peu dans les Saltimbanques, confirme toutes ses qualités, est un Moralès solide, à l’émission claire, projetée à souhait. Zuniga est Jean-Vincent Blot, puissante basse, à l’expression juste. Frasquita et Mercédès (Julie Mossay et Anna Destraël) sont remarquables. Quitte à nous répéter, le trio des cartes est une magistrale réussite. Ajoutez le Dancaïre de Yann Toussaint et le Remendado de Marc Larcher, et tout est réuni pour un quintette non moins réussi.
Les chœurs, sollicités abondamment, méritent eux aussi les acclamations finales, car leur cohérence, l’équilibre et la puissance de leur chant ne sont jamais pris en défaut. Mentionnons aussi le chœur des gamin(e)s, que la mise en scène sollicite bien au-delà de ses interventions vocales. Son chant, ses évolutions sont en tous points parfaits. Alain Guingal, dont l’autorité lyrique est reconnue, impose à l’orchestre des tempi parfois précipités, mais sait ménager les pages poétiques, au lyrisme juste. Les interludes symphoniques sont raffinés, même si certains bois s’y montrent médiocres. Tout ceci s’oublie au dernier acte, musicalement et dramatiquement abouti, servi par un engagement absolu des chanteurs. La salle se lève et les ovations, méritées, se prolongent avec de multiples rappels. Une soirée mémorable.

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COMPTE-RENDU, critique, opéra. SANT-ETIENNE, Opéra, le 12 juin 2019, Carmen (Bizet) / Alain Guingal – Nicola Berloffa. Crédit photographique © Opéra de Saint-Etienne / Cyrille Cauvet – Illustrations : © Opéra de Saint-Etienne 2019

COMPTE-RENDU, critique, opéra. NANTES, Théâtre Graslin, le 9 juin 2019, Der fliegende Holländer / Rudolf Piehlmayer – Rebecca et Beverly Blankenship. Si toutes les scènes lyriques conduisent régulièrement des opérations de promotion de leurs productions, visant à diffuser l’opéra auprès du plus grand nombre et à inviter les profanes à franchir le seuil de la salle, Angers Nantes Opéra et l’Opéra de Rennes se sont donnés les moyens d’une action d’envergure exceptionnelle : nombreux ateliers de chant préparatoires, diffusion en direct, sur des écrans géants, dans plus de quarante villes de la région, sans oublier jusqu’aux établissements pénitentiaires. Le Hollandais volant fait escale à Nantes. C’était ici la troisième d’une série de 13 pour l’ensemble de cette production extraordinaire, avant que des dizaines de milliers de spectateurs la suivent en direct y compris dans des lieux improbables où l’opéra est étranger. Ce sera …le 13 juin prochain, qui ne pourra être que bénéfique.

Le Vaisseau fantôme accoste à Nantes

Les sœurs Rebecca et Beverly Blankenship, filles du grand chanteur disparu l’an passé, font leur première apparition en France, en reprenant leur production du Theater Hagen (2017), en Westphalie, dont la distribution est totalement renouvelée. Impressionnante, fantasmagorique, faisant la part belle au mystère comme aux frissons, la mise en scène rend compte, avec force et humilité, du premier chef d’œuvre de Wagner, sans tenter de faire passer tel ou tel message. La version en continu du premier drame wagnérien, qui enchaîne les trois actes, permet d’en maintenir la tension dramatique. La réussite est exemplaire : la convergence de tous les acteurs, telle celle du Hollandais et de Senta, aboutit à la récompense du bonheur après les épreuves et les émotions vraies.

Ni bateau, norvégien comme hollandais, ni voiles, ni rouets : l’eau noire, les brumes, elles aussi toujours changeantes, des cordages, un cabestan, un brasero rougeoyant, des bittes suffisent à planter le décor, avec des lumières particulièrement soignées, qui dessinent ou estompent les reliefs, les visages et les corps, renouvelant toujours l’attention visuelle, en des images fascinantes. La direction d’acteurs se montre très attentive et efficace, magistrale. Le plus humble choriste est comédien à part entière, et l’ensemble a une réelle cohérence, toujours motivée par la musique. Le long regard échangé entre Senta et le Hollandais à leur première rencontre anticipe Tristan. La seule interrogation concerne la scène ultime : alors que l’on attend que le couple connaisse la rédemption céleste, c’est Erik qui exprime sa douleur sur le cadavre flottant de son Ophélie.

L’autre artisan de cette magistrale réussite est le chef bavarois, Rudolf Piehlmayer, qui imprime sa marque à l’ouvrage : tempétueux, refusant les séductions un peu mièvres de certains passages, tout en sachant ménager les silences et la poésie. La battue est souple et énergique, toujours précise comme attentive aux voix autant qu’à l’orchestre, elle sait éclaircir les textures, construire les tableaux et, surtout, les animer. L’ouverture est vigoureuse, dont le romantisme est manifeste, ignorerait-on sa thématique et son sens. Entre le Freischütz et Tristan, le romantisme est noir, fantastique. Puissant et expressif, l’orchestre symphonique de Bretagne connait un engagement inconstant, et ce n’est pas la faute du chef. Les cordes sont un peu frêles, les bois sans séduction. Le choeur d’Angers Nantes Opéra, enrichi du chœur d’hommes (« Mélisme(s) ») attaché à Rennes, nous vaut de belles émotions comme de somptueuses images. Voix d’hommes, mixtes ou de femmes (les fileuses), il n’est pas un moment de leurs nombreuses interventions qui laisse indifférent. Rares sont d’infimes décalages, imputables à la motricité de l’orchestre plus qu’aux chanteurs ou à la direction.

La distribution, sans réelles faiblesses, comporte quelques voix exceptionnelles. Martina Welschenbach a tout chanté, de Pamina à Freia, mais montre une prédilection pour Strauss et Wagner. La voix, comme le jeu dramatique en font une Senta vibrante, hallucinée, poignante, au timbre lumineux. Même pris un peu bas, des aigus aisés, une égalité de registres, tout séduit, alors que les phrasés surprennent, ponctuant chaque période. Davantage encore que sa ballade, émouvante, son duo avec le Hollandais, où les bois se montrent sous leur meilleur jour, constitue un des sommets de l’œuvre. Mary, la nourrice est Doris Lamprecht, familière des scènes françaises. Elle a la volupté d’un beau mezzo, bien timbré, aux solides graves. On regretterait presque la brièveté de ses interventions, tant les qualités vocales sont évidentes. De Essen nous viennent deux grandes voix : celle du lituanien Almas Svilpa, au chant noble, intériorisé, poignant sans tomber dans le mélodrame, aux aigus clairs, un magnifique Hollandais, et celle de Patrick Simper, qui nous vaut un Daland, père vénal et cupide à la voix somptueuse, de grave, de puissance, comme de personnalité. Le grand récitatif et aria du Hollandais, « Die Frist ist um… » est exemplaire. Erik, le fiancé, est chanté par Samuel Sakker, familier du ROH. La couleur déçoit, comme l’émission instable dans les scènes chargées d’émotion. Par contre, le pilote de Yu Shao est admirable, le timbre est clair, la voix est généreuse, capable de poésie et de bravoure.

Par-delà leur engagement constant, signalons enfin l’exploit physique que renouvellent les chanteurs et figurants à chaque représentation : presque trois heures durant, ils joueront dans quarante centimètres d’une eau froide, dans laquelle certains seront totalement immergés. Une production mémorable à tous égards.

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COMPTE-RENDU, critique, opéra. NANTES, Théâtre Graslin, le 9 juin 2019, Der fliegende Holländer / Rudolf Piehlmayer – Rebecca et Beverly Blankenship

illustrations : © photos Laurent Guizard / ANO Angers Nantes Opéra 2019